Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
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Intervista a Maria Maddalena Novati, Presidente dell’Associazione NoMus

Nuovo appuntamento alla scoperta delle realtà attive nella conoscenza, promozione e condivisione degli incredibili e multiformi aspetti della Musica che innerva la nostra esistenza. Questo in particolare è una sorta di crocevia tra varie interviste su argomenti cari a Kathodik. Nel senso che l’intervista a Maria Maddalena Novati, Presidente dell’Associazione NoMus di Milano, è il crocevia per la serie dedicata a chi si occupa di promuovere un discorso approfondito di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale, di cui l’ultima in ordine di tempo, la numero 12, è quella a Eugenio Monti, della Tsunami Edizioni (qui), perché la NoMus pubblica interessanti saggi di approfondimento su autori importanti della Musica Contemporanea italiana. È il crocevia per la serie di interviste a direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e della Musica tutta, di cui l’ultima in ordine di tempo, la numero 9, è quella ad Andrea Dozi, responsabile della Fonoteca Trotta di Perugia (qui), perché la NoMus ha creato il progetto NDA – NoMus Digital Archive per la fruizione digitale delle collezioni conservate in Associazione. È il crocevia per la serie dedicata alla scoperta di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme, di cui l’ultima in ordine di tempo, la numero 19, è quella a Marcelo M. Wanderley, Direttore del CIRMMT, Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology della McGill University, Montreal, Canada (qui), perché NoMus porta avanti il lavoro di valorizzazione e diffusione dello Studio di Fonologia della Rai di Milano.

Ho scoperto la NoMus navigando in rete, e ho subto pensato alla possibilità di saperne di più su questa interessante realtà. Grazie alla disponibilità di Maria Maddalena Novati ho potuto togliermi la curiosità e conoscere in maniera approfondita la storia, la quotidianità, il futuro dell’Associazione NoMus. Come sempre a voi la lettura.

Come e perché nasce l’Associazione NoMus?

NoMus nasce a Milano nel 2013 come centro studi e ricerche dedicato alla musica del ’900 e contemporanea. L’idea fondativa è mettere al centro gli archivi musicali: tutelarli, studiarli, renderli fruibili e trasformarli in conoscenza condivisa. La forma associativa consente a ricercatori, musicisti e istituzioni di convergere su progetti comuni, con un approccio scientifico ma aperto alla divulgazione.
Accanto alla ricerca e alla catalogazione, NoMus svolge un lavoro costante di recupero e messa in sicurezza degli archivi sonori e audiovisivi. Disponiamo di apparecchiature rare e specifiche per il riversamento, che ci consentono di salvare documenti di grande valore storico oggi difficilmente riproducibili, data la scarsità delle macchine, il progressivo rarefarsi delle competenze e la fragilità dei supporti.
Fin dall’inizio, NoMus ha intrecciato tre linee di lavoro: ricerca d’archivio e digitalizzazione; attività espositive e concertistiche; un’articolata produzione editoriale che valorizza documenti, partiture e testimonianze. L’obiettivo è fare da ponte tra memoria e futuro, affinché i patrimoni del Novecento possano parlare a studiosi, studenti e pubblico curioso.

Maddalena Novati: Ph. @lucaludovico.ph

Come nasce la collana editoriale “I Libri di NoMus”?

La collana “I Libri di NoMus” nasce dall’incontro con l’editore Die Schachtel e dall’esigenza di dare forma editoriale stabile ai percorsi di ricerca condotti su fondi e archivi custoditi dall’Associazione. I titoli sono pensati come monografie critico‑documentarie: offrono saggi, apparati iconografici e, quando opportuno, allegati audio che provengono direttamente dai materiali d’archivio.
Il catalogo si è consolidato negli anni con volumi dedicati a figure rappresentative del Novecento musicale italiano (fra cui Luciano Chailly, Riccardo Malipiero, Armando Gentilucci, Angelo Paccagnini, Sylvano Bussotti, Gino Marinuzzi Jr.). Ogni libro dialoga con attività pubbliche — mostre, concerti, giornate di studio — così da creare una filiera virtuosa tra archivi, ricerca e divulgazione.

Come vengono selezionati i titoli da pubblicare?

La selezione parte dai fondi custoditi o studiati da NoMus: privilegiamo temi e autori per i quali esistano materiali documentari significativi e possibilità di offrire un contributo nuovo alla ricerca. Valutiamo l’interesse scientifico, la disponibilità di inediti, la qualità delle fonti e l’opportunità di collegare il volume a un programma di iniziative pubbliche.


I progetti editoriali nascono spesso in collaborazione con curatori e studiosi che lavorano sui fondi: questo consente di integrare prospettiva storica, analisi musicale e apparati archivistici (testi, fotografie, lettere, bozzetti, registrazioni). L’obiettivo è pubblicare libri utili agli studiosi e, al contempo, accessibili a un pubblico più ampio.

Raccolta fondi, tiratura, promozione e distribuzione per un titolo che si sceglie di pubblicare (in sintesi)?

Il sostegno arriva da una combinazione di fonti: contributi istituzionali (bandi e progetti culturali), donazioni e 5×1000, oltre a campagne dedicate per progetti specifici (come il Catalogo dei Nastri di Fonologia). Le tirature sono calibrate sul target dei singoli titoli e sui canali di diffusione previsti.
La promozione integra strumenti tradizionali e digitali: presentazioni, rassegne, newsletter, sito web e canali social. La distribuzione avviene on‑line tramite l’editore e i partner, nonché direttamente durante eventi e presentazioni. Per i progetti più “di ricerca” privilegiamo una comunicazione mirata verso università, conservatori, biblioteche ed enti culturali.

Quali generi preferite trattare? Vi muoverete su altri generi?

Il baricentro resta il Novecento e il contemporaneo, con attenzione particolare ai linguaggi di confine: musica elettronica e di ricerca, sperimentazione, rapporti con le arti visive, il teatro musicale e i media. La prospettiva è storica e insieme curatoriale: non solo raccontare gli autori, ma restituire i loro ecosistemi creativi. L’apertura a “nuovi generi” non è intesa come spostamento del focus, bensì come ampliamento degli sguardi: progetti che mettano in relazione partitura, suono registrato, performance, grafica e design sonoro — nella convinzione che il Novecento non sia un recinto, ma un prisma da cui leggere il presente.

Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?

La coproduzione è parte integrante del nostro metodo di lavoro. La collana “I Libri di NoMus” è co‑edita con Die Schachtel; a seconda dei progetti collaboriamo con istituzioni, archivi e case editrici per garantire qualità scientifica, cura editoriale e una distribuzione efficace.
Questa logica di rete vale anche oltre i libri: molte pubblicazioni si legano a mostre, convegni, cicli di ascolto o cofanetti audio, così da valorizzare in modo coerente i materiali d’archivio e raggiungere pubblici diversi.

In che cosa consiste il NDA – NoMus Digital Archive?

Il NoMus Digital Archive (NDA) è la piattaforma che rende navigabili on‑line archivi e collezioni depositati presso NoMus. Non è un semplice repertorio di schede: propone percorsi tematici (per esempio Futurismo, Studio di Fonologia della RAI, Fondo Bussotti) e integra testi, immagini, audio, video e partiture, restituendo il contesto storico‑artistico dei materiali.
L’obiettivo è duplice: offrire a studiosi e operatori strumenti affidabili di consultazione, e al tempo stesso creare narrazioni accessibili per chi si avvicina alla musica del XX e XXI secolo. In questo senso, NDA è un “museo sonoro” diffuso, pensato per crescere e aggiornarsi con nuovi fondi, descrizioni e contenuti multimediali.

In che cosa consiste il progetto «Il Catalogo dei Nastri di Fonologia»?

È un progetto di ricerca e valorizzazione dedicato ai nastri dello Studio di Fonologia Musicale della RAI di Milano (1955–1983), vero crocevia della musica elettronica italiana. Il lavoro prevede la catalogazione scientifica dei supporti, l’incrocio con carteggi e documentazione tecnica, e la restituzione editoriale e divulgativa dei risultati.
Il progetto ha una ricaduta concreta su più piani: la pubblicazione di un volume di catalogo per LIM Libreria Musicale Italiana, l’uso didattico e curatoriale dei materiali in mostre, giornate di studio e contenuti digitali. In questo modo un patrimonio sonoro complesso diventa finalmente accessibile e raccontabile a pubblici diversi.

Idee e progetti per il futuro?

Vogliamo consolidare il doppio binario editoriale‑digitale: ampliare i percorsi del NoMus Digital Archive, proseguire la collana “I Libri di NoMus” e sviluppare progetti speciali legati agli anniversari e ai fondi in arrivo. Un’attenzione particolare sarà rivolta allo Studio di Fonologia, alle figure femminili nella musica elettronica e alle pratiche interdisciplinari che uniscono suono, immagine e parola.


Al centro resterà la missione che ci guida dal 2013: custodire, studiare e condividere il patrimonio della musica del Novecento e contemporanea, trasformandolo in conoscenza viva e in nuove opportunità di ascolto. E la catalogazione in SBN di tutti i materiali di NoMus.

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Marco Paolucci
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Intervista con Luciano Gaglio della I, Voidhanger Records

Nuova tappa della mio veleggiare “spideristico-musicale” in questo affascinante universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna in ogni nostra quotidiana peregrinazione. L’approdo di questa puntata è nell’Italia del Sud, presso le lande della I, Voidhanger Records, label dedita ad approfondire le varie e complesse sfaccettature della musica metal, con attenzione particolare alla poetica degli artisti trattati. Sono “incappato” in questa label grazie alla scoperta di una band molto interessante, i Neptunian Maximalism, di cui ho recensito qualche anno fa un loro album ‘Éons’ (qui). La curiosità per questa label mi ha accompagnato in questi anni sottotraccia, fino a riemergere prepotentemente con l’acquisto di un altro album dei Neptunian Maximalism ‘Le Sacre Du Soleil Invaincu’, di cui spero di trovare termpo per parlarne su Kathodik. Ricaduto quindi nelle “maglie sonore” della I,Voidhanger, ho pensato di contattarli per proporre loro un’intervista. Anche in questo caso alle mie domande ha risposto con la massima disponibilità Luciano Gaglio, che si è prestato a parlare della storia, della quotidianità e del futuro della I, Voidhanger Records. A voi la lettura.

Midnight Odyssey ‘Biolume Part 2 – The Golden Orb’

Quando, dove e come è nata l’idea di fondare la I, Voidhanger Records ?

La label è nata nel 2009, nell’Italia del Sud, con l’obiettivo di dare spazio a giovani talenti dell’underground metal d’avanguardia e sperimentale, o comunque fuori da schemi consolidati. Essendo un ascoltatore onnivoro, ho sempre preferito ascoltare metal aperto alle contaminazioni con altri generi, cosa che ritengo essenziale per l’evoluzione del genere. È qualcosa che d’altronde il metal ha sempre avuto nel proprio DNA, dato che molti musicisti che hanno contribuito alla nascita o alla definizione dei suoi vari sottogeneri sono stati tra coloro che lo hanno anche proposto con formule sperimentali.

Dionysiaque ‘Diogonos’

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Principalmente siamo orientati verso black metal, death metal e progressive metal, in tutte le loro sfaccettature. Ma abbiamo pubblicato anche dischi di musica da camera (Luup), di solo piano (Goatcraft) o basati esclusivamente su strumenti atipici come flauto e contrabbasso (Inhumankind), purché la musica e le tematiche trattate avessero sempre un legame col metal. Più in generale, pubblico quello che più mi piace, così da ricreare un microcosmo di stili e generi che ascolto.

Luup ‘Canticles Of The Holy Scythe’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Non direi che sia cambiata, ma sicuramente si è affinata nel corso del tempo. Le premesse di base sono sempre le stesse, ma oggi la label opera con maggiore consapevolezza e maturità, cosa che contribuisce a rafforzare la propria identità in seno alla scena.

Goatcraft ‘The Blasphemer’

Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

I supporti fisici sono i formati che più ci piacciono, senza una netta prevalenza tra CD e vinile. Il formato digitale, indubbiamente più comodo, non mi è particolarmente gradito. Avrò sempre una predilezione per l’oggetto “disco”, che posso stringere tra le mani ed esporre su uno scaffale. Anche per questo la cura che dedichiamo agli artwork di copertina e al packaging è massima, un nostro vero punto di forza.

Inhumankind ‘Self-Deification’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Solitamente non vado matto per le coproduzioni, che sono spesso difficili da gestire perché ogni label ha i suoi tempi e i suoi modi di operare. Ma ammetto che, in momenti di crisi come questi, dividere certe spese può essere una soluzione. Le poche coproduzioni che abbiamo portato avanti riguardano etichette discografiche con cui condividiamo la stessa visione del metal.

Swords Of Dis ‘Melencolia’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Siamo attivi su Facebook e Instagram. I social sono molto importanti, ci permettono di raggiungere una grande fetta di pubblico e di riceverne il feedback praticamente in tempo reale. Inoltre, il fatto che il pubblico possa interloquire direttamente con le label e con le band contribuisce a rafforzare il suo senso di appartenenza alla scena e ad alimentarne la passione.

Serpent Ascending ‘The Enigma Unsettled’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Farsi notare è sempre più difficile, perché ogni anno le webzine sono inondate da migliaia di promo e proposte. È evidente che non c’è materialmente il tempo di ascoltare e assimilare tutto con la dovuta attenzione, e una label che propone cose di nicchia non ha certo vita facile. Allo stesso tempo, ci viene riconosciuta una forte identità stilistica e anche per questo c’è sicuramente un pubblico metal “evoluto” che ci segue assiduamente.

Ôros Kaù ‘Imperii Templum Aries’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Il racconto migliore della nostra storia lo fanno già le nostre uscite (ci avviciniamo a quota 300). Non ci sono molti libri sulla storia di etichette discografiche, e quei pochi che ci sono riguardano label ben più importanti e seminali di I, Voidhanger Records, anche se sono orgoglioso dello spazio che la label si è ritagliata.

Fleshvessel ‘Obstinacy: Sisyphean Dreams Unfolded’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Ne abbiamo parecchie, come sempre. Innanzitutto, uno split LP che coinvolge alcune nostre band storiche (Midnight Odyssey, Swords Of Dis, Ôros Kaù, Serpent Ascending) dedicato al mito di Gilgamesh, con testi che sono l’esatta traduzione inglese di quelli originali. Poi ci sarà spazio per il ritorno dei doomsters francesi Dionysiaque e di un paio di band italiane, Bekor Qilish e Lorn; e ancora live album di Neptunian Maximalism e Midnight Odyssey, e nuovi lavori di Esoctrilihum, Sarmat e Thanatotherion, tra gli altri.

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Marco Paolucci
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Intervista con Erik Honoré del Festival norvegese Punkt

Decimo appuntamento della serie di interviste a direttori artistici di Festival che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo. Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ottava: Luca Benni, direttore artistico del Festival Italian Party, Montone (PG) (qui) Nona: Crew di Holydays Festival, Scopoli (PG) (qui).

Oggi mi sposto “virtualmente” in Norvegia, a Kristiansand per intervistare Erik Honoré del Punkt Festival. Ho scoperto il festival navigando nella rete, mi ha subito interessato per la proposta e per l’approccio alla musica, tra sperimentale e contemporanea, e ho subito pensato ad una possibile intervista per Kathodik. Grazie ad Erik Honoré ho potuto conoscere la storia, il presente e il futuro del Punkt Festival.

Qui trovate la traduzione inglese

Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del Punkt Festival?

Punkt è stato fondato a Kristiansand nel 2005 dai musicisti e produttori Jan Bang ed Erik Honoré. L’idea originale era quella di remixare i concerti, eseguendo una reinterpretazione improvvisata subito dopo il concerto originale. Questo è diventato il concetto del Live Remix, che rimane il cuore di Punkt. Il festival è stato concepito sia come laboratorio che come luogo di incontro per musicisti che lavorano al confine tra improvvisazione, elettronica e sound art.

Erik Honoré – photo Alf Solbakken

Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?

Punkt è un piccolo festival curato da un team di professionisti, con Jan Bang ed Erik Honoré come direttori artistici. Con noi c’è uno staff di produzione dedicato e un gruppo di volontari che durante i giorni del festival forniscono assistenza nella gestione del palco, nella cura degli artisti e nel supporto tecnico.

Jan Bang- by Alf Solbakken

Quando iniziate a pensare e programmare al cartellone del festival?

La programmazione è un processo che dura tutto l’anno. Le idee e le conversazioni con gli artisti iniziano con largo anticipo e, all’inizio dell’estate, la line-up è solitamente confermata. I curatori vedono il programma come un dialogo continuo piuttosto che un evento annuale.

PUNKT Festival 2025

Come viene effettuata la selezione degli artisti e artiste?

La maggior parte degli artisti viene invitata piuttosto che selezionata tramite candidature aperte, anche se quest’ultima modalità è comunque prevista. La selezione si basa sulla risonanza artistica con l’estetica di Punkt, un mix di musica sperimentale, elettronica, ambient e improvvisata. I curatori cercano musicisti curiosi di esplorare i processi e i suoni, spesso affiancandoli a remixer per creare nuove costellazioni. Nel corso degli anni, Punkt ha anche invitato curatori ospiti come Brian Eno, David Sylvian e David Toop, che hanno portato le loro prospettive e le loro reti di contatti.

PUNKT Festival 2025 KUNSTSILO

Su quali generi musicali vi siete e continuate ad orientarvi?

Il festival è incentrato sulla musica avventurosa e trasversale rispetto ai generi. Le sue radici affondano nella musica improvvisata e nell’elettronica, ma abbraccia anche il pop alternativo, la composizione contemporanea e la sound art. Le pratiche acustiche ed elettroniche sono trattate allo stesso modo e il programma include spesso artisti che spaziano tra performance dal vivo, produzioni in studio e installazioni.

PUNKT Festival 2025 KUNSTSILO

Come è strutturato il Punkt Seminar?

Il Punkt Seminar si svolge parallelamente ai concerti ed è curato da David Toop. Riunisce artisti, scrittori e studiosi per conferenze, presentazioni e performance che esplorano l’ascolto, la memoria e la sound art. Il seminario è uno spazio di riflessione, una controparte più tranquilla dei concerti, ed è sviluppato in collaborazione con il centro di ricerca CreaTeME dell’Università di Agder. Si svolge solitamente durante il giorno ed è aperto sia ai professionisti che al pubblico.

PUNKT Festival 2025 TEATERET

Come è strutturato il Live Remix Workshop?

Il Live Remix Workshop è un programma educativo incentrato sulla pratica, organizzato in collaborazione con CreaTeME. Introduce i partecipanti alla filosofia e alla pratica del Punkt Live Remix attraverso:
– Sessioni tecniche, in cui vengono illustrati i metodi e gli strumenti di remix;
– Discussioni estetiche, in cui i partecipanti esplorano come il remix possa essere un atto di composizione e interpretazione;
– Sessioni di esecuzione collaborativa, che consentono ai partecipanti di esibirsi ed essere remixati in tempo reale.
Il workshop offre ai giovani musicisti e produttori un accesso diretto al team Punkt e all’ambiente del festival.

PUNKT Festival 2024

Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni del Punkt! Festival più caratterizzanti?

Diverse edizioni si distinguono dalle altre. Quella del 2012, quando Brian Eno è stato curatore ospite e ha persino eseguito un Live Remix, è spesso citata come una pietra miliare, un momento in cui il concetto di Punkt si è è posto all’attenzione internazionale. Anche altre edizioni con Jon Hassell, Gavin Bryars, David Sylvian e Laurie Anderson hanno contribuito a plasmare l’identità del festival. Molti di questi artisti incarnavano lo spirito di esplorazione sonora che Punkt sostiene.

PUNKT Festival 2023

Quelle con un maggior riscontro di pubblico?

Alcuni anni hanno attirato un’attenzione eccezionale, in particolare l’edizione del ventesimo anniversario nel 2024 e collaborazioni di alto profilo come l’apparizione di Eno nel 2012 o il programma di Anderson nel 2014. La risposta del pubblico tende ad essere più forte quando il programma combina nomi familiari con il carattere sperimentale che contraddistingue il festival.

PUNKT Festival 2022 (1-3 September)

Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival?

Sì. Punkt è attivo su Facebook, Instagram e YouTube e pubblica anche registrazioni tramite la label Punkt Editions su Bandcamp. I social media fungono sia da canale di comunicazione che da archivio, un modo per condividere immagini, brevi esibizioni e l’atmosfera del festival con il pubblico di tutto il mondo. Il team considera queste piattaforme essenziali per mantenere la comunità internazionale del festival.

PUNKT Festival 2021

Come viene recepito il Festival dallo Stato Norvegese? Siete radicati sul territorio?

Punkt è profondamente radicato nel panorama culturale di Kristiansand ed è riconosciuto a livello nazionale come uno dei festival musicali più innovativi della Norvegia. Collabora strettamente con istituzioni locali quali Kunstsilo, Teateret e l’Università di Agder e riceve sostegno culturale a livello regionale e nazionale. Sebbene abbia una portata internazionale, Punkt ha mantenuto un forte senso di appartenenza al territorio e contribuisce attivamente all’identità artistica della città.

PUNKT Festival 2020

Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali?

Sì. Punkt è membro dell’Europe Jazz Network (EJN) e vanta collaborazioni di lunga data con istituzioni accademiche e culturali. A livello internazionale, il concept di Punkt ha fatto tappa in più di 30 città, tra cui Londra, Parigi, Tallinn, Francoforte, Düsseldorf e Mannheim, dove artisti locali collaborano con il team di Punkt in concerti Live Remix. Questo formato itinerante ha contribuito a creare un’ampia rete creativa piuttosto che un franchise formale di festival.

Backstage Punkt 2011 – Photo Alf Solbakken

Dal presente al futuro prossimo venturo: state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?

Sempre. La pianificazione è continua e alcuni nomi sono già stati confermati per Punkt 2026, ma devono ancora essere annunciati. Il processo di scoperta non si ferma mai: ogni edizione nasce naturalmente da quella precedente.

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Marco Paolucci
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Interview with Erik Honoré of the Norvegian Punkt Festival

Tenth installment in the series of interviews with festival artistic directors who approach music in a distinctive and highly interesting way, offering their unique perspective on the contemporary scene. First: Paolo Francesco Visci, artistic director of the ’IndieRocket Festival, Pescara (here). Second: Marek Lukasik, artistic director of the Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (here). Third: Massimo Simonini artistic director of the AngelicA Fest, Bologna (here). Fourth: Lucia Ronchetti, at the time of the interview, artistic director of the 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (here). Fifth: Alessandro Gambo artistic director of the festival Jazz is Dead!, Torino (here). Sixth: Chris Angiolini, artistic director of the Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (here). Seventh, Alessandro Luzi, artistic director of the Festival Mount Echò, Montecosaro (here). Eighth: Luca Benni, artistic director of the Festival Italian Party, Montone (PG) (here). Ninth: the Crew of Holydays Festival, Scopoli (PG) (here).

Today I am traveling “virtually” to Kristiansand, Norway, to interview Erik Honoré of the Punkt Festival. I discovered the festival while surfing the web, and I was immediately interested in its program and approach to music, which ranges from experimental to contemporary, and I immediately thought of a possible interview for Kathodik. Thanks to Erik Honoré, I was able to learn about the history, present, and future of the Punkt Festival.

Here you can find the Italian Translation

Let’s start from the beginning. How did the idea for the Punkt Festival come about?

Punkt was founded in Kristiansand in 2005 by musicians and producers Jan Bang and Erik Honoré. The original idea was to remix concerts, to perform an improvised reinterpretation immediately after the source concert. This became the concept of the Live Remix, which remains the heart of Punkt. The festival was conceived as both a laboratory and a meeting place for musicians working in the borderlands between improvisation, electronics, and sound art.

Erik Honoré – photo Alf Solbakken

How is the Festival currently organized? How many people work there? How many volunteers?

Punkt is a small, curator-led festival run by a professional core team with Jan Bang and Erik Honoré as artistic directors. Around us is a dedicated production staff and a group of volunteers who assist during the festival days with stage management, artist care, and technical support.

Jan Bang- by Alf Solbakken

When do you start thinking about and planning the festival program?

Programming is a year-round process. Ideas and conversations with artists start well in advance, and by early summer the lineup is usually confirmed. The curators see the program as a continuous dialogue rather than a once-a-year event.

PUNKT Festival 2025

How are the artists selected?

Most artists are invited rather than chosen through open submissions, although that also happens. Selection is based on artistic resonance with the Punkt aesthetic — a mix of experimental, electronic, ambient, and improvised music. The curators look for musicians who are curious about process and sound exploration, often pairing them with remixers to create new constellations. Over the years, Punkt has also invited guest curators like Brian Eno, David Sylvian and David Toop, who have brought their own perspectives and networks into the fold.

PUNKT Festival 2025 KUNSTSILO

Which musical genres have you focused on and continue to focus on?

The festival focuses on adventurous, genre-crossing music. Its roots lie in improvisational music and electronics, but it also embraces leftfield pop, contemporary composition, and sound art. Acoustic and electronic practices are treated equally, and the program often includes artists who move between live performance, studio production, and installation work.

PUNKT Festival 2025 KUNSTSILO

How is the Punkt Seminar structured?

The Punkt Seminar runs parallel to the concerts and is curated by David Toop. It gathers artists, writers, and scholars for talks, presentations, and performances exploring listening, memory, and sound art. The seminar is a space for reflection — a quieter counterpart to the concerts — and is developed in collaboration with the University of Agder’s CreaTeME research center. It usually takes place during the daytime, and is open to both professionals and the public.

PUNKT Festival 2025 TEATERET

How is the Live Remix Workshop structured?

The Live Remix Workshop is a hands-on educational program arranged together with CreaTeME. It introduces participants to the philosophy and practice of the Punkt Live Remix through:
– Technique sessions, where remix methods and tools are demonstrated;
– Aesthetic discussions, where participants explore how remixing can be an act of composition and interpretation;
– Collaborative playing sessions, allowing participants to perform and be remixed in real time.
The workshop gives young musicians and producers direct access to the Punkt team and festival environment.

PUNKT Festival 2024

Looking back, which editions of the Punkt! Festival do you think were the most memorable?

Several editions stand out. 2012, when Brian Eno was guest curator and even performed a Live Remix, is often mentioned as a milestone — a moment when Punkt’s concept gained international attention. Other editions featuring Jon Hassell, Gavin Bryars, David Sylvian and Laurie Anderson also shaped the festival’s identity. Many of these artists embodied the spirit of sonic exploration that Punkt champions.

PUNKT Festival 2023

Which ones were the most popular with the public?

Certain years have drawn exceptional attention — notably the 20th anniversary edition in 2024 and high-profile collaborations such as Eno’s 2012 appearance or Anderson’s 2014 program. Audience response tends to be strongest when the program combines familiar names with the festival’s signature experimental edge.

PUNKT Festival 2022 (1-3 September)

Do you use social media to promote and document the festival? If so, which ones do you prefer? Do you consider them necessary tools to help raise awareness of the Festival?

Yes. Punkt is active on Facebook, Instagram, and YouTube, and also releases recordings through Punkt Editions on Bandcamp. Social media serves as both a communication channel and archive — a way to share visuals, short performances, and the atmosphere of the festival with audiences worldwide. The team considers these platforms essential for maintaining the festival’s international community.

PUNKT Festival 2021

How is the Festival perceived by the Norwegian State? Are you rooted in the territory?

Punkt is deeply rooted in Kristiansand’s cultural landscape and is recognized nationally as one of Norway’s most innovative music festivals. It collaborates closely with local institutions such as Kunstsilo, Teateret, and the University of Agder, and receives regional and national cultural support. Although its reach is international, Punkt has maintained a strong sense of place and contributes actively to the city’s artistic identity.

PUNKT Festival 2020

On a related note, is the festival part of or has it been part of national and international networks?

Yes. Punkt is a member of the Europe Jazz Network (EJN) and has long-standing partnerships with academic and cultural institutions. Internationally, the Punkt concept has travelled to more than 30 cities — including London, Paris, Tallinn, Frankfurt, Düsseldorf, and Mannheim — where local artists collaborate with the Punkt team in Live Remix concerts. This traveling format has helped build a wide creative network rather than a formal festival franchise.

Backstage Punkt 2011 – Photo Alf Solbakken

From the present to the near future: are you already thinking about names for the next edition?

Always. Planning is continuous, and some names are already confirmed for Punkt 2026 – but yet to be announced. The process of discovery never really stops — each edition grows naturally out of the one before it.

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Marco Paolucci
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Intervista a Eugenio Monti della Tsunami Edizioni

Incontro numero 12, dedicato a far conoscere ai lettori di Kathodik chi si occupa di promuovere un discorso approfondito di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale. Nell’ordine: il primo, Antonio Bacciocchi della Cometa Rossa Edizioni (qui); il secondo, Marco Refe della Edizioni Crac di Falconara Marittima (qui); il terzo, Luca Cerchiari, curatore della collana ‘Musica Contemporanea’ della Mimesis Edizioni (qui); il quarto, Karl Ludwig, a quel tempo Responsabile Comunicazione della tedesca wolke verlag (qui); il quinto, Domenico Ferraro, direttore editoriale della Squilibri Editore (qui); il sesto, Fabio Ferretti, ideatore e curatore della collana ‘Chorus’, della Edizioni Quodlibet (qui); il settimo, Massimo Roccaforte, curatore editoriale della Goodfellas Edizioni (qui); l’ottavo, Christina Ward co-curatrice della casa editrice statunitense Feral House (qui); il nono, Ken Wissoker, Senior Executive Director della casa editrice statunitense Duke University Press (qui); il decimo, Mark Pinghington e Jamie Sutcliffe ideatori e direttori editoriali della casa editrice britannica Strange Attractor Press (qui). Undicesimo, Roberto Gagliardi Aka Robertò, della Hellnation Libri/Red Star Press (qui). Oggi arrivo “virtualmente” a Milano per intervistare Eugenio Monti della casa editrice Tsunami Edizioni. Posseggo vari volumi di questa casa editrice, che da tempo pubblica testi molto interessanti sulla musica Hard Rock, sulla musica Industrial, sulla musica Metal e tanto altro. Ho subito pensato ad inserire la casa editrice tra le interviste da fare, e complice Eugenio Monti, posso invitarvi alla lettura della storia e del futuro della Tsunami Edizioni.

Come nasce l’idea della casa editrice Tsunami Edizioni?

L’idea ci è venuta nel dicembre 2006, durante un viaggio a Londra per un concerto degli Iron Maiden. Girando per negozi di dischi e librerie abbiamo visto che c’erano davvero tantissimi libri su hard rock e metal che non arrivavano in Italia, che nessuno traduceva, per cui abbiamo pensato di provare a farlo noi. C’è voluto un po’ abbiamo dovuto imparare tante cose, capire come funzionava il sistema, e alla fine, nel giugno del 2008 è uscito il primo libro del nostro catalogo, che oggi, dopo quasi 18 anni, conta circa 200 titoli.

Come vengono selezionati i titoli da pubblicare?

Le strade per scegliere un libro da pubblicare sono molteplici. Per quanto concerne i libri originali può capitare che ci vengano proposti dei testi da valutare così come può succedere che l’idea venga a noi e si parli con un autore adatto (secondo noi) per poterla sviluppare. Oppure nascono da banali chiacchierate. Per le traduzioni, invece, teniamo sempre d’occhio cosa propone il mercato estero e se individuiamo qualcosa che ci interessa ce la procuriamo, la leggiamo e, se ci soddisfa, cominciamo la trattativa per acquisire i diritti di pubblicazione per l’Italia.
La regola di base, comunque, è che i libri ci devono piacere. Non pubblicheremmo mai un libro che non ci piace o su un argomento che non ci interessa, solo perché pensiamo che “possa funzionare”.

Per quanto riguarda la selezione di autori stranieri, a quale scuola di critica musicale si fa più riferimento? Accenno un esempio: avete più interesse negli agli autori di lingua inglese? Oppure negli autori di lingua francese? Oppure di altre lingue?

Sicuramente la lingua inglese è quella privilegiata, soprattutto perché è quella che propone più scelta negli ambiti che interessano a noi. Anche dal punto di vista della traduzione con l’inglese è un po’ più semplice. Questo non esclude, però, che possano esserci cose interessanti anche in altre lingue.

Serie di domande tecniche: raccolta fondi, tiratura, promozione, distribuzione per un titolo che scegliete di pubblicare?

Dopo aver scelto un titolo che potenzialmente potremmo pubblicare, inizia la fase di verifica della fattibilità economica. Non abbiamo mai fatto, almeno per ora, raccolte fondi: finanziamo tutto con i nostri mezzi, nei limiti delle nostre possibilità. Quello che facciamo, ogni tanto, è organizzare un pre-ordine che inizia generalmente un mese prima dell’uscita, per finanziare una parte dei costi di stampa, magari inserendo un gadget per chi ordina direttamente dal nostro sito.
La promozione nelle librerie inizia generalmente 6 mesi prima dell’uscita, la distribuzione, su tutto il territorio nazionale, segue il resto.
Le tirature variano a seconda del titolo, ma si sono ridotte molto negli ultimi anni, anche perché nonostante si lavori con una promozione e distribuzione molto grande, diventa sempre più difficile trovare spazi per i libri musicali nelle librerie.

Quali generi preferite trattare per le vostre pubblicazioni? Perché?

Per vocazione nasciamo con hard rock, metal, metal estremo. Negli anni, poi, ci siamo aperti anche ad altri generi che comunque ci interessano come il progressive, il punk, il rap americano. Anche qui, seguiamo i nostri gusti musicali.

Qual è il titolo più interessante che è stato pubblicato fino ad oggi? Perché?

Potremmo rispondere che per noi sono tutti interessanti, altrimenti non sarebbero nel nostro catalogo. Se vuoi dei titoli, potremmo dire che ‘Lords of Chaos’, ‘The Dirt’, ‘Roger Waters – Oltre il Muro’, ‘Nine Inch Nails – Niente Mi Può Fermare’ e la biografia ufficiale dei NOFX sono quelli che ci hanno dato più soddisfazioni.

Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?

Questa è una bella domanda, alla quale però non sappiamo dare una risposta definitiva. Per quella che è la nostra esperienza diretta, è estremamente difficile che succeda una cosa del genere, a noi non è mai capitato nemmeno di doverci pensare. In ambito musicale le etichette sono moltissime, per cui è più probabile che nascano collaborazioni che in editoria sono molto più difficili, anche considerando che nel nostro Paese gli editori così specializzati come noi si contano sulle dita di una mano.

Lo stato italiano aiuta gli editori per la pubblicazione?

No. Non esiste alcun incentivo né alla pubblicazione né ad altro. Ci sono finanziamenti pubblici per l’editoria periodica, ma per i libri non c’è nulla. Siamo un Paese che ha dato tantissimo alla cultura, ma ora pare che per la nostra classe politica sia un argomento di scarsissimo interesse.

Oltre ai volumi pensate ad altre forme di pubblicazione? Ad esempio documentari, film, podcast?

Abbiamo qualche idea, sì, ma siamo una realtà talmente piccola che non troviamo davvero il tempo per svilupparla come meriterebbe. Senza contare gli investimenti, grandi o piccoli, che sarebbe comunque necessario mettere a preventivo. Ecco, in questo caso sì, avrebbe senso pensare a delle coproduzioni, mettendo insieme competenze diverse.

Qualche segnalazione meritevole dei prossimi titoli che avete in cantiere?

C’è tanta carne al fuoco, molti progetti a breve, medio e lungo termine. Al momento diciamo che ci sono almeno una dozzina di libri in lavorazione, alcuni molto di nicchia, altri per un pubblico leggermente più ampio. Per scaramanzia, però, è meglio se non anticipiamo nulla.

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Marco Paolucci
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Intervista alla Crew di Holydays Festival, Scopoli (PG)

Nono appuntamento della serie di interviste a direttori artistici di Festival che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo. Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ottava: Luca Benni, cofondatore del Festival Italian Party, Montone (PG) (qui).

Questa volta mi dirigo “virtualmente” a Scopoli per intervistare la crew di Holydays Festival. Ho scoperto questo festival questa estate di domenica: spazio immerso nel verde, ambiente rilassato, musica interessante, tra elettronica e improvvisazione, pubblico attento e partecipe. Subito mi è balenata l’idea dell’intervista per questa rubrica. Le domande hanno permesso di capire di più sulla nascita, sulla filosofia e sulla poetica di Holydays Festival. A voi la lettura e la scoperta.

Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del Holydays Festival?

Nel 2015, insieme a un gruppo di amiche ed amici diventati poi le volontarie e i volontari fondatori dell’Associazione, abbiamo iniziato l’esperienza di Holydays Festival per rispondere alla necessità di creare degli spazi di condivisione e ascolto. Concepito inizialmente in forma itinerante e diffusa, il festival veniva accolto da scorci montani, skate park abbandonati, borghi storici e piscine comunali. Dal 2019, ci siamo trasferiti stabilmente a Scopoli, frazione montana di Foligno (PG) – nella Valle del Menotre. È qui che il festival è cresciuto, nelle sue varie dimensioni, per la qualità della proposta artistica ma allo stesso tempo continuando a sostenere gli artisti e le artiste della scena underground in un’atmosfera intima e partecipata.

La Crew dell’Holydays Festival Edizione 2025

Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?

Negli anni, il gruppo si è ingrandito seguendo anche la crescita del festival e nel 2019 abbiamo costituito un’associazione culturale no profit, continuando però ad avere il fattore amicale come legante fondamentale. Le nuove necessità del festival e degli spazi che ci accolgono ci hanno spinto a cercare una forma organizzativa funzionale ma che rappresenti sempre lo spirito collegiale con cui abbiamo visto il nostro progetto. Il principio alla base è sicuramente l’orizzontalità dell’organizzazione: diversi settori autosufficienti ma collegati in un rizoma che fanno funzionare l’organismo del festival. Nessuno “lavora” per il festival. Siamo tutti volontari: un gruppo di circa 50 persone che progettano durante l’intero anno e che accolgono un’ulteriore quindicina di volontari che si mettono a disposizione per i giorni del festival.

Quando iniziate a pensare e programmare al cartellone del festival?

Finito il festival, ci prendiamo del tempo (poco in realtà!) per goderci serenamente il “riverbero” che quell’edizione ha avuto sia sul pubblico che su di noi. All’inizio dell’autunno, mentre la direzione artistica è già in piena fase operativa, ricominciano a mettersi in moto gli altri settori con la progettazione per l’anno successivo.

Come viene effettuata la selezione degli artisti e artiste?

La direzione artistica è affidata ad un collettivo di circa 10 volontari e volontarie, vicini al mondo della musica e del suono in modi diversi (musicisti, fonici, gestori di locali, curatori ecc.). Ognuno si dedica all’ascolto e alla ricerca di progetti artistici da sottoporre al resto del gruppo, che vengono valutati unitamente alle proposte che arrivano dall’esterno.

Su quali generi musicali vi siete e continuate ad orientarvi?

Dal punk wave all’avant-jazz, dall’hip hop al garage rock, dal folk all’art pop, dalla cumbia all’industrial. Ci piace attraversare generi e provenienze, con attenzione all’ascolto di suoni che vorremmo si sentissero e diffondessero di più anche in Italia, come il tsapiky del Madagascar, il gnaoua del Maghreb o l’highlife dell’Africa occidentale, presenti nell’ultima edizione 2025.

Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni più caratterizzanti?

Sicuramente la prima, nel 2015, perché ha dato origine a tutto il progetto: forse la più acerba, spensierata e allo stesso tempo scanzonata. Pochi amici stretti ad organizzarla, impianti rimediati, spazi scovati e resi accessibili grazie all’aiuto di altre realtà del territorio. L’edizione del 2019 che dà inizio alla fase “stanziale” di Holydays a Scopoli: un posto che abbiamo trovato e ci ha trovato, è lì che abbiamo scoperto un nuovo rapporto con il territorio e chi lo vive, permettendoci di crescere come evento musicale e, allo stesso tempo, come elemento sociale di quel territorio. La Comunanza Agraria di Scopoli ci ha accolto negli spazi che, un tempo, erano utilizzati per la sagra e gli eventi estivi del paese, dandoci la possibilità di dargli nuova vita. Ricordiamo certamente l’edizione del 2021: il Festival diventa Holydays Village, un’esperienza di condivisione tra pubblico, musicisti, organizzazione, relatori, guide escursionistiche e artisti residenti, alla luce delle limitazioni imposte allo spettacolo dal vivo. Se, all’inizio, ridurre i numeri a circa 150 persone pensavamo avrebbe limitato le possibilità e l’esperienza del festival, in realtà ci ha poi mostrato che circoscrivere la dimensione allo stesso tempo rendeva più profonda la partecipazione all’evento: gli “abitanti” del “villaggio” non solo fruivano dei concerti ma avevano la possibilità di partecipare a trekking, conferenze e attività diurne. Questa esperienza ha profondamente cambiato il modo di progettare e concepire la nostra tre-giorni.

Quelle con un maggior riscontro di pubblico?

Crediamo che lo spazio che ci accoglie debba essere rispettato e tutelato, motivo per cui dal 2025 abbiamo deciso di limitare gli ingressi – che negli anni sono diventati sempre più consistenti – per garantire allo stesso tempo la giusta vivibilità dei luoghi e fruizione dei concerti e dei servizi.
Parlando invece del riscontro qualitativo e non quantitativo del pubblico – parallelamente al dialogo che lo staff ha direttamente con l’audience sul luogo – negli ultimi 3 anni abbiamo introdotto dei questionari digitali che consigliamo di fare alla fine dell’esperienza del festival e che ci aiutano a progettare migliorandoci per gli anni successivi.

Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival?

Sì, usiamo Instagram e Facebook principalmente per le comunicazioni funzionali alla diffusione delle attività del programma, ma stiamo cercando di implementare il nostro sito come spazio di narrazione digitale meno frenetico di quello dei social. Nel 2025 abbiamo avviato un progetto di comunicazione epistolare per provare nuovi modi di stare in contatto: abbiamo spedito a realtà e spazi affini al nostro festival, in tutta Italia, una busta contenente dei materiali cartacei di promozione, per provare a ritrovare delle modalità meno impersonali e più dirette.

Come viene recepito il Festival dalla Regione Umbria? Siete radicati sul territorio?

Il festival, nato per rispondere a un’esigenza quasi personale e locale, negli anni è diventato un appuntamento atteso per gli abitanti della zona, con una grande affluenza dalle due province umbre, per i territori limitrofi – come le Marche e il Lazio – ma anche dall’intero territorio nazionale e dall’estero.

Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali? Per fare un confronto penso al festival internazionale di cinema e documentario a tema musicale Seeyousound che aderisce al Music Film Festival Network https://mffn.org/

Non facciamo parte di network di settore, ma la nostra rete si basa su rapporti mutuali con altre associazioni culturali del territorio e no come, tra gli altri, Comunanza Agraria di Scopoli, Circolo Arci Subasio (Foligno), Viaindustriae (Foligno), Circolo Arci Fanfulla (Roma), T-Trane (Perugia), To Lose La Track (Umbertide), Umbria Factory (Foligno), De.Mu (Terni) e Hana-Bi (Marina di Ravenna).

Dal presente al futuro prossimo venturo: state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?

Sì

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Marco Paolucci
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Intervista con Dome della label italiana Black Sweat Records

Nuova tappa della mio veleggiare “spideristico-musicale” in questo affascinante universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna in ogni nostra quotidiana peregrinazione. L’approdo di questa puntata è a Milano, presso le lande della Black Sweat Records, label dedita ad esplorare artisti che si muovono tra ambient, improvvisazione, psichedelia e tanti altri generi, con attenzione particolare alla poetica degli artisti trattati. Anche in questo caso alle mie domande ha risposto con la massima disponibilità Dome, che si è prestato a parlare della storia, della quotidianità e del futuro della Black Sweat Records. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la Black Sweat Records?

L’idea nasce dalla mia grande passione per la musica degli anni ’60 e ’70. All’inizio non avevo esperienze nell’ambito delle ristampe, in quanto venivo dal mondo delle autoproduzioni di musica punk e hardcore. Poi ho conosciuto i ragazzi di quella che è diventata oggi la Bongo Joe Records in Svizzera. Grazie a loro ho fatto il primo disco, Eden Ahbez, un personaggio da cui rimasi fortemente affascinato. Il secondo è stato ‘Positive Force’ degli Al Doum and the Faryds, che è la band in cui suono. Entrambe queste prime uscite si sono rivelate delle belle esperienze formative. Mi sono talmente divertito che da allora non mi sono più fermato, con il tempo ho iniziato a curare anche la grafica di alcune copertine ed anche quello si è rivelato essere molto stimolante.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Non c’è un genere in particolare, le scelte artistiche sono influenzate dal mio gusto personale, ma potrebbe andare bene qualsiasi cosa se mi piace realmente. Di certo i suoni analogici e caldi sono per me molto importanti, vengo da quel tipo di estetica musicale. Guardandomi indietro sicuramente ci sono alcuni filoni che fanno da filo conduttore : lo spiritual jazz, la musica etnica, le frange più spaziali e cosmiche dell’elettronica analogica e dell’ambient, i suoni naturali, il minimalismo, questi sono alcuni degli ingredienti essenziali che caratterizzano maggiormente l’identità dell’etichetta.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Bella domanda, forse adesso sono più orientato a nuove produzioni anche se implicano un sforzo molto maggiore. Lo spirito nel fare le cose è sempre lo stesso, però direi che la proposta mi sembra abbastanza in linea rispetto all’inizio, in equilibrio tra il recupero di alcuni tesori nascosti rispolverati attraverso le ristampe, e la produzione di musiche inedite. Poi si scoprono nuovi musicisti e nuovi filoni musicali più contemporanei, e non sai mai quello che ti può capitare sotto mano. A volte non è immediata la realizzazione di certi dischi, bisogna risalire a chi detiene i diritti e le concessioni, e la comunicazione con i responsabili di vecchie case discografiche o i familiari di artisti scomparsi, procede lentamente. Ma anche questo lato investigativo del mio lavoro ha un suo lato intrigante. In ogni caso il bello della musica risiede nell’essere un mare inesauribile, dove puoi scoprire sempre nuove cose; la curiosità porta sempre a nuovi stimoli, suggestioni e collaborazioni.

Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Io sono legato al supporto e quello più bello è sicuramente il vinile. Non disdegno gli altri formati, però il vinile ti inchioda, obbligandoti a dedicarti con più attenzione all’ascolto, ad approfondire… e questa è una cosa che si sta perdendo con i nuovi supporti in digitale. Diciamo che il vinile ti spinge a selezionare di più perché costa e non puoi comprare tutto. Poi ha le sue scomodità, devi girare il lato, devi stare lì con lui, maggiormente connesso e ascoltare. Ultimamente penso che nella nostra vita ci siano delle scomodità che hanno un valore ed un significato aggiunto, non tutto ciò che è comodo o maggiormente tecnologico rappresenta sempre la scelta migliore. Vedere poi il risultato finale della stampa di un vinile, completo della sua copertina o degli inserti, ha sempre un fascino ed emozione molto forti per un appassionato come me.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Io le amo particolarmente, anche se sono più complicate ed impegnative, però si collabora tra persone e si creano progetti insieme, si veicolano idee differenti, creando qualcosa di unico con il contributo delle varie etichette. In questi anni ho collaborato innanzitutto con la Sing A Song Fighter di Stoccolma, instaurando una piacevole corrispondenza con il suo animatore Karl-Jonas Winqvist, che mi ha introdotto ad alcuni artisti molto particolari quali la sassofonista Lina Langendorf, Isak Sundström e la danzatrice Greta Lindholm. Sempre in ambito svedese ho maturato un felice dialogo con Bengt Berger, storico esponente del jazz scandinavo e fondatore della Country & Eastern, della quale ho ristampato in vinile alcune registrazioni di musica classica indiana ed il live della Bitter Beer Funeral Band. Tra le altre collaborazioni ci sono poi quelle con Bongo Joe Records (Svizzera), We Are Busy Bodies (Canada), la Maple Death di Bologna, la Holidays Records di Stefano Rossi, con il quale condividiamo anche gli stessi spazi nel nostro studio-archivio di Milano, e la storica ADN. Presto ci sarà anche una pubblicazione in tandem con degli amici che animano la label Les Giants (Italia).

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Diciamo che l’etichetta non si è mai caratterizzata per una particolare attenzione al mondo dei social, da cui tengo abbastanza le distanze. Di certo preferisco parlare con gli amici e comunicare direttamente con nuove persone che si rivelano interessate al mio lavoro. Però il mondo e la possibilità di raggiungere le persone, al momento richiede un certo lavoro sui social che cerchiamo di fare cercando di creare bei contenuti, il tutto grazie agli amici che collaborano con l’etichetta. Ad esempio, nell’ultimo anno abbiamo realizzato dei brevi video di lancio/presentazione degli album, che vengono poi caricati su alcune piattaforme.

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Trattando la divulgazione di musiche particolari e, diciamo così, magari non allineate con il gusto generale ed omologato di molta musica di consumo, non è facile arrivare ad un vasto pubblico di ascoltatori. La distribuzione dei nostri dischi negli Stati Uniti ed in Giappone sicuramente ci danno un minimo di visibilità internazionale, e nel corso degli anni si è creata sicuramente una nicchia ristretta di fedeli appassionati e ammiratori del nostro lavoro culturale attraverso la musica. Anche in ambito radiofonico, ad esempio, abbiamo avuto dei buoni riscontri, e un programma come Battiti su RadioRai 3 ci segue sempre con attenzione, passando spesso le nostre produzioni musicali.

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Eh ma sai che ci sta pensando Andrea, mio caro amico e collaboratore, che si occupa dei testi dell’etichetta, dedicandosi alla realizzazione di brevi presentazioni degli album e alla redazione dei testi di alcuni inserti, dal carattere storiografico e biografico di più ampio respiro. Quella del libro è un’idea che coltiva da alcuni anni, ma pare che adesso stia prendendo pian piano forma e concretezza. Vediamo se l’autunno e l’inverno gli daranno la giusta ispirazione e cosa ne verrà fuori. Di sicuro ha già contattato alcuni dei musicisti coinvolti nel catalogo della label per raccogliere brevi contributi e testimonianze.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Prossimamente è prevista la ristampa di un altro disco di Antonio Infantino, musicista, poeta e visionario divulgatore della Taranta del Sud Italia. Poi un disco di tradizione Gagaku, che è la musica secolare della corte imperiale giapponese e un suggestivo lavoro sui pipistrelli della musicologa Mariolina Zitta. Infine, in dirittura d’arrivo c’è anche il nuovo disco degli Al Doum and the Faryds, nato nel tempo prima con il rodaggio dei brani durante i nostri concerti, e poi con le sessioni di registrazione al Guscio Studio del Lorenz, la nostra casa base 🙂

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Marco Paolucci
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Intervista a Riccardo Balli aka Dj Balli, della label bolognese Sonic Belligeranza

Continua la mia navigazione “spideristico-musicale” dell’incredibile universo di suoni e visioni che ci circonda, e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando. Questa volta approdo sulle dune pentagrammatiche della label, di stanza a Bologna, Sonic Belligeranza Records. Il suo creatore, Riccardo Balli aka Dj Balli, è un vulcanico dj, studioso delle sottoculture, scrittore, appassionato affabulatore che ho incontrato di persona svariate volte, spesso in eventi organizzati al CSA Sisma di Macerata. Ma non avevo ancora fissato sulla carta digitale le sue riflessioni sul perché e percome creare una label musicale. Mancanza che mi sono affrettato a colmare, complice la disponibilità di Balli a raccontare vita, suoni e visioni della Sonic Belligeranza Records. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la Sonic Belligeranza Records?

Ero tornato da Londra fine anni ’90 dove ero stato coinvolto nel florilegio di tutta una serie di etichette: Ambush Records, Praxis Records ed altre che stavano spingendo questo nuovo sound per me INTERSTELLARE il breakcore ovvero un cocktail mortale di bordate gabber, breakbeat velocizzati rubati alla musica nera condito da field recording urbani, distorsioni e via dicendo. Una formula che di punto in bianco metteva in contatto il solipsismo della musica di ricerca con le culture di strada che per me ha dato un nuovo senso al concetto di avanguardia. Rapito da questa estasi innovativa, una volta ristabilitomi nel mio paese di nascita non ho potuto fare a meno che creare un imprint, una realtà produttiva, che seguisse quell’impronta. Così è nata Sonic Belligeranza.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

A quanto già specificato nella mia risposta precedente, aggiungo che all’epoca per me il produrre musica era (e per molti versi è ancora) legato a fare qualcosa di nuovo, a elaborare nuovi linguaggi che uscissero dai vicoli ciechi, per esempio, in cui si era infilata la musica contemporanea. Per me non c’era più niente da sperimentare sul suono e basta, c’era di ricercare come il sound si legasse al modo di vestire, al modo di parlare, al modo di muoversi di determinati gruppi di persone. Questo era il nuovo linguaggio da indagare e questa era la direzione verso cui sottoculture musicali della musica dance preveniente dal basso stavano andando. Non ho potuto fare a meno di buttarmi a capofitto in questa stimolante bailamme controculturale.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

La mia idea di breakcore è proprio quella di una musica mutante in continua evoluzione. Il punto è rendere assolutamente imprevedibile il sound della prossima uscita di Sonic Belligeranza. Tutto è possibile a livello di generi musicali. Liscio, musica hawaiana, ebm, insieme al reggaeton potrei continuare per cartelle e cartelle ad indicarti la combinazione di generi musicali che abbiamo fatto uscire, ma sono sicuro che me ne dimenticherei qualcuno quindi non evito di procedere a spararti un listone anzi, meglio, ti rimando a questa url dal nosto sito CONTACT – sonic belligeranza.

Le vostre produzioni sono in formato vinile, cd, cassetta e digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Prima di tutto voglio precisare che nostante Sonic Belligeranza sia una label che opera e anche un negozio fisico, non siamo dei “vinyl nazi”, il digitale ci piace moltissimo, ascoltiamo musica su piattaforme digitali (Bandcamp per dirti la più celebre tra quelle che ci vanno a genio), ma che dire questo sì, ci piace così tanto la musica che al suono vogliamo attaccare dele immagini, dei concetti, dei testi quindi i dischi fisici. Amiamo ed odiamo tutti i formati fisici, li vediamo come la possibilità di, attraverso una stampante in 3d, dare forma fisica ai nostri suoni. Poi il negozio fisico, che dirti, da bambini c’erano le figurine dei calciatori adesso i dischi. Dai concludo la mia risposta con questa classifica di gradimento personale dei supporti:
• 1) Vinile;
• 2) Cassetta;
• 3) CD;
• 4) Floppy Disc;
• 5) Flexi;
• 6) 78 giri;
• 7) Wav;
• 8) Flac;
• 9) Mp3

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Un’ ottima soluzione per far uscire release che altrimenti magari non vedrebbero la luce. Come Sonic Belligeranza non abbiamo mai fatto coproduzioni, il numero delle nostre uscite fisiche non è molto alto considerato che la label è attiva dal 2000 (o almeno non è così alto come vorrei), ma una volta che ci cacciamo in mente di fare uscire una cosa, ci può volere del tempo, ma non demordiamo fino a che non esce.

Dj Zoologist

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Abbiamo tutti i social, o almeno quelli principali. Classicamente li usiamo per diffondere il virus, quanto ci si riesca effettivamente & quanto sia invece una perdita di tempo, difficile da stabilire. C’è un livello poi in cui la promozione sui social prende il sopravvento sulla creazione di nuovo dischi, libri etc., è una cosa che mi fa molto ridere, promuovere il nulla, promuovere per promuovere usando le emoji ed i meme più creativi magari anche in modo accattivante e cutting edge come se il focus non fosse più fare opere, ma far sapere che si stanno facendo cose nel momento in cui intercettaste questa vibe autoreferenziale espressa da parte anche della nostra etichetta mandatemi una raccomandata presso Sonic Belligeranza records via Mascarella 17/b 40126 Bologna Italia con minacce di morte. Cmq online ci trovate in tutti questi posti indicati qui:
https://linktr.ee/sonicbelligeranza

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Importanti anche gli eventi dal vivo ovviamente. Di tanto in tanto in situazioni che ci piacciono usiamo la formula label night ovvero serata dedicata all’etichetta. Di solito la mettiamo in piedi per una nuova uscita discografica, si tratta di un evento dedicato specificatamente alla label (Sonic Belligeranza appunto) ed alle sue sublabel (+ & – Belligeranza).

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Guarda è uscito proprio quest’anno un libro messo insieme da Panopticon & Zz editions che raccoglie una selezione dei flyer che gli editori del volume hanno trovato più significativi scovando nel mio archivio. Raccoglie 25 anni di eventi.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Il -Belligeranza 11 di Vitell1 + Adriano Canzian “Pleasure Cops” su sonorità Italo-EBM, IL Sonic Belligeranza 11 di dj Zoologist “QUAGGHIA” ed il +Belligeranza 09 di Marraffa – Balli – Marraffa TRIO, ancora tutto da pensare. Sul fronte dei libri, in uscita l’edizione italiana del mio “Per un pugno di BLING BLING” per Agenzia X.

Link: Sonic Belligeranza Records Home Page

Link: Sonic Belligeranza Records Facebook Page

Link: Dj Balli Instagram Profile 

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Marco Paolucci
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Intervista ad Andrea Dozi, responsabile della Fonoteca Trotta, Perugia – Italia

Appuntamento numero 9, dedicato alla scoperta di direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e non solo, in tutte le sue manifestazioni sonore. Scrivo non solo perché con le ultime interviste sto esplorando realtà che conservano vari generi di memoria sonora, oltre a quella Rock. Prima: Rolando Giambelli, Beatles Museum di Brescia (qui). Seconda: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, museo dedicato ai Clash e al loro mondo (qui). Terza: Mariano Freschi, associazione MADE IN ROCK, incredibile collezione di centinaia di bassi, chitarre, amplificatori (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, ecc.), di memorabilia, poster, gadget della Storia del Rock (qui). Quarta: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs del MoPOP – Museum Of Pop Culture di Seattle (qui). Quinta: Sawako Ishii dell’Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Giappone (qui). Sesta: B.George, direttore dell’ARChive of Contemporary Music di New York (qui). Settima: Sonia Martone, Direttrice del Museo Nazionale degli strumenti musicali di Roma (qui). Ottava: Vinnie Fiorello del Punk Rock Museum di Las Vegas (qui). Oggi ritorno virtualmente in Italia per intervistare Andrea Dozi, responsabile della Fonoteca Trotta di Perugia. Ho conosciuto Andrea e il suo lavoro al concerto di Marc Ribot Quartet a Montone (PG) questa estate, tramite un amico comune. Chiaramente ho subito pensato all’intervista per Kathodik per farmi raccontare da Andrea, subito disponibile, il mondo della Fonoteca Trotta. A voi la lettura.

Quando è stata fondata la Fonoteca Trotta, e perché?

La Fonoteca regionale trae origine dall’acquisto, effettuato nel 1977, da parte della Regione Umbria, del fondo discografico e librario appartenuto al notaio perugino Oreste Trotta ed è stata aperta al pubblico nel 1990. Fino al 2002 è stata gestita, attraverso convenzioni, da soggetti privati. Dall’aprile del 2002 è gestita direttamente dal Servizio Valorizzazione risorse culturali, Musei, archivi e biblioteche della Regione.

Dove si trova?

Nel centro storico di Perugia, in via del Verzaro, dietro al Teatro Morlacchi e alla Facoltà di Lettere dell’Università degli Studi di Perugia; è aperta al pubblico tutte le mattine dal lunedì al venerdì e nei pomeriggi di martedì e giovedì.

Quali collezioni sono presenti alla Fonoteca Trotta?

Attualmente il patrimonio della Fonoteca Trotta consiste in 25.000 LP, 10.000 CD, 2.000 nastri magnetici e 15.000 partiture e spartiti. Oltre alla musica classica sono presenti migliaia di opere di musica jazz, pop, rock, leggera ed etnica.
La storia dell’istituzione è strettamente legata ai protagonisti della musica umbra della seconda metà del Novecento. È infatti intitolata al notaio perugino Oreste Trotta (1915-1974), musicofilo e grande collezionista di dischi, registrazioni e partiture. Si tratta di un significativo spaccato della produzione mondiale di musica sinfonica e operistica dagli anni cinquanta agli anni settanta. Fra le partiture non mancano pezzi pregiati, come alcune opere in prima edizione o esemplari ormai da tempo fuori commercio. Il fondo comprende anche un notevole quantitativo di nastri magnetici che danno accesso alle registrazioni di concerti radiofonici, specie di musica contemporanea, del periodo che va dai primi anni sessanta a metà degli anni settanta.
L’altra collezione discografica di pregio è quella di Alba Buitoni (1905-1989), donata alla Fonoteca dai suoi eredi nel 1990, che documenta l’attività dell’Associazione Amici della Musica di Perugia. È composta per la maggior parte da dischi in vinile, a volte con dedica autografa, donati dagli artisti di cui si ospitavano i concerti. Il fondo comprende anche una notevole quantità di dischi a 78 giri di particolare interesse storico-antiquario, oltre a particolari incisioni per case discografiche non più presenti sul mercato. Recentemente il fondo si è arricchito di una ulteriore cospicua donazione effettuata da Ilaria Borletti Buitoni.
Nel 1992 il direttore d’orchestra e compositore italo-americano Thomas Briccetti (1936-1999) donò alla Fonoteca l’insieme del materiale librario e fonografico da lui raccolto per scopi professionali. Il Fondo Briccetti contiene le partiture del grande repertorio sinfonico ed operistico annotate con segni d’esecuzione e molte opere del repertorio contemporaneo, soprattutto statunitense. Alle partiture corrispondono quasi sempre le incisioni su disco o su nastro di prestigiose interpretazioni. Il maestro Briccetti si fece promotore dell’acquisizione, da parte della Fonoteca Trotta di due altri importanti fondi musicali: il Fondo Polnauer, composto principalmente da manoscritti autografi del musicologo e violinista Frederick Polnauer; il Fondo de Froment, donato a Briccetti dalla vedova del direttore d’orchestra Louis de Froment (1921-1994).
Tra gli altri fondi discografici, quello donato dagli eredi del conte Paolo Faina, che fu presidente della Società “Amici della Scala di Milano”, e quello appartenuto alla musicofila romana Fausta Costantini.

Che cosa si può fare alla Fonoteca Trotta?

È disponibile una sala per l’ascolto da tutti i supporti musicali: dischi a 78 e 33 giri, nastri magnetici, musicassette, compact disc. Per la musica a stampa, oltre alla consultazione in sede, viene effettuata la riproduzione, per motivi di studio, delle opere libere dal diritto d’autore.
Viene effettuato il prestito dei supporti audio: tutto il posseduto, compatibilmente con la normativa vigente sul diritto d’autore, è prestato in copia digitale. Dei documenti non ancora copiati può essere richiesta la duplicazione.
Lo scorso anno l’archivio si è arricchito di circa 400 libri di argomento musicale di recente pubblicazione che possono essere consultati e presi in prestito come in una qualsiasi biblioteca; il catalogo completo è consultabile in Opac all’indirizzo opac.umbriacultura.it.

È possibile fare ricerca alla Fonoteca Trotta?

Certo, il servizio è rivolto in particolar modo proprio ai musicisti, ai ricercatori e agli operatori del settore ma siamo lieti di guidare all’ascolto anche gli appassionati e i neofiti curiosi ascoltatori di qualsiasi genere musicale.

Ci sono aneddoti interessanti intorno alla Fonoteca Trotta?

Il notaio Oreste Trotta era un appassionato collezionista di materiale musicale vario: dischi, registrazioni casalinghe su nastro magnetico, libretti d’opera, partiture e spartiti di opere liriche. Mandolinista dilettante, raccolse una numerosa letteratura per questo strumento. Il sogno del notaio, che era solito esercitarsi nella direzione ascoltando i dischi fra le mura domestiche, era quello di salire sul podio in teatro. Vi riuscì nel 1968 quando diresse al Teatro “Morlacchi” di Perugia il Fra Diavolo di Daniel Auber. Nel cast anche la moglie, il soprano Raffaella Finaurini.

Qual è il modo migliore per fruire della Fonoteca Trotta?

Il miglior modo è ancora quello di recarsi in sede fisicamente: a costo di sembrare nostalgici siamo ancora convinti sostenitori del supporto fisico, sia esso disco in vinile o in gommalacca, nastro magnetico o libro cartaceo. Ciò non toglie che ci stiamo adeguando ai tempi digitalizzando il patrimonio audio e catalogando tutto il posseduto in OPAC SBN ovvero, sciogliendo gli acronimi, all’interno del Catalogo Online di Pubblico Accesso del Servizio Bibliotecario Nazionale.

La Fonoteca Trotta è presente sui social?

Ha una pagina Facebook (facebook.com/fonoteca.trotta) dalla quale è scaricabile il catalogo, una pagina informativa all’interno del sito istituzionale della Regione Umbria (regione.umbria.it/-/fonoteca-trotta) e un nutrito spazio all’interno del sito ufficiale del Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto in cui è presente una nutrita galleria fotografica (tls-belli.it/fonoteca-regionale-o-trotta-2/) e anche un filmato di presentazione (youtube.com/watch?v=vFHdWXluPt8&t=191s).

La Fonoteca Trotta è aperta a collaborazioni esterne con altre Istituzioni, associazioni, centri di ricerca?

Oltre al Lirico di Spoleto, ha collaborato con la Facoltà di Lettere dell’Università degli Studi di Perugia, fornendo i materiali di ascolto per gli esami di Storia della musica e di Etnomusicologia. È in contatto con il vicino Conservatorio di Musica “Francesco Morlacchi” in collaborazione con il quale ha realizzato concerti e performance di arte contemporanea. In passato ha organizzato diversi cicli di conferenze su musiche colte e di consumo che hanno riscosso un buon successo di pubblico e di critica.

Avete in mente possibili sviluppi? Per esempio un libro o un documentario che racconti la storia della Fonoteca Trotta attraverso le interviste e i filmati video?

Non in particolare ma… tutto è ancora possibile!

Link: Fonoteca Trotta Pagina Informativa – Sito Istituzionale Regione Umbria

Link: Fonoteca Trotta Facebook Page

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Marco Paolucci
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Intervista a Luigi Pugliano e Marco Milanesio della label italiana Delete Recordings

Continua la mia navigazione “spideristico-musicale” dell’incredibile universo di suoni e visioni che ci circonda, e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando. Questa volta approdo sulle dune pentagrammatiche della label, di stanza a Torino, Delete Recordings. Realtà dedita alla sperimentazione e alla creazione di manufatti sonori di kathodiko interesse (qui una recensione di Vittorio Lannutti) che, come scrivo sempre, necessitava di un approfondimento tramite intervista. Detto, fatto, grazie alla disponibilità dei fondatori Luigi Pugliano e Marco Milanesio, ho potuto approfondire la nascita, la storia e il futuro prossimo della Delete Recordings. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la Delete Recordings?

Luigi: Io e Marco Milanesio ci conosciamo da tempo. Avevamo avuto modo di lavorare insieme su produzioni della mia vecchia band (Lule Kaine). Delete nasce a Torino nel 2017.
A Torino pulsano molte e differenti realtà in ambito musicale. Esiste una cerchia di musicisti e persone che sono accumunate da intenti e gusti simili.
Ci sembrava una buona idea creare uno spazio che potesse dare supporto a questa scena.
L’idea iniziale era quella di creare una piccola label che fotografasse il momento e potesse dare visibilità alla realtà locale. Inoltre potevamo offrire le nostre rispettive professioni al servizio degli artisti. Come Delete curiamo moltissimo le produzioni. Io mi occupo del design e della comunicazione e Marco del mastering nell’O.F.F. Studio a Torino.

Marco: Nel 2017 io e Luigi decidemmo di unire gli sforzi per creare una Tape Label, l’intenzione inizialmente fu quella di proporre su supporto magnetico materiale inedito di artisti che interessassero a entrambi. Realizzare quindi tirature limitate di progetti che definimmo, senza volerne sminuire il valore, B project. Sostanzialmente si trattava di quelle produzioni finalizzate a progetti ben definiti (colonne sonore, sonorizzazioni, sperimentazioni) per i quali quindi le musiche avessero una funzione precisa.
Ma allargammo il campo, dando così anche spazio a quei lavori di transizione che spesso vengono realizzati dai musicisti con l’intenzione di sviluppare un percorso che giunga a far realizzare produzioni più definitive. Si può parlare di progetti sonori di ricerca e di direzione ma che mantengano contenuto artistico di valore.
In ogni caso l’idea era sempre stata quella di non costringerci in vincoli, in seguito modificammo questa intenzione e cominciammo a proporre produzioni realizzate in coproduzione con altri progetti simili al nostro ( ‘(r) Titan Arum)’ oppure anche realizzate ad hoc (LAY LLAMAS ‘Hidden Eyes In a Ghost Jungle’).
Di base la guida resta quella di nutrire forte rispetto e attrazione per la musica degli artisti che vogliamo coinvolgere ma in ogni caso senza interferire mai sul processo creativo.
Offriamo un supporto tecnico limitato al mastering e alla realizzazione grafica. Insomma più divulgazione che lavoro di ricerca e identità sonora precisa. Ma non è detto che in futuro si possa pensare anche a lavori da poter concepire e seguire sin dalle prime fasi. Per questo oltretutto abbiamo la possibilità di contare sul supporto di strutture come lo studio di registrazione O.F.F. del quale sono cofondatore insieme a Fabrizio Modonese Palumbo e in seguito con Paul Beauchamp. Ci sono contatti anche con professionisti della produzione video, e Luigi è un grafico di grande esperienza.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Luigi: Siamo partiti con le nostre rispettive produzioni. Era il modo migliore per finanziare il progetto. Ogni uscita finanzia quella successiva. Genere: Ambient, elettronica e drone Siamo nati come tape label perché volevamo piccole produzioni ben curate e perché molte delle label che ammiro e seguo, usavano anche questo supporto. Rispetto al vinile o al CD permette piccole tirature. Poi personalmente amo William Basinski e quindi la scelta è ricaduta sul nastro. Quando il progetto è nato, non erano molte le label che uscivano su nastro. Noi lo amiamo come supporto ed era sicuramente anche un modo per distinguersi.

Marco: Di base l’ambito è quello ampio della ricerca sonora o della sperimentazione senza porre troppi limiti. Ci sono state produzioni di genere ambient o elettronica come anche produzioni chitarristiche e strumentali, in ogni caso senza però addentrarsi in radicalismi. Determinante è il rapporto di reciproca stima umana e artistica tra noi e gli artisti.
Il perchè potrebbe essere naturalmente legato al fatto che io e Luigi, pur avendo punti in comune, abbiamo visioni e gusti musicali che si pongono su piani differenti. Il gioco e farli convivere.

Titan Arum ‘(r)’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Luigi: Si assolutamente. Abbiamo proprio per questo motivo sviluppato una collana a parte: Collabs Series. Sono uscite che ci permettono di spostare l’attenzione su proposte musicali differenti e soprattutto di cogliere l’opportunità di lavorare con altri designer.
Lay Llamas è la nostra seconda uscita Collabs Series.

Marco: Come accennato in precedenza direi di si, sia come tipologia di proposte che hanno voluto con il tempo definire un perimetro più ampio ma vuoi anche come orientamento verso l’utilizzo dei supporti fisici e digitali. Inizialmente l’idea era una Tape Label, in seguito abbiamo poi ritenuto valido anche l’utilizzo del CD, oltre che la diffusione via digitale.
Personalmente, aggiungo, non nutro molta simpatia per il vinile, ma il pregiudizio è principalmente legato al fatto che questo tipo di produzione sembra più orientato a creare schiere di collezionisti e non di ascoltatori, in ogni caso non mi dispiacerebbe l’idea le produzioni di 7”. Poter proporre delle serie, ma il costo è proibitivo per la nostra portata distributiva.

The Star Pillow ‘Quattro Dialoghi Fuori Campo’

Le vostre produzioni sono in formato cd, cassetta e digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Luigi: Dipende sempre dal tipo di disco e produzione.
Io sono un vinilista, da sempre. Il vinile offre a mio avviso l’esperienza migliore per via del suono caldo, delle dimensioni e del formato. Di contro è il formato peggiore per riversare la musica (oltre che il più complesso da realizzare).
Il solco del vinile limita lo spettro della frequenza e questo lo rende inadatto in particolare per le produzioni di elettronica. Eppure è il formato più costoso da produrre ma anche quello con più successo commerciale.
Cassette e CD per rispondere alla tua domanda, perché al momento sono un ottimo compromesso tra qualità e durabilità del supporto, dimensione, facilità di spedizione e costi di produzione.

Marco: Ad ora l’idea di scegliere un supporto è principalmente legata al tipo di produzione che intendiamo realizzare. In ogni caso la cassetta ha sempre esercitato in me un grande fascino, già negli anni 80 quando fondai la HAX Materiali per la comunicazione (insieme a Marco Pustianaz, Cristiana Bauducco, Massimiliano Gatti e Guido Lusetti) era il formato che amavo. In quel periodo ero spesso in movimento ed era il modo per portare con se la musica ascoltandola nei walkman.

selfimperfectionist ‘PURE’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Luigi: Ho un solido background punk-hardcore. Ne ho sempre pensato bene. Era ed è una cosa piuttosto comune per le piccole scene che cercano di supportarsi a vicenda e condividere le spese di produzione.

Marco: Come idea di principio mi piace decisamente. Soprattutto perchè unendo gli sforzi si realizzano opere meglio finanziate e meglio distribuite. Ricordo quando si diede vita a una cordata di etichette che si unì per ristampare ‘Non Classificato’ dei FRANTI un box contenente tutto il materiale da loro pubblicato fino a quel punto. Ebbe una grande diffusione e diverse ristampe negli anni.

AA. VV. ‘Golden Dolphin – Music for Turin vol.1’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Luigi: Sono piuttosto combattuto a riguardo. I social sono strumento potente di ingaggio, ma le connessioni forti ed efficaci continuano ad essere quelle in presenza. Il problema è che i luoghi di aggregazione e condivisione culturale si riducono sempre più, costringendoci a diventare tutti influencer e creatori di contenuti.
Noi cerchiamo di fare resistenza. Non siamo in grado di trasformarci anchorman del piccolo schermo, ma inevitabilmente, siamo costretti ad usare anche i social per promuoverci.
Anche i servizi di streaming sono social ormai. A parte Bandcamp, li boicottiamo tutti sin dal principio. Sono il male e personalmente sono felice che giganti come Constellation Records e GSY!BE abbiano fatto marcia indietro e ritirato la propria musica da tutte le piattaforme di streaming in abbonamento. Quella musica, quel prodotto artistico non lo possiedi, paghi un abbonamento e ti viene prestato. La musica necessità di più.

Marco: Francamente non ho una vera formazione per quanto riguarda l’utilizzo dei social. Di base considero questi mezzi come grandi veicoli per la diffusione di informazioni, però faccio fatica a comprenderne i meccanismi che riescano a rendermeli veramente utili, un limite mio personale dato anche forse dall’anagrafica.
Spesso ho comunque la sensazione che, a meno che forse non se ne faccia un utilizzo supportati da esperti, non sposti molto l’attenzione. Ma non sono molto attivo in questo ambito, Luigi sicuramente ha più il polso della situazione in merito.

Fabrizio Modonese Palumbo ‘The Insincere Sympathy Of The Faraway Stars’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Luigi: Stiamo crescendo lentamente e ne siamo felici. Da poco abbiamo Soundhom come distributore. Le nostre ultime due produzioni (Andrea Cauduro e Lay Llamas) sono andate benissimo. Ci prendiamo molto tempo per decidere sul da farsi e mettiamo tantissima cura in quello che facciamo. Fondamentalmente siamo lenti in un mondo musicale che invece è oramai diventato velocissimo. Speriamo che alla lunga questa cosa paghi.

Marco: Siamo talmente una piccola realtà e produciamo numeri così esigui che la promozione si basa perlopiù su contatti diretti. Ultimamente siamo comunque supportati per la distribuzione da Soundhom.
Non nego comunque che non dispiacerebbe avere la possibilità di dedicarci anche a numeri più cospicui. Il punto è che, molto schematicamente, si vive un momento storico dove a causa della velocità con cui si verificano cambiamenti non si fa in tempo ad adeguarcisi e viene così a crearsi instabilità e confusione, queste danno poi origine a una grossa crisi nell’ambito della produzione musicale, chiaramente eccezion fatta per quel mercato dove vengono investite grandi risorse ma che resta un monopolio economico per personaggi che spesso con l’arte e la divulgazione di messaggio hanno poco o niente a che fare. Ma è un discorsone che merita dibattito decisamente più esteso.

Andrea Cauduro ‘It’s always darkest before the dawn’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Luigi: La storia della Delete non è ancora terminata! Se un giorno dovesse uscire un libro, ne sarai felice ma sarebbe un evento che supererebbe di gran lunga le nostre aspettative.

Marco: Che domanda bizzarra. In realtà non è mai stata presa in considerazione. Però se il progetto venisse esteso a una storia che possa focalizzarsi sull’operato di più realtà potrebbe avere un senso.

Lay Llamas ‘Hidden Eyes In A Ghost Jungle’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Luigi: Abbiamo appena rilasciato LAY LLAMAS ‘Hidden Eyes In a Ghost Jungle’.
Per il futuro qualcosa bolle in pentola, ma per ora nulla è stato ancora definito.
Vediamo dove ci porterà il vento.

Marco: Ad ora dopo l’ultima produzione che stiamo ancora promozionando (LAY LLAMAS ‘Hidden Eyes In a Ghost Jungle’) non cè nulla in cantiere. Ma il meccanismo di solito è:
LUIGI_ che dici se cercassimo per la prossima produzione?
MARCO_ quanto abbiamo in cassa?
LUIGI_poco
MARCO_ ok abbiamo tempo.

Link: Delete Recordings Home Page

Link: Delete Recordings Facebook Page

Link: Delete Recordings Instagram Profile

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