Sulla Musica e i suoi Protagonisti | Kathodik WebZine

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Intervista con Jean-Louis Giavitto, CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Università della Sorbona, Ministero della Cultura, Francia

17° puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano – Italia (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Svizzera (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum – Giappone (qui). Quinta: Museo della Farfisa – Italia (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum – Stati Uniti (qui). Settima: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italia (qui). Ottava: SoundMit – International Synth Event – Italia (qui). Nona: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – Stati Uniti (qui). Decima: EMS Elektronmusik Studion – Svezia (qui). Undicesima: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), Svizzera (qui). Dodicesima: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (qui). Tredicesima: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), Stati Uniti (qui). Quattordicesima: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), Stati Uniti (qui). Quindicesima: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Messico (qui). Sedicesima: Institute of Sonology, Olanda (qui). Oggi è la volta dell’intervista a Jean-Louis Giavitto, CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Università della Sorbona, Ministero della Cultura – Francia. A voi la lettura.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come nasce l’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM ?

All’inizio degli anni ’70, il presidente Georges Pompidou voleva trasformare Parigi in una capitale della cultura e del l’innovazione. Ha immaginato quello che sarebbe diventato il Centre Pompidou: uno spazio innovativo dove arte contemporanea, musica, letteratura, design e ricerca si sarebbero incontrati. Ha incorporato un centro di ricerca acustica nel programma e ha nominato il compositore Pierre Boulez come direttore. Nel 1974, ha annunciato la creazione dell’IRCAM, che si è trasferito in questo nuovo edificio nel 1977-1978.

Sin dal l’inizio, Pierre Boulez ha avuto una visione: favorire un’interazione fruttuosa tra la creazione musicale contemporanea e la ricerca scientifica e tecnologica. Una delle principali sfide era quella di contribuire, attraverso la scienza e la tecnologia, al rinnovamento dell’espressione musicale. Viceversa, la creazione musicale contemporanea e più in generale le pratiche musicali danno origine a questioni scientifiche originali che richiedono un approccio multidisciplinare, e danno luogo a progressi teorici, metodologici e pratici il cui ambito va ben oltre il solo dominio musicale. Essi trovano applicazione anche in tutti i settori che coinvolgono le tecnologie del suono.

Inizialmente, questa missione di ricerca era svolta da un dipartimento separato e fino al 1995 la ricerca presso l’istituto era finanziata esclusivamente dal Ministero della cultura, al di fuori del sistema accademico. Nel 1995, è stata creata un’UMR (unità mista di ricerca, un laboratorio di ricerca gestito congiuntamente da diversi istituti) con il CNRS (Centre National de la Recherche Scientifique). Questo laboratorio associato tra il CNRS e l’IRCAM si è gradualmente esteso a tutti i gruppi e, nel 1999, ha assunto la denominazione attuale: STMS (Sciences et technologies de la Musique et du Son). Nel 2010, l’università è entrata a far parte del laboratorio associato e l’STMS dispone ora di quattro organi di controllo: IRCAM, CNRS, Università della Sorbona e il Ministero francese della Cultura.

Come è strutturato?

Diversamente dalla maggior parte dei laboratori di ricerca, questo laboratorio non è unito da una disciplina scientifica ma dall’oggetto della sua ricerca: la musica e più in generale il suono organizzato (voce, suono funzionale, ecc.). Ma ciascuno dei sette gruppi dell’IRCAM è radicato in una disciplina scientifica ben consolidata: elaborazione del segnale con il gruppo Analyse/Synthèse, matematica applicata e scienze ingegneristiche con il gruppo S3AM (Systèmes et Signaux Sonores: Audio/Acoustics, instruMents), acustica con il team EAC (Espaces Acoustiques et Cognitifs), psico-acustica, psicologia, cognizione musicale e neuroscienze per il team PDS (Perception et Design Sonores), interfacce uomo-macchina per ISMM (Interaction Son Musique Mouvement), calcolo in tempo reale e calcolo simbolico per RepMus (Représentation Musicales) ed infine musicologia e filosofia per APM (Analyse des Pratiques Musicales).

Sarebbe troppo lungo descrivere in dettaglio il campo di attività e i progetti di ciascun gruppo. Per ulteriori informazioni, potete consultare il sito web del laboratorio e le relazioni annuali di attività.

Il modo in cui lavoriamo insieme e articoliamo questa diversità di approcci per cogliere i nostri oggetti di studio è a volte complicato da comprendere per un estraneo. Ecco perché spesso presentiamo le nostre attività da tre punti di vista principali che derivano dal nostro oggetto di studio.

Il laboratorio del suono (l’atelier du son): il suono è inteso qui come fenomeno fisico (meccanico, acustico), ma anche come informazione digitale che coinvolge tecniche matematiche e informatiche (elaborazione del segnale) per elaborare flussi, contenuti e scene sonore, musicali o multimediali.

Il corpo del musicista (le corp musicien): questo approccio si concentra sulla musica e sul suono percepiti e prodotti dagli esseri umani in interazione con un ambiente, una macchina o altri esseri umani. Il suono non è più ridotto a una vibrazione, ma diventa un veicolo di interazione, prodotto da un corpo biologico e che agisce sugli individui e sui comportamenti.

Infine, le dinamiche creative (les dynamiques créatives) riconoscono che mentre la musica è un fenomeno prodotto e percepito da un corpo che sfrutta gli oggetti fisici e organizza un mondo sonoro, essa è anche pensata, immaginata – o sognata – e talvolta formalizzata prima di essere realizzata. Questo tema comprende la questione della creatività, e la questione della creatività computazionale, che sta emergendo oggi come un problema scientifico cruciale.

Exterior view of the IRCAM building

Che attrezzature ha l’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM?

Nell’ambito delle sue attività di ricerca, l’STMS dispone di diverse strutture sperimentali. Una camera anecoica, ci permette di effettuare misure acustiche in un ambiente controllato. Un laboratorio di elettronica ci permette di prototipare i nostri sistemi cyber-musicali. Abbiamo ad esempio progettato la prima versione di RIoT, un controller per la cattura dei gesti in tempo reale.

Lavoriamo anche molto con i compositori negli studi dell’IRCAM. Questi sono dotati, per esempio, di una cupola ambisonica che ci permette di spazializzare il suono. L’ESPRO (espace de projection), la sala da concerto dell’IRCAM, è un luogo unico che ci permette di modulare l’acustica della stanza (grazie a pannelli mobili e superfici riverberanti che permettono di regolare il tempo di riverbero e le caratteristiche di diffusione del suono in base alle esigenze delle opere da eseguire). Si tratta di una delle prime sale da concerto in Europa dotate di un sistema di diffusione del suono WFS (Wave Field Synthesis) con oltre 300 altoparlanti. Questa tecnologia di spazializzazione del suono ricrea un campo sonoro naturale in uno spazio determinato, come se le sorgenti sonore fossero fisicamente presenti nella stanza. I sistemi di spazializzazione sonora dell’IRCAM sono stati progettati e sviluppati dai suoi gruppi di ricerca, e rappresentano un ottimo esempio della fertile interazione e dello stretto legame tra arte e scienza.

Model of IRCAM (basement view)

Cosa si può fare all’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM?

Un sacco di cose! È difficile per me rispondere, perché ci sono così tanti diversi argomenti di ricerca. Per esempio, nella camera anecoica, abbiamo testato dispositivi sonori immersivi per effettuare e perfezionare trattamenti di fobia (in psicologia comportamentale, un approccio per trattare le fobie consiste nel l’esporre il paziente a stimoli ansiolitici, in modo graduale e controllato; in questo caso, si trattava della paura dei cani, e dovevamo riprodurre l’abbaiare del cane più o meno a distanza).

Nello studio accanto, ho lavorato con i RIM (ingegneri della musica al computer) per programmare un software che calcola in tempo reale i suoni elettronici da produrre durante un pezzo, in sincronizzazione con gli esecutori umani. Si tratta di un tema importante nella musica mixata (che mescola suoni elettronici e strumentali): come reagire in tempo reale alla performance di un musicista umano, per ritrovare la performatività musicale che scompare quando il musicista deve seguire una registrazione prestabilita.

In altri uffici, studiosi di psico-acustica e compositori hanno progettato il suono per l’auto elettrica Clio (le auto elettriche sono troppo silenziose, quindi devono emettere un suono per segnalare la loro presenza nello spazio pubblico).

In un’altra squadra, hanno ricreato le voci di Farinelli e Dalida. In un altro studio, studiano come la sonificazione del movimento possa aiutare un paziente a eseguire con precisione esercizi di riabilitazione.

Oggi, le nuove tecniche di intelligenza artificiale sono ‘game-changer’ e noi le applichiamo allo sviluppo di nuovi metodi nella sintesi musicale. Ecc., ecc.

Questi esempi illustrano soltanto in parte l’ampiezza dei progetti e dei temi esplorati al STMS. Il suono ci permette di capire l’ambiente circostante e di comunicare, e la musica ha accompagnato l’umanità fin dai suoi primi giorni. Le tematiche di ricerca e le opportunità artistiche sono numerose.

The STMS laboratory in the basement

E’ possibile fare ricerca all’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM?

Il laboratorio ospita ricercatori del CNRS, docenti ricercatori della Sorbonne e recluta anche ricercatori direttamente affiliati all’IRCAM. Come qualsiasi laboratorio di ricerca, accogliamo studenti di dottorato e ricercatori post-dottorato (spesso provenienti dall’estero). I colleghi ci visitano anche, a volte per soggiorni prolungati, poiché molti dei nostri progetti sono in collaborazione con partner in tutta Europa e nel mondo. Manteniamo forti legami con istituzioni come il CNMAT a Berkeley, il CIRMMT a Toronto, l’Università di San Diego, il C-Lab a Taiwan, il FLI a Tokyo, tra gli altri.
Accogliamo anche artisti a fini di ricerca. La ricerca musicale, la ricerca-azione o la ricerca-creazione sono concetti di lunga data, particolarmente consolidati nel mondo anglosassone (e molto meno in Francia). L’STMS sostiene un programma di residenza che incorpora un artista in un team di ricerca o un ricercatore in una produzione artistica – ‘incorporare’ nello stesso senso del termine ‘giornalismo incorporato’.

A studio equipped with an ambisonic dome

L’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM è presente sui social?

Sì, naturalmente. Abbiamo un sito web che mostra l’attività dei nostri team. Più in generale, l’IRCAM è attiva su Facebook, Twitter, Instagram, YouTube e LinkedIn, dove condivide una varietà di contenuti per promuovere le sue attività nel campo della musica e della ricerca, i suoi eventi e le sue collaborazioni con artisti e scienziati. La comunicazione sui social media è progettata per attrarre un pubblico ampio e internazionale, evidenziando concerti, seminari, residenze di artisti e workshop educativi.
Un sito importante per il laboratorio è il Forum, una piattaforma web comunitaria per la ricerca musicale e la tecnologia prodotta dal laboratorio, che ci permette di interagire direttamente con i nostri utenti.

The anechoic chamber

L’STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM è attento alla questione di genere nella Musica Elettronica? E nella Cultura Musicale della Francia?

Il laboratorio ha affrontato questi temi; per esempio, questo mese abbiamo organizzato una giornata di studio su Donne e Scienza, dopo quella precedente sul femminismo e tecnologia. Stiamo creando un sistema di tutoraggio per le ricercatrici e i giovani ricercatori, in collaborazione con il CNRS e la Sorbonne. Il laboratorio intende essere proattivo in questo settore, poiché abbiamo ancora molta strada da fare: attualmente sono pochissime le ricercatrici che lavorano nel laboratorio. Ciò può essere attribuito alla nostra fondazione in settori storicamente maschili, e vediamo ancora poche candidate donne.
In generale, credo che la musica elettronica sia stata parallela all’informatica in termini di diversità di genere. Nel periodo della sua fondazione, le donne erano molto presenti (Daphne Oram, Bebe Barron, Pauline Oliveros, Eliane Radigue, Wendy Carlos…), ma la loro presenza nel tempo è diventata in gran parte defilata. Fortunatamente, la nostra era riscopre questi pionieri e lascia più spazio alle donne. Guardando al reclutamento nel nostro programma Cursus, un programma intensivo di un anno progettato per giovani compositori interessati a integrare le tecnologie musicali, l’equilibrio di genere è migliorato in modo significativo negli ultimi anni. Sebbene queste tendenze siano promettenti, rimane cruciale mantenere l’attenzione su questo tema.

ESPRO, IRCAM’s concert hall and experimental prototype for the WFS (lateral loudspeaker bar between two stages of periacts, prism to modulate acoustics)

In che rapporti si trova con il governo francese?

L’IRCAM è un’organizzazione senza scopo di lucro che rinnova ogni tre anni il contratto con il Ministero della Cultura per garantire il proprio budget. Il laboratorio è finanziato dal Ministero della Cultura e anche dal Ministero della Ricerca e dell’Istruzione superiore attraverso il CNRS e l’Università della Sorbona. Inoltre, abbiamo numerosi contratti di ricerca, in particolare per progetti europei.

ESPRO during the recreation of Xenakis’ Polytope with the installation of lasers.

Progetti in corso e progetti futuri?

Viviamo in un’epoca di rapidi cambiamenti, soprattutto con i progressi nell’intelligenza artificiale. Sfide come la trascrizione automatica o la sintesi vocale, che avevano visto pochi progressi per anni, stanno ora producendo risultati direttamente utilizzabili dagli artisti, spostando la ricerca verso nuovi campi.
Questo cambiamento ha ripercussioni anche sulla musica e sui compositori: cosa desidera creare un artista quando i sistemi generativi possono produrre musica su richiesta (non necessariamente di alta qualità, ma non tutte le composizioni umane lo sono)? La storia dell’arte ha un parallelo: quando è emersa la fotografia, ha liberato la pittura dal suo ruolo rappresentativo, permettendo ai pittori di esplorare nuove direzioni artistiche. Analogamente, l’IA sta ridefinendo i confini della musica. Non sostituirà i compositori umani, proprio come le macchine da scacchi non hanno sostituito i giocatori umani, ma farà emergere nuovi interessi, forme ed estetiche.
Tutto questo per dire che, sì, ci sono molti progetti attuali e futuri, e che c’è ancora tanto bisogno, come c’era ai tempi di Boulez, di una profonda interazione tra arte e scienza. Eppure, per me oggi, è difficile avere una visione chiara della strada che ci attende.

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25 Novembre 2024/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Jean-Louis Giavitto, CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – France

The 17° episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano – Italy (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Swiss (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum – Japan (here). Fifth: Museo della Farfisa – Italy (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum – USA (here). Seventh: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italy (here). Eighth: SoundMit – International Synth Event – Italy (here). Nine: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA (here). Ten: EMS Elektronmusik Studion – Sverige (here). Eleven: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) – Swiss (here). Twelve: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (here). Thirteen: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), USA (here). Fourtheen: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), USA (here). Fiftheen: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Mexico (here). Sixtheen: Institute of Sonology, Nederland (here). Today is the turn of the interview with Jean-Louis Giavitto, CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – France. I invite you to read the interview.

Here the Italian Translation

How did the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM come about?

In the early 1970s, President Georges Pompidou wanted to transform Paris into a capital of culture and innovation. He envisioned what would become the Centre Pompidou: an innovative space where contemporary art, music, literature, design and research would come together. He incorporated an acoustic research center into the program, and appointed composer Pierre Boulez as its director. In 1974, he announced the creation of IRCAM, which moved into it’s new building in 1977-1978.

From the outset, Pierre Boulez had a vision: to foster fruitful interaction between contemporary musical creation and scientific and technological research. One of the main challenges was to contribute, through science and technology, to the renewal of musical expression. Conversely, contemporary musical creation, and more generally musical practices, give rise to original scientific issues requiring a multidisciplinary approach, and give rise to theoretical, methodological and practical advances whose scope goes far beyond the musical domain alone. They also have applications in all fields involving sound technologies.

Initially, this research mission was carried out by a separate department, and until 1995, research at the institute was supported exclusively by the Ministry of Culture, outside the academic system. In 1995, a UMR (unité mixte de recherche, a research laboratory operated jointly by several institutions) was created with the CNRS (Centre National de la Recherche Scientifique). This joint laboratory between the CNRS and IRCAM gradually expanded to include all teams, and, in 1999, took on its current name: STMS (Sciences et technologies de la Musique et du Son). In 2010, the university joined the joint laboratory, and STMS now has four supervisory bodies: IRCAM, CNRS, Sorbonne University and the French Ministry of Culture.

How is it structured?

Unlike most research laboratories, what unites this laboratory is not the scientific discipline concerned, but the object of its research: music and, more generally, organized sound (voice, functional sound, etc.). But each of IRCAM‘s seven teams is rooted in a well-established scientific discipline: signal processing with the Analyse/Synthèse team, applied mathematics and engineering sciences with the S3AM team (Systèmes et Signaux Sonores: Audio/Acoustics, instruMents), acoustics with the EAC team (Espaces Acoustiques et Cognitifs), psycho-acoustics, psychology, musical cognition and neuroscience for the PDS team (Perception et Design Sonores), human-machine interfaces for ISMM (Interaction Son Musique Mouvement), real-time computing and symbolic calculation for RepMus (Représentation Musicales) and finally musicology and philosophy for APM (Analyse des Pratiques Musicales).

It would take too long to describe in detail each team’s field of activity and projects. You can find out more on the laboratory’s website and in the annual activity reports.

How we work together and how we articulate this diversity of approaches to grasp our objects of study is sometimes complicated for an outsider to grasp. That’s why we often present our activities from three main points of view arising from our object of study.

The sound workshop (l’atelier du son): sound is understood here as a physical phenomenon (mechanical, acoustic), but also as digital information that engages mathematical and computer techniques (signal processing) to process sound, musical or multimedia flows, contents and scenes.

The musician body (le corp musicien): this approach focuses on music and sound perceived and produced by human beings interacting with an environment, a machine or other human beings. Sound is no longer reduced to a vibration, but becomes a vehicle for interaction, produced by a biological body and acting on individuals and behaviors.

Finally, creative dynamics (les dynamiques créatives) recognize that while music is a phenomenon produced and perceived by a body that takes advantage of physical objects and organizes a sound world, it is also thought about, imagined – or dreamt – and sometimes formalized before being realized. This theme includes the question of creativity, and the question of the computational creativity, which is emerging today as a crucial scientific issue.

Exterior view of the IRCAM building

What equipment does the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM have?

As part of its research activities, STMS has several experimental facilities at its disposal. An anechoic chamber, enables us to carry out acoustic measurements in a controlled environment. An electronics workshop hemps us to prototype our cyberi-musical systems. We have for instance designed there the first version of RIoT, a controller for capturing gestures in real time.

We also work a lot with composers in the IRCAM studios. These are equipped, for example, with an ambisonic dome that enables us to spatialize sound. The ESPRO (espace de projection), which is IRCAM‘s concert hall, is a unique venue that allows us to modulate the room’s acoustics (thanks to movable panels and reverberant surfaces that allow us to adjust reverberation time and sound diffusion characteristics according to the needs of the works being performed). It was one of the very first concert halls in Europe to be equipped with a WFS (Wave Field Synthesis) sound diffusion system with over 300 loudspeakers. This sound spatialization technology recreates a natural sound field in a given space, as if the sound sources were physically present in the room. IRCAM‘s sound spatialization systems were designed and developed by its research teams, and are a fine example of the fertile interaction and the tight coupling between art and science.

Model of IRCAM (basement view)

What can you do at the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM?

Lots of things! It’s hard for me to answer, because there are so many different research topics. For example, in the anechoic chamber, we tested immersive sound devices to carry out and refine phobia treatments (in behavioral psychology, one approach to treating phobias consists in exposing the patient to anxiety-provoking stimuli, in a gradual and controlled way; in this case, it was the fear of dogs, and we had to reproduce a dog’s barking more or less at a distance).

In the studio next door, I worked with RIMs (computer music engineers) to program software that calculates in real time the electronic sounds to be produced during a piece, in synchronization with the human performers. This is an important issue in mixed music (which mixes electronic and instrumental sounds): how to react in real time to the performance of a human musician, in order to regain the musical performativity that disappears when the musician has to follow a fixed recording.

In other offices, psycho-acousticians and composers designed the sound for the Clio electric car (electric cars are too silent, so they need to emit a sound to signal their presence in the public space).

In another team, they recreated the voices of Farinelli and Dalida. In yet another, they are studying how motion sonification can assist a patient in accurately performing rehabilitation exercises.

Today, new artificial intelligence techniques are ‘game-changers,’ and we are applying them to the development of new methods in musical synthesis. Etc., etc.

These examples only begin to illustrate the breadth of projects and themes explored at STMS. Sound enables us to understand our surroundings and to communicate, and music has accompanied humanity since its earliest days. Research topics and artistic opportunities abound.

The STMS laboratory in the basement

How is it possible to join the researches at the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM?

The laboratory hosts CNRS researchers, faculty researchers from Sorbonne University, and also recruits researchers directly affiliated with IRCAM. Like any research lab, we welcome PhD students and post-doctoral researchers (often coming from abroad). Colleagues also visit us, sometimes for extended stays, as many of our projects are collaborative with partners across Europe and worldwide. We maintain strong ties with institutions like CNMAT in Berkeley, CIRMMT in Toronto, the University of San Diego, C-Lab in Taiwan, FLI in Tokyo, among others.
We also welcome artists for research purposes. Musical research, action research, or research-creation are longstanding concepts, particularly well-established in the Anglo-Saxon world (much less in France). STMS supports a residency program that embed an artist within a research team or a researcher into an artistic production — ‘embed’ in the same sense as the term in ‘embedded journalism.’

A studio equipped with an ambisonic dome

Is the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM on social media?

Yes, of course. We have a website showcasing the activity of our teams. More generally, IRCAM is active on Facebook, Twitter, Instagram, YouTube, and LinkedIn, where it shares a variety of content to promote its activities in music and research, its events, and its collaborations with artists and scientists. Social media communication is designed to attract a broad, international audience, highlighting concerts, seminars, artist residencies, and educational workshops.
An important site for the lab is the Forum, a community web platform for musical research and technology produced by the lab, which allows us to interact directly with our users.

The anechoic chamber

Does the STMS (Science et Technologie de la Musique et du Son) IRCAM care for the issue of gender in Electronic Music? And in French Musical Culture?

The lab has taken on these issues; for instance, this month we organized a study day on Women and Science, following a previous day on Feminism and Technology. We’re setting up a mentorship system for doctoral and young female researchers, in collaboration with CNRS and Sorbonne University. The lab aims to be proactive in this area as we have a long way to go: there are currently very few female researchers in the lab. This can be attributed to our foundation in fields historically male-dominated, and we still see few female applicants.
Generally, I believe electronic music has paralleled computing in terms of gender diversity. In its founding period, women were very present (Daphne Oram, Bebe Barron, Pauline Oliveros, Eliane Radigue, Wendy Carlos…), but their presence became largely silent over time. Fortunately, our era is rediscovering these pioneers and make more room for women. Looking at the recruitment in our Cursus program—an intensive, year-long program designed for young composers interested in integrating musical technologies—the gender balance has improved significantly in recent years. While these trends are promising, maintaining focus on this issue remains crucial.

ESPRO, IRCAM’s concert hall and experimental prototype for the WFS (lateral loudspeaker bar between two stages of periacts, prism to modulate acoustics)

What is your relationship with the French government?

IRCAM is a non-profit organization that renews a contract every three years with the Ministry of Culture to secure its budget. The lab is funded by the Ministry of Culture and also the Ministry of Research and Higher Education through CNRS and Sorbonne University. Additionally, we have numerous research contracts, particularly for European projects.

ESPRO during the recreation of Xenakis’ Polytope with the installation of lasers.

Ongoing projects and future projects?

We’re living in a time of rapid change, especially with advancements in artificial intelligence. Challenges like automatic transcription or voice synthesis, which had seen little progress for years, are now yielding results directly usable by artists, shifting research toward new fields.
This shift impacts music and composers as well: what does an artist wish to create when generative systems can churn out music on demand (not necessarily high-quality, but then, not all human compositions are either)? There’s a parallel in art history: when photography emerged, it liberated painting from its representational role, allowing painters to explore new artistic directions. Similarly, AI is redefining the boundaries of music. It won’t replace human composers—just as chess machines haven’t replaced human players—but it will bring forth new concerns, forms, and aesthetics.
All this to say that, yes, there are many current and future projects, and that there is still just as much need, as there was in Boulez‘s day, for a profound interaction between art and science. Yet, for me today, it’s difficult to have a clear vision of the road that lies ahead.

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25 Novembre 2024/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Luca Benni della label To Lose La Track

Continuando i miei pellegrinaggi sonori da “spider” musicale dell’infosfera, ho puntato l’attenzione su una label che ha in passato incrociato la navigazione digitale di Kathodik, l’umbra To Lose La Track, progetto interessante che da parecchi anni si muove verso orizzonti di matrice punk, e che oltre alla label propone ogni anno, nelle campagne umbre, il festival musicale Italian Party, (presto un approfondimento sempre su questi lidi). Giunto al punto, mi sono attivato contattando Luca Benni, che si è mostrato subito disponibile a raccontarmi la storia, la quotidianità e il futuro della To Lose La Track. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label To Lose La Track?

To Lose La Track (per gli amici TLLT) nasce nel 2005 grazie allo spirito di emulazione. Sul finire degli anni 90 e nei primi anni del 2000 avevo girato con gli amici per un po’ di piccoli festival italiani tra il centro e il nord Italia (cito a memoria Musica Nelle Valli, Shagoo Shagoo, Ferrara Trema, Pop-Gradara e altri) e di concerti di band indipendenti dell’epoca.
Ai festival scopriamo la magia dell’autoproduzione e tutta una serie di minuscole etichette “do it yourself”. E poi decidiamo di provarci anche noi perchè ci eravamo stufati di sentire ottimi gruppi con ottime canzoni rimanere confinati nelle sale prove. E infatti, dopo la prima uscita in coproduzione (erano i Fine Before You Came), abbiamo deciso di pubblicare qualcosa dei Dummo.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché? La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

In generale le pubblicazioni si basano su quelli che sono stati i miei gusti dell’epoca e la loro evoluzione negli anni ha seguito pari pari l’evolversi delle uscite in casa TLLT. Tant’è che dal classico indierock post punk dei Dummo si è arrivati alla synth wave degli americani Survive o alla chill wave suonata degli Anna Ox usciti di recente e presenti nel nostro catalogo. In mezzo abbiamo infilato un po’ di uscite abbastanza catalogabili nel cosidetto “emo italiano” (Gazebo Penguins, Altro, Verme, ecc.) ma in maniera abbastanza casuale, diciamo che il giro di gruppi che ci piacciono, di amici e collaboratori si è aperto notevolmente in questi anni.

In che formato pubblicate le vostre produzioni? Vinile? Cd? Digitale? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica? Quale formato è più richiesto?

Siamo partiti stampando dei cd, anche per motivi economici e comunque in quegli anni non c’era ancora stato il ritorno preponderante del vinile. Ritorno che ha catturato anche la mia attenzione, da quando compravo vinili perchè non avevo ancora un lettore cd e, quando le economie lo hanno permesso, abbiamo iniziato anche noi a stampare piccole tirature di vinili, con tutto quello che ne è conseguito in termini di mercato e di saturazione: dapprima gli stampatori ci venivamo dietro e non c’erano problemi di sorta, poi piano piano le presse hanno avuto dei ritardi pazzeschi perchè, tutti anche le major discografiche, volevano stampare i dischi e c’era da fare loro spazio: questa rinascita del business ha portato anche all’apertura di nuove aziende che stampano i vinili (un paio di amici ci si sono buttati per esempio) e ora i tempi di pubblicazione di un vinile sono tornati ad essere di nuovo umani (da 5/6 a 7/8 settimane per stampare 200/300 copie di un vinile). Tutto questo perchè comunque il vinile anche se più costoso come “prodotto” resta al momento quello più richiesto anche da chi non ha un giradischi e magari si ascolta la musica in streaming ma gradisce collezionare l’oggetto vinile; alla fine è molto consumistica come prassi ma se il merch può aiutare le band ben venga. Dal canto nostro cerchiamo di curare le produzioni in tutti gli aspetti dal colore del vinile alle grafiche quindi, quando le finanze e i tempi di produzione lo permettono, preferiamo sempre optare per questo formato. Ogni tanto facciamo pure qualche musicassetta, è una 15ina d’anni che le stampiamo (prima in UK, ora ci sono un paio di stamperie anche in Italia) e anche questo è un formato che il pubblico sta riscoprendo (non come il grande pubblico dei vinili ma insomma), abbiamo pure ristampato qualcuno dei nostri bestseller in cassetta, che fa sempre tanta nostalgia…

Gazebo Penguin

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Ogni collaborazione ha una storia a sé, idee che nascono quando ci s’incontra, ai concerti, in email, non esiste un modello classico. Te ne dico un paio che sono stati proprio curiosi e divertenti: lo split dei Cani con i Gazebo Penguins e la collaborazione con 42 Records è nata all’epoca (2012) dopo gli apprezzamenti reciproci che le due band si facevano a distanza, nelle interviste, visto che i rispettivi album erano usciti quasi contemporaneamente. Quello split in 10″ era uscito per il Record Store Day, all’epoca, in 500 copie, adesso vedo su Discogs che girano a prezzi folli (da 800 euro in su). Altro esempio ancora la collaborazione con Shove Records per “La mano sinistra” dei Chambers: ci si conosceva tutti da diversi anni e sommare le forze, anche economicamente, ha permesso di far uscire edizioni ultracurate di vinile e cd. Poi ci sono etichette a cui vogliamo bene come Sonatine Produzioni di Fano e con loro è sempre un piacere collaborare ad un disco insieme.

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Importantissimi, come tutta Internet che ha permesso prima con il free download e oggi con Bandcamp, Spotify e gli altri servizi di streaming di avere un canale “promozionale” a portata di click, senza pari rispetto a 30 anni fa. E preferenziali one to one con i propri fan e appassionati delle nostre musiche. Da parte nostra sono Facebook, Instagram i più gettonati come social. Tiktok non fa per noi al momento =)

La label è localizzata in Italia. In questi anni avete trovato un pubblico nostrano ricettivo che non vi ha fatto optare per il trasferimento verso altri lidi?

E’ una delle prerogative della nostra label, quella della musica in provincia, fuori da grandi giri ma sicuramente con qualche cosa da raccontare (qui da noi sono passati i grandi del jazz con Umbria Jazz negli anni 70 e concerti memorabili di Rockin’ Umbria negli anni 80) quindi stiamo bene dove stiamo, la base è a Umbertide, la provincia della provincia umbra, ma visti anche i risultati di pubblico e critica che ha il festival che organizziamo ogni anno in estate tra i comuni di Umbertide e Montone (Italian Party, giunto alla 22esima edizione quest’anno) direi che andando avanti a testa bassa e con perseveranza, ne vale la pena.

Come vedete il futuro della musica punk, con annessi e connessi?

In Italia soprattutto a fianco di alcuni mostri sacri di genere come RAEIN e LA QUIETE ultimamente ci sono una serie di band abbastanza giovani che stanno facendo benissimo, generando nuovo interesse da parte dei kids più giovani e non solo. Gruppi come RADURA, OJNE e STEGOSAURO vanno in tour fuori dai confini italiani, in USA, Canada, Giappone e sono seguitissimi pure lì. Tutto questo movimento, anche ai concerti in giro per l’Italia, fa davvero ben sperare.

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label?

Prossimo anno sono 20 anni che TLLT esiste, stiamo pensando ad una serie di iniziative per questo traguardo importante, che è un bel lasso di tempo e di storie da raccontare; sicuramente un vinile antologico con allegato un libro fotografico che di acqua sotto i ponti ne è passata tanta. Vediamo quello che viene fuori, stay tuned.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Fuori questo mese, il ritorno sulle scene dopo 10 anni dei fiorentini DISQUIETED BY con un album dal titolo “Pet of the week” punk / rock’n roll potentissimo e divertentissimo e nei prossimi giorni invece anche il nuovo album di URALI (al secolo Ivan Tonelli) cantastorie triste ed emozionale che esce con il nuovo lavoro chiamato “Abandoned Meanings”. Supportate le band e le etichette indipendenti!

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16 Novembre 2024/da Marco Paolucci

Interviste, Music Publishing - Editoria Musicale, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Ken Wissoker, Senior Executive Editor della Duke University Press – Usa

Incontro numero 8, dedicato a far conoscere ai lettori di Kathodik chi si occupa di promuovere un discorso di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale. Il primo incontro è stato con Marco Refe della Edizioni Crac di Falconara Marittima (qui). Il secondo incontro è stato con il professore Luca Cerchiari, curatore della collana ‘Musica Contemporanea’ della Mimesis Edizioni (qui). Il terzo incontro è stato con Karl Ludwig, Responsabile Comunicazione della tedesca wolke verlag (qui). Il quarto incontro è stato con Domenico Ferraro, direttore editoriale della Squilibri Editore (qui). Il quinto incontro è stato con Fabio Ferretti, ideatore e curatore della collana ‘Chorus’, della Edizioni Quodlibet (qui). Il sesto incontro è stato con Massimo Roccaforte, curatore editoriale della Goodfellas Edizioni (qui). Il settimo incontro è stato con Christina Ward co-curatrice della casa editrice statunitense Feral House (qui). Oggi mi sposto nella costa Est degli Stati Uniti d’America per intervistare Ken Wissoker, Senior Executive Director della Duke University Press. Casa editrice che da tempo trova spazio in Kathodik perché ha titoli molto curati e interessanti, che sono punti di riferimento per studiare e capire la musica che ci suona in testa.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come è nata l’idea di una collana editoriale musicale?

Prima di iniziare a lavorare alla Duke come redattore nel 1991, ho vissuto nella zona sud di Chicago, ad Hyde Park, un quartiere che ha una lunga storia di jazz e che ospita anche l’Università di Chicago. Dal 1979 fino a quando me ne sono andato nel 1988 ho lavorato alla Seminary Coop Bookstore, una storica libreria accademica, disimballando libri e occupandomi dell’esposizione delle novità. Per la maggior parte di quel periodo ho tenuto un programma radiofonico su WHPK-FM, la stazione radio dell’Università di Chicago. Iniziai a fare un programma post-punk, che si muoveva a fianco dei New Order in direzione dance. A quel tempo a Chicago era nata la musica house, ma non c’era nessuno che suonasse hip-hop. Trasformai il mio show nel primo programma rap della città che, anche se la stazione aveva un segnale debole, divenne molto popolare nel South Side. La stazione era nota anche per il jazz e aveva un gruppo impressionante di dj jazz provenienti da tutto il South Side, che hanno cambiato la mia idea della storia del jazz e mi hanno introdotto a molta musica più recente. Era anche il periodo in cui Stuart Hall, Dick Hebdige, Paul Gilroy, Greg Tate e Tricia Rose stavano introducendo nuovi approcci di studi culturali alla musica. Leggevo i loro lavori e li promuovevo in libreria, e poi partecipavo a modo mio alla radio. Così, quando qualche anno dopo sono arrivato alla Duke University Press, l’intersezione tra musica e cultura è stata fin dall’inizio un’area di grande interesse. La cosa da lì è cresciuta esponenzialmente. All’inizio degli anni Duemila, quando Ann Powers ed Eric Weisbard hanno dato vita alla Pop Conference presso l’allora Experience Music Project di Seattle, riunendo giornalisti, critici e accademici, è stata un forte stimolo per il mio pensiero e per la redazione.

Come vengono selezionati i titoli da pubblicare?

Riceviamo ogni giorno molte proposte da tutto il mondo, attraverso il sito web, via e-mail o tramite i curatori delle collane. La casa editrice pubblica solo 150 libri all’anno in totale, quindi devo rifiutare un sacco di belle proposte. Cerco manoscritti che siano originali e intelligenti e che ritengo possano avere successo. Naturalmente non possiamo pubblicare tutti quelli che soddisfano questi criteri. A volte paragono questa parte del lavoro a quella del curatore di una galleria o di un museo, che sceglie le mostre o cosa mettere in evidenza. O a un dj che cerca di tenere la gente sulla pista da ballo. Gli interessi e il pubblico cambiano storicamente in continuazione. Cerco di capire che cosa avrà successo quando uscirà il libro. Per esempio, “No Machos or Pop Stars” di Gavin Butt: https://www.dukeupress.edu/no-machos-or-pop-stars e “A Kiss Across the Ocean” di Richard Rodriguez: https://www.dukeupress.edu/a-kiss-across-the-ocean sono usciti nel momento del revival dei primi anni Ottanta. Avrebbero avuto un successo diverso se fossero usciti un decennio prima (o un decennio dopo).

Per quanto riguarda la selezione di autori stranieri, a quale scuola di critica musicale si fa più riferimento? Accenno un esempio: avete più interesse negli agli autori di lingua inglese? Oppure negli autori di lingua francese? Oppure di altre lingue?

Mi impegno ad avere un punto di vista da ogni parte del mondo in tutti i settori in cui pubblico. Questo vale sia per gli approcci critici che per le musiche. Sono sempre necessarie prospettive da altre parti. La traduzione è costosa e sia la musica che il punto di vista devono essere abbastanza interessanti per il nostro pubblico di lingua inglese. Abbiamo appena pubblicato un’ottima raccolta sulle star coreane BTS intitolata “Bangtang Remixed”: https://www.dukeupress.edu/bangtan-remixed. Sarei entusiasta di un’antologia Black Pink curata e tradotta da scrittori coreani? Assolutamente sì! Per alcune musiche, la lingua originale del concetto fa poca differenza. Se si trattasse di un libro illuminante su Sun Ra, potrebbe essere scritto in qualsiasi lingua, purché sia educativo per i nostri lettori.

Serie di domande tecniche: raccolta fondi, tiratura, promozione, distribuzione per un titolo che scegliete di pubblicare?

Siamo una casa editrice universitaria e facciamo parte della Duke University, per cui ci si aspetta che il bilancio sia in pareggio, non che si realizzi un profitto. Detto questo, ci vuole un grande sforzo per chiudere in pareggio, soprattutto con tutti i lavori accademici all’avanguardia provenienti da tutto il mondo che siamo orgogliosi di pubblicare, anche se non diventano grandi vendite. I libri di musica popolare tendono a vendere meglio della maggior parte dei nostri libri, il che ci aiuta a continuare a pubblicarli. Sono venduti nelle librerie e online qui in Nord America e nel resto del mondo dal nostro distributore CAP con sede a Londra. Facciamo molta promozione sui social media, inviamo molte copie per le recensioni (i pdf hanno reso tutto più facile) e riceviamo molto sostegno in luoghi come The Wire che condividono una gamma di interessi simili. Quando c’è un libro di grande successo, come “Life and Death on the New York Dancefloor” di Tim Lawrence: https://www.dukeupress.edu/life-and-death-on-the-new-york-dance-floor-1980-1983, è possibile vedere i libri recensiti sul Guardian o sul New York Times e altrove.

Quali generi preferite trattare per le vostre pubblicazioni? Perché?

Per lo più mi sono concentrato sul jazz, sull’R&B e su altre musiche nere, anche se abbiamo pubblicato con successo anche sul rock: https://www.dukeupress.edu/henry-cow (o sugli esempi di new wave anni ’80 di cui sopra), sulle musiche africane: https://www.dukeupress.edu/tony-allen, sulle musiche latine: https://www.dukeupress.edu/sounds-of-crossing e sul country: https://www.dukeupress.edu/hidden-in-the-mix. La nostra nuova collana ‘Singles’: https://www.dukeupress.edu/series/singles, con libri sui singoli brani, è iniziata con The Modern Lovers, ‘Roadrunner’, è passata a ‘Hound Dog’ e a ‘Old Town Road’ di Lil Nas X, e da lì si sta espandendo. Quindi si tratta più di quello che dice il libro che di un singolo genere, anche se io sono rimasto per lo più lontano dalla musica classica.

Qual è il titolo più interessante che è stato pubblicato fino ad oggi? Perché?

Non posso rispondere con un solo libro, quindi ve ne darò tre o quattro!

Fred Wesley, “Hit Me, Fred”: https://www.dukeupress.edu/hit-me-fred.

Il bandleader, trombonista e arrangiatore di James Brown e dei Parliament Funkadelic racconta in prima persona tutta la straordinaria musica di cui è stato protagonista. Parla molto della posizione della non-star in modo onesto e riflessivo. Eppure è stato determinante per alcune delle musiche più importanti degli ultimi cinquanta o sessant’anni.

Tim Lawrence, “Love Saves the Day”: https://www.dukeupress.edu/love-saves-the-day.

Questo libro, tradotto in italiano e in giapponese, ha fatto molto per cambiare la nostra idea di discoteca e la storia della musica da ballo in generale, riportando gli uomini gay di colore al centro della storia e offrendo un senso utopico delle possibilità della pista da ballo. Il libro ha recentemente ispirato un’installazione artistica al Museum of Modern Art e costituisce la base per nuovi lavori come il nostro libro di Luis Manuel Garcia-Mispireta, “Together, Somehow: Music Affect, and Intimacy on the Dancefloor”: https://www.dukeupress.edu/together-somehow.

Greg Tate, “Flyboy 2”: https://www.dukeupress.edu/flyboy-2.

Cosa posso dire? Greg è stato il più grande scrittore di musica popolare che abbiamo avuto. Dopo la sua morte troppo prematura, una vasta gamma di scrittori ha testimoniato la sua influenza. Molti di loro non scrivevano di musica e nemmeno di cultura popolare. Ha stabilito un livello che la maggior parte di noi può sperare di raggiungere solo in rare occasioni, e lo ha fatto sembrare facile. Questo libro raccoglie molti dei suoi lavori migliori dagli anni Novanta in poi.

Maureen Mahon, “Black Diamond Queens”: https://www.dukeupress.edu/black-diamond-queens.

Questo libro racconta la storia del rock and roll come una storia guidata da donne nere. Le donne, spesso relegate a ruoli di secondo piano nella maggior parte dei casi, sono qui al centro. Il genere e il nostro senso della storia ne escono completamente migliorati.

Potrei facilmente citarne altri cinque altrettanto cruciali, ma mi fermerò qui.

Come è nata l’idea della collana Studies in The Grateful Dead?

Non mi spetta alcun merito per questo! Il direttore della Duke University Press, Dean Smith, proviene dalla Cornell University Press, dove ha avuto un grande successo con un libro sul concerto dei Grateful Dead, la cui pubblicazione è stata coordinata con la ristampa del concerto da parte della Rhino Records. Ha avuto l’idea di estendere questo sforzo anche qui, e questo è solo l’inizio!

Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?

Penso che sia possibile per alcuni libri, ma è più difficile di quanto possa sembrare. Se un editore fa tutto il lavoro e un’altra casa editrice acquista i diritti per pubblicare il libro nel proprio territorio, ciò avviene abbastanza facilmente. Lo facciamo abbastanza spesso con libri che hanno un pubblico importante in Sudafrica o in India, luoghi che raggiungiamo ma non quanto gli editori con sede in quei luoghi. Una coproduzione, in cui lo stesso libro verrebbe pubblicato in diverse lingue, sembra possibile, ma bisognerebbe scegliere il giusto tipo di libri. Il mio negozio di dischi preferito, Dusty Groove a Chicago: https://www.dustygroove.com/, vende spesso favolosi libri dal Giappone che presentano incredibili foto di ogni LP di una determinata etichetta jazz, o degli LP più collezionabili per il campionamento. Il testo è tutto in giapponese, ma molti collezionisti li comprano per le foto e gli elenchi. Si potrebbero fare con testi in più lingue nello stesso libro (come spesso accade con le monografie di architettura)? Probabilmente sì.

Lo stato americano aiuta gli editori per la pubblicazione?

No. Ci sono alcune eccezioni. I musei nazionali, come lo Smithsonian, pubblicano cataloghi e altri lavori. E il National Endowment for the Humanities, che concede sovvenzioni a studiosi e scrittori, ha anche un programma per sostenere l’accesso aperto alle pubblicazioni di questi studiosi, ma in generale no. Non c’è nemmeno il sostegno delle fondazioni per gli editori che poteva venire da Rockefeller o dal Getty quando ho iniziato. C’è una forte pressione neoliberale per rendere le cose autosufficienti, il che ovviamente limita ciò che si può pubblicare.

Oltre ai volumi pensate ad altre forme di pubblicazione? Ad esempio documentari, film, podcast?

No. Siamo felici quando le persone scelgono i nostri libri per queste forme, o quando gli autori sviluppano il loro lavoro in queste direzioni, ma siamo molto impegnati nella pubblicazione di libri e riviste. Non è in programma alcuna produzione cinematografica!

Qualche segnalazione meritevole dei prossimi titoli che avete in cantiere?

Sì, molti! Sono entusiasta di “Made in NuYoRico” di Marisol Negrón, che racconta la storia della Fania Records e l’ascesa della Salsa: https://www.dukeupress.edu/made-in-nuyorico e dei prossimi libri della serie Singles su “Ne me quitte pas”, il classico di Jacques Brel e Nina Simone: https://www.dukeupress.edu/ne-me-quitte-pas e “Under Pressure”, l’inno di Bowie e dei Queen: https://www.dukeupress.edu/under-pressure.

Su una linea diversa, stiamo pubblicando due libri di scrittori e interpreti. “Blues Mamas & Broadway Belters” di Masi Asare, insegnante di canto e scrittura, https://www.dukeupress.edu/blues-mamas-and-broadway-belters, apre la conversazione stilistica tra le vocalist nere e il modo in cui si studiano e si ascoltano.

Poi, Jessie Cox, un compositore che ha studiato alla Columbia sotto la guida dello scrittore e leggenda del jazz George Lewis, ha scritto un libro brillante intitolato “Sounds of Black Switzerland”: https://www.dukeupress.edu/sounds-of-black-switzerland. Cox stesso è nero e svizzero, e considera che tenere insieme queste due identità è quasi impossibile – si suppone che uno sia o nero o svizzero. Si chiede cosa significherebbe non avere una Svizzera nera determinata dallo Stato o in contrasto con la Svizzera bianca, ma mettere insieme tutte le diverse esperienze e comprensioni dei neri in un dialogo e costruire da lì il senso della Svizzera nera. Cox fa un paragone con l’avant garde e la free music, costruendo una coversazione pubblica tra i musicisti, e nel libro va avanti e indietro tra questo tipo di pensiero filosofico e la discussione di composizioni di musicisti della Svizzera nera. È originale e assolutamente avvincente!

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2 Novembre 2024/da Marco Paolucci

Interviste, Music Publishing - Editoria Musicale, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Ken Wissoker, Senior Executive Editor of Duke University Press – Usa

Meeting number 8, dedicated to introducing Kathodik readers to those involved in promoting a discourse of music criticism in Italian and international publishing. The first meeting was with Marco Refe of Edizioni Crac in Falconara Marittima (here). The second meeting was with Professor Luca Cerchiari, editor of the ‘Musica Contemporanea’ series of Mimesis Edizioni (here). The third meeting was with Karl Ludwig, Communication Manager of the German wolke verlag (here). The fourth meeting was with Domenico Ferraro, Editorial Director of Squilibri Editore (here). The fifth meeting was with Fabio Ferretti, creator and editor of the series ‘Chorus’, by Edizioni Quodlibet (here). The sixth meeting was with Massimo Roccaforte, editorial curator of Goodfellas Edizioni (here). The seventh meeting was with Christina Ward, co-curator of the US publishing house Feral House (here). Today I move to the East Coast of The United States to interview Ken Wissoker, Senior Executive Director of Duke University Press. A publishing house that has long found a place in Kathodik because it has very well-edited and interesting titles that are reference points for studying and understanding the music that plays in our heads.

Here you can find the Italian translation

How did the idea of music publishing series come about?

Before I started at Duke as an editor in 1991, I lived on the south side of Chicago in Hyde Park, a neighborhood that has a long jazz history and also is home to the University of Chicago. From 1979 until I left in 1988 I was working at the Seminary Coop Bookstore, a historic academic bookstore, unpacking books and doing the new book displays. For most of that time, I had a radio show on WHPK-FM the University of Chicago radio station. I began doing a post-punk show, that moved along with New Order in the dance direction. House music was born in Chicago at that time, but there was no one playing hip-hop. I turned my show into the first rap show in the city which, even though the station had a weak signal, became super-popular around the south side. The station was also known for jazz, and had an impressive group of jazz djs from around the south side, who changed my idea of jazz history and exposed me to a lot of newer music. This was also the time when Stuart Hall, Dick Hebdige, Paul Gilroy, Greg Tate, and Tricia Rose were all bringing new cultural studies approaches to music. I was reading their work and promoting it at the bookstore, and then participating in my own way on the radio. So when I got to Duke University Press a few years later, that music and culture intersection was an area of huge interest from the start. It’s really grown from there. In the early 2000s when Ann Powers and Eric Weisbard started the Pop Conference at what was then Seattle’s Experience Music Project, gathering journalists, critics and academics together, that became a strong boost for my thinking and the list.

How do you select the titles for publication?

We get many proposals every day from all around the world – through the website, by email, or through series editors. The Press only publishes 150 books a year total, so I have to turn down a lot of great things. I look for manuscripts that feel original and smart and that I think will be successful. We can’t do all the ones that meet that criteria, of course. I sometimes compare this part of the job to being a gallery or museum curator, choosing shows or what to highlight. Or a DJ trying to keep people on the dancefloor. The interests and audiences change historically all the time. I’m looking for what will hit when the book comes out. For instance Gavin Butt’s “No Machos or Pop Stars” https://www.dukeupress.edu/no-machos-or-pop-stars and Richard Rodriguez’s “A Kiss Across the Ocean” https://www.dukeupress.edu/a-kiss-across-the-ocean came out at the moment of early 80s revival. They would have hit differently if they came out a decade before (or a decade later).

As far as the selection of foreign authors is concerned, which school of music criticism is the most referred to? Just to give you an example: are you more interested in English-speaking authors? Or in French-speaking authors? Or other languages?

I’m committed to having thought from around the world in all the areas in which I publish. That would be true of critical approaches and of musics. Perspectives from elsewhere are always needed. Translation is expensive, and both the music and the point of view has to be interesting enough for our English-language audience. We just published a great collection on the Korean stars BTS called “Bangtang Remixed” https://www.dukeupress.edu/bangtan-remixed. Would I be excited about a Black Pink anthology edited and translated from Korean writers? Absolutely! For some music, the original language of the thinking makes little difference. If it was an illuminating book about Sun Ra, it could be originally written in any language, as long as it was productive for our readers.

Here follows a few technical questions: what about the fundraising, the circulation, the promotion and the distribution of a title you choose to publish?

We are a univesity press and part of Duke University, so we are expected to break even, not turn a profit. That said, it takes a big effort to break even, especially with all the cutting-edge academic work from around the world that we are proud to publish, even they don’t become big sellers. The popular music books tend to sell better than most of our books, which helps us keep publishing them. They are sold through bookstores and online venues here in North America and through the rest of the world by our distibutor CAP based in London. We do a lot of promotion on social media, send out a lot of review copies (pdfs have made that easier) and get a lot of support in places like The Wire that share a similar range of interests. When there is a big breakout book like Tim Lawrence’s “Life and Death on the New York Dancefloor” https://www.dukeupress.edu/life-and-death-on-the-new-york-dance-floor-1980-1983 then you can see the books reviewed in The Guardian or The New York Times and anywhere else.

What genres do you prefer to deal with for your publications and why?

Mostly I have focused on jazz and R&B and other Black musics, though we have also published successfully on rock https://www.dukeupress.edu/henry-cow (or the 80s new wave examples above), on African musics https://www.dukeupress.edu/tony-allen, Latinx musics https://www.dukeupress.edu/sounds-of-crossing and on country https://www.dukeupress.edu/hidden-in-the-mix. Our new Singles series https://www.dukeupress.edu/series/singles, with books on single songs started with The Modern Lovers, ‘Roadrunner’, moved to ‘Hound Dog’, and Lil Nas X’s ‘Old Town Road’, and is expanding from there. So it is more about what the book says, than a single genre, though I have mostly stayed away from classical musics.

What is the most interesting title that has been published to date and why?

There is no way I can answer this with a single book, so I will give you three or four!

Fred Wesley, “Hit Me, Fred” https://www.dukeupress.edu/hit-me-fred

The James Brown and Parliament Funkadelic bandleader, trombonist, and arranger gives his own account of all the amazing music he was central to. He talks a lot about the position of the non-star in a thoughtful honest way. Yet there he was completely crucial to some of the most important music of the last fifty or sixty years.

Tim Lawrence, “Love Saves the Day” https://www.dukeupress.edu/love-saves-the-day

This book, translated into Italian and into Japanese, did so much to change our idea of disco, and the history of dance music in general, putting gay men of color back at the center of the story, and offering a utopic sense of the possibilities of the dance floor. The book recently inspired an art installation at the Museum of Modern Art, and forms the ground for new work like our book by Luis Manuel Garcia-Mispireta, “Together, Somehow: Music Affect, and Intimacy on the Dancefloor” https://www.dukeupress.edu/together-somehow

Greg Tate, “Flyboy 2” https://www.dukeupress.edu/flyboy-2

What can I say? Greg was the greatest writer on popular music we had. After his far-too-early death, a huge range of writers testified to his influence. Many of them didn’t write on music, or even on popular culture. He set a bar most of us can only hope to reach on rare occasion, and made it look easy. This collects a lot of his best work from the nineties forward.

Maureen Mahon, “Black Diamond Queens” https://www.dukeupress.edu/black-diamond-queens

This book tells the story of rock and roll as a history led by Black women. Women who were often relegated to back-up roles in most account, are at the center here. The genre, and our sense of history is completely better for it.

I could easily come up with another five that are just as crucial, but I will stop here.

How did the idea of Studies in the Grateful Dead come about?

I get no credit for that one! The Duke University Press Director, Dean Smith, came from Cornell University Press, where they had a big hit with a book on the Grateful Dead concert there, and publication was coordinated with a Rhino Records reissue of the concert. He had the idea of broadening that effort out here, and that’s just getting started!

Do you think co-production between publishers for selected releases is possible, as it happens between microlabels in music?

I think that might be possible on some books, but it is harder than it might seem. If one publisher does all the work and another press buys rights to publish the book in their territory, that happens fairly easily. We do that reasonably often with books that have important home audiences in South Africa or India – places we reach but not as well as publishers based in those places. A co-production, where the same book would be published in different languages seems possible, but one would have to choose the right kind of books. My favorite record store, Dusty Groove in Chicago: https://www.dustygroove.com/ often carries fabulous books from Japan that feature incredible photos of every LP from a given jazz label, or of the most collectible LPs for sampling. The text is all in Japanese, but a lot of collectors buy them for the pictures and the listings. Could those be done with multiple language texts in the same book (as often happens with architecture monographs)? Probably.

Does the USA state help publishers with publishing?

No. There are a few exceptions to that. National museums like the Smithsonian, publish catalogs and other work. And the National Endowment for the Humanities, which gives grants to scholars and writers, also has a program to help support open access for publications by those scholars, but in general, no. There isn’t even the foundation support for publishers that might have come from Rockefeller or the Getty when I first started. There’s a lot of neo-liberal pressure to make things self-supporting, which of course limits what one can publish.

In addition to books, are you thinking of other forms of publication? For example documentaries, movies, podcasts?

No. We are happy when people option our books for those forms, or the authors’ develop their work further in those directions, but we have our hands full publishing books and journals. No film production is in the works!

Are there any forthcoming titles worth mentioning?

Yes, several! I’m excited for Marisol Negrón’s “Made in NuYoRico” which tells the story of Fania Records and the rise of Salsa: https://www.dukeupress.edu/made-in-nuyorico and the forthcoming Singles series books on “Ne me quitte pas” the Jacques Brel and Nina Simone classic: https://www.dukeupress.edu/ne-me-quitte-pas and “Under Pressure,” the Bowie and Queen anthem: https://www.dukeupress.edu/under-pressure.

On a different note we are publishing two books by writers and performers. Songwriting and singing teacher Masi Asare’s “Blues Mamas & Broadway Belters” https://www.dukeupress.edu/blues-mamas-and-broadway-belters, opens up the stylistic conversation between Black women vocalists and the way they studies and heard each other.

Then, Jessie Cox, a composer who studied at Columbia under jazz writer and legend George Lewis, has written a briliant book called “Sounds of Black Switzerland”: https://www.dukeupress.edu/sounds-of-black-switzerland. Cox himself is Black and Swiss, and comments that holding those two identities together is nearly impossible – one is supposed to be either Black or Swiss. He wonders what it would be like to not have Black Swiss determined by the state, or in contrast to white swiss, but to actually put together all the different Black experiences and understandings in conversation and to build the sense of Black Swiss from there. Cox compares that to avant garde and free musics, building from open conversation between the players, and in the book goes back and forth between this kind of philosophical thought and discussion of compositiions by Black Swiss musicians. It’s original and completely compelling!

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2 Novembre 2024/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Richard Barrett dell’Institute of Sonology – Royal Conservatoire The Hague – Olanda

16° puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano – Italia (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Svizzera (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum – Giappone (qui). Quinta: Museo della Farfisa – Italia (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum – Stati Uniti (qui). Settima: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italia (qui). Ottava: SoundMit – International Synth Event – Italia (qui). Nona: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – Stati Uniti (qui). Decima: EMS Elektronmusik Studion – Svezia (qui). Undicesima: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), Svizzera (qui). Dodicesima: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (qui). Tredicesima: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), Stati Uniti (qui). Quattordicesima: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), Stati Uniti (qui). Quindicesima: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Messico (qui). Oggi è la volta dell’intervista a Richard Barrett, dell’Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Olanda. A voi la lettura.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come nasce l’Institute of Sonology?

L’Istituto ha una lunga storia. Le sue origini risalgono agli anni ’50, ma l’Institute of Sonology in quanto tale è stato fondato nel 1967 con Gottfried Michael Koenig come primo direttore. All’epoca faceva parte dell’Università di Utrecht e nel 1986 si è trasferito al Conservatorio Reale dell’Aia. Una cronologia più dettagliata della storia di Sonology è disponibile qui: sonology.org/sonology-timeline

Come è strutturato?

Attualmente l’attività principale dell’Istituto è costituita dai programmi educativi: lauree e master e un corso annuale. Attraverso le sue presentazioni pubbliche, l’Istituto partecipa regolarmente alla vita culturale dell’Aia. Dal 2022 si trova nel nuovo edificio Amare, che ospita anche il resto del Conservatorio, il Netherlands Dance Theatre, l’Orchestra Residentie e altre organizzazioni culturali. La nostra missione può essere consultata qui: sonology.org/mission

Sonology ospita anche un archivio della grande quantità di lavori prodotti a partire dagli anni Sessanta, custodito in un ambiente a temperatura e umidità controllate.

Molte delle attività che si svolgono all’Institute of Sonology sono sostenute dalla Fondazione Konrad Boehmer, in nome del defunto Konrad Boehmer che ha diretto l’Istituto tra il 1994 e il 2006. Tra i Konrad Boehmer Visiting Professors dell’Institute of Sonology dall’inizio di questo programma nel 2016 ci sono Trevor Wishart, Horacio Vaggione, Nicolas Collins, Daniel Teruggi, Peter Ablinger e Cathy van Eck.

Che attrezzature ha l’Institute of Sonology?

L’Istituto comprende i seguenti studi:
(1) lo studio Voltage Control, per l’insegnamento e la produzione di musica con tecniche analogiche, con un ampio sistema modulare costruito su misura che si è evoluto durante l’intero periodo di esistenza dell’Istituto. Questo studio contiene un sistema di altoparlanti a 8 canali.
(2) lo studio Live Electronic, anch’esso a 8 canali, più piccoli diffusori amplificati per l’amplificazione locale, utilizzato come studio didattico e per le prove e la registrazione delle attività di performance elettronica dal vivo.
(3) lo studio Wavefield Synthesis, che accanto a un sistema tradizionale a 8 canali contiene un sistema WFS. L’Istituto organizza ogni anno un Festival WFS in cui vengono presentate in pubblico composizioni realizzate con questo sistema (utilizzando il sistema WFS mobile della Game of Life Foundation).
(4) Uno studio didattico con postazioni multiple, il Computer Music Studio 1.
(5) Computer Music Studio 2, un piccolo studio di produzione con un sistema 5.1.
(6) il New Music Lab, uno spazio più ampio con una capienza massima di 80 persone, utilizzato per l’insegnamento, le prove e i concerti. È stato installato un sistema audio a 16 canali che può essere aumentato in base alle necessità.
Gli studi sono illustrati e descritti in dettaglio nella sezione “Facilities” del sito sonology.org.
Tutti questi studi sono inoltre dotati di schermi e/o beamers per il lavoro audiovisivo. L’Istituto presenta anche concerti regolari nella Conservatoriumzaal dello stesso edificio, una sala da concerto più grande che può essere configurata con o senza posti a sedere, e occasionalmente in altre sedi all’interno dell’edificio e altrove, tra cui la Nieuwe Kerk dall’altra parte della strada e la Toonzaal Willem Twee a Den Bosch.
Se Sonology è un’istituzione ben attrezzata, altrettanto importante è il personale docente, che è impegnato in lavori creativi e di ricerca in molte aree diverse, tra cui la composizione multimediale fissa, la composizione strumentale e mista, l’improvvisazione, la sound art e l’installazione, la performance art e la registrazione sul campo.

Voltage Control Studio

Cosa si può fare all’Institute of Sonology ? E’ possibile fare ricerca all’Institute of Sonology ?

Oltre ai corsi citati, Sonology è affiliata all’Academy of Creative and Performing Arts dell’Università di Leiden, i cui ricercatori di dottorato hanno accesso all’Istituto come associati di ricerca e contribuiscono anche a lezioni e colloqui. La maggior parte dei membri del personale di Sonology è anche coinvolta nella ricerca, spesso su progetti intrapresi in associazione con un lettorato di ricerca presso il Conservatorio. Nel mio caso, ad esempio, ciò ha portato alla realizzazione del libro ‘Transforming Moments’, pubblicato da Vision Edition nel Regno Unito nel 2023. Il programma di master di Sonology è fortemente incentrato sulla ricerca: gli studenti vengono accettati sulla base di una proposta di ricerca su cui vengono seguiti per due anni, che sfocia in una presentazione dal vivo (concerto e/o installazione) insieme a una tesi scritta. Alcuni di questi lavori di ricerca possono essere consultati qui: sonology.org/masters-theses

Inoltre, dirigo il Sonology Electroacoustic Ensemble, un gruppo che varia da 3 a 20 partecipanti, aperto a tutti gli studenti del Conservatorio (oltre che al personale, agli ex-studenti e agli ospiti) e che si esibisce regolarmente in pubblico. L’Ensemble è generalmente composto da un numero più o meno uguale di strumenti/voce elettronici e acustici e lavora con la libera improvvisazione e la spazializzazione dal vivo, ispirandosi all’Evan Parker Electroacoustic Ensemble, di cui sono membro regolare dal 2003. Alcuni dei lavori dell’Ensemble dal 2010 al 2018 sono accessibili qui: soundcloud.com/r-barrett/sets/see – e alcuni lavori più recenti nel mio rapporto di ricerca “A Year in the Life of the Sonology Electroacoustic Ensemble” che si trova a questo link: researchcatalogue.net/view/800019/800020

L’Istituto è stato anche responsabile di una serie di festival internazionali, come ad esempio l’opera completa elettroacustica di Iannis Xenakis in ‘Géométrie spatiale’ (2012) e le esplorazioni della musica spaziale in ‘Composing Spaces’ (2013 e 2023) che hanno coinvolto, tra gli altri eventi, l’Acousmonium del GRM e un’esecuzione di No hay caminos… di Luigi Nono per sette gruppi orchestrali. Ogni giugno, inoltre, organizziamo un festival di tre o quattro giorni dedicato al lavoro degli studenti diplomati.

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L’Institute of Sonology è presente sui social?

Sonology ha una pagina Facebook: facebook.com/profile.php?id=100057524766957

L’Institute of Sonology è attento alla questione di genere nella Musica Elettronica? E nella Cultura Musicale dell’Olanda?

Riconosciamo l’importanza cruciale di affrontare le questioni di genere nella cultura in generale e nella musica elettronica in particolare. A questo punto abbiamo un’approssimativa parità di genere nel corpo studentesco nel suo complesso e in ciascuno dei tre programmi, e naturalmente accogliamo persone trans e non binarie e rispettiamo il genere e i pronomi dichiarati da ciascuno. Ci preoccupiamo anche di incorporare la diversità di genere nei lavori creativi che utilizziamo come esempi e modelli nel nostro insegnamento. Non è insolito che un concerto di Sonology presenti solo opere di donne.

In che rapporti si trova con il governo olandese?

In quanto parte del Conservatorio Reale, che a sua volta fa parte dell’University of the Arts, L’Aia, l’Istituto è un’istituzione finanziata dal governo.

L’Institute of Sonology è aperto a collaborazioni con enti, associazioni, centri di ricerca?

Sonology è attualmente associata a diverse istituzioni (vedi: sonology.org/links-connected-institutions), tra cui il Groupe de Recherches Musicales di Parigi e lo studio elettronico della Technische Universität di Berlino, con cui Sonology condivide un programma di master congiunto in “Audio Communication and Sonology” (sonology.org/audio-communication-sonology-programme).

Progetti in corso e progetti futuri?

Come potete immaginare, i progetti in corso sono tanti quanti sono i collaboratori e gli studenti ricercatori, e i nostri concerti pubblici sono integrati da presentazioni informali che si svolgono quasi ogni settimana. All’inizio del 2025 abbiamo in programma una collaborazione con la Filmhuis Den Haag sulla musica elettronica dal vivo per i film muti).

Link: Institute of Sonology Home Page

Link: Institute of Sonology Facebook Page

18 Ottobre 2024/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Richard Barrett, Institute of Sonology – Royal Conservatoire The Hague

The 16° episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano – Italy (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Swiss (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum – Japan (here). Fifth: Museo della Farfisa – Italy (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum – USA (here). Seventh: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italy (here). Eighth: SoundMit – International Synth Event – Italy (here). Nine: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA (here). Ten: EMS Elektronmusik Studion – Sverige (here). Eleven: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) – Swiss (here). Twelve: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (here). Thirteen: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), USA (here). Fourtheen: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), USA (here). Fiftheen: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Mexico (here). Today is the turn of the interview with Richard Barrett, Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Nederland. I invite you to read the interview.

Here the Italian Translation

How did the Institute of Sonology come about?

The Institute has a long history. Its origins date back to the 1950s but the Institute of Sonology as such was founded in 1967 with Gottfried Michael Koenig as its first director. At that time it was part of Utrecht University, and in 1986 it transferred to the Royal Conservatoire in The Hague. A more detailed timeline of Sonology’s history can be seen here: sonology.org/sonology-timeline

How is it structured?

The principal activity of the Institute at present is its educational programmes: Bachelors and Masters degrees and a one-year course. Through its public presentations the Institute is also a regular participant in the cultural life of The Hague. Since 2022 it has been located in the new Amare building which also houses the rest of the Conservatoire plus the Netherlands Dance Theatre, Residentie Orchestra and other cultural organisations. Our mission statement can be accessed here: sonology.org/mission

Sonology also houses an archive of the vast amount of work that has been produced there since the 1960s, housed in a temperature- and humidity-controlled enviroment.

Several of the activities taking place at Sonology are supported by the Konrad Boehmer Foundation, in the name of the late Konrad Boehmer who directed the Institute between 1994 and 2006. Konrad Boehmer Visiting Professors at Sonology since this scheme began in 2016 have included Trevor Wishart, Horacio Vaggione, Nicolas Collins, Daniel Teruggi, Peter Ablinger and Cathy van Eck.

What equipment does the Institute of Sonology have?

The Institute comprises the following studios:
(1) the Voltage Control studio, for teaching and production of music using analogue techniques, with an extensive custom-built modular system which has evolved over the entire period of the Institute’s existence. This studio contains an 8-channel loudspeaker system.
(2) the Live Electronic studio, also 8 channels, plus additional small powered loudspeakers for local amplification, which is used as a teachnig studio as well as for rehearsal and recording of live electronic performance activities.
(3) the Wavefield Synthesis studio, which, alongside a traditional 8 channel system contains a WFS system. The Institute organises a WFS Festival every year in which compositions made with this system are presented in public (using the Game of Life Foundation’s moveable WFS system).
(4) A teaching studio with multiple workstations, Computer Music Studio 1.
(5) Computer Music Studio 2, a small production studio with a 5.1 system.
(6) the New Music Lab, a larger space with room for an audience of up to 80 people, used for teaching and for rehearsals and concerts. It has a 16 channel sound system installed which can be augmented as necessary.
The studios are illustrated and described in more detail under “Facilities” at sonology.org
All of these studios are also equipped with screens and/or beamers for audiovisual work. The Institute also presents regular concerts in the Conservatoriumzaal in the same building, a larger concert hall that can be configured with or without raked seating, and occasionally at other venues within the building and elsewhere, including the Nieuwe Kerk across the road, and the Toonzaal Willem Twee in Den Bosch.
While Sonology is a well equipped institution, of course at least as important is the teaching staff, who are all involved in creative work and research in many different areas including fixed media composition, instrumental and mixed composition, improvisation, sound art and installation, performance art and field recording.

Voltage Control Studio

What can you do at the Institute of Sonology? Is it possible to do research at the Institute of Sonology?

Apart from the aforementioned courses, Sonology is affiliated with the Academy of Creative and Performing Arts at Leiden University, whose PhD researchers have access to the Institute as research associates and also contribute to lectures and colloquia. Most Sonology staff members are also involved in research, often on projects undertaken in association with a Research Lectorate at the Conservatoire. In my case, for example, this resulted in the book ‘Transforming Moments’ which was published by Vision Edition in the UK in 2023. Sonology’s Masters programme is focused strongly on research: students are accepted on the basis of a research proposal on which they are supervised for two years, resulting in a live presentation (concert and/or installation) alongside a written thesis. Some of these research outputs can be accessed here: sonology.org/masters-theses

I also convene the Sonology Electroacoustic Ensemble, a group varying between 3 and 20 participants, which is open to all students of the Conservatoire (as well as staff, ex-students and guests) and gives regular public performances. The Ensemble generally consists of more or less equal numbers of electronic and acoustic instruments/voices, and works with free improvisation and live spatialisation, having been inspired by the Evan Parker Electroacoustic Ensemble of which I’ve been a regular member since 2003. Some of the Ensemble’s work from 2010 to 2018 can be accessed here soundcloud.com/r-barrett/sets/see – and some more recent work in my research report “A Year in the Life of the Sonology Electroacoustic Ensemble” which is at this link researchcatalogue.net/view/800019/800020

The Institute has also been responsible for a number of international festivals, for example the complete electroacoustic work of Iannis Xenakis in ‘Géométrie spatiale’ (2012) and explorations of spatial music in ‘Composing Spaces’ (2013 and 2023) which have involved among other events the GRM Acousmonium and a performance of Luigi Nono’s No hay caminos… for seven orchestral groups. We also organise a three- or four-day festival around the work of graduating students every June.

Czaal

Is the Institute of Sonology on social media?

Sonology has a Facebook page: facebook.com/profile.php?id=100057524766957

Does the Institute of Sonology care for the issue of gender in Electronic Music? And in the Nederlands Musical Culture?

We recognise the crucial importance of addressing gender issues in culture in general and electronic music in particular. At this point we have approximate gender parity in the student body as a whole and in each of the three programmes, and of course we welcome trans and nonbinary people and respect everyone’s stated gender and pronouns. We are also concerned to incorporate gender diversity in the creative work we use as examples and models in our teaching. It isn’t unusual for a Sonology concert to feature only works by women.

What is your relationship with the Nederlands Government?

As part of the Royal Conservatoire, which is itself a component of the University of the Arts The Hague, the Institute is a government-funded institution.

Is the Institute of Sonology open to collaborations with institutions, associations, research centres?

Sonology is currently associated with a number of institutions (see sonology.org/links-connected-institutions) including the Groupe de Recherches Musicales in Paris and the electronic studio of the Technische Universität in Berlin, which which Sonology shares a joint Masters programme in “Audio Communication and Sonology” (sonology.org/audio-communication-sonology-programme).

Ongoing projects and future projects?

As you can imagine, there are as many ongoing projects as there are staff and research students, and our public concerts are supplemented by informal presentations taking place almost every week. In early 2025 we are planning a collaboration with Filmhuis Den Haag on live electronic music for silent films.

Link: Institute of Sonology Home Page

Link: Institute of Sonology Facebook Page

18 Ottobre 2024/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista a Francesco Alunni e Elvira Pagliuca della label Sonatine Produzioni

Nei miei pellegrinaggi da “spider” musicale dell’infosfera, in questi giorni mi sono imbattuto nella comunicazione dell’imminente compleanno della label marchigiana Sonatine Produzioni. Label che in passato con le uscite discografiche ha incrociato le traiettorie kathodike e che necessitava di un approfondimento sulla sua storia e sulla sua filosofia del pentagramma. Appena mi sono deciso, ho contattato i due deus ex machina dietro al progetto, Francesco Alunni ed Elvira Pagliuca, che si sono mostrati subito disponibili a raccontare vita, progetti e uscite della loro creatura sonora. A voi la lettura.

Innanzitutto, Buon Compleanno!!! Ripartiamo dalle origini, come è nata l’idea di fondare la Sonatine Produzioni?

GRAZIE!
Senza quasi rendercene conto, sono 15 anni di Sonatine Produzioni, vero…
A portare avanti l’etichetta siamo in due, Francesco ed Elvira: essendo anche una coppia nella vita, l’idea è nata in maniera abbastanza naturale, visto che – tra le diverse passioni in comune – c’era e c’è anche quella della musica. Un’etichetta Do It Yourself ci è subito sembrato un ottimo modo di far convergere questa passione comune, gestendo assieme questo progetto.
Io (Fra) avevo avuto modo di occuparmi di un’altra piccola etichetta DIY negli anni precedenti (Piccole Speranze): ahimè, le persone con le quali curavo quel progetto (tutt’ora miei carissimi amici) sono andate frammentandosi andando a vivere in giro per l’Italia e l’Europa – per proprie ragioni e scelte di vita – e, a quel punto, la cosa era diventata ingestibile; ormai, però, ci avevo preso gusto…

Perché avete deciso di pubblicare album di musica punk rock, con annessi e connessi?

Pubblichiamo quello che ci piace e, di conseguenza, il nostro background musicale ha un’ascendente più che rilevante su quelle che sono le nostre scelte: il punk rock fa decisamente parte di questo background, così come ne fa parte il noise rock, l’hardcore o il metal, però.
Nonostante questo, dando una sbirciata al nostro catalogo (stiamo per avvicinarci alle 70 uscite!), si possono trovare anche dischi di cantautori o altri progetti più sperimentali: probabilmente, potremmo anche essere considerati come un’etichetta “di genere”, ma non ci piacerebbe essere reputati alla stregua di un’etichetta monotematica…

In che formato pubblicate le vostre produzioni? Vinile? Cd? Digitale? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica? Quale formato è più richiesto?

Inizialmente non ci facevamo problemi di formato: le nostre prime uscite includono CD, 7” e, in un paio di occasioni, abbiamo curato anche un paio di uscite digitali (sempre in riferimento a musicisti per cui, in seguito, era prevista un’uscita “fisica”).
Da oltre 10 anni, però, ci siamo imposti esclusivamente il formato vinile (anzi, per essere più precisi, il formato LP 12”): questo perché è il formato che utilizziamo prevalentemente per i nostri ascolti musicali in casa e, da sempre, è il nostro supporto preferito.
Chiaramente, è innegabile, questa scelta ha comportato una riduzione della quantità delle uscite che riusciamo a seguire, dal momento che il formato vinile ha costi decisamente impegnativi mentre noi, come è evidente, siamo solo una minuscola etichetta Do It Yourself.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Le co-produzioni sono fondamentali per noi: non abbiamo mai curato nessuna uscita “in solitaria”, abbiamo sempre co-prodotto dischi assieme ad altre realtà.
Al di là di un discorso meramente economico, ci sono altre due ragioni che giustificano questa scelta:
• anche potessimo permetterci di fare uscire un disco da soli, riusciremmo poi a distribuire tutte le copie solo facendo leva solo sulle nostre forze? No, probabilmente no, e tenere dischi a prendere polvere su uno scaffale non ha alcuna utilità, né per noi né – tanto meno – per la band;
• co-produrre significa confrontarsi, coordinarsi ed organizzarsi assieme ad altre etichette e, per noi, l’aspetto relazionale è imprescindibile. Siamo una parte di un universo (ahimè, sempre più circoscritto) che porta avanti il concetto di Do It Yourself e, con questo universo, vogliamo intenzionalmente dialogare e confrontarci (in modo costruttivo, se possibile).

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Non usiamo molto i social e non abbiamo un’idea precisa a riguardo. Abbiamo una pagina Facebook ed una Instagram, postiamo quelli che sono gli aggiornamenti necessari (nuove uscite, concerti che organizziamo ecc.) e cerchiamo di tenerci informati su quello che accade intorno a noi.
Possiamo considerare giusto Bandcamp come un punto di riferimento, per quello che riguarda aggiornamenti ed ascolti relativi alle uscite Sonatine:
https://sonatineproduzioni.bandcamp.com/
Però, ecco, quando ero ragazzetto e vedevo una locandina in bianco e nero attaccata con la colla ad una parete andavo di corsa a leggerla, mentre oggi scorro la bacheca degli eventi su un social con un entusiasmo che non è affatto paragonabile.

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La label è localizzata in Italia. In questi anni avete trovato un pubblico nostrano ricettivo che non vi ha fatto optare per il trasferimento verso altri lidi?

Abbiamo lavori “veri” full time, una figlia, relazioni affettive importanti: se dovessimo lasciare l’Italia, non sarebbe di certo l’etichetta a farcelo fare.
Non riteniamo il pubblico italiano come “particolarmente ricettivo”, ma non è nemmeno questo il punto: non abbiamo mai (intenzionalmente) voluto guadagnare un euro con Sonatine, tutte quelle che sono le nostre (modeste) entrate vengono re-investite nelle uscite successive, in uno spirito completamente indipendente ed autogestito.
Di conseguenza, la viviamo con un approccio un po’ zen: se abbiamo abbastanza “cassa” per partecipare ad una nuova uscita, la facciamo; altrimenti, se non ne abbiamo, rinunciamo (a prescindere da quanto bello o meno possa essere il disco in questione).
Non ci è nemmeno mai interessato fare ragionamenti come “questa cosa può funzionare / quest’altra no”: cosa vuol dire funzionare, al giorno d’oggi? Quante copie (fisiche) bisogna vendere di un disco per poter dire che “è andato bene”? Noi non ne abbiamo idea.
Sappiamo che alcune delle uscite che reputiamo tra le migliori del nostro catalogo non hanno probabilmente funzionato affatto, ma noi le faremmo uscire di nuovo senza esitazioni, perché le abbiamo amate noi.

Come vedete il futuro della musica punk, con annessi e connessi?

Per la musica punk vediamo un futuro roseo, mentre per l’approccio punk vediamo una crisi di identità in corso da cui non se ne uscirà facilmente (se se ne uscirà).
Puoi pestare forte quanto vuoi, suonare distorto quanto vuoi ma, se hai smesso di essere una “piccola minaccia”, stiamo comunque parlando di un’altra cosa.
A volte, ci sono chitarre acustiche che fanno molto più rumore di una parete di amplificatori…

Possibili progetti futuri come un documentario e/o un libro che racconti la storia della label?

Sinceramente non ci abbiamo mai pensato e, ragionandoci ora, non sappiamo nemmeno a quanti possa effettivamente interessare la nostra storia (di certo, non è così singolare o irripetibile).
Sicuramente l’iniziativa dovrebbe nascere da qualcuno che non siamo noi: non siamo persone a cui piace autocelebrarsi, insomma…

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Certo, ci sono sempre nuove uscite in cantiere: proprio in questa settimana abbiamo pubblicato il nuovo LP ‘Hunk’, dei Fine China Superbone, un trio noise olandese tornato alla carica con un disco particolarmente storto, distorto e poco convenzionale (a riprova di ciò, basta considerare che una traccia vede ospite alla voce Eric Paul degli Arab on Radar).
Entro fine anno parteciperemo alla co-produzione (particolarmente estesa, a livello di etichette) dell’ultimo disco (in tutti i sensi, dal momento che la band attiva) de LeTormenta, un gruppo a cui siamo particolarmente legati e che avevamo già supportato in occasione del precedente disco.
Poi, come dicono gli anglofoni “last but not least”, a novembre pubblicheremo (assieme a To Lose La Track) il nuovo disco dei Disquieted By, una band che – nostra modestissima opinione – inseriamo a mani basse tra le 5 migliori band italiane in attività: in buona sostanza, un disco che attendevamo da anni e che per noi è il coronamento di un piccolo sogno.
Tra l’altro, i Disquieted By presenteranno il nuovo disco nella nostra cittadina (Fano) sabato 11 novembre, allo Spazio Autogestito Grizzly, assieme ad Arrrgo (da Barcellona), Gufonero e Montana, proprio in occasione della festa per i 15 anni di Sonatine Produzioni.
Poi arriverà il 2025 e, con l’anno nuovo, chissà che altro…

Link: Sonatine Produzioni Facebook Page

Link: Sonatine Produzioni Instagram Profile

12 Ottobre 2024/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Rodrigo Sigal, Fondatore e Direttore del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) – Morelia, Mexico

15° puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano – Italia (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Svizzera (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum – Giappone (qui). Quinta: Museo della Farfisa – Italia (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum – Stati Uniti (qui). Settima: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italia (qui). Ottava: SoundMit – International Synth Event – Italia (qui). Nona: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – Stati Uniti (qui). Decima: EMS Elektronmusik Studion – Svezia (qui). Undicesima: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), Svizzera (qui). Dodicesima: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (qui). Tredicesima: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT) – University of California, Berkeley – USA (qui). Quattordicesima: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA) – Stanford – USA (qui). Oggi è la volta dell’intervista a Rodrigo Sigal, fondatore e direttore del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) – Morelia, Mexico. A voi la lettura:

Qui trovate l’intervista in inglese

Come nasce lo CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

Ho fondato il CMMAS nel 2005, a Morelia in Messico. Era un’idea che stavo perseguendo da quando ho iniziato il mio dottorato in Composizione Musicale Informatica ed Elettroacustica a Londra, alla fine degli anni Novanta. Ho sempre voluto creare un luogo in Messico che supportasse il lavoro con la tecnologia del suono, così ho iniziato a cercare i fondi. Mi ci sono voluti circa dieci anni per riuscire a trovarli e l’idea iniziale era quella di creare un centro che lavorasse con fondi pubblici, in modo che gli artisti e gli studenti potessero avere accesso gratuito agli studi e all’educazione in tecnologia musicale, inoltre il centro poteva fornire ad altre istituzioni, come le università, uno spazio dove gli studenti potessero imparare la tecnologia musicale, la composizione e tutto ciò che riguardava il suono, la sound art e la musica elettroacustica senza dover investire in attrezzature. Una sorta di fornitore di conoscenze di tecnologia musicale.

Come è strutturato?

Il CMMAS è cambiato molto. Cresce quando troviamo più fondi e si riduce quando ci sono meno fondi disponibili. Dobbiamo adattarci a seconda del sostegno che riusciamo a ottenere.
Lavoriamo insieme all’Università Nazionale del Messico, l’UNAM, che è l’università più grande del Paese, e gestiamo un programma non universitario a Morelia, chiamato ‘Music and Artistic Technology’, e lo facciamo da alcuni anni. L’altro lato del CMMAS è la parte pubblica, finanziata con il sostegno del Ministero della Cultura di Michoacan Morelia, Messico e del Centro Nazionale per le Arti. È per questo che possiamo avere delle residenze e i nostri programmi per bambini chiamati “Encuentros Sonoros”. Attraverso di esso offriamo alle scuole pubbliche l’accesso ai nostri programmi e l’esplorazione del suono e della tecnologia. Abbiamo anche un’area dedicata come no-profit per il nostro festival annuale, per pubblicare la nostra rivista, per pubblicare i nostri cd, i libri e tutto ciò che è disponibile attraverso il nostro sito web principale, compresa la nostra piattaforma educativa online chiamata cmmas+.

Che attrezzature ha il CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

Abbiamo molte attrezzature, abbiamo diversi studi di composizione. Potete vedere i dettagli online, dove c’è un elenco delle attrezzature; fondamentalmente abbiamo due studi di composizione principali con sistemi audio a otto canali e con capacità video. Abbiamo un auditorium multicanale con un bel pianoforte dove le persone possono anche comporre o dove facciamo i nostri concerti settimanali del venerdì Friday concerts. Abbiamo due aule a 8 canali e abbiamo anche computer con molti strumenti. Direi che abbiamo un’istituzione molto ben attrezzata, con un’eccellente progettazione acustica, forse una delle migliori dell’America Latina.

Cosa si può fare al CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

Abbiamo diverse aree: abbiamo un programma di residenze permanenti in cui artisti da tutto il mondo vengono a lavorare presso lo studio e, naturalmente, abbiamo uno spazio per i concerti. Abbiamo programmi con il Quebec, il Regno Unito, la Francia, gli Stati Uniti, Ibermúsicas e molti altri enti di finanziamento per sostenere gli artisti che viaggiano per creare nuovi lavori al CMMAS. Inoltre, nel nostro programma congiunto con l’UNAM, le persone possono studiare da non laureati fino al dottorato e al postdoc.
Abbiamo anche una rivista, che si chiama “Sonic Ideas”, e le persone possono partecipare al nostro festival “Visiones Sonoras” a settembre. Tutto questo è disponibile su www.cmmas.org.
Offriamo un diploma online su www.cmmas.com e abbiamo anche un e-store, con molti libri e cd gratuiti. Al CMMAS si può lavorare, si può fare ricerca e abbiamo un pubblico che viene ogni venerdì per i nostri concerti. Siamo sempre aperti a nuove idee e proposte da parte di artisti di tutto il mondo.

E’ possibile fare ricerca al CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

Abbiamo residenze, dove possiamo accettare anche musicologi, esecutori e persone che fanno ricerca, abbiamo molte persone che fanno residenze. Abbiamo un archivio chiamato “Arcervo”, che è l’archivio di tutte le ricerche e i progetti che le persone hanno fatto nel CMMAS in 20 anni.

Il CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras è presente sui social?

Sì, abbiamo le nostre pagine Instagram, Twitter, Facebook, abbiamo un sito web dove si possono vedere tutte le nostre attività, i settori industriali, le piattaforme di social media… il sito web è il modo migliore per conoscere il CMMAS.

Il CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras è attento alla questione di genere nella Musica Elettronica? E nella Cultura Musicale messicala?

Il genere è un aspetto che molte istituzioni in tutto il mondo stanno prendendo in maggiore considerazione. Noi facciamo parte del Ministero della Cultura del Messico attraverso il Centro Nazionale per le Arti e, poiché lavoriamo a stretto contatto con l’Università Nazionale Autonoma del Messico, abbiamo sviluppato dei programmi che potete vedere sul nostro sito web. Lavoriamo duramente per offrire opportunità diverse ed essere il più inclusivi possibile. Abbiamo anche molti brani creati da donne compositrici messicane, abbiamo un paio di concerti on line molto belli curati da artisti esterni che presentano interessanti compositrici del Messico e dell’America Latina. Abbiamo ancora molto da migliorare, ma cerchiamo di essere sempre aggiornati per poterci adattare il più velocemente possibile.

In che rapporti si trova con lo stato messicano?

Il Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) è stato creato nel 2006 nella città di Morelia, come istituzione pubblica volta a promuovere, ricercare e favorire il suono e la musica utilizzando le nuove tecnologie. Questo è stato il risultato di quasi 20 anni di crescita degli investimenti nella cultura a livello nazionale.
Il Centro è stato una risposta del Ministero della Cultura alla comunità molto attiva di artisti giovani e affermati che lavorano nel campo della nuova musica, della computer music e dell’arte sonora. È stato creato nel settembre 2006 con il sostegno del Consiglio Nazionale della Cultura e delle Arti (CONACULTA), oggi Segretario Federale della Cultura, attraverso il Centro Nazionale delle Arti (CENART) e il Segretario della Cultura dello Stato di Michoacán (SECUM). Oggi il Centro è un’organizzazione senza scopo di lucro e uno spazio tecnologico-musicale unico in America Latina.

Il CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras è aperto a collaborazioni con enti, associazioni, centri di ricerca?

Se andate sul nostro sito web, avrete un elenco di circa quindici o venti università e istituzioni di tutto il mondo con cui abbiamo uno scambio permanente. Abbiamo personale e studenti dall’Equador, dall’Argentina, dal Costa Rica, dagli Stati Uniti, un paio di università del Quebec in Canada, dal Regno Unito e abbiamo progetti speciali con il Giappone, il Sudafrica, la Spagna, e anche con l’Argentina, il Brasile, Cuba, dove stiamo lavorando ora e abbiamo molti scambi con diverse istituzioni in Messico.

Progetti in corso e progetti futuri?

In termini di progetti, il CMMAS è un luogo che riceve costantemente proposte di artisti. Nel sito web è possibile vedere chi lavora con noi e un archivio con tutte le precedenti residenze. Il 24 settembre presenteremo il festival del ventennale “Visiones Sonoras”, dove presenteremo la maggior parte del lavoro svolto di recente al CMMAS. Come membri dello staff stiamo lavorando a progetti in Austria, negli Stati Uniti (ora sto lavorando all’Università del New Mexico con una borsa di studio Fullbright), quindi per essere onesti la cosa che voglio condividere con voi è che il CMMAS è un centro molto vario e dinamico.

Link: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) Home Page

Link: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) Facebook Page

Link: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) Twitter Profile

Link: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) Instagram Profile

7 Settembre 2024/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Rodrigo Sigal, Founder and Director of the Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) – Morelia, Mexico

The 15° episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano – Italy (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments – Swiss (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Austrialia (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum – Japan (here). Fifth: Museo della Farfisa – Italy (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum – USA (here). Seventh: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italy (here). Eighth: SoundMit – International Synth Event – Italy (here). Nine: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA (here). Ten: EMS Elektronmusik Studion – Sverige (here). Eleven: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) – Swiss (here). Twelve: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (here). Thirteen: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT) – University of California, Berkeley – USA (here). Fourtheen: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA) – Stanford – USA (here). Today is the turn of the interview with Rodrigo Sigal, founder and director of Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) – Morelia, Mexico. I invite you to read the interview

Here the Italian Translation

How did the Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) come about?

I started CMMAS in 2005, in Morelia, Mexico. It was an idea I was pursuing since I started my phd in Computer and Electroacustic Music Composition in London, at the end of 90’s. I always wanted to create a place in Mexico that supported working with sound technology so I started looking for founding. Took me about ten years to be able to actually find founding and the idea at the beginning was to create a center that worked with public founds, so artists and students can have access for free to studios and education in music technology, also the center can provide other the institutions like universities, with the space were students can also learn music technology, composition, and everything releated to sound, sound art and electroacustic music without them investing in equipment. A sort of provider of music technology knowledge.

How is it structured?

CMMAS has been changing quite a lot. It grows when we find more founding, and reduces when less founds are available. We need to adapt depending on the support we are able to get.
We work together with the National University of Mexico, UNAM, wich is the bigger university in the contry, we run an undegraduate program in Morelia called ‘Music and Artistic Technology’, and we have been doing that for a few years. The other side of CMMAS is the public part that was funded with support from the Ministry of Culture in Michoacan Morelia, Mexico and the National Center for the Arts. That is why we can have residencies and our programs for kids called ‘Encuentros Sonoros’. Through it we offer public schools to have access to our programs and exploring sound and technology. We also have an area dedicated as a non profit for our annual festival, to publish our journal, to release our cds, books, and everything available through our main web site, including our online educational platform called cmmas+

What equipment does the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras have?

We have a lot of equipment, we have multiple composition studios. You can see the details online where we have a list of equipment; basically we have two main compositions studios with eight channell sound sistems and with video capability. We have a multichannel auditorium with a nice piano were people can also compose or where we do our weekly Friday concerts. We have two 8 channel classrooms and we also have computers with a plenty of instruments. I would say that we have a very well equipment institution with excellent acoustic design that may be one of the best in Latin America.

What can you do at the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

We have different areas: we have permanent residency program where artists from all over the world come for work at the studio and of course we have to concert space for concerts. We have programs with Quebec, the UK, France, USA, Ibermusicas and many other funding bodies to support artists traveling to create new work at CMMAS. Also people can study form the undegraduate up to a doctorate and postdoc in our joint program with UNAM.
We also have a journal, that it’s called ‘Sonic Ideas’, people can participate to our festival ‘Visiones Sonoras’ in september. All is available at www.cmmas.org.
We offer an online diploma at www.cmmas.com and we also have a e-store, with plenty of free books, cds. So at CMMAS people can go and work, people can do research and we have audience coming every friday for our concerts. We are always open to new ideas and proposals by artists from all over the world.

Is it possible to do research at the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras?

We have residency, were we can also accept musicologists, performers, and people doing research, we have many people doing residencies. We have an archive called “Arcervo” wich is the archive of all the research and projects people have done in CMMAS in 20 years.

Is the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras on social media?

Yes we have our Instagram, Twitter, our Facebook pages, we have a website where you can see all our activities, industries, social media platforms…the web site is the best way to get to know CMMAS.

Does the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras care for the issue of gender in Electronic Music? And in Mexican Musical Culture?

Gender is something that many institutions all over the world are now taking in more into account. We belong to the ministry of culture of Mexico through the National Center For the Arts and because we work quite closely with the National Autonomous University of Mexico we have been developing programs that you can see on a our website. We work hard to offer diverse opportunities and be as inclusive as possible. We also have a lot of pieces created by women composers from Mexico, we have a couple of the very nice concerts on line curated by external artists that present interesting female composers in Mexico and Latin America. We still have a lot to improve but we try to listen so we can adapt as fast as possible.

What is your relationship with the Mexican government?

The Mexican Centre for Music and Sonic Arts (CMMAS) was created in 2006 in the City of Morelia, as the public institution aimed to promote, research and foster sound and music using new technologies. This came as a result of almost 20 years of investment growth in culture at a national level.
The Centre was response by the Ministry of Culture to the very active community of young and established artists working in the field of new music, computer music and sound art. It was created in September 2006 with the support of the National Council for Culture and Arts (CONACULTA), today Federal Secretary of Culture, through the National Center of Arts (CENART) and the Secretary of Culture of the State of Michoacán (SECUM). Today the Centre is a non-profit organization and a unique technological-musical space in Latin America.

Is the CMMAS Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras open to collaborations with institutions, associations, research centres?

If you go to our website you have list of about fifteen to twenty universities and institutions all over the world with whom we have a permanent exchanges. We have staff and students from Equador, from Argentina, from Costa Rica, from United States, a couple of university from Quebec in Canada, from the Uk and we have special project with Japan, with South Africa, with Spain, and also Argentina, Brazil, Cuba, we are working at now and we have a lot of exchange with multiple institutions in Mexico.

Ongoing projects and future projects?

In terms of projects CMMAS is a place that is constantly receiving artists proposals. In the website you can see who is working with us and an archive with all the previous residences. On september 24th we will be presenting the twenty anniversary festival ‘Visiones Sonoras’ where we showcase most of the work done recently at CMMAS. As members of the staff we are working in projects in Austria, the United States, (now I’m working in the university of New Mexico for a with a Fullbright grant), so to be honest the thing that I want to share with you is CMMAS is a very diverse and dynamic center.

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7 Settembre 2024/da Marco Paolucci