Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Sarah Rende, cofondatrice della label franco-italo-giapponese All Horned Animals

Continua il mio viaggio da “spider-web-music-addicted” per questo infinito mare di suoni che si ascoltano in ogni dove e in ogni momento della giornata, fondamentale compagnia di viaggio della nostra esistenza. Questa volta mi dirigo “timpani e sonagli” ben distesi, a Tokyo, in Giappone, per conoscere la All Horned Animals, piccola label molto interessante di cui mi trovo a parlare spesso qui su Kathodik, relativamente alle sue uscite, sempre piccoli e curati manufatti sonori. Avevo in parte conosciuto questa realtà, grazie alla conoscenza, qui, con uno dei due fondatori, Sacha Bonaffini, anche lui impegnato con la sua label Sleepers Records. Mi mancava sentire l’altra parte della storia della All Horned Animals, e ho potuto farlo grazie alla disponibilità di Sarah Rende, cofondatrice e ispiratrice della filosofia dietro alla label. A voi la lettura.

Qui trovate l’intervista in Inglese

Quando, dove e come è nata l’idea di fondare la label All Horned Animals ?

Dietro All Horned Animals ci siamo in due: Sacha, che ha anche un’altra etichetta, Sleepers Records, e io.
L’idea è partita da Sacha, ma probabilmente a suggerirgliela è stato il fatto che, durante il mio periodo in Giappone, mi ero appassionata sempre di più ai CD e gli mostravo regolarmente le mie scoperte.
Mi ci è voluto un po’ per accettare l’idea di avviare questa collaborazione e fondare l’etichetta insieme. Innanzitutto, perché Sacha aveva già Sleepers Records, ma anche perché sapevo che, una volta coinvolta, mi sarei dedicata completamente al progetto. Volevo quindi essere sicura di voler davvero intraprendere questa strada.
A convincermi è stato soprattutto il mio amore per la scena musicale giapponese. Ricordo un momento preciso a Tokyo. Per essere più precisa, è stato mentre mi trovavo nel bar di Shozin Fukui, il regista di 964 Pinocchio, che ho capito quanto avesse senso dare vita a questo progetto. Quella sera Shozin stava facendo ascoltare alcuni CD dei Coil e dei Nurse With Wound. Più mi immergevo nella scena di Tokyo, più sentivo che dare forma a questo nuovo progetto aveva un significato profondo.
Volevo però mantenere una netta distinzione tra Sleepers Records e il nostro nuovo progetto: abbiamo costruito AHA da zero.
Più o meno all’epoca della nostra seconda uscita, abbiamo iniziato a collaborare con il nostro grafico e il nostro tecnico del suono. Ci piace essere fedeli alle persone con cui lavoriamo e, per questo, anche loro fanno parte di AHA e di tutto ciò che abbiamo costruito finora.

Magical Power Mako ‘Next Millennium Vibrations’

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

La nostra idea iniziale, e la direzione che volevamo seguire, era concentrarci sulla pubblicazione di artisti giapponesi, ma alla fine abbiamo pubblicato anche artisti inglesi. AHA è profondamente legata a Tokyo e probabilmente continuerà a esserlo, ma non vogliamo orientarci verso un genere o una direzione specifici.
Forse tutti gli artisti che abbiamo pubblicato finora, così come quelli che abbiamo in programma di pubblicare, possono essere considerati “sperimentali” in senso lato. A essere sinceri, però, penso che vogliamo semplicemente pubblicare gli artisti da cui ci sentiamo attratti. Potrebbe emergere una coerenza naturale, ma anche qualche elemento di discontinuità.
Amiamo davvero tutti gli artisti che pubblichiamo.
Le nostre ultime due uscite e le prossime tre saranno esclusivamente di artisti giapponesi. Siamo tornati al nostro intento iniziale, ma potremmo allontanarcene di nuovo.

Nocturnal Emissions / Nigel Ayers ‘Reports of Debris’

Come si sono evoluti i tuoi gusti musicali negli anni?

La musica da cui mi sono sentita consapevolmente attratta per la prima volta, da adolescente, era il rock progressivo e psichedelico. Ascoltavo anche molta musica britannica. Pensavo che crescere nella zona ovest di Parigi fosse molto meno “cool” che crescere dall’altra parte della Manica, anche se mi piacevano alcune band francesi, come i Gong e i Bérurier Noir. I miei gusti musicali si sono evoluti e trasformati nel tempo, ma probabilmente non mi sono mai liberata del tutto della mia “britofilia”, soprattutto in ambito musicale.
A pensarci bene, più che il mio gusto musicale in sé, credo che a cambiare davvero nel corso degli anni siano stati il posto che ho dato alla musica nella mia vita e il mio modo di rapportarmi a essa.
Per alcuni anni, credo, il mio approccio alla musica è stato molto passivo, ben diverso da quello che avevo durante l’adolescenza e da quello che ho oggi, e rifletteva soprattutto il contesto sociale in cui mi trovavo.
Paradossalmente, o forse in modo del tutto naturale, ho gradualmente ripreso un ruolo attivo nel ridefinire i miei gusti musicali e ho ritrovato un legame con la musica a livelli più profondi di me stessa, che all’epoca probabilmente esploravo soltanto attraverso la lettura.
Anche il trasferimento a Tokyo ha rappresentato un punto di svolta. Credo di aver iniziato ad andare ai concerti molto più spesso di quanto facessi quando vivevo ancora in Europa, e ho avuto modo di scoprire le opere di artisti che prima non conoscevo.
Non so come il mio approccio alla musica evolverà e cambierà ancora, ma mi piace che la musica mi scuota un po’, che mi sposti dal mio centro, quasi come se mi offrisse una prospettiva nuova.

Eric Random ‘Bone of Contention’i

Le vostre produzioni sono in formato Cd. Avete in progetto altri formati come il vinile o il digitale? Secondo voi quale formato riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Volevamo che AHA fosse un’etichetta discografica dedicata ai CD. La nostra prima uscita, ‘Next Millennium Vibrations’ di Magical Power Mako, contiene un brano molto lungo, impossibile da pubblicare su vinile, ma perfetto così com’era. Come dicevo, mi sono affezionata molto ai CD: alle loro dimensioni, alla nitidezza del suono e alla possibilità di avere un oggetto fisico a un prezzo accessibile.
Alla fine, abbiamo deciso di pubblicare ogni tanto anche qualche vinile. Il prossimo uscirà a breve, ma sarà un 7 pollici.
Su una cosa, però, non cambieremo mai idea: non pubblicheremo mai musica in formato digitale.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Non l’abbiamo ancora fatto, ma siamo in contatto con altre etichette che apprezziamo e rispettiamo molto. Ci piace l’idea che le etichette possano sostenersi a vicenda. Perché non pensare, allora, a una vera e propria collaborazione o coproduzione? L’importante è che abbia senso dal punto di vista creativo.

Zos Kia / Coil ‘Silence and Secrecy’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

A volte ci prende il desiderio un po’ romantico di non usare i social media né Internet per parlare della nostra etichetta o dei nostri progetti. Ma, in fin dei conti, nonostante tutti i loro aspetti negativi, i social media sono un buon modo per entrare in contatto con le persone. Siamo davvero felici che alcune persone abbiano scoperto la nostra etichetta e, soprattutto, il lavoro degli artisti che pubblichiamo, grazie alle nostre pagine social.
Cerchiamo semplicemente di prestare attenzione a come li utilizziamo e a ciò che condividiamo. Quando pubblichiamo sui social, il nostro obiettivo principale è far conoscere il lavoro degli artisti della nostra etichetta. Vorremmo che il nostro modo di comunicare riflettesse quanto questo sia importante per noi. È il lavoro dei nostri artisti a cui dedichiamo tutte le nostre energie: questo è il punto fondamentale.
Altruismo: è questo ciò che vorremmo trasmettere attraverso l’etichetta. Una sorta di altruismo, come se AHA fosse un’entità viva e indipendente, interamente al servizio dei propri artisti, senza nessuno alle sue spalle.
Ripensando al passato, a volte mi dispiace non aver scoperto prima alcune band o alcuni artisti. È anche per questo che sento ancora più forte il desiderio di raggiungere le persone che potrebbero apprezzare questo tipo di musica. I social media sono un ottimo strumento per farlo.

Dowser ‘Schema 1+2’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Il nostro approccio è molto simile a quello che ho descritto parlando dei social media. Ci sta molto a cuore il fatto che il lavoro degli artisti con cui collaboriamo possa raggiungere le persone. Come etichetta, sentiamo che sia nostro dovere assicurarci che i nostri CD e dischi vengano distribuiti nel modo giusto, e per questo siamo grati ai nostri partner nella distribuzione.
Non vediamo realmente quello che facciamo come promozione. Si tratta semplicemente di fare in modo che i nostri CD e le nostre uscite siano disponibili, così che chiunque sia interessato possa trovarli e acquistarli.
Siamo una piccola etichetta indipendente, e questo comporta inevitabilmente le sue difficoltà. Ciononostante, cerchiamo di costruire rapporti di lavoro solidi e autentici, sia con i negozi che con i distributori. Niente dovrebbe essere forzato. Facciamo del nostro meglio, ma ci evolviamo secondo i nostri ritmi.
Ci piace molto organizzare eventi per dare visibilità al lavoro degli artisti che apprezziamo. Forse questo può essere considerato una forma di promozione, nel senso che aiuta l’etichetta a raggiungere più persone, ma non è comunque questo il modo in cui lo intendiamo.

Mitsuru Tabata & Jun Morita ‘Live Critique of Judgement’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Abbiamo alcune storie da raccontare “dietro le quinte”, ma le terremo da parte ancora per molto, molto tempo. L’etichetta è ancora agli inizi e, se un giorno varrà la pena raccontarle, lo faremo al momento giusto.
La scrittura, però, è un mezzo importante, intrinsecamente legato alla musica. Il lavoro dei musicisti ha spesso un legame profondo con la scrittura, e musicisti, scrittori e pensatori si sono sempre influenzati a vicenda. Ci piacerebbe scrivere e dare agli artisti la possibilità di raccontare, attraverso la scrittura, il proprio lavoro, le idee che ne sono alla base e le proprie influenze. Forse questo desiderio potrebbe prendere la forma di una rivista, oppure di un libro. Potrebbe essere un progetto interessante, qualcosa che varrebbe la pena realizzare.

Tokyo Kid Brothers e Apryl Fool ‘Love & Banana’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Stiamo lavorando attivamente a diverse nuove pubblicazioni e, se tutto va bene, il 2027 sarà un anno intenso.
Le cose richiedono tempo e cerchiamo di goderci il processo che accompagna la realizzazione di ogni uscita.
Una di queste è stata annunciata di recente: si tratta della ristampa di ‘Love & Banana’, un 7 pollici del 1969 di Tokyo Kid Brothers e Apryl Fool. Per realizzare questa uscita abbiamo lavorato con Makoto Inoue (Inoyama Land, pre-Hikashu), che si occupa dell’archivio dei Tokyo Kid Brothers. È stato un vero piacere. L’uscita è prevista per febbraio 2027.
Un’altra è in lavorazione ormai da molto tempo e la produzione procede con ritmi più lenti. Speriamo di poterla annunciare proprio verso la fine dell’anno.
Abbiamo in mente una terza uscita, ma siamo ancora in una fase molto iniziale. Si tratterebbe di una collaborazione tra artisti. In realtà, ci piacerebbe mettere insieme collaborazioni inaspettate. È una delle possibili direzioni che vorremmo esplorare con l’etichetta.
Stiamo inoltre lavorando a un’uscita con il nostro caro amico e artista Rinji Fukuoka, ma per il momento è meglio non svelare troppo.

Link: All Horned Animals Instagram Profile

Link: All Horned Animals Bandcamp Page

11 Novembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Sarah Rende, cofounder of the french-italo-japan label All Horned Animals

My journey as a “spider-web-music-addict” continues through this endless sea of sounds that can be heard everywhere and at every moment of the day—an essential companion on the journey of our existence. This time, with my “eardrums and bells” wide open, I’m heading to Tokyo, Japan, to check out All Horned Animals, a small but very interesting label that I often mention here on Kathodik, particularly regarding its releases—always small, carefully crafted musical gems. I was already somewhat familiar with this label thanks to knowledge, here, with one of its two founders, Sacha Bonaffini, who is also involved with his own label, Sleepers Records. I hadn’t yet heard the other side of the All Horned Animals story, and I was able to do so thanks to the generosity of Sarah Rende, co-founder and the driving force behind the label’s philosophy. Enjoy the read.

Here you can find the Italian Translation

When, where, and how did the idea to found the All Horned Animals label come about?

We are two behind All Horned Animals, Sacha who has another label, Sleepers Records, and myself.
The idea came from Sacha but what probably whispered the idea to him is that I grew quite obsessed with CDs while in Japan and I was regularly showing him my findings.
It took me a while to agree to a partnership and build the label as a duo, first of all because Sacha already had Sleepers Records and also because I knew that if I was in, I would be all-in and I wanted to make sure I really wanted to get myself into it.
What really convinced me was my love for the Japanese scene. I remember a specific moment in Tokyo. Actually to give a bit more detail, it was while I was at Shozin Fukui’s bar -the director of 964 Pinocchio, I felt it absolutely made sense to start this project. Shozin was playing some CDs by Coil and Nurse With Wound that evening. And the more I was diving into the Tokyo scene, the more I saw building this new project as something quite meaningful. However, I wanted to distinctly separate Sleepers Records and our new project, we grew AHA from total scratch.
Around the time of our second release, we started working with our graphic designer and sound engineer. We like to be faithful to the people we work with, so for us, they are part of AHA and what we have built so far.

Magical Power Mako ‘Next Millennium Vibrations’

What musical genre do you focus on? And why?

Our original idea and direction were to focus on releasing Japanese artists, but we ended up also releasing English artists. AHA is very much connected to Tokyo and it will likely remain that way, but we don’t really want to focus on a specific genre or direction.
Maybe all the artists we have released so far and are planning on releasing can be considered “experimental” in the broad sense but to be honest I think we just want to release artists we feel drawn to. There might be a natural coherence that emerges and some disruption as well.
We just really love each artists we release.
Our last two releases and our next three releases will be by Japanese artists only, we came back to our original intent but we might escape it again.

Nocturnal Emissions / Nigel Ayers ‘Reports of Debris’

Has your taste in music changed over the years?

The first music I felt consciously drawn to as a teenager was progressive and psychedelic rock. I was also listening to a lot of music coming from the UK. I thought that growing up in Western Paris was far less cool than anywhere else on the other side of the Channel, although I did like some French bands like Gong or Bérurier Noir. My musical tastes evolved and changed, but I probably never fully cured my britophilia, especially when it comes to music.
If I think about it, more so than my musical style changing over the years, I think it’s the place I gave to music and the approach I had to it that really evolved.
I think for some years, very differently from my teenage years and from now, my approach to music was very passive and was a reflection of my social surroundings.
Paradoxically, or maybe naturally, I progressively reclaimed an active movement towards re-defining my musical taste, and I reconnected with music on other, deeper layers of myself, which at the time I was probably only experiencing through reading.
Moving to Tokyo was a later turning point as well. I think I started to go to live shows much more often than I had been while still living in Europe, and I also got to know the works of artists I didn’t know.
I don’t know how my approach will evolve and change again, but I like music to shake me a bit or decenter me, almost as if it was bringing me a new perspective.

Eric Random ‘Bone of Contention’

Your releases are on CD. Do you have plans for other formats, such as vinyl or digital? In your opinion, which format best expresses your musical philosophy?

We wanted AHA to be a CD label. Our first release, ‘Next Millennium Vibrations’ by Magical Power Mako, includes a very long track. It was impossible to release it on vinyl, and it was perfect like this. As I mentioned, I grew quite fond of CDs, the size, how clean the sound is, how accessible the price can be while remaining a physical object.
Eventually, we decided that we would be doing a vinyl release from time to time, so there will be one out soon, but it will be a 7-inch.
The only thing we will not change our minds on is that we will never do digital releases.

What are your thoughts on co-productions between record labels?

We haven’t done it yet, but we do exchange with other labels that we really like and respect. We like how labels can be supportive of each other. Why not an actual collaboration or co-production? It has to creatively make sense, though.

Zos Kia / Coil ‘Silence and Secrecy’

What do you think about using social media to promote awareness and listening to your label’s music? Are you active on social media?

We sometimes have this romantic desire not to use any social media or the internet to talk about our label or projects. But at the end of the day, despite all its bad aspects, social media is a good way to connect with people. We are absolutely pleased that some people got to know our label, and especially the work of the artists we release, thanks to our social media pages.
We are just trying to be mindful of the way we use it and what we post. Our main focus when posting on social media is that people get to know the work of the artists we release on the label, and we would like the way we communicate on social media to reflect the importance that this has for us. We’re devoted to the work of our artists, that’s the main point. Selflessness, that’s what we’d like the label to convey, some sort of selflessness, as if AHA was its own living entity, only at the service of its artists and with no one behind it.
If I look back, I sometimes wish I’d known about some bands or artists earlier, and it makes me feel even more concerned about making sure some people who may like this kind of music can be reached. Social media is a good way to reach people.

Dowser ‘Schema 1+2’

How do you approach the promotion and distribution of the music you release?

Our approach is very much the same as what I said about social media. We take to heart the fact that the work of the artists we work with can reach people. As a label, we feel it is our duty to make sure the CDs or records are distributed correctly, and for that we are grateful to our distribution partners.
We don’t really approach what we do as promotion, it’s just about making sure our CDs and releases are out there, so that whoever is interested in them can find and buy them. We are probably not good at promoting anyway. We are a small independent label, and this comes with its fair share of difficulties. Nonetheless, we try to build solid and genuine working relationships, whether with shops or distributors. Nothing should feel forced. We do our best, but we evolve at our own pace.
We very much enjoy organizing events to showcase the work of artists we like. Perhaps that could be considered a form of promotion, in the sense that it helps the label reach more people, but this is not really how we approach it either.

Mitsuru Tabata & Jun Morita ‘Live Critique of Judgement’

Are there any future projects in the works, such as a book telling the label’s story?

We have some behind-the-scenes stories, but we’ll keep them for much, much later. The label is still very much in its infancy, and if they are ever worth telling…
Writing, however, is an important medium and intrinsically connected to music. The work of musicians is very often connected to writing. Musicians and writers/thinkers have always greatly influenced each other. We’d like to write and have artists write about their work, the ideas behind their work, their influences. Maybe it could take the form of a magazine, maybe a book. That could be something interesting and worth doing.

Tokyo Kid Brothers e Apryl Fool ‘Love & Banana’

To wrap up the interview: what upcoming releases are in the works?

We are actively working on several new releases, and 2027 will be a busy year if all goes well.
Things take time, and we try to enjoy the process of putting each release together.
One of them has recently been announced: it’s a reissue of ‘Love & Banana’, a 7-inch record from 1969 by Tokyo Kid Brothers and Apryl Fool. We have been working with Makoto Inoue (Inoyama Land, pre-Hikashu), who takes care of the Tokyo Kid Brothers archive, to make this release happen. It has been quite a pleasure. It should be out in February 2027.
Another one has been in the making for a long time, and the production is moving at a slower pace. We hope to be able to announce it towards the very end of the year.
We have a third release in mind, but it’s still at a very early stage. This one would be a collaboration between artists. Actually, we would like to bring together some unexpected collaborations. That’s one possible direction we’d like to explore with the label.
We are also working with our dear friend and artist Rinji Fukuoka on a release, but we’d better not spoil anything just yet.

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11 Novembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Music Festival, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista a Marco Ligurgo, direttore del bolognese ROBOT Festival

Appuntamento numero 11, della serie di interviste a direttori artistici di Festival che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo.

Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ottava: Luca Benni, direttore artistico del Festival Italian Party, Montone (PG) (qui). Nona: Crew di Holydays Festival, Scopoli (PG) (qui). Decima: Erik Honoré di Punkt Festival, Norvegia (qui)

Oggi ritorno “virtualmente” in Italia, a Bologna per intervistare Marco Ligurgo direttore artistico del ROBOT Festival. Ho scoperto il festival navigando nella rete, mi ha subito interessato per la proposta e per l’approccio alla musica, tra sperimentale, contemporanea, e ho subito pensato ad una possibile intervista per Kathodik. Grazie a Marco Ligurgo ho potuto conoscere la storia, il presente e il futuro del ROBOT Festival.

Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del ROBOT Festival?

L’idea di fare un Festival è nata nel 2007 da un gruppo di amici, dj e organizzatori di eventi, che dopo aver creato una associazione culturale, la SHAPE, ed avere per anni gestito serate nei club, KIndergarten, Link, sentivano l’esigenza di creare qualcosa che andasse oltre il club ed il dancefloor, qualcosa che portasse la musica in luoghi non convenzionali e che assomigliasse ai grandi festival europei di musica elettronica come il Sonar di Barcellona. La possibilità di entrare a Palazzo Re Enzo diede il là per il progetto.

Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?

L’organizzazione del Festival è ancora in toto in mano alla Shape ed al suo direttivo che si avvale della collaborazione di consulenti fissi e collaboratori storici e nuovi. Tra tutte le aree coinvolte direi che ci lavorano un centinaio di persone di cui una decina di volontari.

Secondary-Landscape-Space Afrika 2026 -Timon Benson-Alexander Luc-Omar Afridi

Quando iniziate a pensare al cartellone del festival?

Sul Festival ci lavoriamo tutto l’anno tra preparazione della nuova edizione e chiusura della vecchia. Il cartellone entra nel vivo a Gennaio per cui circa 9/10 mesi prima.

Actress

Veniamo a questa edizione: il significato di ?Syntax Error?

Il tema di quest’anno nasce dalla sensazione di smarrimento che avviene ad un certo punto del percorso di ognuno di noi, quella paura di non essere più in grado di codificare tutto e di saper leggere il presente, nonostante, da ogni parte, arrivi un continuo bombardamento di informazioni, verità, letture del presente.
Dovremmo avere una risposta a tutto e in realtà non ci ritroviamo più con noi stessi e con chi ci circonda, ed allora lanciamo una grande allert: ?Syntax Error, il famoso errore di sistema che lanciava il Commodore 64 negli anni ‘80, STOP, PAUSA, necessità di tempo, non vogliamo sapere tutto, non vogliamo capire tutto, in questo momento non vogliamo. Forse è bello così, forse no ma in una società sempre più accelerata e piena di informazioni chiediamoci dove stiamo andando e cosa realmente vogliamo, se il modello è giusto o è sbagliato, fermiamoci, mettiamoci off (line) e ammettiamo l’errore di sistema, potrebbe essere liberatorio o forse solo una pausa… come in un concerto al buio degli Autechre.

Autechre – Bafic – 2020

Come è stata effettuata la selezione degli artisti e artiste?

La selezione è tutta in mano a me che sono il direttore artistico del Festival fin dalla prima edizione. E’ ovvio che mi avvalgo di tante antenne, amici, colleghi, agenti e che, soprattutto, vado a tantissimi concerti, eventi, festival in Italia e in giro per il mondo. La musica è sempre stato l’elemento centrale della mia vita, fare ricerca è per me necessario.
Il cast di artisti/e è frutto di questa ricerca, di artisti locali o internazionali, di gusti consolidati o di nuove gemme, di performance dal vivo, di grandi artisti e nuove storie da raccontare anche guardando ai luoghi che il Festival toccherà quest’anno.

KDJ – by +JEREMYDEPUTAT

Su quali generi musicali vi siete orientati?

Il Robot da sempre parla il linguaggio della musica elettronica nella sua globalità, da quella più sperimentale e di ascolto a quella più dance oriented o avantgarde. Sono questi i confini di ogni edizione, l’ecosistema della musica elettronica quella che c’è sempre stata e che sempre ci sarà senza seguire le mode del momento.

Marta Salogni – Stefano Pilia

Ponendovi dalla parte dell’ascoltatore-spettatore spettacoli imprescindibili di questa edizione?

Posto che io amo ogni artista che scelgo: il concerto degli Autechre all’Estragon, Kevin Richard Martin al parco archeologico etrusco Kainua, Lawrence English e Aho ssan ai Bastardini, Space Afrika, Actress, Boys Noize e Moodymann al Dumbo.

MACE – Credits by Siermond

Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni del ROBOT Festival più caratterizzanti e con un maggior riscontro di pubblico?

Il ROBOT ha avuto un doppio percorso: il primo, di otto anni, culminato nelle edizioni 07 e 08 in fiera dove inevitabilmente abbiamo raggiunto il massimo riscontro di pubblico e popolarità con oltre 25000 presenze; il secondo, quello della maturità con un modello diffuso nella città, fatto di tante piccole venue, sul modello di altri festival europei, con una costante presenza di pubblico e con maggiore capacità di sperimentazione. A mio modo di vedere tutte e 17 le edizioni sono state caratterizzanti anche se con modelli diversi.

Marina Herlop – Credits Silvio Deiaco, Danilo Gambara, Christian Kondić

Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival?

Edoardo Frati di Digital Paths: I social, insieme al sito web, rappresentano il contenitore principale di racconto del festival, dalla promozione pre-evento al suo racconto post. I social su cui siamo più attivi sono indubbiamente Instagram e Facebook, corredati da Telegram e YouTube. Riteniamo siano ormai strumenti indispensabili per aiutare a far conoscere il festival.

Carla Dal Forno

Come viene recepito il Festival dalla Regione Emilia? Siete radicati sul territorio?

Il Festival è supportato dalla Regione e siamo sicuramente un punto di riferimento sul territorio, abbiamo lanciato tanti artisti locali e siamo sicuramente il Festival più longevo di musica elettronica in regione. Oggi però essere riferimento di un territorio è differente rispetto a quando siamo partiti, il mondo è sempre più globalizzato e non sempre la distanza territoriale può essere un vantaggio o riferimento.

Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali?

Assolutamente sì, essendo nati nel 2007, siamo stati pionieri in questo, abbiamo fatto Festival quando ancora non erano diffusi. Abbiamo fondato una rete IMF, che racchiudeva una serie di Festival amici e pionieristici come noi, alcuni ancora attivi come Jazzrefound, Spring Attitude Jazzrefound, Spring Attitude e Dancity. La rete IMF esiste ancora e si è allargata. Come Festival siamo anche nella rete Keepon e collaboriamo con altri Festival amici.

Dal presente al futuro prossimo venturo: mentre vi preparate ad accogliere il pubblico per ?Syntax Error, state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?

Si ragiona sempre sul futuro per cui si.

Link: ROBOT Festival Home Page

Link: ROBOT Festival Facebook Page

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30 Settembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con la band italiana Cloud Canyons

Come ho scritto nella recensione del bell’album ‘Body Wisdom’, la band Cloud Canyons mi ha piacevolmente folgorato con la sua musica, e ho ritenuto necessario contattarla per saperne di più su questo interessante alchimia di musica e voci. Con la massima disponibilità, Nicola, Laura, Michelle si sono prestati a raccontare la storia e la filosofia dietro al progetto Cloud Canyons. Ora a voi la scoperta di questa interessantissima realtà musicale nostrana, leggetene e soprattutto ascoltatene!!!

Quando e dove nasce il progetto Cloud Canyons?

Nicola: Il progetto è nato tra Sassuolo, Montecchio e Reggio Emilia nel 2022, quasi per caso: stavo lavorando ad alcuni brani strumentali di musica elettronica quando ho chiesto a Laura, Stella e Michelle di completarli con le loro voci e i loro testi.
Michelle: Nicola ha voluto nel progetto un tipo di energia precisa: ha invitato tre cantanti di Mâtilde, il collettivo di musiciste e attiviste femministe, nato nel 2017 a Reggio Emilia, del quale facciamo parte io, Laura e Stella. Un progetto potente e di impatto, basti pensare che spesso abbiamo suonato i nostri inediti live in oltre 20 musiciste contemporaneamente sul palco.

Da che ascolti proviene ognuno di voi?

Nicola: Per quanto mi riguarda, molte cose diverse, e anche molto diverse tra loro, troppe da menzionare!
Laura: Quest’anno ho riscoperto artisti ed artiste che non avevo approfondito abbastanza, mea culpa, cito Yo La Tengo e Nico.
Michelle: Anche i miei ascolti sono sempre stati molto vari, con particolare interesse però allo strumento voce declinato in mille modi, dal mio amato soul, molto rock, alla sperimentazione più estrema nella musica contemporanea.

Come nascono i brani e di conseguenza gli album?

Nicola: Io mio occupo della parte musicale, Laura, Stella e Michelle scrivono i testi, le melodie vocali e cantano. In una prima fase lavoriamo a distanza scambiandoci tracce e idee, poi quando i brani sono strutturati ci troviamo in studio insieme per dargli una forma definitiva.
Michelle: La musica creata da Nicola ci viene affidata singolarmente, con fiducia, c’è molta libertà e il risultato è qualcosa che percepisco come naturale conseguenza della nostra densità reciproca, è energia che si incontra e si unisce. Seppur apparentemente distanti, questa nuova opera mi ha reso ancora più consapevole che l’alleanza che ci lega va ben oltre la comunicazione e la condivisione verbale, è una connessione profonda più legata al sentire che alla logica, davvero molto speciale. Quando Nicola mi consegna un pezzo e il suo istinto gli suggerisce il titolo di quel brano, spesso sento che “ha a che fare con me, con le mie parole, le mie melodie” e ogni volta, nella restituzione, questo sentire si manifesta.

Cloud Canyons ‘Dreaming Of Horses Running In Circles’

Come è nata la collaborazione con la label tedesca Berliner Tonaufnahmen?

Nicola: Nella primavera del 2023 ho inviato le tracce che avevamo completato a diverse etichette in giro per il mondo. Dalla Germania ha risposto la Berliner Tonaufnahmen che da allora ci ha sempre supportato con entusiasmo: con noi hanno pubblicato due album e un singolo. Sono una piccola realtà di persone molto appassionate, ancora legate a una dimensione analogica e umana della produzione musicale.
Michelle: La collaborazione con la Berliner Tonaufnahmen è davvero preziosa, una grande opportunità umana e artistica.

Come viene recepita in patria e all’estero la musica che proponete?

Nicola: Con grande entusiasmo, in questi pochi anni di attività sono arrivati riscontri molto belli e affettuosi.
Laura: All’estero apprezzo vedere nel pubblico diverse generazioni, tutti insieme, per la musica. A Berlino è stato entusiasmante chiacchierare dopo il concerto con appassionati di musica, che apprezzano anche cose fuori dall’ordinario, come i nostri rituali sul palco.
Michelle: All’estero sembrano esserci più porte aperte.

Cloud Canyons ‘Body Wisdom’

Notizia dell’ultima ora: Jarvis Cocker’s Someday Service su BBC Radio 6 Music e il vostro brano Under Neon Stars.

Nicola: Nell’estate del 2025 Jarvis Cocker ci ha invitato a suonare al festival Tramlines a Sheffield, la città natale dei Pulp. E qualche giorno fa ha trasmesso un nostro brano, Under Neon Stars, nel suo programma domenicale sulla BBC. E’ ovviamente un grandissimo onore per noi, Jarvis è un artista che ammiriamo, una persona intelligente e acuta e un performer straordinario.
Michelle: L’esperienza al festival Tramlines è stata fantastica, i festival inglesi hanno una marcia in più. L’ascolto musicale in Inghilterra mi sembra più elastico, te ne accorgi condividendo il palco con altri artisti a questi festival ma anche semplicemente ascoltando le proposte musicali in giro per locali. Il livello dei musicisti e la qualità delle idee non per forza è “migliore” rispetto all’Italia, conosco anche qui tantissimi ottimi musicisti con idee molto creative e allora ti chiedi: che possibilità avremmo avuto in Inghilterra?

Prechiusura dell’intervista: ascolti quotidiani?

Nicola: Anche qui tante cose diverse, tra le più recenti ti posso citare un disco di Jessica Roch, ‘Human Music: Live Improvisations I’.

Chiusura dell’intervista: progetti per l’immediato futuro?

Nicola: Per questo inverno abbiamo già programmato alcuni concerti, altri sono in fase di definizione.
Michelle: Suoneremo anche a Capodanno, speriamo ci porti fortuna e molte date nel 2027!

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26 Settembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con la crew della label italiana Supernatural Cat

Nuova tappa del mio viaggio da “spider-web-music” addicted per questo infinito mare di suoni che si ascoltano in ogni dove e in ogni tempo, importante compagnia della nostra quotidianità. Questa volta volo, con i padiglioni auricolari ben estesi, in Piemonte, ad approfondire la conoscenza di una label storica, determinante nel far conoscere su e giù per lo Stivale sonorità stoner, sludge, psichedeliche, attraverso la loro band di punta Ufomammut, ma aperta a contaminazioni e sperimentazioni in ogni lato “scrivibile” del pentagramma. Grazie al tramite di Marco Gargiulo, della Metaversus PR, che mi ha fornito sia l’idea dell’intervista che il contatto, ho potuto: fare un salto nell’archivio di Kathodik, che circa vent’anni fa, grazie al redattore di allora Paolo Rossi, aveva avuto un primo contatto con il Malleus Rock Art Lab (qui trovate l’intervista); approfondire la storia della label; farmi raccontare il presente e il futuro della Supernatural Cat. A voi la lettura.

Quando come e dove è nata l’idea di fondare la label Supernatural Cat?

Supernatural Cat è nata alla fine del 2005 come una conseguenza naturale di quello che stavamo già facendo con Malleus. Nel nostro mondo tutto ha sempre girato attorno alla musica: Malleus nasce dal bisogno di illustrare l’immaginario del rock.
La nostra band Ufomammut, della quale abbiamo da sempre curato anche gli artwork, era già attiva da anni con due dischi sulle spalle, anche se prodotti da altre etichette.
A un certo punto abbiamo pensato che potevamo direttamente dedicarci alla produzione dei nostri dischi, con lo stesso approccio che avevamo con l’arte e con i poster in tiratura limitata che stavano diventando il fulcro del nostro laboratorio grafico: fare le cose mantenendo il controllo senza troppi intermediari, cercando di costruire qualcosa che fosse completamente nostro.  Non volevamo semplicemente creare un’etichetta discografica, ma una sorta di casa per la musica che ci interessava.
Supernatural Cat è’ nata come realtà di piccole dimensioni, e DIY, e in qualche modo, anche se le band che curiamo si sono moltiplicate, lo è ancora oggi.  Siamo sempre stati noi tre di Malleus a occuparcene e questo ha inevitabilmente influenzato il modo in cui la label è cresciuta.

Supernatural Cat: ph Elisa Perotti

Su che genere musicale vi siete orientati e perché?

Non ci siamo mai posti veramente il problema del genere musicale.  All’inizio poteva sembrare che Supernatural Cat fosse una label legata soprattutto a tutto quello che gravitava intorno a Ufomammut, ed alla musica pesante, psichedelica, sludge, doom o come si vuole definirla.
In realtà quello che ci interessava veramente era trovare qualcosa di personale.  Una musica che avesse un’identità, che non fosse semplicemente una copia di qualcosa che era già stato fatto. Ci interessava e ci interessa l’originalità, sentire qualcosa di unico che scaturisce dalla musica.
Nel corso degli anni abbiamo pubblicato dischi piuttosto diversi tra loro: Morkobot, Lento, OvO, Zolle, Incoming Cerebral Overdrive, The Mon, poi ultimamente i Gotho, i Baratro e a breve il prossimo Bosco Sacro.
Alcuni progetti sono heavy, altri più sperimentali, altri ancora difficili da classificare.  Quello che li accomuna non è tanto il genere, quanto il fatto che siano in qualche modo “necessari”.

Ufomammuth ‘Hidden’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Sì, inevitabilmente.
Una label può rimanere identica dopo vent’anni, e non c’è nulla di male: ci sono realtà discografiche iperspecializzate che si concentrano su un solo genere e che contribuiscono alla sua diffusione. Per noi invece è sempre stato naturale ed importante capire ed esplorare ciò che succede alla musica che si evolve, ciò che la spinge ad esplorare nuovi territori: il panorama musicale attorno è molto cambiato, e sono cambiate le modalità di ascolto, è cambiato il modo di produrre e distribuire la musica. E anche noi siamo cambiati.
Quello che invece è rimasto invariato è il criterio di base: cerchiamo ancora qualcosa che ci sorprenda.  Non abbiamo mai avuto un catalogo costruito seguendo una formula precisa e non ci interessa farlo.
Anche oggi, quando ascoltiamo un progetto, la domanda principale è abbastanza semplice: questa musica ha qualcosa di suo? Ci deve essere una personalità, un’atmosfera, un’idea, dobbiamo rimanere colpiti.

MoRkObOt ‘Gorgo’

Abbiamo avuto il piacere di pubblicare band originalissime e uniche (i Morkobot ad esempio, sono secondo noi ancora parecchio sorprendenti ed innovativi, anche rispetto ad alcune proposte contemporanee) e abbiamo avuto momenti in cui abbiamo diradato la nostra presenza.
Da qualche anno abbiamo ripreso la nostra ricerca con band come Gotho, Skyjoggers, Baratro, The Mon e Bosco Sacro.

Gotho ‘Gothron Versus Fartark’

In quale formato escono le vostre produzioni?  Secondo voi quale formato riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia di Musica?

Abbiamo sempre dato molta importanza al vinile, perché per noi il disco non è mai stato semplicemente un supporto per ascoltare la musica.
Siamo le stesse tre persone che lavorano in Malleus e quindi abbiamo sempre avuto un rapporto molto forte con la parte grafica e con l’oggetto.  Le nostre edizioni limitate vengono stampate e assemblate a mano, con copertine serigrafate, materiali particolari e tirature numerate.  Anche il vinile di queste edizioni è diverso dalla serie regular.
Il supporto discografico è un’estensione della musica.  Quando compri un’edizione Supernatural Cat dovresti avere qualcosa che non sia semplicemente una copia di un file digitale.
Detto questo, non siamo contrari al digitale.  Anzi, oggi è fondamentale per permettere alla musica di raggiungere persone in tutto il mondo.  Però il vinile, soprattutto quando viene trattato come un oggetto artistico, rimane il formato che rappresenta meglio la nostra filosofia.
E non tralasciamo comunque un formato ormai classico come il CD.

Skyjoggers ‘12021: Post-Electric Apocalipse’

Cosa ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

I social sono diventati inevitabilmente uno degli strumenti principali per far conoscere la musica.  Il problema è che funzionano secondo logiche che spesso hanno poco a che fare con la musica stessa, tutto gira attorno ad algoritmi che ci mostrano solo quello che dobbiamo “comprare”.
Un disco può essere il risultato di mesi o anni di lavoro e sui social rischia di ridotto ad un’immagine o un breve video che deve catturare l’attenzione di qualcuno per pochi secondi.
Se ci pensiamo bene, è frustrante e sbagliato. Eppure è diventato un’inevitabile logica lavorativa. Non conta più quanto sei effettivamente meritevole di ascolto, ma quanti follower hai.

Da parte nostra cerchiamo comunque di esserci e di utilizzarli, ma senza pensare che possano sostituire tutto il resto.  Per noi un post sui social dovrebbe essere un punto di partenza, non il punto di arrivo, un modo di far conoscere quello che facciamo.
Il vero obiettivo rimane sempre quello di portare qualcuno ad ascoltare la musica, andare a vedere il concerto, conoscere l’artista e avere la possibilità di acquistare il disco dalle sue mani.

Baratro ‘No coply’

Come valutate la promozione e la diffusione della musica che proponete? Ci sono strutture adeguate? Comunicazione adeguata? Coperture mediatiche adeguate?

È probabilmente uno degli aspetti più difficili oggi per una realtà indipendente.
La musica viene prodotta in quantità enorme e contemporaneamente è diventato molto più difficile riuscire a farla emergere.  Non è sufficiente fare un buon disco: bisogna riuscire a comunicarlo, distribuirlo, farlo arrivare alle persone giuste e mantenerlo visibile per un periodo abbastanza lungo.
Oggi, dopo un mese, un disco sembra già fuori da secoli, ed è una cosa davvero assurda.
Per una piccola label, riuscire a comunicare un’uscita richiede una grande quantità di lavoro e spesso le risorse sono limitate.
Crediamo che ci sia ancora spazio per una comunicazione indipendente, ma bisogna trovare un equilibrio tra quello che si vorrebbe fare e quello che concretamente si riesce a fare.  E forse oggi la vera difficoltà non è tanto produrre musica, quanto riuscire a darle il tempo e l’attenzione necessari per essere ascoltata.

The Mon ‘Songs of Embrace’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

È qualcosa a cui abbiamo pensato diverse volte.  Dopo quasi vent’anni di Supernatural Cat abbiamo accumulato una grande quantità di materiale: dischi, poster, fotografie, grafiche, storie, concerti, incontri e naturalmente tutte le persone che hanno fatto parte del percorso.
Un libro avrebbe senso non tanto come celebrazione della label, ma come documento di un periodo e di una certa idea di indipendenza musicale e artistica.
Negli anni siamo riusciti a fare tanto, nel nostro piccolo.  Ufomammut è effetivamente sempre stato il gruppo di “traino” e ogni volta che una delle band in cui abbiamo creduto (anche quelle che non sono più nel nostro nostro roster) riesce ad arrivare a Festival importanti e a farsi conoscere, per noi è sempre un motivo di orgoglio.
Un libro potrebbe essere un’idea, ma quello a cui vorremmo anche tornare sono le “Supernatural Cat Night”, eventi con le nostre band, piccoli festival, come facevamo un tempo.

Bosco Sacro ‘Inhabit’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Ci sono diversi progetti in lavorazione.  Stiamo continuando a lavorare sul catalogo esistente, ma allo stesso tempo ci sono nuovi progetti che stanno entrando nell’orbita della label.
Tra le uscite più recenti ci sono quelle di Baratro, The Mon, Gotho e Skyjoggers, oltre naturalmente al lavoro continuativo legato a Ufomammut.
I Bosco Sacro sono entrati nel nostro roster e siamo orgogliosi di realizzare il loro prossimo disco.
Non voglio però anticipare troppo.  Diciamo che Supernatural Cat continua a muoversi, lenta ma inesorabile nella stessa direzione di sempre: cercare musica che abbia una propria identità e cercare di costruirle intorno un oggetto e un’immagine che siano all’altezza della musica.
Dopo tutti questi anni, forse è proprio questa la cosa che non è cambiata.

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16 Settembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Pietro Michi della label italiana Biodiversità Records

Nel continuo vagare come “spider-web-music” per questo mare di suono, nutrendo la mia inesauribile curiosità per i manufatti “sonanti”, concrete manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci tiene compagnia, arrivo a Firenze. E in questa bellissima città mi accingo ad approfondire la conoscenza della Biodiversità Records, label dedita ad uscite di musica sperimentale fortemente interrelate con la natura, l’ecologia, la diversità sonora. Grazie al fondatore Pietro Michi ho potuto saperne di più sulla storia e sul futuro della Biodiversità Records. A voi la lettura.

Quando come e dove è nata l’idea di fondare la label Biodiversità Records?

L’esigenza di creare uno spazio che aggregasse suoni e pensieri è nata a Firenze intorno al 2017, anche grazie alle prime esperienze fatte pubblicando i miei lavori su altre etichette indipendenti. Avendo un approccio al suono molto variegato, mi sono sempre sentito stimolato a immaginare il mio materiale sonoro in relazione a estetiche, concept o filosofie capaci di orientare il flusso creativo verso la casa che lo avrebbe accolto. Ho quindi deciso di partecipare anch’io a questo gioco, e a fine 2017 ho aperto Biodiversità, creando un catalogo iniziale molto DIY con produzioni mie, del mio vicino di casa (Nautilus Frank) e alcune compilation, per poi iniziare, dal 2018, ad allargare lo sguardo verso nuove personalità. Nel corso degli anni Biodiversità si è trasformata, ai miei occhi, più in un portale che un’etichetta discografica: i lavori che trovano spazio sul profilo Bandcamp appartengono ad artisti con identità diverse tra loro, accomunati dalla voglia di mettersi in discussione, esplorare temi originali e lasciarsi andare a riflessioni libere e sperimentali. Gli artisti sono poi liberi di fruire del portale per allargare il contenuto del progetto, metterlo in dialogo e reimmaginarlo.

Il nome stesso, Biodiversità, racchiude già diversi aspetti del lavoro curatoriale: l’interesse per il bios, la natura, la biologia, l’ecologia, ma anche il tema della diversità ed eterogeneità, qui intesa principalmente in senso estetico, sonoro e semantico. Altri temi spesso toccati sono la collaborazione, i sistemi digitali e il punto di vista non umano. La cosa importante, per me, resta far nascere qualcosa, o farla confluire e passare attraverso la narrazione di Biodiversità.

Pietro Michi

Su che genere musicale vi siete orientati e perché?

Come accennavo, il fulcro è la diversità. I suoni si muovono principalmente tra l’elettronica e il concreto. Se dovessimo indicare i generi più rappresentativi, per dare un’idea, potremmo citare ambient, field recordings e musica da club “””alternativa”””. Alcuni esempi che descrivono bene questa polarità sono le compilation di field recordings, l’album ‘Leisure Beasts for Absolution’ di L O S C I o ‘Permutations’ di Forces. Questi tre album hanno sonorità evidentemente differenti, ma rientrano in un catalogo che cerca di creare una narrazione unica.

L O S C I ‘Leisure Beasts for Absolution’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Decisamente! Il flusso sonoro ed estetico segue quello delle mie fascinazioni, quindi cambia piuttosto spesso. La proposta è abbastanza mutevole e organica, ma un filo conduttore ovviamente esiste, ed è implicito nel lavoro curatoriale: l’esigenza di non creare un contenitore completamente smarginato, anzi radicalmente coerente con un’idea di continua mutazione.

Force ‘Permutations’

In quale formato escono le vostre produzioni? Secondo voi quale formato riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia di Musica?

Le produzioni escono nel formato che, di volta in volta, è ritenuto più adatto per il singolo progetto. Finora sono stati utilizzati CD, audiocassette, piccoli artefatti, chiavette USB, schede SD e, ovviamente, il digitale. Il supporto rimane comunque un feticcio, un apporto al mondo materiale, ciò che conta davvero è la realizzazione del progetto in sè. Non esiste per me una filosofia della musica legata a un supporto specifico, questo può essere un’estensione della musica stessa, sia dal punto di vista della funzione sonora, sia da quello espressivo.

Sáccea ‘Aúna’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Non ho un pensiero reale relativo ai social; questi esistono e fanno parte di un’ampia fetta della comunicazione contemporanea. Sto parlando di tutte le piattaforme: da quelle più popolari come Meta, TikTok e Reddit fino al fediverso. Sia per gli utenti più casual che per quelli più antagonisti, i social hanno un impatto significativo sulla comunicazione, e credo restino un buon mezzo per creare connessioni se non usati in modo improprio.

Ultimamente, però, faccio sempre più fatica a condividere contenuti su queste piattaforme. Continuo a farlo, ma in modalità più dilatata. Da quasi due anni mi dedico anche a una newsletter, e lì riesco a trovare quello spazio in più di cui ogni tanto ho bisogno.

Il network è importante.

Abo Abo & Demetrio Cecchitelli ‘Interspazio’

Come valutate la promozione e la diffusione della musica che proponete? Ci sono strutture adeguate? Comunicazione adeguata? Coperture mediatiche adeguate?

La promozione del materiale si muove principalmente tramite un flusso decentralizzato tra social, newsletter e messaggi automatici. Quello che c’è. Da lì in poi le cose si muovono da sole, grazie a nuove conoscenze, persone interessate, interviste, radio e altro ancora, in modalità che cercano di restare spontanee. Non saprei dire con certezza se le strutture, i metodi comunicativi e quant’altro siano adeguati, non saprei veramente rispondere. Noto però che negli ultimi anni, l’ascolto e l’interesse per i contenuti più complessi sono cambiati, sia in meglio che in peggio, come credo sia fisiologico in un mondo in continua trasformazione.

Lights In The Pond ‘Lights In The Pond’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Nel 2020 è uscito un piccolo catalogo cartaceo che raccoglieva i primi anni del progetto. Ho più volte pensato di riproporlo nel tempo, ma produrre volumi cartacei corposi e a colori non è semplice senza un buon piano. Spero di riuscirci in occasione dei 10 anni dall’inizio del progetto!

Vv. Aa. ‘Ground Reaction Force’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

In questo momento, con alcuni collaboratori, stiamo completando un lavoro su materiale grafico e scritto, raccolto durante una open call di questa primavera, che uscirà come piccolo volume: un archivio collettivo che, partendo da basi di biologia speculativa, racconta di un’interferenza comunicativa con organismi non umani. Prima di fine anno spero anche di finalizzare un progetto di field recordings provenienti dalla Cina e forse anche un’altra piccola sorpresa più musicale, tra sonorità post-clubbing, ambient e digital.

Link: Biodiversità Records Bandcamp Page

Link: Biodiversità Records Instagram Profile

Link: Biodiversità Records Newsletter

7 Settembre 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Adriano Bossola ed Elisabetta Luciani della label italiana La Bèl Netlabel

Nuova tappa del mio viaggio alla “spider-web-music” per questi lidi suonanti, animato da inesauribile curiosità per le manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci tiene compagnia. Questa volta mi “sdoppio” virtualmente tra Biella e Roma, per andare ad approfondire la conoscenza de La Bèl Netlabel. La label è dedita a produrre musica sperimentale e musica acustica, con cura e attenzione ai progetti che le si presentano. Da qui l’interesse si è acceso subito per questa rubrica, e il contatto con Adriano Bossola ed Elisabetta Luciani mi ha permesso di saperne di più sulla nascita, quotidianità e futuro de La Bèl Netlabel. A voi la lettura.

Quando come e dove è nata l’idea di fondare la label La Bèl Netlabel?

L’idea di La Bèl è nata verso la fine del 2009, in un panorama digitale e di internet molto diverso da quello attuale. In quel periodo, grazie a MySpace, ho avuto modo di entrare in contatto con tantissimi musicisti interessanti e di scoprire il mondo delle netlabel. Allora MySpace era un vero e proprio hub di fermento creativo, ed è lì che ho incontrato la musica di Elisabetta Luciani (Elisa Luu). La sintonia è stata immediata ed è venuto naturale il desiderio di fondare un’etichetta tutta nostra, pensata per promuovere i nostri lavori e quelli dei tanti artisti stimolanti conosciuti in rete. Con un approccio prettamente do-it-yourself, abbiamo approfondito il settore e abbiamo messo in piedi il nostro sito e il nostro piccolo spazio indipendente.

Elisa Luu ‘The time of waiting’

Su che genere musicale vi siete orientati e perché?

La musica che abbiamo prodotto rientra in un filone elettronico-acustico-sperimentale, ma senza mai sfociare in estremismi di genere. La scelta è sempre stata molto semplice: abbiamo pubblicato unicamente la musica che ci piaceva davvero e che ritenevamo valida e coerente con la nostra visione sonora. Nel nostro catalogo ci sono stati album prettamente elettronici e altri completamente acustici, affiancati da lavori che hanno saputo coniugare perfettamente questi due mondi. Una curiosità dei primi anni è legata al fatto che abbiamo pubblicato soprattutto musicisti sardi, al punto che in molti pensavano che La Bèl fosse un’etichetta nata in Sardegna, quando in realtà io sono di Biella ed Elisabetta di Roma. Nel tempo l’orizzonte si è ampliato ad artisti provenienti dal Regno Unito, Germania, Stati Uniti e Giappone, pur mantenendo sempre quella coerenza e omogeneità di sound che la stampa di settore e i nostri ascoltatori ci hanno spesso riconosciuto.

Ongaku2 ‘Short Stories’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

No, la proposta musicale non è cambiata nel merito, ma sicuramente si è rarefatta nei ritmi. Nei primi anni arrivavamo a pubblicare anche cinque o sei uscite all’anno. Successivamente, con l’evoluzione delle modalità di fruizione e l’avvento dello streaming su larga scala, ci siamo chiesti a lungo quale senso avesse ancora una netlabel come la nostra. Agli esordi il free download rappresentava una vera risorsa, mentre oggi algoritmi e piattaforme permettono a chiunque di distribuire e scoprire musica in totale autonomia. Credo che siano sopravvissute soprattutto le realtà che si sono reinventate puntando sull’organizzazione di eventi dal vivo, una strada che non abbiamo intrapreso, sia per mancanza di tempo e di esperienza specifica, sia perché non rientrava tra le nostre priorità. La Bèl non è mai stata una fonte di guadagno, ma a differenza di molte altre netlabel che hanno abbandonato i propri domini lasciando andare perduto un grande patrimonio di pubblicazioni, noi abbiamo scelto di rimanere presenti e attivi, seppur con un ritmo di uscite più dilatato nel tempo.

Madoka Ogitani ‘Take a Walk’

In quale formato escono le vostre produzioni? Secondo voi quale formato riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia di Musica?

Le nostre produzioni sono uscite quasi tutte in formato digitale, anche se in determinate occasioni abbiamo realizzato delle edizioni limitate su CD; al vinile, invece, non ci siamo mai avvicinati. Questa scelta rispecchia molto la mia indole “anti-materialista”: non ho mai sviluppato un attaccamento fisico verso gli oggetti e per questo ho sempre considerato il digitale il formato ideale. Per me la musica è essenzialmente vibrazione e aria che si muove, non ha un reale bisogno di un supporto fisico per esistere. Naturalmente rispetto chi la pensa diversamente e sente la necessità di toccare con mano una copertina, leggere i testi sulla carta o lasciarsi conquistare dal rituale e dal profumo del vinile, ma la nostra essenza è sempre rimasta legata all’impalpabilità del suono.

Captive Portal ‘Music is Telephone’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Siamo presenti su Facebook e Instagram, ma pubblichiamo senza quella costanza quasi maniacale che gli algoritmi imporrebbero per fare grandi numeri. Non ho mai amato i social, anche se riconosco che oggi rappresentino un passaggio quasi obbligato per segnalare la propria esistenza in rete. È un ambiente che osservo con molta distanza. Usiamo questi canali semplicemente come bacheca, preferendo preservare il nostro tempo e la nostra salute mentale rispetto alla corsa ai like.

Di Bos ‘Smailin Ca(r)Ma’

Come valutate la promozione e la diffusione della musica che proponete? Ci sono strutture adeguate? Comunicazione adeguata? Coperture mediatiche adeguate?

La Bèl è sempre stata un’etichetta di nicchia: proponiamo musica per lo più strumentale, al di fuori dei circuiti commerciali e senza l’esigenza di incasellarci in un filone specifico. Negli ultimi quindici anni il sistema d’informazione e promozione musicale è mutato radicalmente. Un tempo la rete pullulava di blog, webzine e siti dedicati alle netlabel e al circuito delle licenze Creative Commons, realtà che svolgevano una preziosa funzione di filtro. Oggi ha quasi perso di significato l’idea che un critico suggerisca cosa ascoltare, dal momento che la musica è accessibile a tutti in modo diretto e immediato, una trasformazione di cui ha parlato molto bene Raffaello Russo sulle pagine di Music Won’t Save You. Di fronte a queste strutture comunicative così cambiate ci siamo trovati per certi versi spiazzati, ma la nostra risposta è stata la resistenza. Avendo fondato La Bèl unicamente per passione e per il desiderio di totale indipendenza, senza alcuna pretesa di ritorno economico, viviamo questo momento storico con la serenità di una piacevole navigazione a vista.

Macchiato Funky ‘Infodemia D.3’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Un progetto che abbiamo sempre accarezzato, e che non abbiamo mai del tutto abbandonato, è quello di organizzare un evento dal vivo che possa radunare molti degli artisti che hanno collaborato con noi negli anni. Per quanto riguarda l’idea di un libro, invece… non ci avevamo ancora pensato seriamente, ma è uno spunto davvero stimolante da prendere in considerazione, grazie per il suggerimento!

HMS Beckett ‘greyhound / fern / swallowtail / apple tree’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Abbiamo da poco pubblicato l’album “greyhound / fern / swallowtail / apple tree” di HMS Beckett, un musicista inglese dalla straordinaria sensibilità, di cui avevamo già curato in passato un lavoro con i Red Trees, il duo che condivide con la moglie Lou Richards. Per quanto riguarda i prossimi mesi, entro la fine dell’anno sono previste le uscite dei nuovi album dei Macchiato Funky e del mio progetto solista come Di Bos.

Link: La Bèl Netlabel Home Page

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31 Agosto 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Marco Ramassotto della label italiana Anomala Soundscapes Records

Continua il mio viaggio alla “spider-web-music” per questi lidi suonanti, animato da inesauribile curiosità per le manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci tiene compagnia. La tappa di questa volta è Roma, per andare ad approfondire la conoscenza della Anomala Soundscapes Records. Label frequentemente ascoltata su Kathodik, bastino le recensioni delle ultime uscite di Maath ‘No Survivors for the New World 2025’ e Paul Schütze ‘The Crystal Suite’; da qui necessario approfondimento grazie alla disponibilità di uno dei fondatori della label, Marco Ramassotto, che si è mostrato subito disponibile a raccontare nascita, quotidiano e futuro della Anomala Soundscapes Records. A voi la lettura.

Quando e come è nata l’idea di fondare la label Anomala Soundscapes Records?

L’idea c’era già dal 2015, ma la spinta l’ha data il fatto che, come succede spesso, uno manda in giro le proprie cose e non riceve una risposta. Spesso questo succede non perché non piace quello che si propone, ma perché chi riceve la risposta non ha materialmente il tempo di ascoltarla. Proprio per questo motivo, insieme al mio amico Daniele Pecorelli, che è un altro musicista con cui ho fatto in passato delle produzioni, ci era venuto in mente di avere una sorta di contenitore identitario, un’etichetta discografica, un progetto con cui magari ci si poteva presentare al meglio e in maniera chiara. Poi però il progetto è stato formalizzato solamente nel 2019 e la label è stata inaugurata con il primo disco, uno split tra me e Daniele, uscito appunto nel 2019. Poi da “etichetta privata”, diciamo così, dove uno pubblica le sue produzioni, piano piano, come succede spesso, la voce ha iniziato a girare, ecc. ecc. e abbiamo iniziato ad accogliere altri musicisti, da Andrea Marutti, a Kar, e in ultimo Paul Schütze.

Daniele Pecorelli, Mark Schaub ‘&’

Approfondiamo il discorso: su genere musicale vi siete orientati? E perché?

Il perché non te lo so proprio dire perché saranno una trentina d’anni buoni che faccio musica, e quando mi sono imbattuto nel genere, diciamo così, ambient, dark ambient, industrial e dintorni, ho capito che quello era il genere in cui riuscivo a dedicarmici al meglio, era il mio “genere”. Quindi l’etichetta che riflette il modo di diffondere produzioni proprie ha preso quella fisionomia che si dipana, come dicevo, dall’ambient, anche se io faccio fatica ad etichettare le produzioni, anche perché la musica prodotta è molto più eclettica, basta ascoltare le produzioni della Anomala Soundscapes Records per rendersi conto che c’è una forte dialettica musicale, con proposte che magari confliggono tra loro, e l’obiettivo è farle convivere nella stessa proposta.

Daniele Pecorelli ‘ASH TAPES’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Diciamo che l’anima alla base dell’etichetta è di non essere focalizzata esclusivamente su un genere particolare, di nicchia, ma con la problematica che presenta una visione in cui fatichi a riconoscere i diversi autori. Chiaramente la label non pubblicherà musica pop, mantiene e manterrà la sua direttiva musicale di cui ti parlavo sopra, sicuramente in maniera più strutturata rispetto agli inizi, grazie anche alla crescita artistica che ci ha accompagnato in questi anni.

Rumore Austero ‘Innesto’

Un approfondimento sulle vostre produzioni che sono in formato cd, vinile, digitale e in cassetta. Quale formato, secondo voi, riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia della musica?

Io non credo che l’etichetta sia così legata ad un suo supporto particolare. Ci sono etichette che fanno solo vinili, altre che fanno solo cassette, mini disc; sono situazioni che vogliono definire la loro identità in maniera chiara anche in base al supporto, come inizialmente era l’idea del vinile. Certe musiche però non si adattano bene al vinile, ed il cd è ancora molto importante, anche se ultimamente è pervasivamente presente lo streaming del disco, la cosiddetta musica liquida.
Perché secondo me ultimamente sta emergendo una certa idea, nel senso cioè che che questi, chiamiamoli, non supporti, ti permettono anche di riconsiderare un brano singolo, un diverso approccio se vogliamo pensarla in questa maniera. Mentre invece da quando sono nato musicalmente c’è sempre stato il cd che ha imposto il suo formato come durata. Adesso lo streaming ti permette di scoprire il brano singolo, e di non legare le uscite al concetto di album e di conseguenza al concetto di supporto.
Questa ultimamente per me sta diventando una strada da percorrere perché mi dà più libertà nella composizione, e di conseguenza diventa un discorso per me interessante. La critica a cui va incontro questa idea è che l’ascolto è in mano ad un algoritmo che crea compilation caotiche e anarchiche, ma se si fa una lettura storica dell’ascolto musicale si ritorna a quando c’era il formato 7’’ o disco 45 giri, il classico singolo, perché l’album come concetto unitario è un’invenzione che ha preso piede negli anni ‘60. Quindi forse questa impostazione rivolta allo streaming permette oggi di avere un ritorno di praticità. Nel mio caso mi dà come dicevo più libertà compositiva e meno impegno, perché diciamocela pure la verità, produrre un vinile è molto impegnativo, mentre caricare dei singoli, una volta che si ha una utenza dedicata, permette di mantenere il contatto in maniera più regolare, di non far passare troppo tempo, perché un disco si può fare una volta all’anno, mentre i singoli, stiamo parlando di brani di durata considerevole, si possono “spalmare” durante l’anno, mantenendo desto l’interesse dello “zoccolo duro” degli appassionati che seguono le tue produzioni.

Anofele – Mark Schaub ’08’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Io sono molto favorevole a questo aspetto, in passato ho già fatto delle sperimentazioni con Marco Carcasi e con il contenitore Scatole Sonore, ho fatto sperimentazioni con la Eibon Records di Mauro Berchi, quindi secondo me se si riesce a trovare il feeling giusto anche a livello produttivo, un giusto scambio di idee, si crea una sinergia giusta e la coproduzione diventa una cosa molto buona.

Andrea Marutti, Carlo Giordani ‘Impressioni organizzate di Ansie Liquide’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Noi siamo attivi sui social in maniera molto timida perché quello è un campo in cui dobbiamo ancora lavorarci e impegnarci un po’ di più, che ci piaccia o no, dato che è un’altra vetrina molto importante. Anzi secondo me è un modo fondamentale per arrivare ad una fascia di ascoltatori molto giovani che non sa che esistono determinati supporti. Quando mi capita di far vedere un vinile o una cassetta, i ragazzi non riescono a credere ai loro occhi, dato che per loro la musica proviene solo da Internet, da Youtube e da altre piattaforme di streaming. Il lavoro sui social in futuro diventerà la forma di promozione più remunerativa, diventerà un lavoro a tempo pieno per l’etichetta.

Maath ‘Vaco’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete, da parte vostra come proposta musicale e dall’altra parte, in un certo senso, come ricezione della musica proposta?

Lo sappiamo, quando c’è un genere di nicchia la promozione è problematica ed è difficile per cose, tra virgolette, ascoltabili, avere degli spazi adeguati, figuriamoci per proposte più particolari, considerando che il nostro genere musicale richiede un ascolto profondo, con particolare attenzione, il cosiddetto deep listening. Non è un approccio usa e getta, come va molto di moda oggi, un approccio dove la musica si adatta al contenitore, in questo caso Internet.
Trovare una propria strada più originale è difficile, sicuramente fare i concerti live e trovare soluzioni performative dal vivo rimane paradossalmente sempre la strada migliore, però anche quello è un altro fronte su cui bisogna impegnarsi.

Maath ‘No Survivors for the New World 2025’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

La label è ancor ancora molto giovane, non abbiamo materiale sufficiente per raccontare qualcosa, e poi penso che per raccontare una storia che ti riguarda è meglio che ci pensi qualcun altro se un domani avrà voglia. Io mi limito per il momento a cercare di fare al meglio quello che faccio, cerco di promuovere la label al meglio e testare il riscontro del mio lavoro per la Anomala Soundscapes Records.

Paul Schütze ‘the crystal suite’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Una delle caratteristiche di questa etichetta è anche ripescare cose più vecchie che non hanno trovato spazio; per farti un esempio ultimamente è stato ristampato il primo disco di debutto di Maath ‘No Survivors for The New World 2025’, che era del 2005; ‘Vaco’ l’altro album in vinile, uscito un paio di anni fa, era originariamente del 2012. Da una parte c’è il ripescaggio di cose che non hanno trovato la loro collocazione. E in quest’ottica probabilmente farei un disco anche con l’aiuto di Marco Carcasi, di un collettivo che si era creato in maniera spontanea nel 2001 con il nome Calm, collettivo tutto romano, e questa potrebbe essere una prossima uscita. In questo mese c’è stata la nuova uscita di Paul Schütze, frutto di un lavoro lungo, durato quasi tre anni, tra contatti e scambi di mail.
Gli ho chiesto se aveva del materiale da farmi sentire, se aveva fatto qualcosa, dato che in questi anni suona poco in giro, ed invece mi ha fatto ascoltare le sue ultime produzioni, molto interessanti, al che gli ho chiesto se non ci fosse nessuno interessato a pubblicarle. Paul Schütze mi ha detto che non c’era nessuno e se volevo le potevo produrre io. Quindi la produzione è nata così, telefonicamente, Schütze ha lavorato e rielaborato i brani, e la Anomala Soundscapes Records li ha pubblicati.
Sono stato molto contento di aver fatto questa uscita, il lavoro è molto bello e spero che abbia la giusta risonanza, perché Schütze è un personaggio grandioso, disponibilissimo, ormai storico nell’ambiente, ma è un personaggio eclettico, si occupa di arte, di installazione, di fotografia, si è messo a fare anche i profumi, è un personaggio incredibile. Spero in futuro di collaborare ancora con questo importante artista, anche nella gestione di un possibile live in Italia.
Per il resto non so, qui c’è un paiolo ribollente di cose mischiate e vedrò, una volta che avrò immerso il mestolo, cosa uscirà fuori. Vedremo…

Link: Anomala Soundscapes Records Home Page

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19 Agosto 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Music Archive, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Davide Parenti, Direttore del Museo del Disco D’Epoca di Sogliano al Rubicone

Appuntamento numero 10, dedicato alla scoperta di direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e non solo, in tutte le sue manifestazioni sonore. Scrivo non solo perché con le ultime interviste sto esplorando realtà che conservano molteplici e variegati generi dell’inesauribile memoria sonora, oltre a quella Rock. Prima: Rolando Giambelli, Beatles Museum di Brescia (qui). Seconda: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, museo dedicato ai Clash e al loro mondo (qui). Terza: Mariano Freschi, associazione MADE IN ROCK, incredibile collezione di centinaia di bassi, chitarre, amplificatori (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, ecc.), di memorabilia, poster, gadget della Storia del Rock (qui). Quarta: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs del MoPOP – Museum Of Pop Culture di Seattle (qui). Quinta: Sawako Ishii dell’Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Giappone (qui). Sesta: B.George, direttore dell’ARChive of Contemporary Music di New York (qui). Settima: Sonia Martone, Direttrice del Museo Nazionale degli strumenti musicali di Roma (qui). Ottava: Vinnie Fiorello del Punk Rock Museum di Las Vegas (qui). Nona: Andrea Dozi, responsabile della Fonoteca Trotta di Perugia (qui). Questa volta mi dirigo virtualmente a conoscere il Museo del Disco d’Epoca, situato a Sogliano al Rubicone in provincia di Forlì-Cesena. Ho conosciuto questo incredibile Museo recensendo il libro di Cristina Giuntini ‘Rëbra. Musica sulle costole’, non lo conoscevo e mi sono subito attivato per saperne di più per questa rubrica. Grazie al direttore Davide Parenti ho potuto conoscere la storia del Museo, le attività che si svolgono, e tutta la sua incredibile collezione di memorabilia, vinili, statue, poster, un mondo dedicato al disco e alla sua capacità di suscitare emozioni nelle persone. A voi la lettura.

Quando, perché, come è nato il Museo del Disco d’Epoca?

Il Museo del Disco d’Epoca è nato quasi per caso, da una raccolta iniziata da Parenti Roberto negli anni Sessanta, quando da ragazzo recuperava dischi e altri oggetti dalle cantine, dalle soffitte e perfino dai cassonetti, in un periodo in cui i 33 e 45 giri stavano sostituendo i vecchi 78 giri. Col tempo, da questa attività è nato un interesse sempre più profondo per il disco e per tutto ciò che gli ruotava attorno, come grammofoni, fonografi e apparecchi di riproduzione. Verso la fine degli anni Ottanta, alcuni dischi in bachelite portati a scuola per una semplice attività espositiva suscitarono tale curiosità da portare all’organizzazione di una piccola mostra durante una festa di paese. Dopo varie edizioni e un crescente successo di pubblico, nacque l’idea di trasformare quell’esperienza in una esposizione permanente, da cui è nato il museo.

Qual è stata l’ispirazione iniziale?

L’ispirazione iniziale è nata in modo spontaneo, prima dalla passione di Parenti Roberto per il recupero dei dischi abbandonati, poi dalla reazione delle persone di fronte a questi oggetti. La scoperta che un supporto apparentemente semplice potesse generare stupore, curiosità e domande ha fatto capire che quel patrimonio non era soltanto da conservare, ma anche da raccontare. In particolare, alcuni pezzi insoliti, come il disco Pathé da 50 centimetri, hanno mostrato con grande evidenza la forza narrativa e visiva della collezione, contribuendo a delineare la vocazione pubblica del museo.

Dove si trova?

Il Museo del Disco d’Epoca si trova a Sogliano al Rubicone, nell’entroterra romagnolo. Ha sede all’interno del palazzo settecentesco Marcosanti-Ripa, poi divenuto Palazzo della Cultura. Le sale espositive sono collocate al piano nobiliare, in ambienti che conservano anche affreschi di gusto tardo ottocentesco e primo novecentesco, creando un dialogo molto suggestivo tra contenitore storico e collezione.

Quali oggetti contiene?

Il museo conserva una raccolta estremamente ampia ed eterogenea, che attraversa oltre un secolo di storia della registrazione e della riproduzione del suono. Vi si trovano fonografi a cilindro di fine Ottocento, cilindri in cera, grammofoni, dischi Pathé da 50 centimetri, primi dischi in gommalacca monofacciali Berliner, prime incisioni acustiche ed elettriche, primi 33 giri, fino ad arrivare a oggetti più vicini a noi come il primo Walkman a cassette, il primo iPod e moderni impianti di alta fedeltà. Accanto alla parte strettamente tecnica, il museo custodisce anche cimeli autografati da artisti internazionali come Michael Jackson e Led Zeppelin, una chitarra di Bruce Springsteen, migliaia di spartiti musicali, libretti d’opera dal Seicento in avanti, costumi di scena, fonocartoline, picture disc, jukebox storici e materiali destinati al pubblico infantile, come i Bubble Book e i dischi Red Raven.

C’è qualche aneddoto interessante intorno al Museo?

L’aneddoto più significativo è proprio quello della sua nascita, avvenuta non da un progetto programmato a tavolino, ma da una piccola esperienza scolastica che ha fatto emergere l’interesse del pubblico. Anche la crescita della collezione è accompagnata da episodi curiosi: negli anni, grazie alla credibilità acquisita, molti collezionisti e anche alcuni istituti hanno deciso di affidare al museo i loro patrimoni fonografici, contribuendo ad ampliare enormemente il fondo. Non mancano poi episodi più leggeri e divertenti, come quello di alcuni visitatori che, davanti a chitarre autografate, hanno chiesto scherzosamente di poterle annusare per capire se conservassero ancora tracce del musicista che le aveva suonate.

Come si può vivere e visitare il museo?

La visita al museo è pensata come un’esperienza diretta, non soltanto visiva ma anche d’ascolto. Generalmente si comincia dalla sala principale, dove si trovano le macchine più antiche, e il percorso si sviluppa attraverso racconti, dimostrazioni e ascolti di supporti originali su macchine originali. Questa possibilità di far funzionare gli apparecchi e di ascoltare realmente i suoni del passato rende la visita particolarmente coinvolgente. Inoltre, non si tratta di un percorso rigido: spesso la visita prende forma anche in base alle domande, alle curiosità e agli interessi dei presenti, diventando ogni volta un’esperienza diversa.

Il museo è aperto a collaborazioni con l’esterno?

Sì, il museo è aperto alle collaborazioni e una parte importante della sua crescita è stata resa possibile proprio da relazioni esterne. Negli anni ha acquisito una credibilità tale da spingere collezionisti privati, studiosi e talvolta anche istituzioni ad affidargli materiali e fondi di grande interesse. Il museo è convenzionato con l’Università di Bologna e accoglie tirocinanti provenienti da diverse facoltà. Proprio da un progetto nato per iniziativa dell’Università di Bologna e di una sua studentessa, che aveva conosciuto il museo durante una gita scolastica organizzata da una professoressa, è nato un importante lavoro di catalogazione: circa 16 mila degli 80/90 mila dischi conservati al museo sono stati catalogati e, nello stesso rapporto di collaborazione, sono stati catalogati, fotografati e pubblicati sul sito anche circa 500 libretti d’opera. Anche l’ultima pubblicazione uscita nel 2026 è nata da questo dialogo con il mondo della ricerca, perché è stata realizzata da una dottoranda che ha studiato parte del materiale fonografico del museo. Il museo considera quindi la collaborazione con l’esterno come un elemento fondamentale sia per la conservazione sia per la valorizzazione del patrimonio.

Prevedete possibili sviluppi del Museo del Disco d’Epoca? Ad esempio un libro o un documentario che ne racconti la storia attraverso interviste e video?

Sì, tra i possibili sviluppi del museo rientra sicuramente anche una dimensione editoriale e audiovisiva. La storia del museo, la ricchezza del patrimonio conservato e la quantità di racconti che ruotano attorno agli oggetti si prestano molto bene sia alla realizzazione di un libro sia a un documentario costruito attraverso interviste, materiali d’archivio e testimonianze sonore. In questa direzione esiste già un’esperienza concreta e molto significativa: la dottoranda Anita Posateri ha studiato in modo approfondito, per la sua tesi, il fondo Pathé conservato presso il museo. Considerata la vastità di questo fondo e l’elevata qualità scientifica e descrittiva del suo lavoro, si è deciso, in collaborazione con l’Università di Bologna e con il Comune di Sogliano al Rubicone, di trasformare quella tesi in una pubblicazione. Questo rappresenta un primo sviluppo importante e conferma come il museo possa diventare sempre più anche un centro di ricerca, studio e produzione culturale oltre che di esposizione.

Progetti futuri?

Tra i progetti futuri c’è anzitutto il proseguimento del lavoro di catalogazione, documentazione e valorizzazione del patrimonio. Il museo conserva più di 80 mila supporti fonografici, migliaia di spartiti musicali e migliaia di libretti d’opera, ma solo una parte di questo materiale è stata finora catalogata in modo approfondito. Ampliare questa conoscenza è fondamentale per rafforzare le attività di ricerca e divulgazione. Accanto a questo, il museo intende continuare a sviluppare la propria funzione educativa ed esperienziale, coinvolgendo pubblici diversi, consolidando le collaborazioni e aprendo la strada a nuove pubblicazioni, racconti audiovisivi e progetti culturali legati alla storia del suono registrato.

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29 Luglio 2026/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Nàresh Ran della label italiana Dio Drone Records

Nuovo approdo del mio vagar “spideristico-musicale” per queste lande sonore, alla ricerca di interessanti manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna nella nostra esistenza quotidiana. Questa volta mi dirigo in Toscana, a Firenze, per approfondire “virtualmente” la conoscenza della label Dio Drone Records, progetto votato alla ricerca e pubblicazione di musica sperimentale, nelle sue diramazioni più radicali ed estreme. Deciso a soddisfare la curiosità, mi sono subito messo in contatto con Nàresh Ran, disponibile a raccontarmi la storia, il quotidiano, e il futuro di questa affascinante realtà musicale.

Quando, dove e come è nata l’idea di fondare la Dio Drone Records?

Dio Drone nasce nel 2013 dall’esigenza di creare una casa per tutti quei progetti musicali e artistici più estremi che non trovavano spazio per esibirsi nel giro fiorentino. L’idea era quella di creare un piccolo collettivo di musicisti che si supportassero l’un l’altro, creando connessioni e mettendo in piedi serate di musica senza compromessi, alla faccia del vecchio concetto del ‘quanta gente porti?’.
Al primissimo festival, organizzato al Rullante Club di Firenze che ha visto gli esordi di questa neonata label, suonarono simultaneamente tre progetti, con video proiezioni su pareti, soffitto e pavimento, e naturalmente una macchina del fumo che rendeva tutto praticamente invisibile. Un chaos, ma un bellissimo chaos. Per battezzare la nascita di questa ‘cosa’ negli stessi giorni realizzai una compilation coinvolgendo una manciata di amici stretti, e da qui a cedere alla tentazione di iniziare a produrre altre cose il passo è stato brevissimo. In breve Dio Drone è diventato un progetto del tutto personale sulle mie sole spalle, ma va bene così. Di fatto, incidere su nastro quella primissima compilation mi ha fatto comprendere davvero l’importanza del contribuire alla realizzazione fisica di un album, del far sì che qualcosa che prima non c’era trovasse una forma tangibile grazie al mio contributo. Il modo migliore che potevo trovare per restituire al mondo musicale tutto ciò che mi ha donato negli anni.

Nàresh Ran

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Apprezzo tutto ciò che è personale e diverso, ma soprattutto un disco – o chi l’ha realizzato – deve in qualche modo parlarmi. A volte la scelta di produrre un album è partita dalle tracce che qualcuno mi ha fatto ascoltare, altre dalla voglia di collaborare a prescindere con dei musicisti che apprezzavo indipendentemente dal disco che avrebbero scritto. Ci sono sodalizi che si sono fortificati nel tempo e che hanno portato a molteplici pubblicazioni. In altri casi magari c’è stata solo un’uscita ma il legame di amicizia è rimasto duraturo. Per rispondere alla domanda, non c’è un genere particolare verso cui sono orientato. Certo, mi piacciono le sonorità più spinte e estreme (parole che potremmo sviscerare a lungo per spiegare nei dettagli i significati che ci leggo dentro) ma preferisco concentrarmi sulle persone che si nascondono dietro al progetto.
Non potrei mai collaborare con qualcuno che non stimo.

Vv. Aa. ‘vol. 0’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Credo che l’attitudine sia rimasta esattamente la stessa dei primissimi giorni. Anche se forse al momento mi sto concentrando più su produzioni su nastro, un supporto che adoro. E forse, dopo 13 anni di sbattimenti, sto iniziando a cambiare opinione su tante mie ‘fissazioni’.

Pavor Nocturnus ‘Liturgia Elettronica’

Le vostre produzioni sono in formato vinile, cassetta e digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Non c’è una risposta univoca, ogni album ha il suo giusto formato. Personalmente ho un particolare feticismo per le tapes, per la loro estetica che soprattutto per come suonano. Ma non tutti i dischi sono giusti per questo tipo di formato audio, e viceversa. Sono legato anche all’estetica del vinile perchè il contatto fisico con un oggetto di spessore mi regala molta emozione, e forse per questo motivo non amo troppo i CD, nonostante la loro fedeltà audio. Per quanto riguarda il digitale non sono un fan della sua ‘vendita’. In accordo con i musicisti con cui collaboro cerco sempre di mettere il formato digitale gratuito o a offerta libera. Non tutti possono permettersi i costi di un disco e non tutti hanno l’attrezzatura per ascoltarli, quindi trovo giusto mettere l’ascolto della mia produzione alla portata di tutti.

Demikhov ‘The World as Non-Objectivity’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

E’ assolutamente un’attitudine che approvo. Sia per la collaborazione che si crea tra persone che hanno gli stessi intenti, sia per le bands che così hanno la possibilità di essere promosse su più fronti e magari in diverse parti del pianeta. Il punto centrale per me resta sempre la condivisione tra le persone, che tiene insieme tutti i pezzi dell’ecosistema ricco e complesso che compone il mondo musicale.

Alos ‘Embrace The Darkness’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Possiamo parlarne bene o malissimo, ma al momento i social sono indubbiamente un mezzo estremamente diretto e pratico per comunicare con il mondo esterno se si ha qualcosa da proporre. E’ un oceano in cui ci si sente gocce, ma tendo a vederli come una vetrina contemporanea in cui promuovere il proprio percorso per chi ha voglia di ascoltarti.

An Moku ‘Industrial Silence [This Is Not A Site, Noise (Not) Included]’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

I canali sono underground, così come l’attitudine generale dell’etichetta. Ho la fortuna di essere sostenuto e seguito da una cerchia fedelissima di affezionati che crede nelle vibes diodroniche e con fiducia ne colleziona le uscite. C’è un buon passaparola, e le molteplici collaborazioni hanno acceso un piccolo faro sulle cose che facciamo.

Angst ‘De Funeriis’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Da anni penso a un libro esclusivamente fotografico che ripercorri tutto il percorso dell’etichetta. Dio Drone è un progetto che ha segnato la mia vita in modo decisivo, facendomi sentire di avere un mio piccolo posto sul pianeta. E’ un percorso fatto di suoni ma anche di persone, facce e momenti, e proprio su questi vorrei soffermarmi nel raccogliere un pò di ricordi. Per i suoni ci sono i dischi che resteranno per sempre, ma vorrei mettere su carta alcune immagini che conservo gelosamente nei ricordi.

Vv. Aa. ‘BASSA FEDELTÀ – An Analog Manifesto [1]’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Da poco ho contribuito all’uscita del nuovo album dei Demikhov, in co-produzione con altre etichette di stimati amici. Ho pubblicato il nuovo lavoro di An Moku, artista svizzero con cui condivido la passione per le texture più analogiche, e anche il nuovo album di Angst, musicista di matrice doom che ho visto crescere ed evolversi negli ultimi anni in maniera rapida e interessantissima. Ma di recente è anche uscita una compilation a cui tengo molto: ‘Bassa Fedeltà – An Analog Manifesto [1]’. Un mixtape pensato e realizzato con Randagio e Shivaiswoman per riunire in una tape una manciata di musicisti che suonano con nastri magnetici e bobine, e che vuole essere testimonianza fisica della rassegna di concerti a tema nastri che da due anni portiamo in giro per l’Europa.

Link: Dio Drone Records Facebook Page

Link: Dio Drone Records Instagram Profile

15 Luglio 2026/da Marco Paolucci