Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
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Interview with the British musician-composer Evan Parker

A first insight into the personality of British musician-composer Evan Parker I got through an interview (here) with CJ Mitchell, owner of the British label False Walls. From that I went on to compulsively listen to and review (here) the beautiful box set ‘The Heraclitean Two-Step, etc.’, that False Walls released to celebrate his 80th birthday. Since 3 is the perfect number, the third step was deciding to interview Evan Parker, with the help of CJ Mitchell, about the genesis of the box set, and his artistic and musical vision in the field of jazz and contemporary music. Evan Parker, was willing to tell me in depth the story behind the box set and give me lighting views into his poetics and art. As always, it is up to you to read (photo home by Caroline Forbes).

Here the Italian Translation

First of all… Happy belated birthday!!!

Thank you

Evan Parker – Milan

How did the idea to celebrate your birthday with this box for the label False Walls (come up)?

It began as a discussion of one CD. That would have been what is now CD1 in the set with the title “The Heraclitean Two Step”; the etc in the box title refers to the other three CDs.

What was the parameter that guided you in choosing the albums for the box set?

The book talks about coincidences from several angles. The crucial fact is that CJ Mitchell aka False Walls is a friend and neighbour. According to Ornette, “that’s where it’s at.”

I discuss this in the book which is part of this boxset. Here’s an extract from my writing:

This four CD set evolved from an idea for which I just had a title.

For years I had kept returning to a recording which Andy Isham had made at a concert he had promoted in the Unitarian Chapel in Warwick back in 1994. The solo was played as part of a group concert but was too short to release on its own. At a certain point in 2023 I had the idea to go back to the Unitarian Chapel to determine whether it would still produce special results. My son Sam is a front of house engineer for stadium-type gigs and was free to drive and record. As the idea took shape, the saying of Heraclitus about not being able to step in the same river twice started swirling around too. And there it was – I had the title. The “concept”, even – or at least, the conceit …

I talked to CJ Mitchell of False Walls about the idea of an album with the 1994 and 2023 recordings and how happy I was with the title. There was no “etc.” at this point. He liked the idea, but felt that in my 80th year I should think of something grander. I immediately thought of the False Walls boxset he had collaborated with Andrew Poppy on as a model. To my artfully concealed astonishment he agreed.

Back to the Unitarian Chapel, Warwick. Sam and I drove up together from London and got there early afternoon. Andy was there to meet us at the chapel door. I realised how vague my memory was of the place and of the original concert which Andy had promoted. The truth of Heraclitus’ famous saying was immediately apparent. Maybe the river was the same but it was certainly flowing at a different rate. The day went well and almost all the material recorded is on the first CD. After the recording we met up with our friend and colleague, maestro Paul Dunmall, who has been such a good friend to me over the years. His advice about repairs, reeds, mouthpieces and all of the saxophone arcana has been wise and much valued.

Now to the “etc.”

I went through many different options. There are quite a few unissued, well-recorded solo concerts, and I spent some time thinking about memorable occasions where I felt I had played well, but the more I rummaged, the more I felt like Beckett’s Krapp (“He raises his head, broods, bends over machine, switches on and assumes listening posture …”). I had exploited Beckett’s play for titles in the boxed set of LPs that, with encouragement from the late John Jack, I originally released to celebrate my escape from the prison that Incus had become, but I digress …

Over the next months my idea about digging out old unissued solo concerts faded and I decided to concentrate on the sequence of recordings I had begun at Arco Barco.

I was introduced by Matt Wright, the other half of Trance Map, to Filipe Gomes and his Arco Barco studio in Ramsgate on the Kent coast. The studio is located in the upper floors of one of the former chandlers’ work spaces overlooking the harbour. A loft space with control room, a live main room and a smaller, less reverberant room. The acoustic response of the live room and Fil’s passion for sound recording has made Arco Barco my favourite studio and I have recorded there as often as possible. Leaving home late afternoon and taking the short train ride along the North Kent coast, turning the corner at Broadstairs for the last stretch to Ramsgate.

Over the many visits Fil has tested various microphones and their positioning. The variation means that some recordings are noticeably “dryer” and/or “closer” than others. Much of the thinking was inspired by the work of the late Michael Gerzon and his pioneering ambisonics. What I brought to the occasions was variability in reed behaviour and embouchure and perhaps most importantly my state of mind.

The recording dates show that the Arco Barco material falls both pre and post “Covid Interlude”, another instance of the Heraclitean Two-Step. The analogy is weaker – the acoustics remain supportive and so does Fil, but what has the intervening interruption done to the more fluid elements in the mix? The saxophone, the reed and mouthpiece remain constant but my thinking is no longer the same.

Starting with this box set and assuming a partial listening guide to his output from his early days to the present, what albums would you recommend to a listener who wants to get to know Evan Parker’s music?

Well you could take the strictly chronological approach and start at the first one and listen in the sequence 1,2,3,4… or 1,3,5,7… or just be lead by the exciting titles. Who could fail to be attracted to a record beguilingly called “Saxophone Solos”?

What is your relationship with improvisation?

Intimate.

Evan and Filipe photo by Caroline Forbes

How do you see the contemporary improvisational music scene?

From the conical tube in front of me.

What is your relationship with painting – visual art?

I am more attracted to specific individuals than to schools or movements. I like Roger Ackling’s work, Ad Rinehart, Dieter Rot, Tomas Schmit, Sol LeWitt, Thomas Struth and … this could be a very long list. That’s before we start to look back to the Russians – Malevich et al, and before that Piranesi …

Who are you listening to at the moment? What genre of music?

I suppose Gagaku is a genre and I have been collecting the available recordings rather obsessively lately. Otherwise it’s the same answer: specific individuals rather than genres. But there are musics where I don’t know the names of the individual musicians: the field recordings of Charles Duvelle, Ragnar Johnson and John Levy spring to mind and I regularly listen to such material.

Are you going to take a break after the record for your birthday celebrations?

I will take a welcome break from birthday celebrations.
I end the book in the boxset with a quote from my dear friend, the late Paul Haines: “After older, old.”

Link: Evan Parker Home Page

Link: False Walls Home Page

Link: Evan Parker ‘‘The Heraclitean Two-Step, etc.’’ Box on Soundohom

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Marco Paolucci
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Intervista con Francesco Covarino, deus ex machina della tape label tsss tapes di Perugia

Nuova puntata dei miei pellegrinaggi sonori da “spider” musicale della sonosfera. Questa volta l’attenzione è rivolta ad una tape label, intravista all’edizione numero 13 del Only Fucking Labels, festival musicale focalizzato sulle label indipendenti dell’underground marchigiano e internazionale, che si tiene ogni anno al CSA Sisma di Macerata. La suddetta è la tsss tapes di Perugia, microlabel specializzata in audio cassette con artisti che esplorano i meandri del suono sperimentale e ambientale. Detto fatto, ho contattato il deus ex machina Francesco Covarino e mi sono fatto raccontare la storia, la gloria e il futuro della tsss tapes. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label tsss tapes?

Negli anni ’90 e 2000, che sono gli anni in cui ero adolescente e poi ventenne e andavo a un sacco di concerti, compravo tanti dischi innamorandomi di gruppi che ancora oggi sono i miei gruppi preferiti, guardavo alle persone che gestivano un’etichetta come a delle specie di eroi, che portavano avanti un’impresa difficilissima. Penso per esempio a Mirko Spino della Wallace Records, o ai ragazzi della Constellation Records. Non ho mai pensato che io fossi il tipo di persona in grado di fare una cosa del genere, però cercavo di mostrare a queste persone il mio affetto e ammirazione comprandogli più dischi che potevo.
Poi nel 2019 avevo quasi 40 anni e all’improvviso mi è venuta la voglia di provare a fare una piccola etichetta, avevo cominciato ad usare tantissimo Bandcamp, scoprivo e compravo tante cose nuove su questa piattaforma e non so bene come, ma mi è venuta la voglia di avere un’etichetta. Mi sembrava una cosa più facile rispetto a venti anni prima, soprattutto per il fatto di poter raggiungere in modo relativamente semplice tanta gente che poteva essere interessata ad ascoltare questa musica. Ho pensato di cominciare con una compilation di percussionisti e ho scritto a un paio di persone che avevo conosciuto proprio perché avevo comprato le loro cose su Bandcamp, poi ho scritto a altri batteristi che mi piacevano e così piano piano questa compilation ha preso forma e man mano che avanzavo prendeva forma anche l’idea dell’etichetta, cose pratiche a cui all’inizio non avevo pensato, tipo: quante copie stampare, dove farle stampare, come fare il master, che tipo di carta e che grafica usare per le copertine, come stampare e come piegare le copertine, quali buste usare per spedire le cassette… Ho iniziato in maniera molto spensierata e leggera e tutte le cose che per me erano nuove e sconosciute le ho affrontate una alla volta man mano che me le trovavo davanti. Non è che avessi pianificato molto, quando ho iniziato avevo questa idea, questo sogno, di pubblicare un giorno Giovanni Lami e Jeph Jerman, e avevo questa lunga lista di nomi di musicisti che mi piacevano e che avrei voluto far uscire, ho cominciato a scrivergli e pian piano, in maniera molto naturale, sono venute tutte le cassette una dopo l’altra. Non lo so, magari questa spensieratezza e leggerezza a vent’anni non le avrei avute, avrei sicuramente sentito la pressione di dover riuscire a vendere tante copie, di avere recensioni su Blow Up, di diventare famoso e ricevere mail di gente che mi diceva “bravo!”

 

Al lavoro su una produzione di Jeph Jerman

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

E’ sempre stato difficile per me trovare una definizione per la musica che pubblico con tsss tapes, a me “sound art” non è mai piaciuta molto perché mi fa pensare a una cosa asettica, a musica per musei, mentre io la musica che pubblico la vedo come una cosa calda, organica, grezza e per certi aspetti anche parecchio punk. Però probabilmente “sound art” è quella che funziona meglio. Sennò direi: musica fatta in gran parte da non-musicisti, che usano oggetti e suoni che fanno parte della propria quotidianità ma di solito non vengono associati a qualità musicali, e che in questi oggetti e suoni cercano la delicatezza, la sorpresa, la bellezza.

Vv. Aa. ‘Free Percussion’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Credo che non sia cambiata molto, è vero che l’etichetta è ancora abbastanza giovane perché sono solo sei anni che esiste, però mi pare che la linea sia rimasta quella. Una cosa che ho cambiato è che ora sono più interessato a cercare musicisti che vengono da paesi che di solito ricevono meno attenzioni all’interno della, chiamiamola così, scena musicale, mentre non mi interessa pubblicare una cassetta di un musicista americano o inglese perché ce ne sono già tantissimi, ci sono già tantissime etichette che li pubblicano, e se non lo faccio io lo farà di sicuro qualcun altro. Mi interessa di più scoprire magari un musicista argentino, o taiwanese, o greco e mi fa felice pensare che pubblicando questa musica posso farli conoscere a qualcuno che vive lontanissimo e magari non avrebbe mai avuto l’occasione di ascoltarli.

Giovanni Lami ‘Bias’

Voi pubblicate le vostre produzioni nel formato cassetta. Quali sono le motivazioni di questa scelta? Avete in mente altri formati come il vinile, o il Cd o il digitale? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Le cassette sono perfette per un bel po’ di motivi. Il primo e più importante è che la musica che pubblico suona bene su cassetta. Sono suoni spesso registrati con mezzi di fortuna, o comunque suoni sporchi, organici, grezzi. Non ho bisogno di un genio ingegnere del suono e di un master per vinile per godermeli, anzi, mi pare che la musica che mi piace abbia bisogno di un master più semplice e discreto possibile per suonare bene. E’ musica che suona molto diretta, molto domestica, molto organica. Il nastro è perfetto per questi suoni e onestamente non comprerei mai un LP di Jeph Jerman o Rie Nakajima, questi suoni non hanno senso su vinile e non ha senso secondo me strapagare qualcuno per lavorare a un master per audiofili. Le imperfezioni e la sporcizia del suono delle cassette si sposano perfettamente con la musica dei musicisti che pubblico, anzi se possibile aggiungono pure un pizzico di calore in più.

Rie Nakajima ‘Fusuma’

Poi ci sono altri aspetti importanti, per esempio il fatto che stampare 100 cassette non ha un costo proibitivo, quindi posso decidere di pubblicare qualsiasi cosa mi piaccia senza preoccuparmi se venderà o no. Posso pubblicare una cassetta solo perché me ne sono innamorato ascoltandola, posso pubblicare la prima uscita di musicisti sconosciuti senza avere paura del fatto che nel mondo intero abbiano zero fan. Se vendo tutte e 100 le cassette sono molto felice, se se ne vendono di meno non è un disastro, le tengo a casa e ogni tanto qualcuno su Bandcamp ne ordina una copia e sono felice di averla. Immagino che chi stampa vinili magari sudi un po’ freddo quando deve ordinare 300 copie, e gli scatoloni di LP invenduti di certo occupano più spazio a casa rispetto a un paio di colonne di cassette colorate una sopra all’altra.
Delle cassette mi piace molto anche il fatto che posso scegliere tra un gran numero di colori e ogni volta posso un po’ giocare con accostamenti di colori tra cassetta e copertina, che è una cosa che fa parte dell’estetica di tsss tapes e mi piace molto.
Un altro vantaggio delle cassette dal punto di vista economico è che spedire una copia in America o in Giappone costa meno di 5€, mentre per quattro copie bastano 9€. Sono prezzi che non spaventano nessuno.
Poi a me piace molto anche il digitale e in generale come funziona Bandcamp, e mi pare di aver trovato una specie di equilibrio perfetto con cassette e digitale che mi fa molto felice. Quindi per tornare alla domanda iniziale, no, non ho mai pensato di cambiare formato.

Jeph Jerman ‘Popular Fictions’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

In linea di principio mi sembra una bella cosa, in passato magari qualche volta ho pensato di fare anch’io una cosa del genere, per esempio pensando a un’etichetta che avrebbe pubblicato su LP o CD lo stesso disco che avrei fatto uscire io su cassetta. Ma non ho mai fatto dei passi concreti in questa direzione, né ho mai ricevuto proposte di co-produzione da nessuno.
Nella maggior parte dei casi credo che il motivo principale di una coproduzione sia economico, cioè assorbire i costi di stampa tra due o tre etichette invece di averli tutti sulle proprie spalle, e capisco che magari chi stampa vinili possa avere un po’ di timore al momento di affrontare le spese di produzione necessarie. Ma per stampare 100 copie su cassetta l’impegno economico non è spaventoso, quindi questa esigenza non l’ho mai avvertita. Poi in realtà gestire un’etichetta da solo è molto bello perché puoi improvvisare, cambiare all’ultimo minuto, anticipare un’uscita prevista per aprile e farla a febbraio, per esempio. Non lavoro mai con date di uscita precise, quando le cassette sono pronte le pubblico, più o meno due cassette ogni due mesi, ma se per caso dovessero passarne tre non succede niente. E questo fatto di non dover negoziare o mediare con nessuno mi piace molto, è una libertà che non voglio perdere per andare magari ad insabbiarmi in catene di mail e telefonate con un’altra etichetta per organizzare tempi di uscita o dettagli inutili tipo titoli o note di copertina, una cosa così mi manderebbe via di testa, credo. Un altro aspetto è che ho sempre avuto un’identità grafica abbastanza chiara con tsss tapes, tutte le copertine hanno un’idea di fondo simile, le sento anche molto mie perché sono io a disegnarle, e questa mia posizione radicale sulla grafica non andrebbe molto d’accordo con una co-produzione.

Tetsuya Nakayama ‘Edo Wan’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Uso moltissimo Bandcamp e un pochino Soundcloud, nient’altro. Quello che mi piace tantissimo di Bandcamp è che c’è la musica e pochissimi fronzoli intorno. Si possono ascoltare i dischi per intero piuttosto che una giungla di tracce separate e sconnesse le une dalle altre. L’unica piccola concessione al mondo social sono le faccine di chi ha comprato il disco che compaiono nella pagina, che a volte magari c’è il rischio di comprare un disco più per la voglia di vedere la propria faccina lì sotto che per avere il disco in sé, anche se personalmente mi piace molto la possibilità di seguire altri ascoltatori e vedere che cosa comprano, è un po’ come avere degli amici che ti consigliano dei dischi. Questa cosa poi alla fine è molto importante per me che vivo in una città piccola dove non conosco molte persone che ascoltano le stesse cose che piacciono a me, negli anni ci ho scoperto un sacco di musica bellissima grazie alle raccomandazioni di altri ascoltatori su Bandcamp.
I social non li ho mai avuti per uso personale e quando ho cominciato l’etichetta mi è venuto naturale non averli. Non mi piaceva molto l’idea di fare questa continua auto promozione delle mie uscite, pensavo e penso ancora che se avessi pubblicato cose belle le piccole edizioni che avrei stampato si sarebbero vendute in maniera naturale. Facebook e Twitter mi sembravano posti dove migliaia di persone fanno a gara a chi strilla più forte per avere un po’ di attenzione, e non credo che avrei venduto tante cassette in più se mi fossi messo anche io a strillare e a forzare entusiasmo per promuovere le uscite di tsss tapes.

Tommaso Rolando/Andy Moor ‘Biscotti’

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label?

Un documentario o un libro dedicato solo a tsss tapes mi pare esagerato, però un paio di mesi fa ero a Bologna a una cosa che si chiama S M A N I A e avevano organizzato una piccola conferenza con tre/quattro persone che gestiscono etichette abbastanza più grandi di tsss tapes e mi aveva fatto molto piacere sentirle parlare dei rispettivi modi di portare avanti l’etichetta, di rapportarsi ai musicisti, di come gestivano la promozione… Quel giorno ricordo che avevo pensato che mi sarebbe piaciuto trovare le energie per mettermi a scrivere una sorta di libricino collettivo dove avrei raccolto tutte queste piccole voci di proprietari di piccole etichette italiane.

Link: tsss tapes Bandcamp Page

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Marco Paolucci
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Intervista con Luca Benni, cofondatore del Festival Italian Party di Umbertide (PG)

Ottavo appuntamento della serie di interviste a direttori artistici di Festival, in giro per l’Italia, che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo. Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ora ritorno come si dice, sul luogo del “delitto musicale” grazie a Luca Benni, con cui avevo scambiato quattro chiacchiere digitali quando l’ho intervistato per la label che ha contribuito a creare, To Lose La Track (qui). Nell’intervista Luca in una risposta aveva parlato del festival Italian Party, ma ho ritenuto che un approfondimento in questa rubrica fosse necessario, e complice la sua disponibilità, ho potuto chiedere notizie su come è nato e come viene pensato e vissuto il festival. A voi la lettura.

Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del Festival Italian Party?

Nei primi anni 2000 con una serie di amici iniziamo a organizzare concertini di gruppi esteri che venivano in Italia nel giro dei locali di Umbertide e Perugia. I concerti li paghiamo di tasca nostra e, generalmente, vanno sempre in perdita, anche se di poco, quando va bene facciamo pari con le spese, ma il concetto era chiaro: invece che spendere i soldi di benzina e biglietti per andare a Roma o a Bologna a vedere i gruppi che ci piacevano, spendevamo quei soldi per portare quei gruppi a suonare qui da noi. Gente come Lali Puna, Owls (side project dei Kinsella), Notwist, Sodastream, Explosions in the Sky, Califone, American Analog Set e molti altri, “putting Umbria on the map”.
Nell’estate del 2003 invece facciamo un piccolo festival a Umbertide, diviso in due giorni, con quelli che poi diverranno i consueti due spicci di budget fino ad oggi.
Il nome scelto per il festival era appunto “Italian Party”, una sorta di rivincita programmatica dei gruppi italiani proprio perché venivamo da ascolti musicali prettamente esterofili.
Oltre ai due headliner serali Giardini di Mirò e Baustelle (freschi del loro primo album e ancora poco conosciuti) nella piazza principale del paese, al pomeriggio, dentro al parco della Piattaforma, va in scena la prima puntata di quello che poi negli anni successivi sarebbe diventato l’Italian Party, ancora prima della nascita di To Lose La Track nel 2005: la lineup pomeridiana è il risultato del nostro girare per piccoli festival tra il centro e il nord Italia come Musica Nelle Valli, Shagoo Shagoo, Ferrara Trema, Pop-Gradara e altri e suonano band di assoluto valore come Fine Before You Came, Settlefish, Altro, Death of Anna Karina e altri.

Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?

Tra staff, amici e reparto tecnico (fonici, service) siamo una 15ina di persone che ci danno una mano. In più ci sono i ragazzi del collettivo politico Corrente di Umbertide e quelli del Centro Onda d’Urto di Arezzo. Poi quasi ogni anno facciamo una “chiamata alle armi” per quelli che vogliono drci una mano e fare da volontari durante i giorni del festival.

Radura (foto Luca Secchi, Italian Party 2020, Umbertide)

Quando iniziate a pensare e programmare al cartellone del festival?

Appena finita una edizione letteralmente comunichiamo a tutti gli intervenuti la data dell’anno successivo, perchè per chi viene al festival, è una gioia e già bisogna pensare al prossimo anno. Per quanto riguarda il cartellone, ci sono gruppi a cui stiamo dietro letteralmente degli anni interi per poterli inserire dentro al programma del festival.. e a volte non basta!

Come viene effettuata la selezione degli artisti e artiste?

Dopo la nascita di To Lose La Track, l’Italian Party è diventato il festival annuale dell’etichetta, quindi un vero e proprio showcase dei gruppi che escono per l’etichetta più consueti ospiti e amici che riempono i palchi del festival.

Ojne (foto Luca Secchi, Italian Party 2023, Umbertide)

Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni più caratterizzanti?

Personalmente parlando, dopo un po’ di anni che il festival era stato spostato fuori Umbertide per mancanza di spazi (Foligno, Castiglione del Lago e anche le frazioni), tornare nel 2013 proprio a Umbertide dove il festival è nato (e dove risiede To Lose La Track) è stato significativo.
Un altro step interessante dal punto di vista logistico è stato quando ci siamo spostati in Piazza San Francesco, una pizza defilata di Umbertide, che però ci permetteva di mettere su tre “palchi”, uno sulla piazza, uno nel chiostro e uno spazio per i concerti acustici dentro ad una chiesa sconsacrata ora museo, con il dipinto “La deposizione della croce” di Luca Signorelli del 1517.
Dopo la pandemia, per l’edizione del 2020 il festival (questa volta con due palchi) è tornato nella storica location della prima edizione del 2003, in Piattaforma, luogo oltretutto importante perché è il parco voluto dai reduci della Brigata partigiana Cremona, che vollero realizzare, dopo il conflitto della Seconda Guerra Mondiale, un centro di ritrovo ricreativo culturale per le estati dei cittadini. Al momento c’è un importante progetto di recupero di questo luogo storico, dopo anni di chiusura e decadimento.
L’anno scorso, nel 2024, col festival che è tornato ad essere spalmato su due giorni abbiamo effettuato ancora un cambio di location, questa volta abbiamo splitatto il festival in due comuni diversi perché l’amministrazione comunale di Umbertide ha avuto la bella idea di realizzare una festa della birra a 100 metri dalla Piattaforma proprio il giorno dell’Italian Party, al che, abbiamo trovato ospitalità nel comune adiacente di Montone, scelta che si è rivelata felice perché vista l’invasione di pubblico che c’è stata, non ci sarebbe stato posto per tutti in Piattaforma..

Shizune (foto Luca Secchi, Italian Party 2024, Montone)

Quelle con un maggior riscontro di pubblico

In termini di pubblico le presenze sono sempre aumentate di anno in anno ma da dopo la pandemia (dal 2022, che era l’edizione n. 20 del festival) in avanti i numeri sono esplosi letteralmente. Inoltre si è visto un afflusso di pubblico giovane che francamente non vedevo da decenni…
Favorisco contenuto video dell’ultima edizione: https://www.youtube.com/watch?v=gKb1rh-pmIs

Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival

Abbiamo una mailing list con più di 3000 contatti, canali Telegram, Instagram e Facebook, sfruttiamo tutto l’Internet possibile per arrivare più vicino ai nostri fans e alla gente.

Come viene recepito il Festival dalla Regione Umbria? Siete radicati sul territorio?

Per 16/17 anni il pubblico local è stato quasi assente, poi ad un certo punto lo status di “festival musicale figo” è arrivato anche ai nostri concittadini. Forse anche perché l’Italian Party è uno dei pochi motivi per cui Umbertide è sconosciuta fuori dai confini regionali…

Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali? Per fare un confronto penso al festival internazionale di cinema e documentario a tema musicale Seeyousound che aderisce al Music Film Festival Network https://mffn.org/?

No, il festival non fa parte di nessun network se non quello informale della scena musicale indipendente italiana.

Dal presente al futuro prossimo venturo: state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?

Si si, abbiamo quasi tutta la scaletta fatta, dobbiamo ancora organizzare logisticamente il tutto, anche quest’anno il festival si dipanerà in due giornate e in due comuni a 5km di distanza tra di loro, a Umbertide e Montone, il 25 e 26 luglio 2025 (con un anteprima il 24), da non perdere!

Link: To Lose La Track Home Page

Link: To Lose La Track Facebook Page

Link: To Lose La Track Instagram Profile

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Marco Paolucci
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Intervista a Sacha W. Bonaffini della label italiana Sleepers Records

Questa volta non è stato il mio girovagare da “spider” musicale della sonosfera a farmi scoprire la Sleepers Records, ma una mail mandata da Sacha che proponeva una uscita della label (presto la recensione quindi non svelo di cosa si tratta). Ho fatto un giro nella pagina bandcamp delle produzioni uscite finora, che spaziavano dall’elettronica più esoterica all’ambient e all’industrial, mi sono incuriosito e ho pensato di intervistare Sacha, per farmi raccontare il passato, il presente e il futuro della Sleepers Records. A voi la lettura!

Come è nata l’idea di fondare la label Sleepers Records?

L’idea della label nasce dopo una serie di eventi che ho organizzato nelle colline del Chianti e ha preso forma durante i primi anni che ho vissuto a Berlino.
Negli anni è diventato un progetto più personale e penso che il vero punto di partenza sia semplicemente il fatto che fin da piccolo ero ossessionato dall’oggetto del vinile e dai suoni “insoliti”. Sleepers nasce per pura passione da collezionista e dalla mia irrefrenabile tendenza di ricercare, che sia musica, arte o letteratura.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

L’idea dell’etichetta è quella di essere indipendente dal genere e proporre sempre qualcosa di diverso da quello che ho fatto precedentemente ma non nego che con qualche artista si è creata un’alchimia particolare che sicuramente farà nascere ulteriori collaborazioni. Al momento è molto importante lavorare con artisti il cui intento va oltre la musica.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Come già dicevo non voglio limitare Sleepers a un genere specifico ed è importante che ci sia un costante cambiamento. Diciamo che all’inizio del progetto la proposta era molto influenzata dalla realtà Berlinese in cui stavo vivendo e dagli eventi che organizzavo al Tresor, un ambiente che in un certo senso limitava la vera anima del progetto. Dopo qualche anno ho avuto la possibilità di ospitare artisti che ammiro moltissimo ed è servita da trampolino di lancio per uscire da quella realtà e a far sì che il progetto si esprimesse al meglio. Tra gli artisti che si sono esibiti ci sono Ron Wright (Hula), Stephen Mallinder (Cabaret Voltaire), Danny Hyde, produttore di molti album dei Coil, con cui abbiamo collaborato all’uscita di Ben Chapman “There’s Always One”. Lagowski, uscito su Sleepers con due progetti, Project Ghost e Clans of the Alphane moon, Franco Falsini (fondatore dei Sensation Fix) che è un caro amico ed Eric Random con il quale abbiamo fatto uscire il doppio “Wire me up” e con cui stiamo lavorando a una nuova uscita per il nuovo progetto su CD, una persona molto speciale sia a livello musicale che umano.
Una delle recenti collaborazioni a cui tengo molto sia a livello personale che artistico è quella con Adi Newton, le cui influenze, tra letteratura, patafisica, surrealismo e psicoacustica che si riflettono sui suoi progetti e ricerche hanno contribuito a creare una forte connessione.

In che formato pubblicate le vostre produzioni? Vinile? Cd? Digitale? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica? Quale formato è più richiesto?

Sleepers esce solo in vinile, senza dubbio il mio formato preferito per il fatto che rappresenta un fattore tangibile e imperfetto, e poi il  basso lo preferisco per il suono più organico rispetto a quello più pulito del basso su digitale. Nonostante tecnicamente suoni “meglio” in digitale.
Apprezzo molto il formato del Cd nonostante il suo suono pulito perché così come con il vinile la copertina diventa una parte integrante della concezione dell’album, è un contatto visivo che aumenta l’esperienza tattile che prelude e accompagna l’ascolto. Ho deciso di usare questo formato per l’attuale progetto a cui sto lavorando qui in Giappone.

Per quanto riguarda il digitale, personalmente non ho mai scaricato musica e ho sempre pensato che il suono dell’MP3 fosse terribile e sottile, e allo stesso tempo non ti dà nessun tipo di informazione, non ti da modo di vedere i crediti, chi ha fatto cosa e penso sia fondamentale come il rituale di appoggiare la puntina sul disco, una magia imparagonabile.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Non ci ho mai pensato, penso che la collaborazione sia un fattore importante ed è un’attitudine sempre più rara.

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Oggi giorno penso che sia importante quanto la promozione fisica e diretta, ma sinceramente non ho un buon rapporto con i social network, non mi è mai piaciuta l’idea di auto promuovere la musica in quel modo, crea un’aura un po’ commerciale che non si allinea con i miei progetti. Nonostante ciò sono “attivo” sui vari social ma allo stesso tempo cerco di farlo nei miei termini, semplicemente annunciando le uscite con informazioni essenziali riguardo la musica e gli artisti.
Penso che la promozione attraverso canali diretti come gli eventi e girando nei vari negozi di dischi sia decisamente più appagante.

La label è attualmente localizzata in Giappone. Come è nata l’idea di questo trasferimento?

Il trasferimento nasce da un bisogno di ulteriore ricerca e per dar vita a una nuova etichetta esclusivamente su CD, penso che Tokyo al momento sia il posto che più si avvicina ai miei bisogni personali e musicali. La mia ragazza vive da molto tempo in Giappone e insieme stiamo curando sia la musica che la parte grafica.
È il primo progetto a cui lavoro che proviene da due menti e penso che abbia un valore aggiunto. Come diceva William Burroughs non esistono mai due menti che si uniscono senza creare una terza forza intangibile, che può essere paragonata a una mente superiore. Credo molto in questa simbiosi psichica e sono molto curioso di vedere come il progetto prenderà forma. Le vendite di CD sono ancora vive in Giappone nonostante la proliferazione dei servizi di streaming online.
È un formato molto apprezzato come oggetto da collezione quindi penso che sia davvero il posto ideale per dar vita a questo nuovo progetto.
La scena alternativa e underground è molto attiva ed energica specialmente nel quartiere Koenji dove viviamo. Ogni sera puoi sentire musica live e scoprire nuovi artisti, uno stimolo importante per la curiosità, per aprire nuove porte verso altre direzioni musicali e per potenziali nuove collaborazioni.

Come vedete il futuro della musica sperimentale, con annessi e connessi?

Penso che con questa saturazione del mercato musicale sia sempre più una lotta riuscire ad emergere, specialmente quando si tratta di musica “sperimentale”. Organizzare eventi per promuovere la musica che proponiamo è diventato sempre più essenziale.
Penso anche che l’avanzamento della tecnologia sta avendo un forte impatto sulla qualità della musica e sulla pura espressione artistica, musicalmente non mi interessa pensare al futuro, inevitabilmente mi porta ad avere una visione apocalittica, non gli do importanza, mi piace andare sempre più indietro nel passato a cui sono molto affezionato ed è un forte stimolo per la mia immaginazione.

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label?

Al momento non c’è niente di concreto all’orizzonte, solo un’ idea di produrre una fanzine da allegare a delle uscite future sul nuovo progetto in Cd.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Abbiamo appena chiuso due uscite con artisti giapponesi che hanno iniziato la loro carriera all’inizio degli anni 70 e stiamo lavorando ad altri due progetti di artisti inglesi di cui al momento non vogliamo svelarne l’identità.

L’unica release che possiamo annunciare è la versione su Cd con bonus tracks di “Archaeoacoustics”, album di debutto di Matar, progetto fondato da Adi Newton (Clock DVA) in collaborazione con il ricercatore americano di EVP (Electronic Voice Phenomena) Michael Esposito che è appena uscito in vinile su Sleepers. L’album esplora concetti di teorie archeoacustiche e credenze mitologiche spirituali di varie culture antiche.

La nuova etichetta sarà presentata all’inizio del nuovo anno e siamo molto impazienti di annunciare gli artisti e le rispettive uscite.

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/da
Marco Paolucci
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Intervista a Michel Dorbon della label francese RogueArt

Nei miei viaggi da “spider” musicale della sonosfera, sono arrivato a scoprire questa interessante realtà musicale grazie alla figura di William Parker. Ho scoperto la musica di questo gigante del jazz e ascoltato approfonditamente i suoi album, per poi passare alla lettura dei suoi libri di interviste ad artisti e artiste, figure fondamentali della musica tutta. Il passaggio successivo è stato quello di intervistarlo, tempestando Parker di domande a cui il nostro ha risposto pazientemente (qui trovate l’intervista). Mi mancava un ulteriore tassello, cioè l’approfondimento della storia della label discografica che mi ha fatto conoscere il William Parker musicista e scrittore, la francese RogueArt. Grazie alla simpatia e alla disponibilità del creatore Michel Dorbon, ho potuto sviscerare tutte le questioni e farmi raccontare da Michel le origini, il presente e il futuro di questo interessantissima e attivissima realtà discografica. A voi come sempre la lettura.

Qui trovate l’intervista in inglese

Quali sono le origini della label RogueArt? Come è nata l’idea? Quali ispirazioni ci sono state? A quali modelli, se ci sono stati, si è fatto riferimento?

Ci sono molti argomenti nella domanda; cercherò di riassumerli. È successo tutto per caso, e ho iniziato come produttore prima di avviare la RogueArt. Fino al 2018 ho avuto un lavoro a tempo pieno (che mi ha permesso di finanziare le mie produzioni, e lo fa tuttora), e questo lavoro comprendeva regolarmente incarichi all’estero. Alla fine degli anni ’90, quando un incarico più lungo del solito mi aveva permesso di mettere da parte un po’ di soldi, ho incontrato, diciamo per caso, Marie Consenza, che all’epoca gestiva l’etichetta Bleu Regard (oggi non estiste più), dedicata principalmente alla memoria di Charles Tyler e cercava persone che producessero progetti non necessariamente legati a Charles Tyler. Ho colto al volo l’occasione e ho prodotto il mio primo disco, Matthew Shipp Trio con Rob Brown e William Parker “Magnetism” (poi ristampato su RogueArt). Naturalmente conoscevo il jazz e il free jazz, ma solo come ascoltatore, senza altri legami con la scena. Quindi, ho iniziato da zero, senza alcun preconcetto.
Quattro produzioni e cinque anni dopo, ho deciso di fare un ulteriore passo avanti e di creare la RogueArt come casa per le mie produzioni; e tutto questo senza lasciare il mio lavoro dipendente, il che mi ha liberato dai vincoli della ricerca di denaro per finanziare le mie produzioni.

Non avevo idee preconcette su come dovesse essere un’etichetta discografica. Certo, conoscevo le etichette europee di free jazz e jazz dell’epoca – Black Saint, Marge, FMP, Hat Hut, Silkheart, Ayler Records, ECM… Ma non ho mai pensato di imitarle o di prenderle a modello; sono (o erano per alcuni di loro) tutte molto diverse tra loro, e li ho apprezzate molto; ma che senso ha rifare ciò che è già stato fatto? Ma inevitabilmente mi hanno ispirato in un modo o nell’altro, inconsciamente o meno. Per non parlare del fatto che ho avviato l’etichetta discografica in un momento in cui le vendite di dischi avevano già iniziato a diminuire drasticamente.
Due cose che volevo evitare erano il crystal case (la custodia di plastica trasparente), che fortunatamente ora è quasi scomparso, e le (spesso) brutte facce delle copertine dei CD che cercavano di imitare quelle dei vinili; date le dimensioni del CD, è molto più facile sbagliare una copertina che farla bene. Questo spiega il design delle copertine dei CD RogueArt, tutte uguali, proprio come i libri (almeno in Francia).
Come produttore, sono il tipo di persona che si limita a finanziare l’album senza interferire minimamente con la musica. Il mio approccio è quello di dare ai musicisti un ambiente in cui si sentano a loro agio nel creare.

Dove si trova la label?

Il marchio ha sede a Parigi, dove viviamo. Lavoro da casa con mia moglie, Christine Bareau, che fino alla fine del 2010 aveva un lavoro a tempo pieno. È solo negli ultimi cinque anni circa che abbiamo potuto dedicarci esclusivamente alle nostre produzioni e a mantenere in vita l’etichetta discografica.

Come scegliete le produzioni?

Per la mia prima produzione, desideravo lavorare con Matthew Shipp, che avevo sentito nel quartetto di David S. Ware e poi come artista solista, così ho prodotto l’album del trio di Matthew Shipp “Magnetism”, pubblicato su Bleu Regard nel 1999. Quando sei anni dopo ho fondato l’etichetta discografica, Alexandre Pierrepont, uno specialista (tra l’altro) della scena di Chicago, mi ha presentato Roscoe Mitchell e Hamid Drake, che hanno prontamente accettato di farmi produrre uno dei loro album nonostante la mia totale mancanza di esperienza; difficile trovare un modo migliore per avviare un’etichetta discografica! Hamid Drake & Bindu “Bindu” e Roscoe Mitchell Quintet, “Turn” sono il primo e il terzo riferimento dell’etichetta, il secondo è Rob Brown Quartet “Radiant Pools” e il quarto Matthew Shipp Declared Enemy “Salute to 100 001 Stars – A tribute to Jean Genet”.

In seguito, ero determinato a rimanere il più possibile fedele ai musicisti e ai gruppi con cui avevo iniziato a lavorare, cercando allo stesso tempo di introdurne di nuovi, cosa che ovviamente è diventata sempre più difficile con la crescita dell’etichetta. Da qui i musicisti regolarmente presenti nell’etichetta: Matthew Shipp, Roscoe Mitchell, Rob Brown, Hamid Drake prima, Nicole Mitchell poi, Joëlle Léandre, Joshua Abrams, Larry Ochs, Michel Edelin, Gerald Cleaver, Rob Mazurek, Mat Maneri, Sylvain Kassap, Myra Melford, Joe Morris, Jeff Parker e molti altri. Senza dimenticare, naturalmente, William Parker, presente sia come musicista che come autore.
Credo che sia importante che ci sia un rapporto di fiducia tra il musicista e il produttore. È qualcosa che cerco di stabilire; spero di riuscirci.

Perché le uscite prevalentemente in cd? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica? Quale formato è più richiesto?

È un’ottima domanda, che viene affrontata troppo raramente. Resto convinto che la musica registrata debba essere trasmessa attraverso un supporto fisico; e da questo punto di vista, il CD è molto probabilmente il formato più adatto per molte ragioni: qualità del suono, prezzo, equilibrio ecologico… Tutte le informazioni necessarie possono essere incluse (strumentazione completa, composizioni, data e luogo di registrazione…) così come le note di copertina e una o più foto. Per quanto riguarda il revival del vinile, probabilmente si tratta di una fantasia dei giornalisti in cerca di articoli sulla musica quanto di una realtà, anche se c’è effettivamente un effetto moda che può funzionare in certi settori. Abbiamo pubblicato alcuni vinili, alcuni dei quali sono stati pubblicati anche su CD; per questi ultimi, il formato CD vende meglio del formato vinile. Per non parlare del fatto che la stragrande maggioranza dei vinili pubblicati oggi sono registrati, mixati e masterizzati in digitale, il che li rende uguali ai CD in termini di suono. E non dimentichiamo gli acquisti speculativi di vinili, che rappresentano una percentuale significativa…
Io credo ancora nei CD e non credo di essere in controtendenza.

Jacques Bisceglia Steve Dalachinsky Michel Dorbon Yuko Otomo – New York – Date unknown – credit unknown

Che ne pensate delle coproduzioni tra label?

È una cosa a cui ho pensato, anche per poter pubblicare band che sarebbero state costose da produrre. Il problema è che siamo tutti piccole strutture che riescono a sopravvivere in condizioni economiche molto precarie. Mettere in piedi una collaborazione di questo tipo sarebbe troppo complicato. Una volta ho provato a parlare con un’etichetta paragonabile alla RogueArt, ma, come è ovvio, non si è andati molto lontano, nonostante la buona volontà di entrambe le parti. In realtà, non ne conosco nessuna. Probabilmente è un peccato, ma non ho idea di cosa ci vorrebbe per rendere possibili le coproduzioni. Le collaborazioni tra etichette e strutture jazzistiche dal vivo (festival, club, sale da concerto…) sono molto più frequenti, e ne abbiamo abbastanza regolarmente.
Inoltre, oltre a collaborare a una produzione, esistono altre forme di collaborazione tra le etichette, ad esempio per la distribuzione. Non c’è concorrenza tra noi.

William Parker Michel Dorbon Roulette Brooklyn June 15 2019 cerdit Thomas Sayers Ellis

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Cerco di postare regolarmente su questi media. È ovviamente difficile misurare l’impatto, ma ho l’impressione che sia molto basso, se non nullo. Mi sembra che, alla fine, sia più nell’interesse di questi colossi che raccolgono dati che noi abbiamo un account e postiamo regolarmente, molto più che nel nostro interesse. Dati i loro algoritmi, le informazioni girano intorno a un ambiente di intenditori. Diciamo che, come minimo, permette alle informazioni di circolare all’interno della comunità.
Credo che esistano due forme di censura. Una, quella più conosciuta, consiste semplicemente nel vietare ciò che un potere politico, economico o di altro tipo non controlla. Non è necessariamente facile da contrastare, ma è facile da identificare e da denunciare quando è possibile. Esiste un’altra forma di censura, molto più insidiosa, che consiste nell’autorizzare tutto, non nel vietare nulla, ma nell’annegare ciò che si vuole annientare sotto un considerevole flusso continuo di messaggi, immagini e informazioni di scarso interesse, al fine di controllare, soprattutto dal punto di vista commerciale, ciò che potrebbe emergere e lasciare sepolto sotto questo flusso ciò che rimarrebbe incontrollabile. Quest’altra forma di censura è molto più difficile da identificare, da nominare e quindi da combattere; ed è chiaro che i social network sono un ingranaggio importante di questa forma di censura, che consiste nel rendere invisibile ciò che il potere economico non può controllare.
È indubbiamente una contraddizione da parte mia denunciare i social network e allo stesso tempo utilizzarli. Forse si tratta solo di utilizzare gli strumenti a nostra disposizione pur essendo consapevoli dei loro pericoli.

Rob Mazurek Michel Dorbon – Villeurnanne FR – November 8 2013 – credit RogueArt unknown

Come vedete la scena musicale improvvisativa nazionale e internazionale?

Dal punto di vista dei musicisti, la trovo piuttosto attiva. Ho l’impressione che la scena del jazz e della musica improvvisata sia ancora ricca, con alcuni giovani musicisti molto bravi. D’altra parte, le condizioni in cui questi musicisti, giovani o meno giovani, possono suonare peggiorano di giorno in giorno. I locali attivi sono sempre meno e quelli che restano fanno sempre più fatica a offrire loro condizioni decenti. E i produttori di musica registrata e le etichette non sono messi meglio.
Se c’è un problema, ha più a che fare con le condizioni in cui i musicisti possono lavorare e noi possiamo ascoltarli che con la mancanza di bravi musicisti.

Veniamo alla casa editrice: come è l’idea di iniziare ad affiancare alla musica anche i libri?

In effetti, fin dall’inizio avevo in mente che l’etichetta avrebbe potuto offrire il jazz in una forma diversa dal CD o dal vinile, senza avere un’idea precisa di quale forma avrebbe potuto assumere, o anche se si sarebbe mai concretizzata; quindi, non è solo perché RogueArt suona meglio che ho scelto “Art” dopo “Rogue”, piuttosto che “Jazz” o “Music”.
In effetti, non ci è voluto molto perché ci fosse un film in DVD, “Off The Road”, un road movie di Laurence Petit-Jouvet, che ha seguito Peter Kowald nel suo tour attraverso gli Stati Uniti nel 2000. Seguono due libri nati dall’amicizia con il poeta newyorkese Steve Dalachinsky, con Matthew Shipp e con il fotografo francese Jacques Bisceglia: Matthew Shipp – Steve Dalachinsly “Logos and Language: A Post-Jazz Metaphorical language”, composto da una lunga intervista/discussione tra Steve e Matthew, da poesie di Steve ispirate ai concerti di Matthew e da poesie di Matthew; seguito dall’imponente volume ‘Reaching Into the Unknown’, in cui le foto di Jacques Bisceglia e le poesie di Steve Dalachinsky si rispondono a vicenda, attraversando 35 anni di jazz e musica improvvisata dall’interno con un occhio e una matita particolarmente acuti.
Alla fine, includere i libri nella produzione di RogueArt è stato un processo relativamente semplice.

Come scegliete i titoli da pubblicare?

La RogueArt deve rimanere più un’etichetta jazz che una casa editrice; pertanto, per quanto riguarda i libri, il numero di pubblicazioni è e rimarrà molto minoritario rispetto ai CD. Pubblichiamo solo libri di o su musicisti molto vicini all’etichetta. Si tratta quindi di rispondere alle opportunità caso per caso.

Nello specifico, come è nata l’idea di pubblicare i volumi delle interviste del musicista William Parker a musicisti e artisti?

Il primo volume della serie “Conversations” di William Parker è stato pubblicato nel 2011, 6 anni dopo l’inizio della RogueArt. Durante il periodo di tournée, William Parker ha preso rapidamente l’abitudine di intervistare i suoi colleghi musicisti, senza sapere bene cosa farne. Aveva già un gran numero di interviste/conversazioni archiviate e si chiedeva se fosse il caso di pubblicarle; era abbastanza ovvio che non dovessero rimanere sepolte all’infinito e che dovessero essere rese disponibili al pubblico. Non ricordo come siamo arrivati a lavorare insieme su questo progetto. William è venuto da me sapendo che avevo già pubblicato due libri? Sono stato io ad avvicinarlo con la conoscenza di queste interviste? In ogni caso, se non ricordo le circostanze, è perché tutto è avvenuto in modo molto fluido.
Quando ho intrapreso questo lavoro con William, non avevo idea di quanto sarebbe stato faticoso! Comunque, ce l’abbiamo fatta e sono molto contento che questi quattro volumi di interviste/discussioni tra William Parker e i suoi colleghi siano disponibili e che questi libri siano su RogueArt. Non si tratta di un’intervista giornalistica; nella serie William Parker’s Conversations, le domande e le risposte sono tutte pertinenti, sia per quanto riguarda la musica, sia per questioni più personali o qualsiasi altro argomento. Un lavoro enorme e, per quanto ne so, senza eguali. Come dice John Zorn nella quarta di copertina del primo della serie, “La storia orale al suo meglio”.

Qual è il futuro delle label discografiche/case editrici, dal vostro punto di vista?

Non è facile rispondere a questa domanda, data la situazione precaria delle case discografiche e delle etichette indipendenti. È evidente che le imprese digitali vogliono assumere il controllo della musica registrata (e non solo della musica!), e che nella maggior parte dei casi hanno il sostegno delle autorità pubbliche. Eppure, noi esistiamo ancora, anche se spesso a prezzo di molti sforzi e sacrifici, ma il risultato ne vale la pena. La morte del CD è stata annunciata da oltre 20 anni, eppure è ancora qui!
E vorrei sottolineare che le società di streaming, che ci dicono che elimineranno i supporti fisici, non producono nulla, ma si limitano a distribuire ciò che viene prodotto altrove. Quindi, non hanno nulla a che fare con le case di produzione, di cui facciamo parte. Lo streaming oggi si occupa essenzialmente di mettere online cataloghi che sono già redditizi altrove, e non tanto di nuove produzioni. Sono sempre un po’ sorpreso, quindi, che venga sempre sollevata la questione del futuro delle case discografiche e dei produttori, mentre si dà per scontato il futuro dello streaming, che sostituirà per sempre il supporto fisico. Per quanto mi riguarda, scommetterei più sul futuro del supporto fisico, che corrisponde a un bisogno reale, che su quello dello streaming, che potrebbe essere solo una moda e quindi scomparire una volta esaurita la manna di valori certi prodotti da altri. In ogni caso, vale la pena di sollevare la questione. Oggi è molto difficile sapere quale forma assumerà la musica registrata in futuro; è probabile che coesisteranno diverse forme e, a seconda del tipo di musica, prevarrà l’una o l’altra. Ma non vedo la morte del supporto fisico nel breve o medio termine.

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label/casa editrice?

Ho un progetto di documentario, ma è in una fase molto preliminare. Ad oggi non è ancora certo che diventerà realtà, quindi preferisco non parlarne. Non si tratterà della storia della RogueArt.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite discografiche/libri in cantiere?

Abbiamo appena pubblicato l’album del quartetto di Rob Mazurek (Rob Mazurek, Angelica Sanchez, Tomeka Reid, Chad Taylor) “Color Systems”. L’album del quartetto di Paul Dunmall (Paul Dunmall, Liam Noble, John Edwards, Mark Sanders), “Here Today Gone Tomorrow”, uscirà alla fine dell’anno. L’anno prossimo, Joe McPhee & Strings (Joe McPhee, Mat Maneri, Fred Lonberg-Holm, Michael Bisio) “We Know why the Caged Bird Sings”, registrato durante la pandemia, un magnifico assolo di Ramon Lopez “40 Springs in Paris”, registrato per celebrare il suo quarantesimo anniversario in Francia, Nicole Mitchell, Mette Rasmussen e Sofia Jernberg in trio e molte altre cose (molto belle) che preferisco farvi scoprire quando sarà il momento…
Per quanto riguarda i libri, stiamo ultimando una breve raccolta di poesie di Rob Mazurek, che includerà anche le riproduzioni di una serie di suoi dipinti.

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Marco Paolucci
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Interview with Michel Dorbon of the French RogueArt label

In my travels as a musical ‘spider’ of the sonosphere, I came to discover this interesting musical reality thanks to the figure of William Parker. I discovered the music of this jazz giant and listened to his albums in depth, and then moved on to read his books of interviews with artists and performers, key figures in all music. The next step was to interview him, peppering Parker with questions that he patiently answered (you can find the interview here). I was missing a further piece, namely an in-depth look at the history of the record label that introduced me to the William Parker musician and writer, the French RogueArt. Thanks to the friendliness and kindnesss of the creator Michel Dorbon, I was able to unravel all the issues and have Michel tell me about the origins, present and future of this very interesting and very active record company. To you, as always, the reading.

Here you can find the Italian translation

What are the origins of the RogueArt label? How did the idea come about? What were your inspirations? What models, if any, have you referred to?

There are many elements in the question; I’ll try to summarize. It all happened by chance, and I started out as a producer before I started RogueArt. I had a full-time job until 2018 (which is what allowed me to finance my productions, and still does), and this job regularly included overseas assignments. At the end of the ’90s, when a longer-than-usual assignment had allowed me to put a little money aside, I met, let’s say by chance, Marie Consenza, who at the time was managing the Bleu Regard label (not existing anymore), mainly dedicated to the memory of Charles Tyler and she was looking for people who would produce groups not necessarily related to Charles Tyler. I jumped at the chance and produced my first record, Matthew Shipp Trio with Rob Brown and William Parker “Magnetism” (since re-released on RogueArt). Of course, I was familiar with jazz and free jazz, but only as a listener, with no other connection to the scene. So, I started from scratch, with no real preconceptions.
Four productions and five years later, I decided to take things a step further and set up RogueArt as a home for my productions; and all this without leaving my salaried job, which freed me from the constraints of looking for money to finance my productions.


I didn’t really have any preconceived ideas about what a label should be. Of course, I was familiar with the European free jazz and jazz labels of the time – Black Saint, Marge, FMP, Hat Hut, Silkheart, Ayler Records, ECM… But at no time did I consider imitating them or taking them as a model; they are (or were for some of them) all very different from each other, and I appreciated them very much; but what’s the point of redoing what’s already been done? But they inevitably inspired me in one way or another, unconsciously or not. Not to mention the fact that I started the label at a time when record sales had already begun to decline sharply.
Two things I wanted to avoid were the crystal case (the plastic transparent case), which fortunately has now almost disappeared, and the (often) ugly CD cover’s faces that tried to imitate vinyl covers; given the size of the CD, it’s much easier to screw up a cover than to get it right. This explains the design of RogueArt CD covers, all the same, just like the books (at least in France).
As a producer, I am the kind of person that only finance the album with no or minimum interference on the music. My approach is to mostly give musicians an environment in which they feel comfortable creating.

Where was the label based?

The label is based in Paris, where we live. I work from home with my wife, Christine Bareau, who also had a full-time job until the late 2010s. So it’s only in the last five years or so that we’ve been able to devote ourselves exclusively to our productions and to keeping the label alive.

How did you choose the releases?

For my first production, I was keen to work with Matthew Shipp, whom I’d heard in David S. Ware‘s quartet and then as a solo artist, so I produced the Matthew Shipp trio album “Magnetism”, released on Bleu Regard in 1999. When I started the label six years later, Alexandre Pierrepont, a specialist (among other things) in the Chicago scene, introduced me to Roscoe Mitchell and Hamid Drake, who readily agreed to let me produce one of their albums despite my total lack of experience; hard to find a better way to start a label! Hamid Drake & Bindu “Bindu” and Roscoe Mitchell Quintet, “Turn” are the label’s first and third references, the second being Rob Brown Quartet “Radiant Pools” and the fourth Matthew Shipp‘s Declared Enemy “Salute to 100 001 Stars – A tribute to Jean Genet”. After that, I was determined to remain as faithful as possible to the musicians and groups I’d started working with, while at the same time trying to introduce new ones, which of course is becoming increasingly difficult as the label grew. Hence the musicians regularly featured on the label: Matthew Shipp, Roscoe Mitchell, Rob Brown, Hamid Drake first, then Nicole Mitchell, Joëlle Léandre, Joshua Abrams, Larry Ochs, Michel Edelin, Gerald Cleaver, Rob Mazurek, Mat Maneri, Sylvain Kassap, Myra Melford, Joe Morris, Jeff Parker and many others. Not forgetting, of course, William Parker, present as both musician and author.
I think it is important that there is a trustful relationship between the musican(s) and the producer. It is something I try to establish; hopefully, I succeed.

Why was it mostly cds releases? Which format do you think best expresses your philosophy of Music? Which format is most in demand?

That’s a very good question, and one that’s all too rarely addressed. I remain convinced that recorded music must be transmitted via a physical medium; and from this point of view, the CD is very probably the best adapted format for many reasons: sound quality, price, ecological balance… all the necessary information can be included (complete instrumentation, compositions, date and place of recording…) as well as liner notes and one or more photos. As for the vinyl revival, it’s probably as much a fantasy of journalists looking for articles on music as a reality, even if there is indeed a fashion effect that can work in certain sectors. We’ve released a few vinyls, some of which have also been released on CD; for the latter, the CD format sells better than the vinyl format. Not to mention the fact that the vast majority of vinyls released today are digitally recorded, mixed and mastered, making them the equal of CDs in terms of sound. And let’s not forget speculative vinyl purchases, which account for a significant proportion…
I still believe in CDs, and I don’t think I’m going against the trend.

Jacques Bisceglia Steve Dalachinsky Michel Dorbon Yuko Otomo – New York – Date unknown – credit unknown

What do you think about co-productions between record labels? Do you think it is a viable option for your label?

It’s something I’ve been thinking about, not least to be able to release bands that would have been expensive to produce. The problem is that we’re all small structures that manage to survive in very precarious economic conditions. Setting up such a collaboration would be too complicated. I tried once to talk to a label comparable to RogueArt, but, unsurprisingly, it didn’t go very far, despite the good will of both parties. In fact, I’m not aware of any. It’s probably a pity, but I have no idea what it would take to make joint productions possible. Cooperation between labels and live jazz structures (festivals, clubs, concert halls…) is much more frequent, and we have them on a fairly regular basis.
What’s more, apart from collaborating on a production, there are other forms of collaboration between labels, such as for distribution. There’s no competition between us.

William Parker Michel Dorbon Roulette Brooklyn June 15 2019 cerdit Thomas Sayers Ellis

How do you feel about social to promote awareness and listening to your label’s music? Are you active on social?

I try to post regularly on these media networks. It’s obviously difficult to measure the impact, but I have the impression that it’s very low, if not zero. It seems to me that, in the end, it’s more in the interest of these data-gathering behemoths that we have an account there and post regularly, much more than it is in our own interest. Given their algorithms, the information circles around a milieu of connoisseurs. Let’s just say that, at the very least, it allows information to circulate within the community.
I think there are two forms of censorship. One, the better-known one, simply consists of banning what a political, economic or other power doesn’t control. It’s not necessarily easy to counter, but it’s easy to identify and, to denounce when it is possible. There is another, much more insidious form of censorship, which consists of authorizing everything, not banning anything, but drowning what you wish to annihilate under a considerable continuous flow of messages, images and information of little interest, in order to control, notably commercially, what might emerge from that, and leave buried under this flow what would remain uncontrollable. This other form of censorship is much more difficult to identify, to name and therefore to fight; and it’s clear that social networks are an important cog in the wheel of this form of censorship, which consists in making invisible what economic power can’t control.
There’s undoubtedly a contradiction on my part in denouncing social networks and using them at the same time. Maybe it’s just a question of using the tools at our disposal while being aware of their dangers.

Rob Mazurek Michel Dorbon – Villeurnanne FR – November 8 2013 – credit RogueArt unknown

How do you see the national and international improvisational music scene?

From a musician’s point of view, I find it rather active. I have the impression that the jazz and improvised music scene is still rich, with some very good young musicians. On the other hand, the conditions in which these musicians, young or not so young, can play are deteriorating day by day. There are fewer and fewer active venues, and those that remain are finding it harder and harder to offer them decent conditions. And recorded music producers and labels are no better off.
If there is a problem, it has more to do with the conditions in which musicians can work and we can listen to them than with the lack of good musicians.

Let’s come to the publishing house: how is the idea of starting to combine music with books?

In fact, right from the start, I had in mind that the label might offer jazz in a form other than CD or vinyl, without any precise idea of what form this might take, or even if it would ever materialize; so, it’s not just because RogueArt sounds better that I chose “Art” after “Rogue”, rather than “Jazz” or “Music”.
In fact, it didn’t take long for there to be a DVD film, “Off The Road”, a road movie by Laurence Petit-Jouvet, who followed Peter Kowald on his tour across the United States in 2000. Followed by two books resulting from friendships I’ve forged with New York poet Steve Dalachinsky, with Matthew Shipp and with French photographer Jacques Bisceglia: Matthew Shipp – Steve Dalachinsly “Logos and Language: A Post-Jazz Metaphorical language”, consisting of a long interview/discussion between Steve and Matthew, poems by Steve inspired by Matthew’s concerts and poems by Matthew; followed by the imposing volume, ‘Reaching Into the Unknown’, where Jacques Bisceglia‘s photos and Steve Dalachinsky‘s poems respond to each other, crossing 35 years of jazz and improvised music from the inside with a particularly sharp eye and pencil.
In the end, including books in RogueArt‘s output was a relatively straightforward process.

How do you choose titles to publish?

RogueArt must remain more of a jazz label than a publishing house; therefore, as far as books are concerned, the number of publications is and will remain very much in the minority compared to CDs. We only publish books by or about musicians very close to the label. So it’s a case of responding to opportunities on a case-by-case basis.

In particular how did the idea of publishing volumes of musician William Parker’s interviews with musicians and artists come about?

The first volume in William Parker‘s “Conversations” series was published in 2011, 6 years after RogueArt began. During the time he had free on tour, William Parker quickly got into the habit of interviewing his fellow musicians, without really knowing what he could do with them. He already had a large number of interviews/conversations in stock, and wondered whether he should publish them; it was quite obvious that they shouldn’t remain buried indefinitely, and that they should be made available to the public. How we came to work together on this project, I don’t remember. Did William come to me knowing that I’d already published two books? Was it me who approached him with the knowledge of these interviews? In any case, if I don’t remember the circumstances, it’s because it all happened very smoothly. When I embarked on this work with William, I had no idea how much work it would be! Anyway, we’ve done it, and I’m really pleased that these four volumes of interviews/discussions between William Parker and his peers are available, and that these books are on RogueArt. It’s nothing like a journalist’s interview; In William Parker’s Conversations series, the questions and answers are all relevant, whether about music, more personal matters or any other subject. An enormous piece of work, and, to my knowledge, without equal. As John Zorn says in the back cover of the first of the series, “The oral history at its best”

What is the future of record labels/publishing house, from your perspective?

It’s not easy to answer this question, given the precarious situation of record companies and independent labels. It’s obvious that digital companies want to take control of recorded music (and not just music!), and that they have the support of the public authorities in most cases. And yet, we still exist, even if it’s often at the price of many efforts and sacrifices, but the result is worth it. The death of the CD has been heralded for over 20 years, yet it’s still here!
And I’d like to point out that streaming companies, which we’re told will eliminate physical media, don’t produce anything; they simply distribute what is produced elsewhere. So, they have nothing to do with production companies, of which we are a part. Streaming today is essentially about putting online catalogs that are already profitable elsewhere, and not so much about new productions. I’m always a little surprised, then, that the question of the future of record companies and producers is always being raised, while the future of streaming is taken for granted and that it will forever replace the physical medium. As far as I’m concerned, I’d wager more on the future of the physical medium, which corresponds to a real need, than on that of streaming, which could be no more than a fad and thus disappear once the manna of sure values produced by others has been exhausted. Anyway, this question is worth raising. It’s very difficult today to know what form recorded music will take in the future; it’s likely that several forms will coexist and, depending on the type of music, one or other will predominate. But I don’t see the death of the physical medium in the short or medium term.

Possible future projects such as a documentary and/or a book telling the history of the label/publishing house?

I do have a documentary project, but it’s at a very preliminary stage. So, as today, it’s not yet certain that it will eventually become a reality, so I’d rather not talk about it. It won’t be about the RogueArt story.

Interview closing: upcoming releases/books in the pipeline?

We’ve just released the album by Rob Mazurek‘s quartet (Rob Mazurek, Angelica Sanchez, Tomeka Reid, Chad Taylor) “Color Systems”. An album by Paul Dunmall‘s quartet (Paul Dunmall, Liam Noble, John Edwards, Mark Sanders), “Here Today Gone Tomorrow”, will be released at the end of the year. Next year, Joe McPhee & Strings (Joe McPhee, Mat Maneri, Fred Lonberg-Holm, Michael Bisio) “We Know why the Caged Bird Sings” recorded during the pandemic, a magnificent solo by Ramon Lopez “40 Springs in Paris”, recorded to celebrate his fortieth anniversary in France, Nicole Mitchell, Mette Rasmussen and Sofia Jernberg in trio and many other (very beautiful) things that I prefer to let you discover when the time comes…
As far as books are concerned, we are currently finalizing a short collection of Rob Mazurek‘s poems, which will also include reproductions of a series of his paintings.

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Marco Paolucci
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Intervista con Jamie Sutcliffe e Mark Pilkington della Strange Attractor Press

Incontro numero 9, dedicato a far conoscere ai lettori di Kathodik chi si occupa di promuovere un discorso di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale. Il primo incontro è stato con Marco Refe della Edizioni Crac di Falconara Marittima (qui). Il secondo incontro è stato con il professore Luca Cerchiari, curatore della collana ‘Musica Contemporanea’ della Mimesis Edizioni (qui). Il terzo incontro è stato con Karl Ludwig, Responsabile Comunicazione della tedesca wolke verlag (qui). Il quarto incontro è stato con Domenico Ferraro, direttore editoriale della Squilibri Editore (qui). Il quinto incontro è stato con Fabio Ferretti, ideatore e curatore della collana ‘Chorus’, della Edizioni Quodlibet (qui). Il sesto incontro è stato con Massimo Roccaforte, curatore editoriale della Goodfellas Edizioni (qui). Il settimo incontro è stato con Christina Ward co-curatrice della casa editrice statunitense Feral House (qui). L’ottavo incontro è stato con Ken Wissoker, Senior Executive Director della casa editrice statunitense Duke University Press (qui). Oggi mi dirigo virtualmente nel Regno Unito per intervistare Mark Pinghington e Jamie Sutcliffe ideatori e direttori editoriali della Strange Attractor Press. La casa editrice ha in catalogo molti titoli veramente interessanti, che vanno da studi su musicisti a ricerche sulla cultura underground, che come leggerete dalle loro parole, aspettano solo di essere letti e studiati.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come nasce l’idea della casa editrice Strange Attractor Press?

Mark:

All’inizio degli anni Duemila lavoravo come scrittore freelance, facevo lavoravo come giornalista, scrivevo per riviste e giornali e facevo il copywriter – tutte cose che fanno gli scrittori.

L’artista e regista John Lundberg e io organizzavamo eventi all’Horse Hospital di Londra. Li chiamavamo “infomation happening”, con conferenze, musica, film ecc. su argomenti insoliti, con il nome di Strange Attractor.

Ero frustrato dal fatto che tanti brillanti autori che conoscevo stentassero a pubblicare testi più lunghi su argomenti insoliti. Così, ispirandomi a riviste e zine che ricordavo come Rapid Eye, Re/Search e Fortean Studies, nel 2004 ho dato vita a Strange Attractor Journal, con l’intenzione di farne una pubblicazione trimestrale, e 20 anni dopo abbiamo pubblicato solo cinque volumi, ma oltre 100 libri in totale!

La nostra missione più importante, se ne abbiamo una, è quella di archiviare e documentare l’underground e le sottoculture del Regno Unito, e quella che una volta veniva chiamata controcultura, anche se questo termine è in gran parte privo di significato al giorno d’oggi, quando non esiste una monocultura e le nostre numerose culture fluiscono contemporaneamente in ogni direzione!

SAP non ha mai avuto l’intenzione di essere un editore musicale, è solo una componente della nostra proposta – ho sempre avuto un piede nel mondo della musica underground e sperimentale del Regno Unito, suonando in progetti, scrivendo per riviste ecc. Faccio ancora musica e co-produco un piccolo festival musicale annuale, Acid Horse, dove vivo nel Wiltshire.

Come vengono selezionati i titoli da pubblicare?

Mark:
Per lo più nascono da discussioni con amici e colleghi, oppure ci vengono inviati. Non capita spesso di avere un’idea per un libro e di commissionarlo, anche se è successo. Jamie e io siamo entrambi piuttosto attivi al di fuori della SAP nei progetti culturali, nell’insegnamento, nella scrittura, nello spettacolo, eccetera, quindi parliamo con molte persone e, dato che la reputazione della Strange Attractor Press è fortunatamente cresciuta, riceviamo molte proposte interessanti. Molte di più di quelle che riusciamo a pubblicare, ovviamente!

Jamie: Ci sono stati alcuni casi in cui gli autori si sono avvicinati a noi per caso con l’idea di un libro a cui stavamo pensando da tempo, ma che non avevamo mai trovato il tempo di produrre. Siamo entrambi ammiratori del lavoro dell’antropologo visionario Michael Taussig, per esempio, e da anni parlavamo della possibilità di mettere insieme un libro d’arte con gli acquerelli meravigliosamente irregolari di Mick, spesso scarabocchiati frettolosamente sui suoi taccuini durante il lavoro sul campo. Grazie all’incoraggiamento di un amico comune, Jesse Bransord, Mick ha finito per contattarci direttamente e proporre proprio il libro che avevamo immaginato, ‘Postcards For Mia’, una raccolta di immagini dipinte a mano che comunicano le stranezze dei suoi viaggi alla giovane nipote tornata a New York.

Per quanto riguarda la selezione di autori stranieri, a quale scuola di critica musicale si fa più riferimento? Accenno un esempio: avete più interesse negli agli autori di lingua inglese? Oppure negli autori di lingua francese? Oppure di altre lingue?

Mark:
Non abbiamo preferenze, seguiamo solo i nostri interessi.

Abbiamo un libro in uscita sul rock sperimentale francese post 1968, ‘Concrete SF Riot’, ma è di un autore inglese, Warren Hatter. Alcuni dei nostri libri, in particolare i titoli musicali, sono stati tradotti in francese, spagnolo, italiano e russo.

Jamie: Siamo fortunati a lavorare con tanti autori ambiziosi i cui interessi e ricerche li portano a vagare lontano dai sentieri battuti in questo senso. David Toop, Roy Christopher, Stephen Coates… sono tutti scrittori di musica le cui opere si avventurano oltre il mondo anglofono per raccogliere le voci di diverse culture e comunità. Ciò potrebbe comportare la traduzione delle testimonianze dei contrabbandieri russi che, sotto la censura sovietica, stampavano la musica pop su radiografie scartate, o di passare al setaccio gli scritti dei lavoratori afroamericani delle radici, dei maghi e dei praticanti del voodoo per gettare ulteriore luce su una strana registrazione iniziale del musicista R&B di New Orleans Dr. John. Come stampa, pubblichiamo in inglese, ma ci sarà sempre una cacofonia interculturale di voci e stili di pensiero internazionali nel mix.

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Quali sono i generi che preferite trattare per le vostre pubblicazioni e perché?

Mark: Lavoriamo principalmente con la saggistica, che non è un vero e proprio genere! – ma non siamo una casa editrice di narrativa. Occasionalmente pubblichiamo narrativa di autori che hanno un passato in altri campi, come ad esempio, recentemente, Victoria Nelson.

Ma la nostra non fiction può spaziare in una vasta gamma di aree tematiche: arte, antropologia, storia della medicina, scienza, storia culturale e sociale, storia dell’occulto e delle religioni. Cerchiamo semplicemente temi, narrazioni e prospettive che ci sembrino fresche e intriganti, e naturalmente dobbiamo tenere conto di ciò che interesserà al pubblico.

Stiamo cercando di attestarci sugli otto libri all’anno, quindi il processo di selezione è sempre più impegnativo.

Jamie: Come suggerisce il nostro nome, abbiamo una preferenza per la “stranezza”, che non implica un genere in sé, ma certamente suggerisce un approccio irregolare sia al contenuto che allo stile. Il meraviglioso libro di Eleanor Morgan, ‘Gossamer Days: On Spiders, Humans, And Their Threads’, potrebbe essere un ottimo esempio di questo… è fondamentalmente un libro sulle varie meraviglie che possiamo incontrare nel mondo degli aracnidi, ma è scritto con uno stile ibrido brillantemente espansivo che lo rende non catalogabile in molti modi; è un’opera di storia naturale, teoria del design e pratica artistica viva allo stesso tempo.

Qual è il titolo più interessante che è stato pubblicato fino ad oggi? Perché?

Mark: Oh, non è possibile, né giusto, dirlo!

Jamie: Sono d’accordo!

Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?

Mark: Certamente – lo abbiamo fatto con alcuni titoli, ‘High Weirdness’ di Erik Davis è stato co-pubblicato con MIT Press, il nostro distributore, e abbiamo lavorato con gallerie, musei e label discografiche.

Jamie: Sì, questo funziona certamente bene per noi, date le giuste circostanze. Lavoriamo sempre più spesso con gallerie e artisti che possono finanziare un progetto, ma hanno bisogno della nostra esperienza editoriale, del nostro approccio al design e della nostra rete di distribuzione. Abbiamo già lavorato con Tae e un recente libro sul financial worlding con l’artista Gary Zhexi Zhang è stato gentilmente finanziato sia dalla Gaia Art Foundation che dalla AGYU (The Art Gallery of York University, Toronto). Abbiamo appena avviato un nuovo ed entusiasmante rapporto con la Cosmic House di Londra, l’iconica sede e l’archivio della Charles Jencks Foundation, e coprodurremo libri nell’ambito del loro programma di mostre d’arte contemporanea.

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Lo stato britannico aiuta gli editori per la pubblicazione?

Ah no!

Mark: Negli anni ’90 c’è stato un periodo in cui gli editori potevano ottenere i finanziamenti dell’Arts Council, ma ora non più.

A volte gli autori, gli artisti o le istituzioni con cui lavoriamo possono ricevere dei finanziamenti per la produzione di una pubblicazione, e quindi alcuni, o occasionalmente, tutti i nostri costi di produzione possono essere coperti, il che è un grande aiuto, ma non è qualcosa su cui possiamo contare.

Jamie: Sì, come ha detto Mark, siamo soli in un settore editoriale sempre più precario. Abbiamo cercato altri modelli di finanziamento, come ad esempio il crowdfunding su Kickstarter, ma dato che siamo solo noi due a gestire tutto, dalla commissione all’editing, dalla progettazione all’impaginazione e al marketing, è molto difficile trovare il tempo per gestire una campagna di finanziamento efficace con tutto il lavoro che richiede.

Oltre ai volumi pensate ad altre forme di pubblicazione? Ad esempio documentari, film, podcast?

Mark: Ci piacerebbe fare di più, ma il carico di lavoro tra noi due è già enorme e facciamo fatica a starci dietro. Tuttavia, entrambi abbiamo dei progetti su cui lavoriamo al di fuori della SAP – scrivere, insegnare musica, curatele, programmare eventi, eccetera – e queste cose spesso si sovrappongono al nostro lavoro come SAP.

Jamie: Sì, come ha detto Mark siamo entrambi coinvolti in un buon numero di progetti al di fuori della stampa. Mark ha una carriera molto attiva come musicista in questi giorni, con una serie di nuove uscite solo nell’ultimo anno, ed è sempre più spesso chiamato a parlare del fenomeno UFO, che assume nuove risonanze nel presente. Scrivo costantemente per pubblicazioni d’arte, ho diversi libri in stampa e in produzione e sto sviluppando progetti espositivi. Siamo entrambi molto attivi anche come relatori, spesso partecipando a tavole rotonde su musica, arte, tecnologia e sulle loro varie implicazioni politiche.

Qualche segnalazione meritevole dei prossimi titoli che avete in cantiere?

Sempre! I nuovi titoli per il prossimo anno includono:

– Il secondo volume di memorie di Dorothy Max Prior, che la vede insegnare ballo da sala mentre è in tournée come batterista di Psychic TV;
– Una storia degli spettacoli di luci psichedeliche degli artisti in Gran Bretagna;
– Una biografia di Anthony Balch, il regista e produttore britannico che collaborò con William Burroughs e importò nel Regno Unito il cinema esotico ed erotico, tra cui “Haxan Witchcraft Through the Ages” e “Freaks”;
– Una biografia di Eric Dingwall, investigatore psichico e custode della biblioteca proibita del British Museum.

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Marco Paolucci
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Interview with Jamie Sutcliffe and Mark Pilkington of the Strange Attractor Press

Meeting number 9, dedicated to introducing Kathodik readers to those involved in promoting a discourse of music criticism in Italian and international publishing. The first meeting was with Marco Refe of Edizioni Crac in Falconara Marittima (here). The second meeting was with Professor Luca Cerchiari, editor of the ‘Musica Contemporanea’ series of Mimesis Edizioni (here). The third meeting was with Karl Ludwig, Communication Manager of the German wolke verlag (here). The fourth meeting was with Domenico Ferraro, Editorial Director of Squilibri Editore (here). The fifth meeting was with Fabio Ferretti, creator and editor of the series ‘Chorus’, by Edizioni Quodlibet (here). The sixth meeting was with Massimo Roccaforte, editorial curator of Goodfellas Edizioni (here). The seventh meeting was with Christina Ward, co-curator of the US publishing house Feral House (here). The eighth meeting was with Ken Wissoker, Senior Executive Director of US publishing house Duke University Press (here). Today I travel virtually to the UK to interview Mark Pinghington and Jamie Sutcliffe, creators and publishing directors of Strange Attractor Press. The publishing house has many really interesting titles in its catalogue, ranging from studies on musicians to research on underground culture, which as you will read from their words, are just waiting to be read and studied.

Here you can find the Italian translation

How did the idea of the Strange Attractor Press on music publishing house come about?

Mark:

In the early 2000s I was working as a freelance writer, doing journalism, writing for magazines and newspapers, as well as copywriting – all the things writers do.

The artist and film maker John Lundberg and I were running events at the Horse Hospital in London. We called them “infomation happenings”, with talks, music, films etc on unusual topics, under the name Strange Attractor.

I was frustrated that so many brilliant authors I knew were struggling to get longer texts on unusual subjects published. So, inspired by the journals and zines I remembered like Rapid Eye, Re/Search and Fortean Studies, I started Strange Attractor Journal in 2004 with the intention of making it a quarterly publication, and 20 years later we’ve published only five volumes, but over 100 books in total!

Our wider remit, if we have one, is to archive and document UK underground and subcultures, and what was once called the counterculture, though that term is largley meaningless these days, when there is no monoculture, and our many cultures are flowing in every direction at once!

SAP was never intended to be a music publisher, that’s just one component of our list –  I’ve always had one foot in the UK underground and experimental music world, playing in projects, writing for magazines etc, so it is just an extention of that really. I still make music, and co-produce an annual small music festival, Acid Horse, where I live in Wiltshire.

How do you select the titles for publication?

Mark:
Mostly they arise out of discussions with friends and colleagues, or are sent to us. It’s not often that we will come up with an idea for a book and commission it, though it has happened. Jamie and I are both fairly active outside of SAP in cultural affairs, teaching, writing, performing etc, so we talk to a lot of people and as the reputation of the Press has thankfully grown, we get a lot of interesting submissions coming our way. Many more than we can see through to publication of course!

Jamie: There have certainly been a few instances in which authors have serendipitously approached us with the idea for a book we’d been thinking about for some time, but never found the time to produce. We’re both admirers of the work of the visionary anthropologist Michael Taussig for example, and had been talking for years about the possibility of putting together an art book of Mick’s wonderfully irregular watercolours, which are often scrawled hastily into his notebooks whilst conducting fieldwork. Thanks to the encouragement of a mutual friend, Jesse Bransord, Mick ended up reaching out to us directly and pitching the very book we’d been imagining, ‘Postcards For Mia’, a collection of hand-painted images that communicate the strangeness of his travels to his young grandaughter back in New York.

As far as the selection of foreign authors is concerned, which school of music criticism is the most referred to? Just to give you an example: are you more interested in English-speaking authors? Or in French-speaking authors? Or other languages?

Mark:
Oh we have no preference – we just follow our interests.

We have an forthcoming book about French experimental rock post 1968, ‘Concrete SF Riot’, but it’s by an English author, Warren Hatter. A few of out books, particularly our music titles, have been translated into French, Spanish, Italian, Russian.

Jamie: We’re lucky to work with so many ambitious authors whose interests and research find them wandering far from the beaten track in this respect. David Toop, Roy Christopher, Stephen Coates… they’re all music writers whose works venture further than the anglophone world to sample voices from diverse cultures and communities. That might entail translating the testimonies of the Russian bootleggers who were pressing pop music to disgarded X-Rays under Soviet censorship, or sifting through the writings of African American rootworkers, magicians and voodoo practitioners to shed further light on a strange early recording by the New Orleans R&B musician Dr. John. As a press, we’re publishing in English, but there’ll always be a cross-cultural cacophony of international voices and styles of thought in the mix.

What genres do you prefer to deal with for your publications and why?

Mark: We work primarily with non-fiction – that’s not really a genre of course! – but we’re not a fiction publishing house. We do occasionally publish fiction by authors who have a history in other fields, most recently for instance, Victoria Nelson.

But our non fiction can span a wide range of subject areas – art, anthropology, medical history, science, cultural and social history, occult and religious history. We just look for themes, narratives and perspectives that feel fresh and intriguing to us – and of course we need to take into consideration what audiences will be interested in.

We are trying to keep to eight books a year, so the selection process is increasingly challenging.

Jamie: As our name implies, we have a preference for ‘strangeness’, which doesn’t imply a genre as such, but certainly suggests an irregular approach to both content and style. Eleanor Morgan’s wonderful book ‘Gossamer Days: On Spiders, Humans, And Their Threads’, might be a great example of this… it’s fundamentally a book about the various wonders we might encounter in the world arachnids, but it’s written with a brilliantly expansive hybrid style that leaves it uncategorizable in many ways; it’s a work of natural history, design theory, and living art practice simultaneously.

What is the most interesting title that has been published to date and why?

Mark: Oh it’s not possihle, or fair, to say!

Jamie: Agreed!

Do you think co-production between publishers for selected releases is possible, as it happens between microlabels in music?

Mark: Certainly – we have done this with a few titles, Erik Davis ‘High Weirdness’ was co-published with MIT Press, our distributor, and we’ve worked with galleries, museums and record labels.

Jamie: Yes, this certainly works well for us given the right circumstances. We’re increasingly working with galleries and artists who can bring funding to a project but require our editorial exeptise, apporach to design, and distribution network. We’ve worked with Tae previously, and a recent book on financial worlding with artist Gary Zhexi Zhang was kindly funded by both the Gaia Art Foundation and AGYU (The Art Gallery of York University, Toronto). We’ve just entered into an exciting new relationship with Cosmic House, London, the iconic home and archive of the Charles Jencks Foundation, and will be co-producing books as part of their programme of contemporary art shows.

Does the UK state help publishers with publishing?

Ha no!

Mark: There was a period in the 1990s when publishers could get Arts Council funding, but not anymore.

Sometimes authors, artists or institutions we’re working with might receive some funding to produce a publication, so some, or occasionally, all our production costs might be met, which is a great help, but it’s not something we can rely on.

Jamie: Yes, as Mark said, we’re on our own in an increasingly precarious publishing sector. We’ve looked to alernate funding models—crowdfunding through kickstarter for example—but given that it’s just the two of us running everything, from commissioning and editing to deisgn, layout and marketing, it’s very difficult to find the time to run an effective funding campaign with all of the work that requires.

In addition to books, are you thinking of other forms of publication? For example documentaries, movies, podcasts?

Mark: We’d love to do more but the workload between the two of us is already enormous and we struggle to keep on top of it. We both have projects that we are working on outside of SAP however – writing, teaching music, curating, programming events etc – and these things often overlap with our work as SAP.

Jamie: Yes, as Mark said we’re both involved in a good number of projects beyond the press. Mark has a very active career as a musician these days with a number of new releases this past year alone, and is increasingly called upon to talk on the UFO phenomenon as it takes on new resonances in the present. I’m constantly writing for art publications have a number of books in print and in production, while developing exhibiton projects. We’re both very active as respondents too, often joining panel discussions on music, art, technology and their various political resonances.

Are there any forthcoming titles worth mentioning?

Always! New titles for the next year or so include:

– Dorothy Max Prior’s second volume of memoir, which sees her teaching ballroom dancing while on tour as the drummer for Psychic TV;
– A history of artists’ psychedelic light shows in Britain;
– A biography of Anthony Balch, the British film maker and producer who collaborated with William Burroughs and imported exotic and erotic cinema into the UK, including ‘Haxan Witchcraft Through the Ages’ and ‘Freaks’.
–  A biography of Eric Dingwall, psychic investigator and keeper of the forbidden library at the British Museum.

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Marco Paolucci
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Intervista con CJ Mitchell della label britannica False Walls

Nel mio muovermi random in veste di “spider” musicale della sonosfera, questa volta mi sono imbattuto in un’interessante realtà discografica britannica, la False Walls. Come ascoltatore tempo fa ero entrato in contatto con una sua produzione, il box di Andrew Poppy, e grazie a Kathodik ho pensato di intervistare il deus ex machina CJ Mitchell per farmi raccontare quali altre interessanti produzioni, tra free jazz e musica contemporanea, sono il presente e il futuro della False Walls (photo by David Carson).

Qui trovate l’intervista in Inglese

Quali sono le origini della label False Walls Records? Come è nata l’idea? Quali ispirazioni ci sono state? A quali modelli, se ci sono stati, si è fatto riferimento?

Ho fondato la False Walls nel 2002, mentre vivevo a Chicago, pubblicando sei CD che spaziavano tra post-rock, improvvisazione, elettronica e un progetto radiofonico. Molti dei musicisti dell’etichetta discografica risiedevano a Chicago, città che dispone di una grande rete di band, locali, festival ed etichette discografiche.

Di queste uscite, vale la pena di ascoltare due album dei Tiny Hairs, un gruppo fantastico. All’epoca, Copper Press (USA) scrisse: “Il sestetto di improvvisatori Tiny Hairs, con base a Chicago, fa una musica che tocca molteplici stili: elettronica, post-rock, improvvisazione sperimentale e persino minimalismo… ‘Coldless’ [il loro secondo album, 2004: https://tinyhairs.bandcamp.com/album/coldless] è un’aggiunta significativa e attrattiva alla crescente ondata di produzioni sperimentali provenienti da Chicago che resistono a facili categorizzazioni”.

Quello tra il 2002 e il 2004 era un periodo in cui si spedivano le copie delle recensioni alle riviste, piuttosto che inviare un link per il download via e-mail – Internet non era in grado di aiutare la promozione con la pubblicità, tanto meno con i download e lo streaming. Gestire l’etichetta richiedeva molto tempo e, oltre a un lavoro a tempo pieno, purtroppo non potevo dedicarle il tempo di cui aveva bisogno: nel 2004 l’etichetta è stata chiusa.

Nel 2021, vivendo ora a Faversham (Kent, Regno Unito), ho rilanciato la False Walls. Durante Il Covid-19, molti altri miei lavori si erano interrotti e ho avuto il tempo di pensare alle possibilità di gestire di nuovo l’etichetta: per cominciare, le sei uscite originali potevano essere rese disponibili per la prima volta in formato digitale, ed ero affascinato dalla musica che avevo trovato online di Helena Celle e Andrew Poppy, entrambi felici di pianificare le edizioni fisiche di quei lavori.

Gli sviluppi online comportano oggi un contesto radicalmente diverso per un’etichetta rispetto al 2002-2004: per esempio, le vendite digitali e lo streaming, i social media, i download offerti per le promozioni, le stazioni radio online.

Come scegli le produzioni?

Le pubblicazioni si sono sviluppate in modi diversi. A volte sono entrato in contatto con musicisti conoscendo il loro lavoro e sviluppando un’amicizia con loro insieme alla pubblicazione dei loro lavori: è successo con persone come Andrew Poppy e Cinder/Cindytalk (conosco i Cinder dagli anni Novanta, ma ho pubblicato i loro lavori solo di recente).

Al contrario, altri musicisti hanno contattato l’etichetta per capire se la False Walls fosse interessata a pubblicare il loro lavoro – non conoscevo il lavoro di Kevin Daniel Cahill o Astrïd prima che mi contattassero.

Mi è difficile definire un filo conduttore musicale che colleghi tutti i lavori dell’etichetta, se non quello di riflettere i miei interessi per la dinamica, la tessitura, il contrappunto, l’atmosfera, il trascorrere del tempo in ambienti uditivi ricchi e avvolgenti. Nella maggior parte dei casi si tratta di musica strumentale, ma non solo; sono interessato a metodologie che riguardano musiche improvvisate o composte, e tutto ciò che sta in mezzo. I miei gusti musicali sono ampi. Passo volentieri dall’ascolto di Evan Parker che improvvisa al sassofono soprano: https://evanparkerfw.bandcamp.com/album/the-heraclitean-two-step-etc, ai paesaggi sonori elettronici estesi di Tremble With Joy: https://tremblewithjoy.bandcamp.com/album/born-trembling.

Tremble With Joy ‘Born Trembling’

Questi album danno un’idea della gamma di lavori dell’etichetta:

— Helena Celle, Cindytalk e Kevin Daniel Cahill: tre registrazioni soliste, tutte (coincidenza) di musicisti di base a Glasgow:
https://helenacelle.bandcamp.com/album/music-for-counterflows
https://cindytalk.bandcamp.com/album/subterminal
https://kevindanielcahill.bandcamp.com/album/impossible-worlds

— Henry Dagg/Evan Parker: Henry tratta il sassofono improvvisato di Evan attraverso test-oscillatori dell’epoca Radiophonic Workshop, modulatori ad anello, un variatore di frequenza e un sistema di ritardo a nastro variabile:
https://falsewalls1.bandcamp.com/album/then-through-now

— Gene Coleman: integrazione di strumentazione classica (tra cui un quartetto d’archi e altri ensemble) con strumenti tradizionali giapponesi ed elettronica (tra cui Toshimaru Nakamura, Otomo Yoshihide e Sachiko M.):
https://falsewalls1.bandcamp.com/album/exploratorium

Inoltre, ogni uscita include materiale visivo e/o scritto dai musicisti e da altri: note di copertina, interviste, saggi, poesie e opere d’arte visiva. Mi piace molto lavorare con i musicisti per sviluppare le idee e i contenuti delle loro confezioni e collaborare con il designer David Caines per tutti i layout. Devono essere oggetti bellissimi.

A questo proposito, i progetti più ambiziosi sono stati i cofanetti di Andrew Poppy e Evan Parker, ciascuno con 4 CD, libro e custodia. È stato illuminante svilupparli con i musicisti e i cofanetti sono una delizia da tenere in mano, leggere e ascoltare:

https://evanparkerfw.bandcamp.com/album/the-heraclitean-two-step-etchttps://www.falsewalls.co.uk/release/ark-hive-of-a-live/

https://www.falsewalls.co.uk/release/ark-hive-of-a-live/

Perché la maggior parte delle uscite è in cd?

Da quando ho rilanciato l’etichetta, ho continuato a impegnarmi per il formato CD. Per me è il modo migliore di ascoltare la musica, anche se vendiamo anche in digitale.

Abbiamo incluso un’intervista del 1995 con Evan Parker nel libro inserito nel cofanetto, in cui riflette sul vinile e il CD: “I miei problemi con ciò che accade all’estremità superiore [della gamma di frequenze dei CD] sono relativamente piccoli rispetto ai problemi che ho con il rumore superficiale, i ticchettii e i pop. Eppure c’è chi parla dei silenzi avvolgenti e vellutati del vinile! Ho ascoltato tutti i migliori giradischi – alcuni piuttosto esotici che costano un sacco di soldi – e si sentono ancora ticchettii e schiocchi e rumore superficiale, a meno che non si sia sordi. Non voglio queste informazioni aggiuntive. Preferirei che ci fosse una leggera distorsione delle informazioni che voglio, piuttosto che un sacco di informazioni aggiuntive che non voglio. È la fine, per me non si può tornare indietro”. Sono d’accordo!
Inoltre, il vinile è costoso: da produrre, da comprare, da spedire…
Nei negozi di musica i vinili sono più presenti dei CD, cosa che mi dispiace ma che capisco: non sto chiedendo meno vinili, ma più spazio per i CD. Sfogliare i negozi di CD è un piacere raro al giorno d’oggi.

Avete in programma in futuro uscite in vinile?

L’idea  non fa parte dei nostri piani immediati, ma potrebbe essere presa in considerazione: molti non hanno lettori CD ora, e come si svilupperanno le vendite di vinile e CD in futuro?

Mi è stato suggerito che il precedente catalogo di sei uscite dell’etichetta, che attualmente è disponibile solo in digitale, è maturo per essere pubblicato su vinile – non conosco ancora la risposta, ma sono aperto a esplorare l’idea.

Che ne pensate delle coproduzioni tra le label? Pensate che sia una buona opzione per le label?

Non l’ho fatto, ma potrei essere interessato.

Più della metà delle vendite dell’etichetta discografica sono avvenute al di fuori del Regno Unito, e soddisfare queste vendite per posta dal Regno Unito non è il modo più efficiente per far arrivare i CD nelle cassette postali delle persone. Sto estendendo la mia distribuzione internazionale a negozi e siti web, il che mi aiuterà in questo senso, e la collaborazione con un’altra etichetta discografica potrebbe essere un altro modo per fare questo.

Pensate che sia importante l’uso dei social media per promuovere la musica improvvisata?

Sì, e non solo per la musica improvvisata, ma per tutte le forme di musica nuova e sperimentale. Gli algoritmi possono essere vostri amici in questo senso: vi fanno conoscere nuovi musicisti e nuove uscite.

Bandcamp è uno dei miei posti preferiti per ascoltare nuove uscite, e i social media mi collegano spesso alle pagine di Bandcamp.

Come vedete la scena nazionale e internazionale a livello di musica improvvisata? Artisti/e, club, ecc.?

Da quello che posso dire, ci sono molteplici approcci all’improvvisazione che prosperano in modi diversi in luoghi diversi.

Vivo abbastanza vicino a Londra, dove il programma del Cafe Oto è stato fondamentale per il mio impegno con l’improvvisazione dal vivo: per quanto ami molte registrazioni improvvisate, il contesto dal vivo le porta a un altro livello, acustico e visivo.

I cambiamenti economici e politici hanno comportato una riduzione delle possibilità di tournée nel Regno Unito, così come una diminuzione del lavoro internazionale nel Regno Unito – purtroppo ho sentito che cambiamenti simili stanno avvenendo anche in altri Paesi. Non mi occupo della promozione di programmi dal vivo, quindi non sono al di dentro di questo lavoro, ma temo un maggior isolamento tra i Paesi e all’interno di essi.

Puoi dirmi qualcosa su futuri progetti della label?

Dopo tre anni di rilancio dell’etichetta, sto costruendo un catalogo che comprende diversi lavori degli stessi artisti/band – Cindytalk, Astrïd e Evan Parker sono alla seconda o terza uscita dell’etichetta. Questo arricchisce il lavoro dell’etichetta e contribuisce a diffonderne la conoscenza.

Abbiamo appena pubblicato la nostra prima edizione con confezione letterpressed, Tremble With Joy – una nuova collaborazione di Cinder (Cindytalk), Michael Anderson (Drekka), Mark Trecka e Michael Carlson (remst8). La stampa tipografica ha richiesto il controllo della macchina da stampa, la necessità di scegliere al tatto tra i vari supporti cartacei, la modulazione della forza di pressione dell’apparecchiatura per creare una copertina in rilievo, ottenendo una tattilità soddisfacente sulla copertina texturizzata:
https://www.falsewalls.co.uk/2024/10/false-walls-letterpress-editions/

L’etichetta ha anche appena lanciato ARK, un blog in cui musicisti, scrittori e altri sono invitati a scegliere un album su cui scrivere. Le prime voci del blog riflettono una gamma eclettica di stili musicali: Robin Rimbaud/Scanner su Zoviet France, Leah Kardos su Kristeen Young, Ian Masters (Pale Saints) su Baden E Vinicius e Andrew Poppy su Julia Holter:
https://www.falsewalls.co.uk/ark/

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Marco Paolucci
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Interview with CJ Mitchell of the british label False Walls

In my random moves as a musical ‘spider’ of the sonosphere, this time I came across an interesting British label, False Walls. As a listener some time ago, I had come into contact with one of its productions, the Andrew Poppy box, and thanks to Kathodik I thought I would interview the deus ex machina CJ Mitchell to find out what other interesting productions, between free jazz and contemporary music, are the present and future of False Walls (photo by David Carson).

Here the Italian Translation

What are the origins of the False Walls label? How did the idea come about? What were your inspirations? What models, if any, have you referred to?

I started False Walls in 2002 while living in Chicago, releasing six CDs spanning post-rock, improvisation, electronics and a radio project. Many of the musicians on the label were based in Chicago, the city having a great network of bands, venues, festivals and labels.

From those releases, two albums by Tiny Hairs are worth a listen — a fantastic band. At the time, Copper Press (USA) said: “Chicago-based improvising sextet Tiny Hairs makes music that touches on multiple styles: electronica, post-rock, experimental improvisation and even minimalism… ‘Coldless’ [their second album, 2004: https://tinyhairs.bandcamp.com/album/coldless] is a significant and attractive addition to a growing spate of experimental recordings from Chicago that resist easy categorization.”

2002 to 2004 was a time when you mailed review copies to magazines, rather than emailed a download link — the Internet was not enabled to help with publicity far less downloads and streaming. Running the label was time-consuming, and on top of a full-time job I sadly couldn’t devote the time the label really needed — the label went dormant in 2004.

In 2021, and now living in Faversham (Kent, UK), I relaunched False Walls. During covid, much of my other work had dried up, and I had time to think about the possibilities of running the label again — to start, the six original releases could be made available digitally for the first time, and I was engrossed by music which I’d found online by Helena Celle and Andrew Poppy, both of whom were happy to develop plans for physical releases for those works.

Online developments now mean a radically different context for a label compared to 2002-04: for example, digital sales and streaming, social media, downloads offered for promotions, online radio stations.

How do you choose the releases?

The releases have developed in different ways. Sometimes I’ve connected with musicians through knowing their work and developing a friendship with them alongside releasing their work — that’s happened with folk like Andrew Poppy and Cinder/Cindytalk (I’ve known Cinder since the 90s, but only recently released their work).

In contrast, some other musicians have reached out to the label to explore whether False Walls would be interested in releasing their work — I didn’t know Kevin Daniel Cahill or Astrïd’s work until they contacted me.

I’m hard-pressed to define a central musical thread which connects everything on the label beyond it reflecting my interests in dynamics, texture, counterpoint, atmosphere – spending time in rich and enveloping auditory environments. Mostly, this has meant instrumental music, but not exclusively; and I’m interested in methodologies across musics which are improvised or composed, and everything inbetween. My music tastes are broad. I happily move between listening to Evan Parker improvising on soprano saxophone: https://evanparkerfw.bandcamp.com/album/the-heraclitean-two-step-etc, to extended electronic soundscapes by Tremble With Joy: https://tremblewithjoy.bandcamp.com/album/born-trembling.

Tremble With Joy ‘Born Trembling’

These albums give a sense of the range of work on the label:

— Helena Celle, Cindytalk and Kevin Daniel Cahill: three solo electronic releases, all (coincidentally) by Glasgow-based musicians:
https://helenacelle.bandcamp.com/album/music-for-counterflows
https://cindytalk.bandcamp.com/album/subterminal
https://kevindanielcahill.bandcamp.com/album/impossible-worlds

— Henry Dagg/Evan Parker: Henry processes Evan’s improvised saxophone through Radiophonic Workshop-era test-oscillators, ring modulators, a frequency shifter and variable tape delay system:
https://falsewalls1.bandcamp.com/album/then-through-now

— Gene Coleman: integrating classical instrumentation (including string quartet and other ensembles) with traditional Japanese instruments and electronics (including Toshimaru Nakamura, Otomo Yoshihide and Sachiko M.):
https://falsewalls1.bandcamp.com/album/exploratorium

In addition, each release includes visuals and/or written material from the musicians and others: sleeve notes, interviews, essays, poetry and visual artwork. I really welcome working with the musicians to develop the ideas and content for their packaging, and work with the designer David Caines on all of the layouts. They have to be beautiful items.

In that respect, the most ambitious projects have been boxsets by Andrew Poppy and Evan Parker – each with 4CDs, book and slipcase. These have been illuminating to develop with the musicians, and the boxsets are a delight to hold, read and listen to:

https://evanparkerfw.bandcamp.com/album/the-heraclitean-two-step-etc

https://www.falsewalls.co.uk/release/ark-hive-of-a-live/

Why is it mostly CD releases?

Since relaunching the label, I’ve continued my commitment to the CD format. For me, it’s the best way to listen to music — though we do digital sales too.

We included a 1995 interview with Evan Parker in his boxset book, where he reflects on vinyl vs CD: “My problems with what happens at the top end [of the frequency range on CDs] are relatively small compared with the problems I have with surface noise, ticks and pops. And yet some people talk about the dark velvety silences from vinyl! I’ve heard all the top record-players – some pretty exotic things costing a hell of a lot of money – and you still hear ticks and pops and surface noise unless you’re deaf. I don’t want that additional information. I’d rather there was some slight distortion of the information I want, rather than a lot of additional information that I don’t want. That’s the end of it, there’s no going back for me.” I agree!
Plus, vinyl is expensive: to make, to buy, to post …
Vinyl has more presence than CDs in music shops now, which I regret but understand — I’m not arguing for less vinyl, but more space for CDs. Browsing in shops for CDs is a rare pleasure these days.

Do you plan for future vinyl releases?

It’s not part of our immediate plans, but it could be considered: many don’t have CD players now, and how will vinyl vs CD sales develop in future?

It’s been suggested to me that the label’s earlier back catalogue of six releases, which is currently only available digitally, is ripe for issuing on vinyl — I don’t know the answer to that yet, but I’m open to exploring the idea.

What do you think about co-productions between record labels? Do you think it is a viable option for your labels?

I haven’t done this, but could be interested.

More than half of the label’s sales have been outside the UK, and fulfilling those sales by mail from the UK isn’t the most efficient way to get CDs into people’s mailboxes. I’m extending my international distribution to shops and websites, which will help with this, and partnering with another label could be another way to help.

Do you think it is important to use social media to promote improvised music?

Yes indeed — and not only for improvised music but all forms of new and experimental musics. The algorithms may be your friend in this respect: introducing you to new musicians and releases.

Bandcamp is one of my favourite places to hear new releases, and social media often links me to those Bandcamp pages.

How do you see the national and international improvised music scene? Artists, clubs, etc.?

From what I can tell, there are multiple approaches to improvisation thriving in different ways in different places.

I live fairly close to London, where Cafe Oto’s programme has been central to my engagement with live improvisation — much as I love many improvised recordings, the live context takes it to another level, acoustically and visually.

Economic and political shifts have meant less possibilities for touring across the UK, as well as less international work coming to the UK — sadly, I hear that similar shifts are happening in other countries. I don’t work on promoting live programmes, so I’m not in the middle of that work, but I fear for increased insularity between and within countries.

Could you tell us something about some of your future projects?

After three years of the relaunched label, I’m now building up a catalogue including different works by the same artists/bands – Cindytalk, Astrïd and Evan Parker are on their 2nd or 3rd label release. This is enriching the label’s work and helping to spread awareness.

We’ve just released our first edition with letterpressed packaging, Tremble With Joy — a new collaboration by Cinder (Cindytalk), Michael Anderson (Drekka), Mark Trecka, and Michael Carlson (remst8). Letterpress necessitated meeting over the printing press, touching and choosing between paper stocks, modulating how heavily the equipment would press to create a debossed cover – resulting in a satisfying tactility on the textured cover:

https://www.falsewalls.co.uk/2024/10/false-walls-letterpress-editions/

The label has also just launched ARK, a blog where musicians, writers and others are being invited to choose an album to write about. The first blog entries reflect an eclectic range of musical styles: Robin Rimbaud/Scanner on Zoviet France, Leah Kardos on Kristeen Young, Ian Masters (Pale Saints) on Baden E Vinicius, and Andrew Poppy on Julia Holter:

https://www.falsewalls.co.uk/ark/

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