Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
, ,

Interview with Marcelo M. Wanderley, Director – CIRMMT, Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology, McGill University, Montreal, Canada

The 19° episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano – Italy (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Swiss (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum – Japan (here). Fifth: Museo della Farfisa – Italy (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum – USA (here). Seventh: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italy (here). Eighth: SoundMit – International Synth Event – Italy (here). Nine: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA (here). Ten: EMS Elektronmusik Studion – Sverige (here). Eleven: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) – Swiss (here). Twelve: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (here). Thirteen: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), USA (here). Fourtheen: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), USA (here). Fiftheen: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Mexico (here). Sixtheen: Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Nederland (here). Seventeenth: CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – France (here). Eighteenth: Hiroshi Hieida, historian of the NHK Electronic Music Studio, Tokyo – Japan (here). Today I fly “virtually” to Canda to interview Marcelo M. Wanderley, Director of Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT) of McGill University, Montréal (Québec). I invite you to read the interview.

Here the Italian Translation

How did the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology come about?

CIRMMT was created 25 years ago. The goal was to create an infrastructure to foster interdisciplinary research on music and audio, seamlessly blending scientific research and technology development into music and sound studies.

 

How is it structured?

CIRMMT facilities are housed at the Elizabeth Wirth Music Building at McGill University in Montreal, Qc, Canada. It consists of eight research laboratories, from small spaces dedicated to individual experiments to the 400+ m2 acoustically flexible Multimedia Room (MMR) that can host a full symphonic orchestra or smaller ensembles with an audience of about 100 people.

CIRMMT community encompasses four partner institutions—McGill University, Université de Montréal, Université de Sherbrooke, and École de technologie supérieure— and five affiliated institutions: Concordia University, Université du Québec à Montréal (UQÀM), Université Laval, Institut national de recherche scientifique (INRS) and Marianopolis College, as well as a strong network at the national and international level.

A North American and worldwide leading research hub in groundbreaking interdisciplinary research in music, science, and technology for over two decades, CIRMMT currently unites 60 researchers, 271 students, and 106 collaborators.

What equipment does the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology have?

Apart from its groundbreaking facilities, CIRMMT has a unique equipment list equally available to all members (researchers and students). A full list would be too long to describe, but highlights include a 62 Meyer Sound UPJ-1P + 8 subwoofer speaker system with the Constellation system for virtual acoustics simulation in the MMR, a 37-speaker dome at the Performance Research Laboratory (PeRL), a FabLab for making digital musical instruments, dozens of microphones and related recording and production equipment, measurement devices for sound and acoustic measurements, etc.

CIRMMT-02-28-25-8 (Photo Credit – Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

What can you do at the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

CIRMMT fosters high-calibre artistic projects that blend cutting-edge music and science/engineering research to create unique artistic experiences for the Montreal community and abroad. In parallel, CIRMMT’s study of sound and music is an ideal testbed for advanced interdisciplinary research in science and engineering as it requires innovative approaches to cope with the uniquely high music performance and composition demands. Studying the sound of the future (artistic applications) and the future of sound (scientific and technological research) within the same environment allows CIRMMT researchers and collaborators to help shape the future of music, as well as train a new generation of highly qualified personnel that are highly sought after for careers in prestigious universities, top industries, and non-profit institutions in Québec, Canada and worldwide.

The Centre aims to help researchers from different disciplines collaborate in interdisciplinary projects. Examples of previous projects include Virtual Haydn, the recording of Haydn sonatas using replicas of historical instruments in virtual acoustic environments reproducing those where Haydn himself performed; the development of the first fMRI-compatible cello to be used in neuroscience experiments, and large performances such as Rythmopolis, mixing percussion, dance, acrobatics, and technology.

CIRMMT’s Multimedia Room (MMR) (Photo credit: Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

Is it possible to do research at the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

CIRMMT hosts visiting academics from around the world. It has already welcomed 67 researchers from 17 countries who spend a few weeks to a year working on collaborative research projects with CIRMMT members.

Academics and researcher-creators interested in travelling to Montreal to work on a research project with one or more CIRMMT members are asked to contact the relevant member(s) directly.

Is the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology on social media?

CIRMMT has Facebook, Instagram and YouTube accounts with information on events and research opportunities. The CIRMMT YouTube page has two main features: The first is the growing set of videos of the Distinguished Lecture Series, currently with more than 95 one-hour videos of research talks by leading researchers and artists, a unique Video Encyclopedia of Music, Science and Technology. The second is the recently established, student-led ResonatorTube, a series of short educational videos about science and technology aspects of music research meant for non-experts.

Does the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology care for the issue of gender in Electronic Music? And in the Canadian Musical Culture?

CIRMMT aims to provide a positive, inclusive, and equitable research environment in which everyone is welcome and has a sense of belonging and a voice, regardless of race, ethnicity, gender and gender identity, sexuality, physical or cognitive abilities, socioeconomic background, religious beliefs, or any other trait.

In the past few years, all CIRMMT researchers have benefited from workshops dedicated to including EDI principles in the design of research projects at their respective universities.

CIRMMT is tightly involved with the Canadian Music Culture, mainly through its concert series live@CIRMMT. Running since 2007, the live@CIRMMT series has enabled the production of over 150 world premieres and 50 Canadian premieres featuring works from installation-based projects to performances with newly designed instruments in over 100 concerts, reaching an audience of over 17,000 people. Performances are held in McGill’s MMR, Salle Claude-Champagne (Université de Montréal – UdeM), and external venues such as Montréal’s Place des Festivals, home to large-scale events like Rythmopolis (Musical Event of the Year 2018, attended by thousands of people live and online, thanks to a collaboration with Radio-Canada).

What is your relationship with the Canadian government?

CIRMMT receives most of its funding from the Fonds de Recherche du Québec (FRQ), the provincial agency for fostering research in Québec. It has received substantial infrastructure funding from the Canadian Foundation for Innovation (CFI), a federal institution created to support research infrastructure development in Canada, and the government of Québec.

Is the CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology open to collaborations with institutions, associations, and research centres?

CIRMMT welcomes researchers, artists and students willing to come to Montreal for collaborative projects with CIRMMT members. Information related to Visiting Academics and Research Creators details the modalities of possible collaborations as well as immigration information related to research stays in Canada.

CIRMMT-dec-24 (Photo Credit – Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

Ongoing projects and future projects?

The following is a brief summary of a few projects in the Centre.

The Centre is the host of several large international partnership projects led by its members, such as digital humanities projects SIMSSA: Single Interface for Music Score Searching and Analysis project and LinkedMusic: Interlinking Music Resources for Enhanced Access or ACTOR: Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration. SIMSSA developed algorithms that could recognize various elements of music manuscripts, enabling unprecedented online searches and analysis of musical scores, while LinkedMusic currently focuses on creating a comprehensive international metadata schema for music. ACTOR, brings musical timbre and orchestration to the forefront of scholarship, practice, and public awareness.

CIRMMT also supports local partnerships that have a direct impact on citizens lives, such as Sounds in the City, with partners from McGill University, the City of Montreal, and industry professionals who work on urban noise management and soundscape by connecting research and practice, as well as conducting innovative soundscape training programs for urban planners and other decision-makers thanks to CIRMMT facilities.

A collaboration with Ghent University investigates the combined use of motion capture, computational modelling, and adaptive virtual agents and aims to gain insights into the control principles of human temporal synchronization, envisioning new creations where live musicians interact with their virtual counterparts in real-time via XR headsets.

The recently established thematic network AIRS (Air, Intersectorialité, recherche Respiratoire et Sonore) addresses urban sound and noise in relation to air pollution, in terms of environmental quality, sustainable health, and environmental justice to ensure fair and equitable access to healthy living spaces.

Other projects are currently assessing the potential of hearables (i.e., in-ear wearables) for the early detection of neurodegenerative diseases, including partnerships with Québec Health Institutions such as Parkinson’s Québec and the Douglas Research Center.

Link: CIRMMT Home Page
Link: CIRMMT Facebook Page
Link: CIRMMT Instagram Profile
Link: CIRMMT Youtube Channell

 

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Pierpaolo de Sanctis della label italiana Four Flies Records

Nuova esplorazione da “spider” musicale dell’incredibile universo sonoro che ci circonda e ci accompagna in ogni dove, che mi porta questa volta a parlare di una interessantissima label italiana, la Four Flies Records, specializzata in colonne sonore e library music degli anni ‘60, ‘70, ‘80 in avanti. La mia attenzione è stata attirata dalle proposte particolari che la label propone periodicamente e non mi sono fatto scrupoli nel contattare Pierpaolo de Sanctis e farmi raccontare da lui vita, suoni, e visioni di questa interessante realtà musicale. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label Four Flies Records?

Dalla mia passione per le colonne sonore e la library music italiana degli anni d’oro, i ’60, ’70 e ’80. Da storico del cinema, prima ancora che da collezionista di dischi, mi sono reso conto di quanti tesori incredibili fossero andati perduti o mai pubblicati. Ho pensato: “Perché nessuno li ristampa?”. E così mi è venuta l’idea di recuperare queste musiche, spesso fisicamente, andando a scavare nei vari archivi di nastri dei compositori, per ristamparli per farli conoscere al pubblico e salvarli dall’oblio.

Ad un primo esame si evince che le vostre produzioni siano dedicate prevalentemente alle colonne sonore e alla library music. Il motivo di questa scelta?

Perché è un mondo fatto di musica incredibile, che per anni è rimasta sepolta. Le colonne sonore italiane di quel periodo erano pura sperimentazione: jazz, funk, elettronica, psichedelia… suoni ancora oggi attuali. L’idea di recuperare qualcosa di mai ascoltato prima, e di renderlo disponibile per il pubblico contemporaneo, è il motivo stesso che manda avanti la label.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Diciamo che si è ampliata. Siamo ancora molto legati alle nostre radici ma da qualche anno abbiamo deciso di dare spazio anche ad artisti contemporanei, la cui musica richiama in qualche modo quella dei grandi compositori di library e soundtrack. Ci piace pensarci un po’ come un ponte tra passato e presente.

Voi pubblicate le vostre produzioni nel formato vinile. Quali sono le motivazioni di questa scelta? Avete in mente altri formati come CD, la cassetta o il digitale? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Il vinile è sicuramente il formato che più rispetta l’identità sonora di quello che pubblichiamo. E poi per noi è infinitamente più cool di qualsiasi altro formato fisico, c’è poco da fare. Detto questo, pubblichiamo anche in digitale per permettere a tutti di accedere alla nostra musica, e non escludiamo altri formati, come il CD o le cassette, formato con il quale abbiamo collaborato di recente con i nostri amici di Dirt Tapes.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Tutto il bene del mondo. Siamo sempre molto aperti a collaborazioni con etichette vicine o lontane, per sostenere un progetto che richieda una disponibilità di risorse e competenze diverse. Anche nel prossimo futuro usciranno diversi progetti in collaborazione con altre label, di cui però non possiamo ancora anticipare nulla.

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Sono fondamentali, inutile negarlo. Siamo attivi su diverse piattaforme. Ti permettono di far arrivare la tua musica ovunque e di raccontare anche quello che c’è dietro ad essa. Tra i nostri obiettivi c’è sicuramente quello di continuare a crescere sui social per ampliare la nostra platea.

L’essere localizzati in Italia vi ha fatto scoprire un pubblico attento alla musica che proponete?

Sì e no. In Italia c’è uno zoccolo duro di appassionati, ma a essere onesti troviamo ancora più interesse all’estero: Regno Unito, Stati Uniti, Francia… È bello vedere come la musica italiana di quegli anni sia amata e ricercata in tutto il mondo.

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label?

Magari un giorno ci riusciremo! Il lavoro di ricerca dietro ogni uscita è incredibile, e spesso ci imbattiamo in storie affascinanti di compositori, musicisti e produttori dell’epoca. Sarebbe un modo per portare alla luce quello che altrimenti non riusciamo a raccontare.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Il 9 maggio è in uscita il primo LP di Azzurro 80. Un compositore romano che fa della sua bandiera sonoro gli anni ’80. E poi ovviamente continueranno a uscire colonne sonore inedite, una in particolare, per un giallo anni ‘70 che ho sempre sognato di poter riportare alla luce un giorno o l’altro. Ma non posso ancora rivelare molto.

Link: Four Flies Records Home Page
Link: Four Flies Records Facebook Page
Link: Four Flies Records Twitter Profile
Link: Four Flies Records Instagram Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Hiroshi Hieida, ricercatore in Electronic Music e storico dell’NHK Electronic Music Studio, Tokyo – Giappone

18° puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano – Italia (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Svizzera (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum – Giappone (qui). Quinta: Museo della Farfisa – Italia (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum – Stati Uniti (qui). Settima: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italia (qui). Ottava: SoundMit – International Synth Event – Italia (qui). Nona: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – Stati Uniti (qui). Decima: EMS Elektronmusik Studion – Svezia (qui). Undicesima: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), Svizzera (qui). Dodicesima: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (qui). Tredicesima: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), Stati Uniti (qui). Quattordicesima: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), Stati Uniti (qui). Quindicesima: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Messico (qui). Sedicesima: Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Olanda (qui). Diciassettesima: CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – Francia (qui). Oggi ritorno “virtualmente” in Giappone per intervistare Hiroshi Hieida, ricercatore in Electronic Music e storico dell’NHK Electronic Music Studio di Tokyo. Hieida, ci parla della sua ricerca che si concentra sulla preservazione della memoria storica dell’NHK e sulla riscoperta ed attualizzazione della filosofia e della musica creata in questo importante studio nipponico. Ringrazio Sacha W. Bonaffini, delle label Sleepers Records e All Horned Animals AHA, e Jeremy CORRAL, per l’aiuto nell’intervista.

Qui trovate l’intervista in inglese

PASSATO/STORIA

Come è nato l’NHK Electronic Music Studio?

L’NHK Electronic Music Studio è nato nel 1954 come studio temporaneo, con la ristrutturazione della sala di attesa per i visitatori della NHK Hall di Uchisaiwaicho, dove sono stati prodotti i primi “lavori sperimentali”. A quel tempo, le stazioni radiotelevisive disponevano solo di una o due macchine per la registrazione, quindi presero in prestito gli oscillatori e i filtri dagli NHK Technical Research Laboratories, e i volontari del Dipartimento di Musica della NHK insieme ai produttori e agl ingegneri, si riunirono per creare una serie di progetti. Loro impararono a conoscere la musica elettronica da un numero speciale del rapporto tecnico della North West German Broadcasting Station (NWDR) e iniziarono a sperimentare in un’epoca in cui non esistevano YouTube, SNS e nemmeno i fax. Nel 1956, l‘NHK Electronic Music Studio fu ufficialmente aperto nella Broadcasting Hall e vennero commissionate le opere a vari compositori, con uno staff tecnico appositamente incaricato per ogni lavoro.

Come era strutturato?

L‘NHK Electronic Music Studio ha tre epoche: l’Electronic Music Room _ Shinbashi Uchisaiwaicho (1955-1968), lo Studio di Musica Elettronica _ Jinnan 1 (1968-1988) e il Jinnan 2 (1989-1999).


Electronic Music Studio _ Uchisaiwaicho Era (1955-1968)
La prima musica elettronica sintetizzava forme d’onda basate su una teoria chiamata serie di Fourier, per generare dei timbri. La serie di Fourier è una tecnica matematica che approssima qualsiasi funzione periodica con la somma di onde sinusoidali. Poiché le forme d’onda sonore sono funzioni periodiche, è stato possibile creare vari timbri utilizzando la serie di Fourier. Tuttavia, sintetizzando solo onde sinusoidali non si potevano ottenere timbri diversi. Pertanto, gli ingegneri dell‘NHK Electronic Music Studio non si sono limitati a perseguire la diversità dei materiali sonori, ma si sono anche concentrati sulla ricerca della tecnologia di elaborazione del suono. Sono stati sviluppati diversi circuiti di generazione del segnale sonoro e la tecnologia di elaborazione del suono si è evoluta. L’NHK Electronic Music Studio introdusse un’ampia varietà di apparecchiature, tra cui gruppi di oscillatori, dispositivi di formanti e introdusse anche macchine di registrazione/riproduzione. I tecnici utilizzavano questi dispositivi per creare, elaborare e modificare i vari timbri. Nella produzione delle opere, i materiali sonori venivano prima creati e poi elaborati e modificati utilizzando vari dispositivi di formattazione. In seguito, ogni parte vocale veniva creata tramite un montaggio su nastro in base a un diagramma di progetto chiamato “timing conte”. Infine, più parti vocali venivano eseguite simultaneamente per completare un brano musicale.

Electronic Music Room (1955-1968) at Uchisaiwaicho

Electronic Music Studio _ Shibuya Jinnan 1 Era (1968-1988)

Nel 1968, con il trasferimento al Broadcasting Center di Shibuya, fu costruito un nuovo studio di musica elettronica CC-500 al 5° piano dell’edificio principale, che raggiunse il suo apice in occasione dell’Expo di Osaka del 1970. I compositori incaricati per l’esposizione artistica dell’Expo produssero musica elettronica in due momenti presso la Broadcasting Hall e il Broadcasting Center. Fino ai primi anni ’80, la musica elettronica qui prodotta era supportata dagli ingegneri della NHK che assistevano nella produzione delle opere, creando un originale mondo sonoro. Anche dopo l’introduzione dei sintetizzatori (nei media, ecc.) alla fine degli anni ’60, l‘NHK Electronic Music Studio non li ha inseriti in pianta stabile. Questo perché all’epoca i sintetizzatori erano considerati “strumenti universali”, un’estensione degli strumenti esistenti. L’NHK Electronic Music Studio mirava a una musica libera, non definita da strumenti, e non voleva essere vincolata dai limiti dei sintetizzatori. Ad esempio, un pianoforte può produrre solo suoni di pianoforte. Allo stesso modo, anche i sintetizzatori avevano timbri e funzioni fisse a seconda del produttore e del modello specifico, limitando la libertà di creazione del suono. L‘NHK Electronic Music Studio si concentrava sulla creazione di suoni unici combinando varie apparecchiature sonore. Gli ingegneri si appassionavano alla creazione di suoni con le proprie mani piuttosto che affidarsi ai sintetizzatori. Il sogno dell’NHK Electronic Music Studio era quello di creare musica non definita dagli strumenti. L’NHK Electronic Music Studio era un luogo che esplorava le possibilità della musica del futuro sfruttando al meglio le tecnologie del passato in un’epoca in cui la tecnologia analogica era mainstream.

Electronic Music Studio (1968-1986) at Jinnan

Studio di musica elettronica _ Era Jinnan 2 (1989-1999) Dopo il ritiro di Wataru Uenami.

Durante questo periodo, lo NHK Electronic Studio subì un ridimensionamento a causa di una ristrutturazione interna. Lo studio introdusse operativamente nuove apparecchiature, come campionatori digitali e DAW, abbandonando le obsolete apparecchiature analogiche per favorire la diversificazione e affrancarsi dalla produzione manuale.
Tuttavia, accanto all’innovazione tecnologica, si verificò anche un cambiamento dei valori relativi alla produzione musicale. La diffusione della tecnologia digitale ha mostrato ai compositori nuove possibilità di espressione, segnando l’inizio di una divergenza dalla filosofia di lungo corso secondo cui “lo studio determina la direzione della composizione. La pratica supera l’estetica” (Wataru Uenami).
Lo studio, che ha avuto origine agli albori delle trasmissioni radiofoniche e ha raggiunto il suo periodo d’oro con lo sviluppo delle trasmissioni stereo in FM, ha visto gradualmente diminuire il suo ruolo mentre si sforzava di tenere il passo con l’evoluzione della tecnologia digitale. Quest’epoca ci offre una profonda visione dell’impatto dell’innovazione tecnologica sulla cultura musicale e del rapporto tra estetica e pratica che cambia con i tempi. Il nostro obiettivo è analizzare obiettivamente questa storia, non come una reliquia del passato, ma come una lezione cruciale per considerare il futuro della cultura musicale.

Electronic Music Studio Equipment List

Che tipo di attrezzatura era presente nello studio di musica elettronica della NHK?

• Dispositivo di generazione di sorgenti sonore materiali (un dispositivo che crea le sorgenti sonore necessarie per la musica elettronica al posto degli strumenti).
◦ Oscillatore sinusoidale a 6 serie, oscillatore variabile a bassa frequenza, monocordo, generatore di rumore bianco, oscillatore di onde funzionali, ecc.
• Dispositivo di formazione di toni musicali (dispositivo che crea cambiamenti ed effetti di tono musicale corrispondenti al processo di esecuzione degli strumenti musicali).
◦ Dispositivo di modulazione (modulatore parallelo, modulatore ad anello, ecc.), dispositivo di formazione del ritmo (modulatore AM), dispositivo di formazione dell’inviluppo, circuito gate, expander.
◦ Dispositivo di controllo della banda di frequenza (HPF, LPF, OBPF, MBPF, FBPF, (selettore, respingente), vocoder).
◦ Dispositivo di espansione/modulazione della banda di frequenza (registratore/player a nastro a velocità variabile, capstan eccentrico).
◦ Dispositivo per l’aggiunta di riverbero (camera d’eco, eco a piastra d’acciaio, eco a nastro, eco elettronico).
• Dispositivo di composizione musicale (dispositivo che esegue la composizione musicale di materiali sonori elettronici).
◦ Console di regolazione audio senza canali (sintesi audio, mixdown), nastro (registratore/lettore) per la registrazione, l’editing e la regolazione del pitch change (registratore mono, stereo, multi, a velocità variabile), lettore di dischi, ecc.
• Nel 1962 fu introdotto un registratore/lettore analogico (da 1 pollice) a 6 tracce (a valvole, Sony) con velocità del nastro di 38 cm/sec e 76 cm/sec.
• Pannello jack centralizzato, tasti operativi, controllo multiremoto, dispositivo di ascolto di grandi dimensioni, misuratore di livello, oscilloscopio a raggi catodici, ecc.

Cosa si poteva fare al NHK Electronic Music Studio?

Negli studi con la moderna tecnologia digitale all’avanguardia, i programmi informatici complessi e sofisticati sono fondamentali per la produzione musicale. Tuttavia, lo sviluppo dei programmi richiede tempo e, anche dopo il loro completamento, è difficile una customizzazione flessibile. Di conseguenza, i compositori lavorano fondamentalmente con lo stesso programma, che può limitare la produzione musicale. D’altra parte, la filosofia dell’NHK Electronic Music Studio era che la tecnologia dovesse seguire l’estetica (il pensiero musicale) nella produzione musicale. La tecnologia analogica vincolata è diventata la forza trainante per il pensiero libero e la creazione di musica unica. Un punto degno di nota dell’NHK Electronic Music Studio è che compositori con idee diverse hanno sfidato questi problemi dalle loro rispettive prospettive musicali, e gli ingegneri hanno risposto in modo flessibile alle richieste dei compositori e hanno collaborato alla realizzazione delle opere musicali. Di conseguenza, da questo studio è nata un’ampia varietà di stili compositivi. Attualmente la musica elettronica viene generalmente prodotta con la tecnologia digitale. Tuttavia, le tecnologie analogiche e digitali hanno proprietà diverse e, da un punto di vista musicale ed estetico, una non può sostituire completamente l’altra. La musica dipende fortemente dai materiali. L’NHK Electronic Music Studio è un progetto che risponde alla domanda: “Che tipo di musica si può creare con la tecnologia analogica?”. L’NHK Electronic Music Studio è stato un luogo in cui compositori e ingegneri hanno collaborato per trovare una risposta a questa domanda. L’NHK Electronic Music Studio ha sfruttato al massimo la “tecnologia del passato” e ha esplorato le possibilità di suono e musica che la “nuova tecnologia” non poteva offrire. I risultati di questa esplorazione continuano a mostrarci nuove possibilità musicali anche oggi. Ripeto: l’essenza dell’NHK Electronic Music Studio era la filosofia secondo cui la tecnologia dovrebbe seguire l’estetica (il pensiero musicale) nella produzione musicale. Sebbene la tecnologia analogica abbia naturalmente dei vincoli, questa filosofia era possibile solo perché si trattava di tecnologia analogica.

All’epoca era possibile condurre ricerche presso lo Studio di Musica Elettronica della NHK?

Non capisco il senso della domanda: “Cosa ricercare”. Come stazione di radiodiffusione, si tratta di una struttura per la produzione di programmi di radiodiffusione. Per la ricerca c’è un’altra organizzazione, gli NHK Technical Research Laboratories. Tuttavia, quello che si stava facendo all’NHK Electronic Music Studio non era forse un esperimento con il suono, non una ricerca? Il titolo “Alla ricerca dell’origine del suono”, dato da Wataru Uenami, esprime proprio questo. Sembra che i pionieri della musica elettronica siano stati costantemente alla ricerca di come nasce il suono e come questo diventa musica. Non solo attraverso la fisica, la scienza e la tecnologia, ma anche attraverso le idee e la filosofia. Era un laboratorio sonoro che dava vita a fenomeni fisici inconsapevoli?

L’NHK Electronic Music Studio era attento alla questione di genere nella Musica Elettronica? E nella Cultura Musicale del Giappone?

Non c’erano particolari questioni di genere.

L’NHK Electronic Music Studio era aperto alla collaborazione con istituzioni, associazioni e centri di ricerca?

Anche in questo caso viene fuori il nome di Wataru Uenami (direttore del Dipartimento di Musica della NHK). Egli aveva legami con molte istituzioni, associazioni e centri di ricerca. Ciò è evidente in “The Logic of the Olympic Campaign”, che ha prodotto per le Olimpiadi di Tokyo, e in molte opere di musica elettronica eseguite all’Expo del 1970. Il suo legame con il santuario Kasuga Taisha di Nara è il motivo per cui è riuscito a trasmettere l’essenza della cultura giapponese a Stockhausen ed Eloy.

PRESENTE/FUTURO

Come è iniziata la sua ricerca?

Il mio insegnante, il professor Hiroshi Shiotani, è stato il primo ingegnere capo dell’NHK Electronic Music Studio e ha svolto un ruolo tecnicamente importante agli albori della produzione di musica elettronica. A quel tempo c’erano molte sfide tecniche nella produzione di musica elettronica e, in qualità di ingegnere capo, il professor Shiotani collaborava con i compositori per favorire l’espressione artistica. Il professor Shiotani discuteva di musica con i compositori e insegnava l’importanza dell’apprendimento della musica al personale tecnico. Dopo essersi ritirato dalla NHK, ha fondato il Dipartimento di Ingegneria Musicale dell’Università delle Arti di Osaka con Wataru Uenami, dove io ho imparato la produzione musicale. In seguito, Hiroshi Shiotani è morto improvvisamente nel 1993. In occasione del suo funerale, ho riascoltato la composizione “Music of Sine Waves by the Ratio Sequence of Prime Numbers”, da lui prodotta, e ho pensato che questa musica dovesse essere trasmessa alle generazioni future, così ho deciso di produrre un CD nel 1993:

https://sound3.buyshop.jp/items/72395677

Quando ha iniziato a interessarsi alla storia dell’NHK Electronic Music Studio?

Nel 1974, quando ero uno studente delle superiori, ho appreso della musica elettronica e dell’NHK Electronic Music Studio da un numero speciale della rivista trimestrale “Transonic” intitolato “Technology Space”. Venni a sapere che l’NHK Electronic Music Studio era l’ente centrale dell’Università di Osaka della facoltà di Ingegneria Musicale, e vi sostenni l’esame di ammissione.

Come ha fatto a recuperare il ricordo dell’NHK Electronic Music Studio?

L’NHK Electronic Music Studio ha sfruttato al meglio la “tecnologia del passato” e ha esplorato le possibilità del suono e della musica che la “nuova tecnologia” non poteva offrire. I risultati di questa esplorazione continuano a mostrarci nuove possibilità musicali anche oggi. L’eredità del passato può essere una porta verso il futuro. Vogliamo trasmettere questo concetto alle giovani generazioni di oggi.

Gli archivi storici dell’NHK Electronic Music Studio sono disponibili sui social media?

Attualmente gli archivi storici dell’NHK Electronic Music Studio non sono disponibili sui social media. Tuttavia, stiamo conducendo delle ricerche e disponendone la pubblicazione. Sono uno studente di Hiroshi Shiotani e Wataru Uenami, i primi ingegneri capo dell’NHK Electronic Music Studio, quindi appartengo a una generazione che conosce direttamente il “suono” dello studio. Ho anche esperienza di produzione di programmi alla NHK e capisco profondamente il “suono della NHK”. Tuttavia, quando la nostra generazione non ci sarà più, potrebbe diventare difficile trasmettere alle generazioni future l’attitudine a coltivare l’“origine del suono” dello studio. La pubblicazione degli archivi sui social media è prevista quando i ricordi dello studio diventeranno dei frammenti. Fino ad allora, continueremo a trasmettere lo spirito dello studio attraverso attività come la produzione di nuovi album e concerti.

Qual è il suo attuale rapporto con il governo giapponese come archivista e ricercatore?

Non c’è assolutamente alcun rapporto. Non abbiamo alcun rapporto con il governo giapponese. Siamo conosciuti solo da alcuni appassionati di broadcasting. Il broadcast è un programma chiamato “Musica contemporanea”. Gran parte della musica elettronica giapponese è stata prodotta per essere trasmessa in questo programma. Il presentatore e direttore di questo programma era il defunto Wataru Uenami. Egli era una presenza indispensabile nelle attività dell‘NHK Electronic Music Studio. Ha messo in contatto molti compositori e ingegneri, ha contribuito alla nascita di molti capolavori e ha sostenuto il funzionamento dello studio. L’NHK Electronic Music Studio ha prodotto più di 120 brani di musica elettronica ed è stato utilizzato per la produzione di suoni di scena ed effetti sonori per numerosi programmi televisivi e radiodrammi. Lo studio ha chiuso nel 1999 con “Decomposition II: Beyond the Gate” come ultimo lavoro.

Può parlarmi del progetto della serie di compilation: la prima, ‘The Beginnings of Japanese Electroacoustic Vol.1 – Electronic Music Room 1955-1968’ in 2LP, uscita quest’anno; la seconda compilation (1968-1974) la cui uscita è prevista per l’anno prossimo; la terza compilation (1975-1986) la cui uscita è prevista per il 2027?

“In Search of the Origins of Sound”: Trascendere il tempo, trasformare la forma.

Trent’anni fa, lo stimato Wataru Uenami ha scritto per noi il titolo “In Search of the Origins of Sound”. All’epoca, con il passaggio dai dischi in formato LP ai CD e con l’avanzata della digitalizzazione della musica, credevamo che “In Search of the Origins of Sound” sarebbe durato per l’eternità. Tuttavia, negli ultimi anni, abbiamo avvertito un forte senso di crisi, poiché il modo in cui i giovani ascoltano la musica è gravitato verso i servizi di abbonamento e YouTube, diluendo il concetto di “possesso” della musica. Questo ci ha portato all’idea di un revival degli LP in vinile. Conservando queste opere nel supporto fisico degli LP, “Alla ricerca delle origini del suono” potrà sopravvivere fino alla fine dell’umanità. Tuttavia, la produzione di LP richiede oltre un milione di yen. Abbiamo quindi optato per il crowdfunding. In effetti, il primo capitolo di “In Search of the Origins of Sound”, una raccolta di opere di Hiroshi Shiotani, è stata concepita al suo funerale. Ci siamo resi conto che noi, suoi studenti, dovevamo condividere i suoi risultati, passati inosservati durante i nostri giorni da studenti. Abbiamo raccolto fondi tra i compagni di classe, gli anziani e i giovani, producendo 500 CD, l’ordine minimo a quel tempo. Non potendo distribuire tutte le 500 copie, le portammo in un negozio di dischi dove John Zorn le ascoltò per caso, provocando una risposta significativa. Di conseguenza, il CD è diventato un oggetto raro, non disponibile nemmeno su Amazon. La nostra campagna di crowdfunding, lanciata lo scorso febbraio, ha superato l’obiettivo di 1,5 milioni di yen, raccogliendo 2,5 milioni di yen da 239 finanziatori, un successo clamoroso. La prima uscita è stata un doppio LP, con 11 brani accuratamente selezionati dell’era Electronic Music Room (1955-1968) intitolato appunto ‘The Beginnings of Japanese Electroacoustic Vol.1 – Electronic Music Room 1955-1968’.

A maggio lanceremo il secondo capitolo, incentrato sull’epoca dell’Electronic Music Studio (1968-1974), all’epoca dell’Expo ’70. L’anno prossimo, invece, è prevista la pubblicazione della terza uscita, che coprirà l’epoca dell’Electronic Music Studio (1975-1986) nella fase New Wave.

Attualmente, Soundohm è l’unico distributore all’estero, ma abbiamo un servizio di e-commerce dal sito per chiuque voglia acquistare il disco.

Vi invitiamo ad aggiungere queste opere alle vostre discoteche e a condividere l’eredità della musica elettronica giapponese.

Progetti in corso e progetti futuri per preservare la memoria e il lascito del NHK Electronic Music Studio ?

NIPPON Electronic Music 70th Anniversary Project

1) 15 February J C Eloy ‘GAKU NO MICHI Material’ Completed（end)
2) May undecided Kyushu Institute of Design
3) 17 May Crowdfunding vol.2 Oto no Hajimari wo Motomete (2) Around the Time of Expo
4) 31 May & 1 June Kyoto Rohm Theatre North Hall 2days
5) 8 & 9 July In memoriam: Joji Yuasa ‘Ikon 5ch → final’ 2 days
5) 27 & 28 September
’70EXPO Festival Square 4 composers selected Matsudaira/Matsushita/Ichiyanagi/Kosugi
⑥Nov. Osaka University of Arts
⑦ Nov 27 28 NIPPON 70th anniversary of electronic music
⑧ 14 Feb 15 Solo exhibition of electronic music ‘Maki Ishii’ 90th anniversary of his birth.

Se c’è la possibilità di partecipare a festival elettroacustici in Europa, non c’è problema, massima disponibilità.

Link: Sound3 Records Home Page
Link: Sound3 Records Facebook Page
Link: Sound3 Records Twitter Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Interview with Hiroshi Hieida, researcher in Electronic Music and memory preserver of NHK Electronic Music Studio, Tokyo – Japan

The 18° episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano – Italy (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Swiss (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum – Japan (here). Fifth: Museo della Farfisa – Italy (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum – USA (here). Seventh: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italy (here). Eighth: SoundMit – International Synth Event – Italy (here). Nine: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA (here). Ten: EMS Elektronmusik Studion – Sverige (here). Eleven: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) – Swiss (here). Twelve: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (here). Thirteen: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), USA (here). Fourtheen: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), USA (here). Fiftheen: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Mexico (here). Sixtheen: Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Nederland (here). Seventeenth: CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – France (here). Today I return “virtually” to Japan to interview Hiroshi Hieida, researcher in Electronic Music and historian of the NHK Electronic Music Studio in Tokyo. Hieida, tells us about his research that focuses on preserving the historical memory of NHK and rediscovering and updating the philosophy and music created in this important Japanese studio. I would like to thank Sacha W. Bonaffini, of the labels Sleepers Records and All Horned Animals AHA, and Jeremy CORRAL, for help with the interview.

Here the Italian Translation

PAST / HISTORY

How was the NHK Electronic Music Studio born?

The NHK Electronic Music Studio was established in 1954 as a temporary studio by renovating the visitor observation room of NHK Hall in Uchisaiwaicho, where the first “experimental works” were produced. At that time, broadcasting stations only had one or two recording machines, so they borrowed oscillators and filters from the NHK Technical Research Laboratories, and volunteers from the NHK Music Department producers and engineers gathered to create works. They learned about electronic music from a special issue of the technical report of the North West German Broadcasting Station (NWDR) and began experimenting in an era without YouTube, SNS, or even fax machines. In 1956, the NHK Electronic Music Studio was officially opened in the Broadcasting Hall, and works were commissioned from various composers, with technical staff assembled for each work.

How was it structured?

The NHK Electronic Music Studio has three eras: the Electronic Music Room _ Shinbashi Uchisaiwaicho era (1955-1968), the Electronic Music Studio _ Jinnan 1 era (1968-1988), and the Jinnan 2 era (1989-1999).

Electronic Music Studio _ Uchisaiwaicho Era (1955-1968)
Early electronic music synthesized waveforms based on a theory called Fourier series to generate timbres. The Fourier series is a mathematical technique that approximates any periodic function with the sum of sine waves. Since sound waveforms are periodic functions, it was possible to create various timbres using Fourier series. However, synthesizing only sine waves could not produce diverse timbres. Therefore, the engineers at the NHK Electronic Music Studio not only pursued the diversity of sound materials but also focused on researching sound processing technology. Various signal sound generation circuits were developed, and sound processing technology evolved. The NHK Electronic Music Studio introduced a wide variety of equipment, including oscillator groups, formant devices, and introduced recording/playback machines. Technicians used these devices to create, process, and edit various timbres. In the production of works, sound materials were first created and then processed and edited using various formant devices. Then, each voice part was created by tape editing according to a design drawing called a timing conte. Finally, multiple voice parts were played simultaneously to complete one musical piece.

Electronic Music Room (1955-1968) at Uchisaiwaicho

Electronic Music Studio _ Shibuya Jinnan 1 Era (1968-1988)

In 1968, with the relocation to the Shibuya Broadcasting Center, a new electronic music studio CC-500 was built on the 5th floor of the main building, reaching its peak around the Osaka Expo in 1970. Composers commissioned for the Expo’s art exhibition produced electronic music in parallel at the Broadcasting Hall and Broadcasting Center. Until the early 1980s, the electronic music produced here was supported by NHK engineers who assisted in the production of works, creating a unique sound world. Even after synthesizers were introduced to (the media, etc.) in the late 1960s, the NHK Electronic Music Studio did not actively introduce them. This was because synthesizers were considered “universal instruments” at the time, an extension of existing instruments. The NHK Electronic Music Studio aimed for free music not defined by instruments and did not want to be bound by the constraints of synthesizers. For example, a piano can only produce piano sounds. Similarly, synthesizers also had fixed timbres and functions depending on the specific manufacturer and model, limiting the freedom of sound creation. The NHK Electronic Music Studio focused on creating unique sounds by combining various sound equipment. Engineers were passionate about creating sounds with their own hands rather than relying on synthesizers. The dream of the NHK Electronic Music Studio was to create music not defined by instruments. The NHK Electronic Music Studio was a place that explored the possibilities of future music by making the most of past technologies in an era when analog technology was mainstream.

Electronic Music Studio (1968-1986) at Jinnan

Electronic Music Studio _ Jinnan 2 Era (1989-1999) After Wataru Uenami retired.

During this period, the NHK Electronic Studio underwent downsizing due to internal restructuring. The studio actively introduced new equipment such as digital samplers and DAWs, moving away from outdated analog gear to embrace diversification and break free from manual production. However, alongside technological innovation, there was also a shift in values regarding music production.
The spread of digital technology offered composers new possibilities of expression, marking the beginning of a divergence from the long-held philosophy that ‘the studio determines the direction of composition. Function surpasses aesthetics’ (Wataru Uenami).
The studio, which had its origins in the dawn of radio broadcasting and reached its golden age with the development of FM stereo broadcasting, gradually saw its role diminish as it struggled to keep pace with the wave of digital technology. This era provides us with profound insights into the impact of technological innovation on music culture, and the relationship between aesthetics and function that changes with the times. We aim to objectively analyze this history, not as a relic of the past, but as a crucial lesson for considering the future of music culture.

Electronic Music Studio Equipment List

What kind of equipment was in the NHK Electronic Music Studio?

• Material sound source generation device (a device that creates sound sources necessary for electronic music instead of instruments).
◦ 6-series sine wave oscillator, variable low-frequency oscillator, monochord, white noise generator, function wave oscillator, etc.
• Musical tone formation device (a device that creates changes and musical tone effects corresponding to the performance process of musical instruments).
◦ Modulation device (parallel modulator, ring modulator, etc.), rhythm formation device (AM modulator), envelope formation device, gate circuit, expander.
◦ Frequency band control device (HPF, LPF, OBPF, MBPF, FBPF, (selector, rejector), vocoder).
◦ Frequency band expansion/modulation device (variable speed tape recorder/player, eccentric capstan).
◦ Reverberation adding device (echo room, steel plate echo, tape echo, electronic echo).
• Music composition device (a device that performs the musical composition of electronic sound materials).
◦ Channel-free audio adjustment console (audio synthesis, mixdown), tape (recorder/player) for recording, editing, and pitch change adjustment (mono, stereo, multi, variable speed recorder), disc player, etc.
• In 1962, an analog (1-inch) 6-track tape recorder/player (vacuum tube, Sony) with tape speeds of 38 cm/sec and 76 cm/sec was introduced.
• Centralized jack panel, operation keys, multi-remote control, large listening device, level meter, cathode ray oscilloscope, etc.

What could be done at the NHK Electronic Music Studio?

In studios with modern cutting-edge digital technology, complex and sophisticated computer programs are central to music production. However, program development takes time, and even after completion, flexible customization is difficult. As a result, composers basically work with the same program, and the program may restrict music production. On the other hand, the philosophy of the NHK Electronic Music Studio was that technology should follow aesthetics (musical thinking) in music production. Constrained analog technology became the driving force for free thinking and unique music creation. A noteworthy point of the NHK Electronic Music Studio is that composers with diverse ideas challenged these issues from their respective musical perspectives, and engineers flexibly responded to the composers requests and collaborated to realize musical works. As a result, a wide variety of compositional styles were born from this studio. Currently electronic music is usually produced using digital technology. However, analog and digital technologies have different properties, and from a musical and aesthetic point of view, one cannot completely replace the other. Music heavily depends on materials. The NHK Electronic Music Studio is a project that answers the question, “What kind of music can be created with analog technology?”. The NHK Electronic Music Studio was a place where composers and engineers collaborated to pursue the answer to this question. The NHK Electronic Music Studio made the most of “past technology” and explored the possibilities of sound and music that “new technology” could not bring. The results of this exploration continue to show us new possibilities of music even now. I repeat: the essence of the NHK Electronic Music Studio was the philosophy that technology should follow aesthetics (musical thinking) in music production. While analog technology naturally has constraints, this philosophy was only possible because it was analog technology.

Was it possible to conduct research at the NHK Electronic Music Studio at that time?

I don’t understand the meaning of the question, “What to research.” As a broadcasting station facility, it is a facility for producing broadcasting programs. For research, there is another organization, the NHK Technical Research Laboratories. However, wasn’t what was being done at the NHK Electronic Music Studio constantly an experiment with sound, not research? “In Search of the Origin of Sound,” which Wataru Uenami gave it, expresses just that. It seems that the pioneers of electronic music were constantly pursuing and chasing how sound is born and how it becomes music. Not only physics, science, and technology, but also through ideas and philosophy. It was a sound laboratory that gave life to bloodless physical phenomena?

Did the NHK Electronic Music Studio pay attention to gender issues in electronic music?

There were no particular gender issues.

Was the NHK Electronic Music Studio open to collaboration with institutions, associations, and research centers?

Here again, the name of NHK Music Department director Wataru Uenami comes up. He had connections with many institutions, associations, and research centers. This is evident in “The Logic of the Olympic Campaign,” which he produced for the Tokyo Olympics, and many electronic music works performed at the 1970 Expo. His connection with Kasuga Taisha Shrine in Nara is the reason why he was able to convey the essence of Japanese culture to Stockhausen and Eloy.

PRESENT / FUTURE

How did your research begin?

My teacher, Professor Hiroshi Shiotani, was the first chief engineer of the NHK Electronic Music Studio and played a technically important role in the dawn of electronic music production. At that time, there were many technical challenges in electronic music production, and as chief engineer, Professor Shiotani collaborated with composers to pursue artistic expression. Professor Shiotani discussed music with composers and taught the importance of learning music to the technical staff. After he retired from NHK, he established the Department of Music Engineering at Osaka University of Arts with Wataru Uenami, where I learned music production. Later, Hiroshi Shiotani passed away suddenly in 1993. At that funeral, I listened again to “Music of Sine Waves by the Ratio Sequence of Prime Numbers,” which he produced, and thought that this music should be passed on to future generations, so I decided to produce a CD in 1993:

https://sound3.buyshop.jp/items/72395677

When did you first become interested in the history of the NHK Electronic Music Studio?

In 1974, when I was a high school student, I learned about electronic music and the NHK Electronic Music Studio in a special issue of the quarterly magazine “Transonic” called “Technology Space.” I learned that the NHK Electronic Music Studio was the mother body of Osaka University of Arts Music Engineering, and I took the entrance exam there.

How did you restore the memories of the NHK Electronic Music Studio?

The NHK Electronic Music Studio made the most of “past technology” and explored the possibilities of sound and music that “new technology” could not bring. The results of this exploration continue to show us new possibilities of music even now. The legacy of the past may actually be a door to the future. We want to convey this to the younger generation of today.

Are historical archives of the NHK Electronic Music Studio available on social media?

Currently, historical archives of the NHK Electronic Music Studio are not available on social media. However, we are conducting research and preparation for publication. I am a student of Hiroshi Shiotani and Wataru Uenami, the first chief engineers of the NHK Electronic Music Studio, so I am from a generation that directly knows the “sound” of the studio. I also have experience producing programs at NHK and deeply understand the “sound of NHK.” However, when our generation is gone, it may become difficult to pass on to future generations the attitude of pursuing the “origin of sound” of the studio. The archives are scheduled to be published on social media when the memories of the studio become the skeleton. Until then, we will continue to inherit the spirit of the studio through activities such as producing new albums and concerts.

What is your current relationship with the Japanese government as an archivist and researcher?

There is absolutely no relationship. We have no connection with the Japanese government. We are only known to some broadcasting enthusiasts. The broadcast is a program called “Contemporary Music.” Much of Japanese electronic music was produced for broadcasting on this program. The presenter and director of this program was the late Wataru Uenami. He was an indispensable presence in the activities of the NHK Electronic Music Studio. He cut out connected many composers and engineers, contributed to the birth of many masterpieces, and supported the operation of the studio. The NHK Electronic Music Studio produced more than 120 electronic music pieces and was used for the production of background sounds and sound effects for numerous television programs and radio dramas. The studio closed in 1999 with “Decomposition II: Beyond the Gate” asits last work.

Can you write me about the project of the series of compilations: the first The Beginnings of Japanese Electroacoustic Vol.1 – Electronic Music Room 1955-1968 (2LP) released this year; the second series (1968-1974) planned for next year; the third series (1975-1986) planned for the year after?

“In Search of the Origins of Sound”: Transcending Time, Transforming Form.

Thirty years ago, the esteemed Wataru Uenami inscribed the title “In Search of the Origins of Sound” for us. At that time, as the shift from LP records to CDs occurred and music digitization advanced, we believed that “In Search of the Origins of Sound” would endure for eternity. However, in recent years, we’ve felt a strong sense of crisis as the way young people listen to music has gravitated towards subscription services and YouTube, diluting the concept of “owning” music. This led us to the idea of a vinyl LP revival. By preserving these works in the physical medium of LP records.

We believe “In Search of the Origins of Sound” can survive until the end of humanity. However, LP production requires over one million yen. Thus, we opted for crowdfunding. In fact, the first installment of “In Search of the Origins of Sound,” a collection of works by Hiroshi Shiotani, was conceived at his funeral. We realized we, his students, should share his achievements, which went unnoticed during our student days. We raised funds from classmates, seniors, and juniors, producing 500 CDs, the minimum order at that time. Unable to distribute all 500 copies, we took them to a record store where John Zorn happened to listen, sparking a significant response.

Consequently, the CD became a rare item, unavailable even on Amazon. Our crowdfunding campaign, launched last February, surpassed its 1.5 million yen goal, raising 2.5 million yen from 239 backers, a resounding success. The first release was a double LP, featuring 11 carefully selected tracks from the Electronic Music Room (1955-1968) era.

This May, we’re launching the second installment, focusing on the Electronic Music Studio (1968-1974) era, around the time of Expo ’70. Next year, we aim to release the third installment, covering the Electronic Music Studio (1975-1986) New Wave era.

Currently, Soundohm is the only overseas distributor, but we also offer direct-to-consumer sales.

We invite you to add these works to your libraries and share in the legacy of Japanese electronic music.

Are there any ongoing or future projects to preserve the story and the legacy of NHK Electronic Music Studio?

NIPPON Electronic Music 70th Anniversary Project

1) 15 February J C Eloy ‘GAKU NO MICHI Material’ Completed（end)
2) May undecided Kyushu Institute of Design
3) 17 May Crowdfunding vol.2 Oto no Hajimari wo Motomete (2) Around the Time of Expo
4) 31 May & 1 June Kyoto Rohm Theatre North Hall 2days
5) 8 & 9 July In memoriam: Joji Yuasa ‘Ikon 5ch → final’ 2 days
5) 27 & 28 September ’70EXPO Festival Square 4 composers selected Matsudaira/Matsushita/Ichiyanagi/Kosugi
⑥Nov. Osaka University of Arts
⑦ Nov 27 28 NIPPON 70th anniversary of electronic music
⑧ 14 Feb 15 Solo exhibition of electronic music ‘Maki Ishii’ 90th anniversary of his birth.

If there is a chance to participate in electroacoustic festivals in Europe, by all means.

Link: Sound3 Records Home Page
Link: Sound3 Records Facebook Page
Link: Sound3 Records Twitter Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Sonia Martone, Direttrice del Museo nazionale degli strumenti musicali di Roma

Settimo appuntamento dedicato alla scoperta di direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e non solo, in tutte le sue manifestazioni sonore. Scrivo non solo perché con le ultime interviste sto esplorando realtà che conservano vari generi di memoria sonora, oltre a quella Rock. Prima: Rolando Giambelli, Beatles Museum di Brescia (qui). Seconda: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, museo dedicato ai Clash e al loro mondo (qui). Terza: Mariano Freschi, associazione MADE IN ROCK, incredibile collezione di centinaia di bassi, chitarre, amplificatori (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, ecc.), di memorabilia, poster, gadget della Storia del Rock (qui). Quarta: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs del MoPOP – Museum Of Pop Culture di Seattle (qui). Quinta: Sawako Ishii dell’Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Giappone (qui). Sesta: B. George, direttore dell’ARChive of Contemporary Music di New York (qui). Ora ritorno “virtualmente” in Italia per intervistare Sonia Martone, Direttrice del Museo nazionale degli strumenti musicali di Roma. La Dottoressa Martone si è mostrata disponibile a parlare della nascita, della storia, delle collezioni e soprattutto della quotidianità di questo importante museo che raccoglie strumenti e “suoni” da ogni parte del mondo e da ogni epoca passata e presente. A voi, come scrivo sempre, la lettura e poi chiaramente vi consiglio un giro nel sito del museo, una miniera di immagini e informazioni incredibili.

Quando e perché è stato fondato il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali?

Il Museo nazionale degli strumenti musicali è stato fondato nel 1974 per volere della prima direttrice, Luisa Cervelli. Non esisteva in Italia, a differenza delle principali capitali europee, un museo dedicato agli strumenti musicali.
Il Museo accoglie oggi oltre tremila esemplari di varia epoca e provenienza, dei quali circa ottocento sono esposti.

Qual è stata l’inspirazione iniziale?

Il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali, si è sviluppato intorno alla collezione acquistata dallo Stato Italiano nel 1949 dal tenore Gennaro Evangelista Gorga (1865-1957) il quale dedicò la quasi totalità del suo patrimonio e della vita al collezionismo rinunciando ad una carriera lirica fulgida e promettente. La collezione di strumenti musicali è di una tale ricchezza e complessità che la rende unica.

Dove si trova?

Il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali ha sede a Roma in piazza Santa Croce in Gerusalemme nella Palazzina Samoggia. La sede nasce come caserma di fanteria intitolata a “Umberto I”, poi denominata “Principe di Piemonte” ed edificata tra il 1900 e il 1919.

Quali strumenti e quali collezioni sono presenti all’interno del Museo Nazionale degli Strumenti Musicali?

Il museo accoglie strumenti musicali di tutte le classi strumentali e di tutte le epoche. Alcuni sono pezzi unici straordinari. Grazie all’appassionata cura della sua prima direttrice Luisa Cervelli si aggiunsero nel corso degli anni opere di interesse fondamentale per la storia dell’organologia, come il pianoforte costruito da Bartolomeo Cristofori nel 1722, l’Arpa Barberini o il gruppo di cornamuti torti cinquecenteschi del bavarese Joerg Weier. Il museo continua ad arricchirsi. Risale al 2021 l’acquisizione del violino detto Il Portoghese di Andrea Amati del 1567 e recentemente il famoso artista e collezionista Pablo Echaurren ha messo a disposizione del Museo la sua straordinaria collezione di bassi elettrici

C’è qualche aneddoto interessante intorno al Museo Nazionale degli Strumenti Musicali?

L’aspetto che viene maggiormente sottolineato quando lo si visita è quello di trovarsi con una puntuale completezza nella storia della musica attraverso numerosi e preziosi testimoni di ogni famiglia strumentale, di ogni periodo, dalle origini alla contemporaneità, e di ogni contesto musicale, inclusi rarissimi pezzi originali risalenti all’antichità.
Il museo è visitato da molte scuole e molto spesso i bambini tornano per mostrarlo ai loro genitori.

Qual è il modo migliore per vivere il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali?

Per vivere appieno il Museo bisognerebbe consultare i canali informativi e il sito web e programmare la visita in occasione di una delle numerose iniziative (concerti, seminari, conferenze) che vi si organizzano e dedicarsi almeno un intero pomeriggio. Il Museo è dotato di pannelli informativi in italiano e inglese e la visita può essere svolta autonomamente, ma si consiglia di approfittare delle visite guidate curate dal personale del Museo. Le visite sono incluse nel costo del biglietto e sono organizzate ogni sabato.

Il museo è aperto a collaborazioni esterne?

Il Museo collabora con università, enti di ricerca, conservatori, associazioni musicali e altri musei: è un luogo aperto al dialogo e al confronto interdisciplinare.

Avete in mente possibili sviluppi? Per esempio un libro oppure un documentario che racconti la sua storia attraverso interviste e video?

E’ in programma la redazione della guida generale del museo e di guide tematiche, sono stati realizzati numerosi video e sarebbe molto interessante realizzare un documentario.

Progetti futuri oppure esibizioni in corso?

il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali sta affrontando il complesso riallestimento, attraverso un’azione di miglioramento dell’attuale assetto del Museo, estesa ai diversi livelli, architettonico, museologico ed impiantistico.
Si tratta di un programma articolato, che si svilupperà nell’arco dei prossimi 2 anni. I lavori sono in corso. La possibilità di affrontare la realizzazione in cantieri distinti sta consentendo di tenere il Museo sempre aperto e di organizzare attività che presentano “il museo che verrà”, stimolando così l’interesse con le aperture progressive degli ambienti offerti alla nuova fruizione.
I visitatori, gli studiosi e i musicisti hanno la possibilità di percorrere tutti gli spazi che rimarranno aperti e potranno partecipare al restauro delle opere che saranno poi esposte, visibili in cantieri trasparenti, con la possibilità di avere occasioni di confronto con le diverse professionalità coinvolte.
Imminente è l’apertura della sezione dedicata alla musica nel mondo.
Sono in corso importanti rassegne di musica antica, di musica da camera e di world music.


Il 27 marzo 2025 prenderà il via la terza edizione della rassegna Resonare Fibris che vede gli strumenti del museo suonati da artisti di fama internazionale.
Fino al 25 maggio è in corso la mostra “Wixarika Arte Sacra. La musica e le tradizioni mistiche nell’Arte Wixarika” A cura di Roxana Drexel e Sonia Martone con fotografie di Regina Alcocer. Che presenta la straordinaria collezione di strumenti musicali creati dalla comunità messicana Wixárika di Jalisco, poste in dialogo con gli strumenti musicali del Museo.
Sono in programma mostre e nuove rassegne. Il prossimo passo sarà quello di esporre l’intera collezione di bassi elettrici di Pablo Echaurren, di avviare la sezione contemporanea e di realizzare un laboratorio didattico che mostra come si costruiscono gli strumenti musicali.

Link: Museo Nazionale degli Strumenti Musicali Home Page
Link: Museo Nazionale degli Strumenti Musicali Facebook Page
Link: Museo Nazionale degli Strumenti Musicali Instagram Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Mike Dines e Russ Bestley – Punk Scholars Network

Continua il mio viaggio sonoro da “spider” musicale nei mondi “risuonanti” della sonosfera. Questa volta approfondisco un progetto molto interessante in cui mi sono imbattuto grazie ad una segnalazione di una mia amica. Sono affascinato da sempre dalla cultura Punk, dalla musica, dal cinema, dalla filosofia che ha animato e continua ad animare i miei ascolti e le le mie riflessioni. Figuarsi il piacere nella scoperta di questo network denominato Punk Scholars Network, PSN, composto da studiosi internazionali che si occupano da anni del punk in tutte le sue declinazioni. Dopo aver appreso questa importantissima notizia, e dopo un primo contatto con le sue produzioni, la recensione del volume di Barry Phillips ‘In search of Tito’s Punks’ (qui) , ho ritenuto fondamentale e necessario un approfondimento tramite lo strumento dell’intervista ai ricercatori Mike Dines e Russ Bestley, che mi hanno raccontato il quando, il come, il perché, il senso di questo importante progetto internazionale, il Punk Scholars Network.

Qui trovate la traduzione in inglese

Quando nasce e perché il Punk Scholars Network?

Negli anni Novanta e nei primi anni Duemila alcuni ricercatori accademici stavano lavorando a dei progetti legati al punk e ritenevano di poter lavorare in modo più efficace se avessero collaborato insieme. Un resoconto storico del PSN si trova in Mike Dines e Laura Way (a cura di) ‘Postgraduate Voices in Punk Studies: Your Wisdom, Our Youth’, in particolare la postfazione di Mike, “Academia as Subversion: The Birth of Punk Scholars Network”. Il network è nato da una conversazione tra Mike e Gords (Alastair Gordon), che insegna alla De Montfort University di Leicester, Regno Unito. Gords aveva inizialmente proposto l’idea di una “rete” accademica, in parte per sostenersi a vicenda attraverso processi di peer review e feedback critici e costruttivi, dal momento che i “punk studies” erano una sorta di eccezione all’interno della maggior parte delle istituzioni accademiche.

Mike Dines

Mike e Gords si sono incontrati dopo che il primo ha inviato un bando per la stesura del suo libro ‘The Aesthetic of Our Anger’ (2016), e i collaboratori del libro, tra cui Russ, Matt Grimes, Ana Raposo, Helen Reddington, Rich Cross, Pete Dale e Matthew Worley, sono diventati tutti protagonisti della formazione e dello sviluppo del PSN.

Russ Bestley

Un anno prima della costituzione del PSN, Russ aveva fatto parte del team originario che aveva fondato la rivista Punk & Post-Punk, che ha permesso al PSN di accedere a un bacino più ampio di potenziali membri e revisori paritari e a un potenziale incrocio con un editore accademico di alta qualità, Intellect Books. Infatti, pochi anni dopo la costituzione del PSN, Russ si è rivolto ad Intellect Books ed è nata la Global Punk Series, che ha pubblicato volumi sui Throbbing Gristle, sul punk in Sud America e sulla pedagogia punk. È anche la sede di tre ‘Punk Readers’, che tracciano una mappa delle scene, dei movimenti e degli ideali punk globali post-2000.

Mike e Alastair hanno organizzato il primo incontro del Punk Scholars Network a Leicester, nel Regno Unito, nel novembre 2012, invitando i ricercatori sul campo a partecipare e a discutere di una collaborazione collettiva più formale. Russ ha disegnato il logo del PSN e abbiamo iniziato a organizzare incontri regolari, simposi e workshop, con la prima conferenza internazionale del PSN a Leicester nel 2014, organizzata da Laura Way e Mike Dines.

Il Punk Scholars Network ha organizzato workshop e conferenze a Reading, Oxford, Leicester, Birmingham, Northampton, Bolton, Los Angeles, Lincoln, Newcastle, Londra, High Wycombe e Stirling. Il PSN ha organizzato una conferenza globale online che ha coinvolto gruppi nazionali in tre continenti nel 2020 e 2021, tra cui Regno Unito, Stati Uniti, Brasile, Colombia, Francia, Indonesia, Australia e Penisola Iberica, prima di tornare a organizzare eventi di persona a partire dal 2022. Questi eventi hanno riflesso un’ampia gamma di temi critici, tra cui le scene punk globali, storiche e contemporanee, la pedagogia punk, il fai-da-te, il punk e la spiritualità, le identità e le sessualità, l’arte e l’estetica punk, le pratiche terapeutiche, il punk e il rumore, la resilienza punk, lo status, il genere e la soggettività, e l’eredità sociale e politica del movimento anarco-punk degli anni Ottanta.

Il PSN è cresciuto in modo esponenziale, incorporando gruppi nazionali affiliati in Australia, Brasile, Canada, Cina, Colombia, Croazia, Repubblica Ceca, Slovacchia, Germania, Francia, Danimarca, Indonesia, Irlanda, Lituania, Paesi Bassi, Corea del Sud e Stati Uniti. Molti di questi gruppi organizzano i propri incontri, workshop e conferenze, mentre il sito web centrale del PSN funge da piattaforma di hosting per diffondere le informazioni a livello globale.

Com’è strutturato?

Molto vagamente. Abbiamo un Gruppo Direttivo composto dai rappresentanti dei gruppi affiliati globali, guidato da Mike come presidente ufficiale del PSN. Non ci sono iscrizioni formali e tutto è gestito su base volontaria punk DIY/DIT. Il nostro principale “punto di contatto” è il nostro gruppo su Facebook, anche se, come indicato di seguito, abbiamo altri account sui social media. Il nostro sito web pubblicizza anche nuovi eventi ed è un prezioso archivio di precedenti conferenze, ecc.

Dove è situato? Qual è la sua base fisica?

Non c’è una base fisica, i membri del PSN sono sparsi in tutto il mondo e si collegano online o in presenza in occasione di conferenze, workshop e altri eventi.

Che ricerche porta avanti il Punk Scholars Network?

Il PSN è impegnato nella ricerca sulle scene punk storiche e contemporanee di tutto il mondo. Con un’adesione globale e accademicamente diversificata, il PSN incoraggia e abbraccia approcci metodologici al punk provenienti da una miriade di discipline accademiche, tra cui studi cinematografici, storia, studi culturali, sociologia, musicologia, arte e design e studi religiosi.

Come nasce il podcast?

Due dei nostri partecipanti abituali al PSN, Jessica Schwartz e Paul Hollins, hanno avuto l’idea di un podcast regolare del PSN e l’hanno proposta al Gruppo Direttivo nel 2024. L’idea è stata accolta come buona e da lì si è passati alla fase pratica. Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito web del PSN.

Il Punk Scholars Network è presente sui social?

Si è presente su Facebook, Twitter/Xe, BlueSky e Instagram

Il Punk Scholars Network è attento alle questioni di genere nella musica e cultura Punk?

Sì, certo, il genere è una lente importante attraverso la quale affrontare la ricerca su qualsiasi tema o argomento, compreso il punk. In effetti, basta rivolgersi al grande lavoro di Laura Way o Francis Stewart (e altri!). Ma il genere non è l’unico obiettivo: i nostri ricercatori considerano anche la razza e l’etnia, la classe, l’età, la sessualità, la rappresentanza, la religione o il credo e molti altri temi attraverso i quali considerare la cultura punk e/o la musica punk in un contesto critico.

In che rapporti si trova con il governo britannico?

Non ne abbiamo.

Il Punk Scholars Network è aperto a collaborazioni con enti, associazioni, enti di ricerca?

Sì, siamo sempre desiderosi di collaborare con gli altri, un esempio è stato la conferenza “Doing Metal, Being Punk, Doing Punk, Being Metal” alla De Montfort University nel 2019.

Progetti in corso e progetti futuri?

Troppi per essere citati, ma la Global Punk Series ha alcuni nuovi titoli in uscita nel prossimo anno, tra cui la traduzione in inglese dell’eccellente ‘Shock Factory: The Visual Culture of Industrial Music’ di Nicolas Ballet. Altre volumi saranno incentrati sul punk gli animali, sul punk e la filosofia e una raccolta di saggi sui Bad Religion. Siamo anche in attesa della nostra 12a Conferenza annuale e del Postgraduate Symposium che si terranno nel dicembre 2025.

Link: Punk Scholars Network Home Page
Link: Punk Scholars Network Facebook Page
Link: Punk Scholars Network Twitter Profile
Link: Punk Scholars Network Instagram Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Interview with Mike Dines and Russ Bestley – Punk Scholars Network

My musical “spider” sound journey into the “resonant” worlds of the sonosphere continues. This time I delve into a very interesting project that I came across thanks to a recommendation from a friend of mine. I have always been fascinated by Punk culture, music, cinema, and philosophy, which has animated and continues to animate my listening and thinking. Imagine the pleasure in the discovery of this network called Punk Scholars Network, PSN, composed of international scholars who have been dealing with punk in all its declinations for years. After learning this very important news, and after an initial contact with its productions, the review of Barry Phillips‘ volume ‘In search of Tito’s Punks’ (here), I felt it was essential and necessary to delve deeper through the tool of interviewing researchers Mike Dines and Russ Bestley, who told me the when, the how, the why, and the meaning of this important international scholarly project, the Punk Scholars Network.

Here the Italian translation

How did the Punk Scholars Network come about?

A number of academic researchers were working on punk-related projects in the 1990s and early 2000s and felt that they could work more effectively if they collaborated together. A historical account of the PSN can be found in Mike Dines and Laura Way’s (eds.) ‘Postgraduate Voices in Punk Studies: Your Wisdom, Our Youth’, in particular, Mike’s Afterword, ‘Academia as Subversion: The Birth of the Punk Scholars Network.’ The network began after a conversation between Mike and Gords (Alastair Gordon), who teaches at De Montfort University, Leicester, UK. Gords had first come up with the idea of an academic ‘network’, partly to support each other through peer review processes and constructive, critical feedback, since ‘punk studies’ was something of an outlier within most academic institutions.

Mike Dines

Mike and Gords met after the former sent out a call-for-chapters for his book ‘The Aesthetic of Our Anger’ (2016), and the contributors of the book, including Russ, Matt Grimes, Ana Raposo, Helen Reddington, Rich Cross, Pete Dale and Matthew Worley all became key players in the formation and development of the PSN.

Russ Bestley

A year before the PSN was formed, Russ had been part of the original team that established the Punk & Post-Punk journal, which allowed the PSN access to a wider pool of potential members and peer reviewers and a potential crossover with a high-quality academic publisher, Intellect Books. Indeed, a few years after the PSN was formed, Russ approached Intellect Books and the Global Punk Series was born, which has published volumes on Throbbing Gristle, punk in South America and punk pedagogy. It is also home to three ‘Punk Readers’, which map post-2000 global punk scenes, movements and ideals.

Mike and Alastair organised the first Punk Scholars Network meeting in Leicester, United Kingdom, in November 2012, and invited researchers in the field to come along and discuss a more formal collective partnership. Russ designed the PSN logo, and we began organising regular meetings, symposia and workshops, with the first international PSN conference at Leicester in 2014 organised by Laura Way and Mike Dines.

The Punk Scholars Network has delivered workshops and conferences in Reading, Oxford, Leicester, Birmingham, Northampton, Bolton, Los Angeles, Lincoln, Newcastle, London, High Wycombe and Stirling. The PSN organised a global online conference involving regional groups across three continents in 2020 and 2021, including the United Kingdom, United States, Brazil, Colombia, France, Indonesia, Australia and Iberia, before returning to in-person events from 2022 onward. These events have reflected a broad range of critical themes including global, historical and contemporary punk scenes, punk pedagogy, DIY, punk and spirituality, identities and sexualities, punk art and aesthetics, curatorial practices, punk and noise, punk resilience, status, genre and subjectivity, and the social and political legacy of the 1980s anarcho-punk movement.

The PSN has grown exponentially, incorporating regional affiliate groups in Australia, Brazil, Canada, China, Colombia, Croatia, the Czech Republic, Slovakia, Germany, France, Denmark, Indonesia, Ireland, Lithuania, the Netherlands, South Korea and the United States. Many of these groups organise their own meetings, workshops and conferences, with the core PSN website acting as a hosting platform to disseminate information globally.

How is it structured?

Very loosely. We have a Steering Group made up of representatives from the global affiliate groups, led by Mike as official PSN Chair. There are no formal subscriptions, and everything is run on a punk DIY/DIT voluntary basis. Our main ‘point of contact’ is our Facebook group although, as mentioned below, we have other social media accounts. Our website also advertises new events as well as being a valuable archive of previous conferences, etc.

Where is it located? What is its physical base?

There is no physical base, PSN members are spread around the world and connect online or at our regular conferences, workshops and other events.

What research does the Punk Scholars Network carry out?

The PSN is engaged in research into historical and contemporary punk scenes around the globe. With a global and academically diverse membership, the PSN encourages and embraces methodological approaches towards punk from a myriad of academic disciplines, including film studies, history, cultural studies, sociology, musicology, art and design and religious studies.

How was the podcast born?

Two of our regular PSN participants, Jessica Schwartz and Paul Hollins, came up with the idea for a regular PSN podcast and proposed it to the Steering Group in 2024. It was agreed as a good idea and the practicalities simply ran from there. More information can be found on the PSN website.

Is the Punk Scholars Network on social media?

Yes, on Facebook, Twitter/X, BlueSky and Instagram.

Does the Punk Scholars Network care for the issue of gender in Punk Culture, especially in the Punk Music?

Yes, of course, gender is an important lens through which to approach research to any theme or topic, including punk. Indeed, one need only turn to the great work of Laura Way or Francis Stewart (and others!). But gender is not the only focus – and our researchers also consider race and ethnicity, class, age, sexuality, agency, religion or belief and many other themes through which to consider punk culture and/or punk music in a critical context.

What is your relationship with the British government?

We don’t have one.

Is the Punk Scholars Network open to collaborations with institutions, associations, research centres?

Yes, we are always keen to work with others, one of which was the ‘Doing Metal, Being Punk, Doing Punk, Being Metal’ conference at De Montfort University in 2019.

Ongoing projects and future projects?

Too many to mention – but the Global Punk Series has some great new titles coming out in the next year or so, including an English translation of Nicolas Ballet’s excellent ‘Shock Factory: The Visual Culture of Industrial Music’. Other volumes include those centred around punk and the animal, punk and philosophy and an edited collection on Bad Religion. We are also looking forward to our 12th Annual Conference and Postgraduate Symposium in December 2025.

Link: Punk Scholars Network Home Page
Link: Punk Scholars Network Facebook Page
Link: Punk Scholars Network Twitter Profile
Link: Punk Scholars Network Instagram Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Raffaele Pezzella, fondatore del network Unexplained Sound

Questa volta il mio pellegrinaggio sonoro da “spider” musicale della sonosfera, mi riporta ad un progetto, curato dal ricercatore musicista Raffaele Pezzella, denominato Unexplained Sound. Alcune uscite di questa interessante creazione stanno approdando sulle rive digitali di Kathodik, ma come mio solito, ho ritenuto necessario approfondire la filosofia che riveste il network e le varie propaggini musicali che lo rendono interessante e degno di ascolti. A voi la lettura

Qui trovate la traduzione in inglese

Da dove parte l’idea di fondare il progetto network Unexplained Sound?

Nel 2011-2012, dopo uno iato di quasi 12 anni dai miei primi esperimenti musicali usciti nel 2000 sotto la sigla di “Memorie Elettroniche Sonore”, sono ritornato a produrre musica elettronica come Sonologyst, il mio attuale progetto personale. In quegli anni per farmi conoscere mi iscrissi a vari social network dove presentavo i miei brani. Oltre a far conoscere queste mie auto produzioni, mi dilettavo a scrivere mini recensioni di musica altrui e così, in brevissimo tempo (all’epoca i cosiddetti social funzionavano davvero bene per farsi conoscere, diversamente da oggi che sono diventati sostanzialmente piattaforme a pagamento se si vuole avere un minimo di visibilità), si creò una nutrita community on line di appassionati, musicisti e non, i quali cominciarono a spingermi verso la creazione di una label e di un programma di streaming radio per dare ulteriore risalto a quei contributi. Spinto da questo genuino entusiasmo nel 2015 creai la label Unexplained Sounds Group e il programma web radio The Recognition Test, arrivato oggi all’edizione # 360, mentre parallelamente continuava il mio lavoro con Sonologyst. Si cominciò quindi per gioco, passione, curiosità, entusiasmo per la sperimentazione musicale. Non avrei immaginato all’epoca che la cosa si sarebbe espansa, tanto da portare alla creazione negli anni successivi di due labels sussidiare (Eighth Tower Records nel 2017, ZeroK nel 2020 ), all’acquisizione della label svedese Reverse Alignment nel 2021 (la label era in via di chiusura e decisi di rilevarla), alla nascita di una sezione dedicata alla pubblicazione di libri di dark fiction, e di un web magazine di musica e mitologie moderne ((Eighth Tower) sulla piattaforma Patreon.

Su quale genere musicale si orientano le sussidiarie Eighth Tower Records, ZeroK, Reverse Alignment? Perché?

Non si tratta tanto di generi che caratterizzano le mie labels, sebbene in termini di estetica musicale qualche differenza c’è, quanto piuttosto del modo con cui ultilizzo questi contenitori musicali. Ad esempio la Eighth Tower, sicuramente specializzata su produzioni dal taglio dark / industrial, si è evoluta come soggetto che crea collegamenti tra la musica e varie forme di arte quali il cinema, la letteratura, le arti visive, attraverso la pubblicazione sia di album e compilation sia di libri di dark fiction, in entrambi i casi dedicati a figure cruciali del mondo della cultura underground e non. Si tratta da una parte di un modo di omaggiare delle personalità artistiche e del mondo della cultura che hanno contribuito in modo determinante alla mia formazione (D. Cronenberg, Lucio Fulci, Z. Beksinski, A. Tarkowskij, H.P.Lovecraft), ma anche di esplorare i potenziali incroci sinestetici e le sinergie artistiche. Dall’altra parte la ZeroK nasce invece quale contenitore di progetti orientati più alla science fiction e alla hauntology (J. Ballard, l’immaginario della guerra fredda e le teorie sugli alieni). Per la Reverse Alignment il discorso è diverso trattandosi di una label che non ho creato io, ma l’ho acquisita nel 2021 dopo 14 anni dal suo lancio in Svezia. In questo caso ho cercato di mantenere l’angolazione della label focalizzata sulla ambient sperimentale e minimalista, ma al contempo inserendo lavori di musicisti attenti e inclini alla musique concrete come Richard Bégin.

Eight Tower Records

Parlaci del programma web radio The Recognition Test.

Come dicevo è nato subito a ridosso della label Unexplained Sounds Group (credo alcuni mesi dopo) e si propone come scopo quello di promuovere la musica underground ambient e sperimentale. Nel corso di 10 anni di vita è stato notato non solo dagli artisti che mi contattano per presentare i loro lavori, ma anche da diverse stazioni radio sparse per il globo, che mi hanno chiesto di replicarlo nei loro slot. Quindi subito dopo il mio streaming che si può ascoltare ogni due Venerdì sul magazine di Eighth Tower, viene ritrasmesso da stazioni radio in UK, US, Canada, Italia, Grecia, formando quindi un network molto utile per i musicisti in cerca di ascolti radio per la loro musica.

Reverse Alignment Records

Parlaci del tuo progetto Sonologyst.

E’ il mio modo di tradurre in suoni la mia passione per i documentari, in particolare di argomento scientifico e para scientifico. O se vogliamo di dare un contesto organico/tematico al piacere di sperimentare in ambito di musica elettronica. Inizialmente ero partito con esplorazioni sonore di vario tipo, a volte anche un po’ randomiche e disorganizzate, ma nel tempo si è consolidato uno stile e un orientamento tematico che per ora caratterizza pienamente il progetto sia nelle ultime uscite sulla label inglese Cold Spring, sia in vista di lavori futuri. Quando invece di recente ho avuto voglia e tempo per sperimentare liberamente al di fuori di un tema ho preferito avere delle collaborazioni come quelle con Maurizio Bianchi, l’americano David Lee Myers e lo svedese Lars Bröndum.

ZeroK Records

Le pubblicazioni dell’Unexplained Sound Group escono in cd e in digitale. Hai mai pensato al vinile? Quale formato pensi esprima al meglio la visione musicale del network?

Sicuramente il cd, talvolta cdr, più raramente la cassetta che è un mezzo che comunque amo molto per ragioni affettive. Non ho mai preso seriamente in esame l’idea di stampare vinili per le mie produzioni o quelle altrui, in quanto si tratta di un mezzo poco flessibile, molto dispendioso, e dinamicamente limitato per certi generi musicali. Mi fa comunque piacere che il vinile gode di buona salute e non sia defunto in quanto tutto quello che è fisico costituisce una resistenza al dilagare del fenomeno streaming che è il pericolo numero uno per le piccole labels indipendenti, per non parlare del deterioramento della qualità media della musica seguito al dilagare dello streaming e della cultura dell’ascolto random privo di attenzione e riferimenti reali.

Artst Image Bandcamp

Che ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche?

Sono un ottimo strumento per superare le barriere dei costi di produzione, purchè avvengano tra labels che oggettivamente hanno un DNA comune.

Che ne pensi dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica dell’Unexplained Sound Group?

Essendo le mie labels nate a partire dalle communities dei social ovviamente non posso pensarne male, ma è oggettivo che i vari Facebook, Instagram, YouTube etc… sono passati nel giro di 15 anni dall’essere degli effettivi luoghi di condivisione e potenziale visibilità legata ai contenuti, a macchine da soldi che provano a farti spendere il più possibile pena lo shadowing, ossia l’oscuramento di fatto delle pagine degli account da parte dell‘algoritmo. Diventa quindi sempre più importante avere un bel rapporto e una reale condivisione di contenuti culturali con i propri affezionati followers piuttosto che tentare di aumentare la community sui social (che pure è una strategia da perseguire, ma non è più la principale).

Che ne pensi di un libro che racconti la storia del progetto?

Mi fu proposta una mini biografia qualche anno fa da parte di un giornalista di cui per privacy non dico il nome nè la testata per cui scrive, ma poi non se ne fece nulla. Forse un qualcosa a capitoli che parli dei primi 10 anni del network potrebbe anche essere pubblicato sul magazine Eighth Tower, e poi in un secondo momento raccolto in un volume monografico, ma avrei bisogno di un volontario che mi aiuti.

Nuove uscite in cantiere?

Si, è in uscita il nuovo album di The Great Old Ones, il mio side project dedicato ai Grandi Antichi e al cosmicismo lovecraftiano; subito dopo pubblicherò un progetto dedicato al maestro della science fiction americana Philip K. Dick. Inoltre sto lavorando alla creazione di un podcast in cui musica e altri campi dell’arte, culura e creatività si incroceranno per esplorare tematiche care a me e ai miei followers.

Links:
https://unexplainedsoundsgroup.bandcamp.com
https://eighthtowerrecords.bandcamp.com
https://www.patreon.com/eighthtower
https://sonologyst.bandcamp.com
https://zerok.bandcamp.com
https://reversealignment.bandcamp.com

/da
Marco Paolucci
, ,

Interview with Raffaele Pezzella, founder of the network Unexplained Sound

This time my sonic pilgrimage as a musical “spider” of the sonosphere, brings me back to a project, curated by research musician Raffaele Pezzella, called Unexplained Sounds. Some of this interesting creation are landing on Kathodik‘s digital shores, but as is my wont, I found it necessary to delve deeper into the philosophy that covers the network and the various musical offshoots that make it interesting and worth listening to. Here’s to you reading

Here the Italian translation

Where Did the Idea to Found the Unexplained Sounds Network Originate?

In 2011-2012, after a nearly 12-year hiatus from my early musical experiments—which were released in 2000 under the name “Memorie Elettroniche Sonore” — I returned to producing electronic music under Sonologyst, my current personal project. At the time, to gain visibility, I joined various social networks where I shared my music. Besides promoting my self-released works, I also enjoyed writing short reviews of other people’s music.
Back then, social media was genuinely effective for gaining exposure—unlike today, where they have essentially become paid platforms if you want even minimal visibility. In a short time, an engaged online community of enthusiasts, musicians and non-musicians alike, formed around me. Many began encouraging me to start a label and a streaming radio show to further highlight these artistic contributions.
Driven by this genuine enthusiasm, in 2015 I founded the label Unexplained Sounds Group and the web radio program The Recognition Test, which has now reached episode #360. Meanwhile, I continued working on Sonologyst. What started as a game, a passion, a curiosity, and an enthusiasm for musical experimentation grew far beyond my initial expectations.
Over the years, this initiative expanded significantly, leading to the creation of two subsidiary labels—Eighth Tower Records in 2017 and ZeroK in 2020—the acquisition of the Swedish label Reverse Alignment in 2021 (which was on the verge of closing, and I decided to take it over), the launch of a dark fiction book publishing section, and the creation of a web magazine on music and modern mythologies (Eighth Tower), hosted on Patreon.

What Musical Direction Do the Subsidiaries Eighth Tower Records, ZeroK, and Reverse Alignment Follow? And Why?

It’s not so much about musical genres defining my labels—although there are some aesthetic differences—but rather about how I use these platforms as artistic containers.
For example, Eighth Tower Records, which is certainly specialized in dark and industrial-leaning productions, has evolved into an entity that bridges music with various art forms, such as cinema, literature, and visual arts. This is achieved through the publication of both albums/compilations and dark fiction books, often dedicated to key figures in underground and mainstream culture. On one hand, it’s a way to pay tribute to the artists and cultural figures who have played a crucial role in shaping my artistic vision (D. Cronenberg, Lucio Fulci, Z. Beksinski, A. Tarkowskij, H.P.Lovecraft). On the other, it’s about exploring synesthetic intersections and artistic synergies.
ZeroK, on the other hand, was conceived as a container for projects with a stronger focus on hauntological science fiction themes (J. Ballard, cold war and alien theories). With Reverse Alignment, the situation is different since I didn’t create the label but acquired it in 2021, 14 years after its launch in Sweden. In this case, I’ve aimed to preserve its original focus on experimental and minimalist ambient music while also incorporating works by artists who are particularly attentive to and inclined toward musique concrète suche as Richard Bégin.

Eight Tower Records

Tell us about the web radio show The Recognition Test.

As I mentioned, it was created shortly after the launch of the Unexplained Sounds Group label (I believe just a few months later) and was conceived with the goal of promoting underground ambient and experimental music. Over its 10-year lifespan, it has gained attention not only from artists who reach out to me to present their work but also from various radio stations around the world that have asked to rebroadcast it in their slots. So, after my original streaming, which airs every two Fridays on Eighth Tower Magazine, the show is then retransmitted by radio stations in the UK, US, Canada, Italy, and Greece. This has created a valuable network for musicians looking to get radio exposure for their music.

Reverse Alignment Records

Tell Us About Your Sonologyst Project.

Sonologyst is my way of translating my passion for documentaries—especially those focused on scientific and para-scientific subjects into sound. Or, if you will, it’s a way to give an organic, thematic context to my love for experimentation in electronic music. At the beginning, my sonic explorations were varied, sometimes even a bit random and disorganized. But over time, a distinctive style and thematic direction emerged, which now fully defines the project. This is evident in my recent releases on the UK label Cold Spring and will continue to shape my future works. Whenever I’ve wanted to experiment more freely, without adhering to a specific theme, I’ve preferred to do so through collaborations such as those with Maurizio Bianchi, the American artist David Lee Myers, and the Swedish musician Lars Bröndum.

ZeroK Records

Unexplained Sounds Group Releases CDs and Digital Formats. Have You Ever Considered Vinyl? Which Format Best Expresses the Network’s Musical Vision?

Definitely CDs, sometimes CDRs, and, more rarely, cassette tapes, which I have a strong sentimental attachment to. I’ve never seriously considered producing vinyl for my own or others’ releases because it’s a medium that is inflexible, expensive, and dynamically limited for certain types of music. That said, I’m glad that vinyl is still thriving and hasn’t disappeared, as physical media serve as a form of resistance against the overwhelming dominance of streaming—a major threat to independent labels. Streaming has not only made it harder for small labels to survive but has also led to a decline in the overall quality of music consumption. The rise of random, unfocused listening habits has eroded the depth and intent behind musical works.

Artst Image Bandcamp

What Are Your Thoughts on Co-Productions Between Record Labels?

They’re an excellent way to share production costs, as long as they happen between labels that genuinely share a similar DNA.

What Do You Think About Social Media for Promoting Unexplained Sound Group’s Music?

Since my labels originally emerged from social media communities, I obviously can’t speak negatively about them. However, it’s undeniable that platforms like Facebook, Instagram, and YouTube have changed dramatically over the past 15 years. They’ve shifted from being genuine spaces for content-driven sharing and organic visibility to money-making machines that push you to spend as much as possible or risk being shadowed (essentially hidden from audiences by the algorithm). This makes it increasingly important to build strong, real connections with dedicated followers and foster meaningful cultural exchanges rather than focusing solely on growing social media numbers. Expanding the community on these platforms is still a strategy to pursue, but it’s no longer the main one.

What Do You Think About a Book Chronicling the History of the Project?

A few years ago, a journalist (whose name and publication I won’t disclose for privacy reasons) proposed writing a mini-biography, but nothing came of it. Perhaps a serialized piece covering the first 10 years of the network could be published in Eighth Tower Magazine and later compiled into a monographic volume. However, I would need a volunteer to help me with this undertaking.

Any Upcoming Releases?

Yes! The new album by The Great Old Ones—my side project dedicated to Lovecraft’s Great Old Ones and cosmic horror—is about to be released. Immediately after that, I’ll be publishing a project dedicated to the master of American science fiction, Philip K. Dick.
Additionally, I’m working on a podcast that will intersect music with other artistic, cultural, and creative fields, exploring themes that resonate with both me and my followers.

Links:
https://unexplainedsoundsgroup.bandcamp.com
https://eighthtowerrecords.bandcamp.com
https://www.patreon.com/eighthtower
https://sonologyst.bandcamp.com
https://zerok.bandcamp.com
https://reversealignment.bandcamp.com

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con il musicista e compositore britannico Evan Parker

Un primo approfondimento della personalità del musicista compositore britannico Evan Parker l’ho avuto grazie all’intervista (qui) con CJ Mitchell, titolare della label britannica False Walls. Da questo sono passato ad ascoltare compulsivamente e a recensire (qui) il bellissimo cofanetto ‘The Heraclitean Two-Step, etc.’, che la False Walls ha pubblicato per celebrare i suoi 80 anni del nostro. Dato che 3 è il numero perfetto, il terzo passaggio è stato decidere di intervistare Evan Parker, con l’aiuto di CJ Mtichell, in merito alla genesi del cofanetto, e alla sua visione artistica e musicale nel campo del jazz e della musica contemporanea. Evan Parker, si è dimostrato disponibile a raccontarmi approfonditamente la storia dietro al cofanetto e a darmi fulminanti punti di vista sulla sua poetica e la sua arte. Come sempre a voi la lettura (foto in home di Caroline Forbes).

Qui trovate l’intervista in inglese

Innanzitutto, buon compleanno anche se in ritardo!!!

Grazie!!!

Evan Parker – Milano

Come è nata l’idea di celebrare il suo compleanno con questo box per la False Walls?

È iniziata come una discussione su un CD. Si trattava di quello che ora è il CD1 del cofanetto con il titolo “The Heraclitean Two Step”; l’etc nel titolo del cofanetto si riferisce agli altri tre CD.

Qual è stato il parametro che l’ha guidata nella scelta degli album per il cofanetto?

Il libro parla di coincidenze da diversi punti di vista. Il fatto cruciale è che CJ Mitchell, alias False Walls, è un amico e un vicino di casa. Secondo Ornette, “è proprio questo il punto”.

Ne parlo nel libro che fa parte di questo cofanetto. Ecco un estratto del mio scritto:

Questo cofanetto di quattro CD è nato da un’idea per la quale avevo solo un titolo.

Per anni ho continuato a ripensare ad una registrazione che Andy Isham aveva fatto in occasione di un concerto che aveva promosso nella Unitarian Chapel di Warwick nel 1994. L’assolo era stato eseguito come parte di un concerto del gruppo, ma era troppo breve per essere pubblicato da solo. A un certo punto, nel 2023, mi venne l’idea di tornare alla Unitarian Chapel per verificare se avrebbe prodotto ancora dei risultati speciali. Mio figlio Sam è un ingegnere di sala per concerti da stadio ed era libero di guidare e registrare. Mentre l’idea prendeva forma, iniziò a volteggiare nell’aria il detto di Eraclito sul fatto che non si può entrare due volte nello stesso fiume. Ed ecco che avevo il titolo. Il “concetto”, addirittura, o almeno l’idea…

Ho parlato con CJ Mitchell della False Walls dell’idea di un album con le registrazioni del 1994 e del 2023 e di quanto fossi soddisfatto del titolo. A questo punto non c’era nessun “ecc.”. L’idea gli piaceva, ma riteneva che nel mio ottantesimo anno di età avrei dovuto pensare a qualcosa di più grande. Pensai subito al cofanetto False Walls, al quale aveva collaborato con Andrew Poppy, come modello. Con mio stupore abilmente celato, accettò.

Torniamo alla Unitarian Chapel di Warwick. Sam e io siamo andati insieme in macchina da Londra e siamo arrivati nel primo pomeriggio. Andy era lì ad accoglierci all’ingresso della cappella. Mi sono reso conto di quanto fosse vago il mio ricordo del luogo e del concerto originale che Andy aveva organizzato. La verità del famoso detto di Eraclito è stata subito evidente. Forse il fiume era lo stesso, ma di certo scorreva a una velocità diversa. La giornata è andata bene e quasi tutto il materiale registrato è presente nel primo CD. Dopo la registrazione ci siamo incontrati con il nostro amico e collega, il maestro Paul Dunmall, che è stato un ottimo amico per me nel corso degli anni. I suoi consigli su riparazioni, ance, bocchini e tutti gli arcani del sassofono sono stati saggi e molto apprezzati.

Ora passiamo all’“ecc.”

Ho esaminato molte opzioni diverse. Ci sono un bel po’ di concerti da solista, non pubblicati e registrati bene, e ho passato un po’ di tempo a pensare a occasioni memorabili in cui sentivo di aver suonato bene, ma più rimuginavo e più mi sentivo come il Krapp di Beckett (“Alza la testa, rimugina, si piega sulla macchina, accende e assume la posizione di ascolto…”). Avevo sfruttato l’opera di Beckett per i titoli del cofanetto di LP che, con l’incoraggiamento del compianto John Jack, avevo originariamente pubblicato per celebrare la mia fuga dalla prigione che l’Incus era diventata, ma sto divagando…

Nel corso dei mesi successivi la mia idea di recuperare vecchi concerti solisti non pubblicati si è affievolita e ho deciso di concentrarmi sulla sequenza di registrazioni che avevo iniziato all’Arco Barco.

Matt Wright, l’altra metà di Trance Map, mi ha presentato Filipe Gomes e il suo studio Arco Barco a Ramsgate, sulla costa del Kent. Lo studio si trova ai piani superiori di uno degli spazi di lavoro degli ex spedizionieri che si affacciano sul porto. Uno spazio soppalcato con una sala di controllo, una sala principale per il live e una sala più piccola e meno riverberante. La risposta acustica della sala live e la passione di Fil per la registrazione del suono hanno reso Arco Barco il mio studio preferito e vi ho registrato il più spesso possibile. Lascio casa nel tardo pomeriggio e faccio un breve viaggio in treno lungo la costa del Kent settentrionale, girando l’angolo a Broadstairs per l’ultimo tratto fino a Ramsgate.

Nel corso delle numerose visite Fil ha testato diversi microfoni e il loro posizionamento. La variazione significa che alcune registrazioni sono sensibilmente più “asciutte” e/o “vicine” di altre. Gran parte della riflessione è stata ispirata dal lavoro del compianto Michael Gerzon e dai suoi studi pionieri dell’ambisonica. Ciò che ho apportato alle occasioni è stata la variabilità del comportamento dell’ancia e dell’embouchure e, forse più importante, il mio stato d’animo.

Le date di registrazione mostrano che il materiale di Arco Barco si colloca sia prima che dopo “Covid Interlude”, un altro caso di Two-Step eracliteo. L’analogia è più debole: l’acustica rimane di supporto e anche Fil, ma che cosa ha interferito con gli elementi più fluidi del mix? Il sassofono, l’ancia e il bocchino rimangono costanti, ma il mio pensiero non è più lo stesso.

Partendo da questo cofanetto e ipotizzando un parziale percorso di guida all’ascolto della sua produzione dagli esordi ad oggi che dischi segnalerebbe ad un ascoltatore che vuole conoscere la musica di Evan Parker?

Potrebbe adottare un approccio rigorosamente cronologico e iniziare dal primo e ascoltare in sequenza 1,2,3,4… o 1,3,5,7… o semplicemente farsi guidare dai titoli entusiasmanti. Chi potrebbe non essere attratto da un disco dal titolo ammaliante “Saxophone Solos”?

Qual è il suo rapporto con l’improvvisazione?

Intimo

Evan and Filipe – photo of Caroline Forbes

Come vede la scena musicale improvvisativa contemporanea?

Dal tubo conico che ho di fronte

Qual è il suo rapporto con la pittura – arte visuale?

Sono più attratto da individui specifici che da scuole o movimenti. Mi piace il lavoro di Roger Ackling, Ad Rinehart, Dieter Rot, Tomas Schmit, Sol LeWitt, Thomas Struth e… l’elenco potrebbe essere molto lungo. E questo prima di iniziare a guardare indietro ai russi – Malevich e altri – e prima ancora a Piranesi…

Chi sta ascoltando in questo momento? Che genere musicale?

Suppongo che il Gagaku sia un genere e ultimamente sto raccogliendo le registrazioni disponibili in modo piuttosto ossessivo. Per il resto la risposta è la stessa: individui specifici piuttosto che generi. Ma ci sono musiche di cui non conosco i nomi dei singoli musicisti: mi vengono in mente le registrazioni sul campo di Charles Duvelle, Ragnar Johnson e John Levy, che ascolto regolarmente.

Si prenderà una pausa musicale dopo i festeggiamenti discografici del suo compleanno?

Mi prenderò una gradita pausa dai festeggiamenti per il compleanno.
Concludo il libro del cofanetto con una citazione del mio caro amico, il compianto Paul Haines: “Dopo l’età avanzata, la vecchiaia”.

Link: Evan Parker Home Page

Link: False Walls Home Page

Link: Evan Parker ‘‘The Heraclitean Two-Step, etc.’’ Box on Soundohom

/da