Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
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Intervista con Jonathan Clancy della label italiana Maple Death Records

In questa nuova tappa della mia navigazione “spideristico-musicale” dell’incredibile universo di suoni e visioni che ci circonda, e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando, sono approdato sulle lande della label, di stanza a Bologna, Maple Death Records. Agguerrita realtà italiana dedita alla sperimentazione più profonda e alla creazione di ambienti sonori affascinanti, monitorati da Kathodik con interesse e con recensioni accluse – vedi qui quella all’ultimo album di Laura Agnusdei – necessitava del mio approfondimento tramite intervista. Questo è stato possibile con il fondatore Jonathan Clancy, che si è prestato con piacere a “battere sulla tastiera” le risposte alle mie questioni, e raccontarmi le origini, il presente e il futuro della Maple Death Records. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label Maple Death Records?

L’etichetta nasce sul finire del 2014 un po’ per rispondere alle insoddisfazioni accumulate negli anni come artista nei rapporti con le proprie label, mi sembrava mancasse sempre un po’ di spirito, un po’ perché in quel momento avevo voglia di documentare alcuni amic* tra Canada e Italia che stavano facendo cose profonde dal mio punto di vista e avevano bisogno di essere raccontate. Circa una decina di anni prima avevo già approcciato l’idea di fare una etichetta pubblicando il primo disco di Stefano Pilia ma poi mi ero ritirato indietro per inesperienza e forse poca testa. Insomma l’idea c’e’ un po’ da sempre, sin da piccolo ero molto ossessionato dalle mie etichette preferite e da quella capacità di ‘curare’ i miei ascolti, penso a Drag City, Thrill Jockey, Mego, Mille Plateaux, Mississippi Records, Gravity, In The Red, K Records, Touch & Go ma anche in Italia il lavoro che faceva se vuoi Wallace Records.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Nessuno direi, sapevo che era un po’ difficile partire non rientrando nella categoria di una label di genere, ma volevo che fosse proprio questa la sfida. Io poi sento un sentire comune tra tutti i dischi di Maple Death, forse il fatto che hanno tutti una forte componente di narrativa se vuoi, c’e’ una comunità di persone che li attraversa, e spero siano dischi che sfuggono a mode e tempi che possano rivelare degli strati più profondi, magici. Ci sono dischi estremamente hi-fi e dischi più sporchi ma che secondo me seguono quasi sempre un approccio comune. Per scherzo diciamo sempre ‘outsider music’ ma non voglio che sia una ghettizzazione, per me rimane la musica che vorrei sentire. Musica densa.

J.H. Guraj ‘Underrated Glances At The Edge Of Town’

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Assolutamente come sono cambiato io e le persone attorno, ma penso che lo spirito sia identico. Le prime uscite erano forse più punk, zozze e le ultime magari più meditative, ma potrebbe sempre rifare il giro. Alla fine nella label co-esistono Fera, Krano, Laura Agnusdei, Jack Name e i 4 assieme mi sembrano perfetti.

Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

A me personalmente piace il vinile perché ci da maggiore possibilità di curare l’artwork, insomma una tela maggiore per poter raccontare. Rimango un grande appassionato di cassette perché le trovo perfette come tipologia di oggetto e hanno sempre una magia particolare. Molte delle uscite su tape di Maple Death sono quelle più eccentriche e che forse incarnano maggiormente lo spirito dell’etichetta. Non le vedo come uscite minori, spesso danno all’artista una libertà particolare di azione, meno pressioni e vengono fuori gli esperimenti migliori. Comunque musica e’ musica, rimane qualcosa che galleggia nell’aria e in qualsiasi formato ha sempre quella capacità di cambiarci la traiettoria, quantomeno di una giornata hahaha. Non voglio che sia l’economia, e quindi la scelta del formato, a fermare questa cosa.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Beh fare rete non può che essere una cosa positiva. Noi abbiamo co-prodotto qualche disco, non tanti devo dire ma qualcosa si’. Come Maple Death mi piace poter curare sempre tutti gli aspetti, quindi non e’ sempre facilissimo trovare un partner con la stessa passione. Abbiamo co-prodotto dei dischi con My Own Private Records (Manu del Fanfulla) perché ci capiamo al volo e sennò non li faceva nessuno, quindi mettendoci assieme almeno abbiamo il disco da suonare anche noi a casa ah ah, non abbiamo neanche bisogno di parlare. Poi abbiamo co-prodotto Everest Magma con Black Sweat e Porta d’Oro e Holiday Inn con Legno, ma anche qui siamo amic*, abbiamo la stessa filosofia e anche modo di intendere le cose e cura quando pensiamo all’artwork.

Everest Magma ‘Alto//Piano’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Siamo molto attivi e anche se magari non sembra e’ la parte che sinceramente detesto. Non lo so se troveremo mai il bilanciamento giusto. Sicuramente cerchiamo di condividere solo cose che hanno un senso, parlare della musica, dei concerti, dei dischi. Sono curioso di vedere se presto imploderà IG/Fbook così non avremo scuse e potremo tornare a fare semplicemente mail/newsletter.

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Non ci lamentiamo, esiste una nutrita schiera di persone che ancora vogliono fare comunità e ascoltare musica che abbia delle stratificazioni per cui va bene così. Infatti preferisco la parola ‘diffondere’ rispetto a promuovere. A me interessa diffondere il più possibile tra le persone che possono apprezzare.

Mai Mai Mai ‘Wondrous is the Silence of my Master OST’

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Eh eh non penso, dai l’autocelebrazione no. Piuttosto magari qualcosa di musicale come una compilation matta che rappresenti i primi dieci anni dell’etichetta o qualcosa del genere.

WOW ‘Rosa di Luce’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

La colonna sonora di Krano de ‘Le città di pianura’, un nuovo mastodontico album di Blak Saagan disegnato da Majid Bita, Radio Hito, Slaylor Moon, Manuel Mota, un disco di Stefano Pilia, Bono / Burattini e sicuramente altre cose ancora in lavorazione…

Link: Maple Death Records Home Page

Link: Maple Death Records Twitter Profile

LInk: Maple Death Records Facebook Page

Link: Maple Death Records Instagram Profile

 

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Marco Paolucci
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Intervista con Stefano Gentile della label italiana Silentes

Di nuovo in viaggio in esplorazione da “ragnetto” musicale dell’incredibile universo di suoni e visioni che ci circonda, e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando, sono approdato sulle lande della label italiana Silentes. Piccola ma agguerrita realtà italiana dedita alla sperimentazione elettronica e alla creazione di ambienti sonori affascinanti, monitorati da Kathodik con interesse e con recensioni accluse, necessitava del mio approfondimento con il fondatore Stefano Gentile, che si è prestato con piacere a “battere sulla tastiera” le risposte alle mie questioni, e raccontarmi le origini, il presente e il futuro della Silentes. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label Silentes?

Silentes nasce nel 2004 dalle ceneri di Amplexus che avevo avviato dieci anni prima. L’idea è stata quella di pubblicare delle mie immagini abbinate alla musica che più mi piaceva, realizzata da artisti che erano anche amici. Insomma un modo per stare insieme e scambiarci pensieri, opinioni, visioni… Amplexus con il tempo è diventata una presenza difficile da gestire per tanti motivi, aveva avuto un buon successo e questo però mi creava problemi. Era una scatola da cui non riuscivo ad uscire per cercare cose nuove. Con Silentes l’approccio è stato subito più “libero”… era la cosa più importante per me… pubblicare ambient ma anche harsh noise, elettronica ma finanche canzoni… insomma tutto quello che mi smuoveva dentro.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

Delle prime 4 releases di Silentes, su 3 c’era la mano di Rod Modell…”dub ambient”… termine anche orribile direi… ma che dal punto di vista del suono, mi ha sempre aiutato ad immergermi dentro me stesso. Sono i suoni che hanno accompagnato la mia vita, che a volte diventano più rumorosi, anche tanto più rumorosi… a volte tornano ad essere quieti. A volte gridano e a volte sussurrano.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Sinceramente non ho mai pensato o pianificato molto la tipologia di produzioni dal punto di vista musicale. La regola in fondo è una… ascolto una cosa che mi piace, se posso la pubblico. Quindi va da sè che magari più che cambiamenti ci sono stati “scoperte” e quindi anche cose nuove, senza mai dimenticare le radici su cui ho costruito Silentes.

Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Silentes nasce con il formato CD, nel corso degli anni ho pubblicato cassette, vinili, oggetti che non suonavano neanche… ma il CD probabilmente rimane il formato migliore per la maggior parte delle proposte che escono dalla label.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Sono tendezialmente asociale e non cerco quasi mai collaborazioni, però qualche volta è capitato di collaborare ed è stato anche molto piacevole… a tempi di Amplexus avevamo questa label chiamata Fuoco coprodotta insieme alla Eibon Records. Più recentemente con Spittle abbiamo dato vita a Officina Fonografica Italiana… insomma, se si crea una particolare alchimia, perchè no?

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Anche in questo caso sono un pò a/social 🙂 …certo ho la pagina Facebook, sono presente su Instagram, ma pubblico con poca regolarità… fortunatamente c’è chi mi aiuta come Deison che di fatto mi cura la pagina Facebook oltre ad occuparsi di Bandcamp e della maggior parte delle grafiche della label. Sono fortunato.

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Questa è una domanda complicata… Promozione devo dire che non ne ho mai fatta tanta… più che altro per mancanza di organizzazione, Silentes ha sempre lavorato in “emergenza”… non ho mai pianificato nulla e questo mio “modus operandi” di certo non ha aiutato la label a farsi conoscere. Sulla diffusione ho cercato di fare un buon lavoro creando una serie di contatti che mi supportano ad ogni uscita… ma negli ultimi anni molti distributori e negozi sono spariti, e quindi sto cercando di adeguarmi a questi tempi… cerco di tenere attivo lo store del sito per acquistare direttamente dalla label, per alcune uscite ho dei distributori con cui lavoro davvero benissimo, per altre uscite diventa più difficile perchè sono complicate da “piazzare”… ma in fondo ho sempre pensato che chi ci cerca in qualche modo ci trova.

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Non sono un amante degli anniversari che trovo parecchio tristi. Infatti lo scorso anno Silentes ha compiuto 20 anni (e 30 per Amplexus) ma non ho fatto proprio nulla di celebrativo… non mi interessa proprio. Sul libro che racconti la storia… se qualcuno ha voglia di farlo, gli do una mano volentieri… che lo faccia io di mia iniziativa lo escludo. Preferisco concentrarmi a cercare ancora suoni “altri” piuttosto che ripassare il passato.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Alcuni cd previsti per settembre… il 4° volume della serie BLACK BAMBOO di TEZ, un nuovo album di GIANLUCA BECUZZI, un ripescaggio di una cosa di DEISON con MINGLE, un nuovo side project di ATTRITION e altre cose in lavorazione… e poi 2 nuovi lavori di ROD MODELL e il nuovo album di STARLIGHT ASSEMBLY (progetto di Matteo Uggeri insieme a Dominic Appleton dei Breathless / This Mortal Coil).. come vedi non c’è tempo per i ricordi… sono troppo preso a pensare al futuro. Ma magari ogni tanto dovrei fermarmi a vivere il presente.

Link: SIlentes Label Home Page

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Marco Paolucci
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Intervista con Tommaso Rolando della label italiana Torto Editions

Nuova puntata della mia esplorazione, sempre come “ragnetto” musicale attento all’incredibile e variegato universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando. Questa volta è il momento della label italiana Torto Editions, le cui produzioni hanno incrociato di frequente le mie ricerche, compiute come Man from Kathodik. La label è dedita all’improvvisazione radicale e alla sperimentazione sonora, con produzioni raffinate e interessanti, quindi ho chiaramente ritenuto necessario approfondire la sua conoscenza per i lettori di Kathodik. Il fondatore e deux ex machina Tommaso Rolando mi ha “digitalmente raccontato” la storia della Torto Editions, non dimenticandosi di parlare anche dell’articolato futuro che attende la label sul pentagramma. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label Torto Editions?

Era un’idea che mi girava in testa da un po’ e quando i pianeti si sono allineati ho preso coraggio e cominciato questa avventura. All’inizio coadiuvato da Gianpaolo Bonfiglio, pittore e artista visivo (Mick Harris, Putan Club) che mi ha aiutato a realizzare il logo e le grafiche della prima uscita su vinile del mio duo con Jean Renè (2019).
Da quel momento, senza un piano troppo preciso, le cose si sono alimentate di conseguenza, tra collaborazioni con amici, condivisione delle fatiche e degli oneri. Ad ora gestisco le cose da solo ma posso sempre contare sull’aiuto di amici stretti pronti a sostenermi come Tito Ghiglione, Davide Cedolin, Domiziano Maselli e Carlos Lalvay Estrada.

Tommaso Rolando – photo by Anna Positano

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

L’etichetta riflette inevitabilmente gli interessi che ho nel mondo dell’improvvisazione, della sperimentazione sonora e nel suono acustico senza escludere altri “generi” come songwriting ed elettronica. Oltre a pubblicare lavori che mi riguardano direttamente, abbiamo stampato lavori di amici e persone vicine, per poi collaborare con artisti ben più distanti fisicamente ma non artisticamente. Poi negli anni ho capito che la mia “cifra” artistica è la collaborazione e ho così potuto dare spazio ai tanti progetti musicali che ho avuto e avrò, e la stessa cosa vale per le coproduzioni, avute già con diverse etichette come Eremo Records, Marsiglia Records, Carton Records (Francia), Ramble Records (Australia) e Tour de Bras Records (Canada).

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

Diciamo che da subito è stata molto eterogenea, anche se nella mia testa il tutto rimane sotto un grande cappello che comprende cura per il suono, il timbro, l’interplay, la ricerca, il significato e generalmente una attenzione per le musiche di confine. Quindi mi aspetto che le proposte future possano anche essere molto diverse da quelle pubblicate finora.

Rolando René ‘Prà’

Le vostre produzioni sono in formato vinile, cassetta. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

Sicuramente vorrei poter stampare in vinile il più possibile, amo questo formato e il fatto che possa dare spazio ad un grande artwork e “costringa” l’ascoltatore ad un rituale di ascolto diverso da quello dello streaming. Purtroppo il mercato del vinile è cresciuto moltissimo immediatamente dopo alle nostre prime uscite e ricordo che nel 2021 i costi e i tempi di attesa per le piccole etichette indipendenti erano proibitivi. In quegli anni anche Amazon ha cominciato a venderli e il risultato è stato che le poche fabbriche disponibili erano intasate dagli ordini di popstar come Taylor Swift, e i tempi di attesa erano quindi anche di 12 mesi.
Ora che le cose sono tornate a una specie di normalità comunque sono contento di aver sperimentato anche gli altri formati e ho capito che ormai al giorno d’oggi hanno tutti un valore e un senso di affezione da diverse categorie di pubblico.
Al di là della filosofia penso che avere il proprio album in formato fisico, che sia un cd, una cassetta o un vinile, sia ancora importante e molto più efficace del solo streaming.

Vòrti ‘Grani d’Impacts’

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Come ti accennavo prima, è qualcosa che continuo a fare e accogliere tutte le volte che posso, anche se per certi versi è complesso gestire le cose a distanza, far incontrare i bisogni di artisti e diversi produttori. D’altra parte dividere i costi e moltiplicare le piattaforme di diffusione con altri paesi è utile sia all’etichetta che all’artista. Prossimamente inizieremo una collaborazione con Island House Recordings, etichetta di New York con cui collabora già Davide (Cedolin) da tempo.

She’s Analog ‘No longer, not yet’

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

Questo è un tasto dolente e confesso di fare ancora parecchia fatica, trovandomi spesso a riflettere se tutta questa attività sui social non sia altro che lavoro di contenuti gratis per queste grandi piattaforme (ne parlo spesso con il mio partner di studio Carlos). Inoltre il nostro tipo di proposta non si adatta molto alla velocità e volatilità dei post e storie di Instagram e Facebook. Per questo ho dato una sistemata al sito web http://www.torto.biz/ che vorrei funzionasse quanto Bandcamp per far conoscere le nostre uscite.

Ido Bukelman ‘Then I heard the clear voice of the flute’

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

Al giorno d’oggi il mare di uscite e di proposte è cresciuto con la facilità di accesso alla tecnologia e possibilità di fare tutto “da soli”, quindi non è semplice. Quello che proponiamo inoltre non è di certo di facile consumo e richiede un grado di interesse verso musiche non allineate. Quindi sulla carta non avrei nemmeno dovuto cominciare… Quello che però vedo accadere dopo qualche anno di lavoro, è che la “rete” di collaborazioni è un sistema virtuoso per me e per gli artisti coinvolti, e in un ambiente underground e diy crea molto valore, lubrificando e agevolando i meccanismi di scambio, incontro e conoscenza reciproca. La distribuzione fisica cresce pian piano anche grazie a piattaforme come Soundohm, Squidco e negozi come Flamingo a Genova, Volume a Milano, Blutopia a Roma, L’Oblique e Les 180gr a Montreal, Zapa a Berlino, Souflle Continuu a Parigi e qualche negozio a New York, oltre a qualche altro che non ricordo, tutti posti in cui abbiamo portato le copie personalmente o tramite amici.

Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

Ahah non so, non ci ho proprio pensato. Quello che però mi piacerebbe fare è, oltre a pubblicare dischi, progettare qualche uscita editoriale come fanzine, saggi, ma anche libri d’arte. Tutto ancora da pensare per bene ma prima o poi capiterà.

Duchamp ‘The Wild Joy’

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

Oltre tutte le uscite già fatte in questo 2025, ovvero il mio lavoro “Enjoy Country Music” con Domiziano Maselli, “Then I heard the clear voice of the flute” di Ido Bukelman, “Pra’” insieme a Jean René prodotto con Tour de Bras Records, “No longer not yet” dei She’s Analog prodotto con Carton Records (Francia), “Grandi d’Impacts” dei Vòrti (Remondino, Anelli e Doneda), “The Wild Joy” di Duchamp prodotto con Ramble Records, nei prossimi mesi uscirà “Orassion” di Nicholas Remondino e Natalia Rogantini e poi il lavoro su cassetta di Paolo Tortora (Japanese Gum), oltre ai Common Fate Trio con me, Davide Cedolin e Simone Mattiolo (Satan is My Brother).
Forse riuscirò anche a pubblicare un mio lavoro solista prima della fine di questo 2025, che sicuramente è l’anno più impegnativo in termini di numero di uscite da quando ho iniziato.

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Marco Paolucci
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Intervista con Paul M. Tai, della label statunitense di musica contemporanea New World Records

Riferimento imprescindibile per gli appassionati di musica contemporanea, l’etichetta americana New World Records vanta un catalogo di tutto rispetto, che copre alcuni nomi storici della musica americana del Novecento, specie quella più “pioneristica” e sperimentale (Harry Partch, Lou Harrison, Julius Eastman, tanto per fare qualche nome). Al tempo stesso, da diversi anni la label dedica ampio spazio ad autori emergenti e meno conosciuti, ma altrettanto interessanti e (talvolta) radicali nel loro linguaggio espressivo. Dopo aver recensito diverse produzioni discografiche targate NWR, abbiamo deciso (il sottoscritto, Marco Paolucci, insieme a Filippo Focosi), di intervistare Paul M. Tai, uno dei membri del consiglio direttivo della label, e di approfondire col suo aiuto la storia della NWR, le sue caratteristiche fondanti e distintive, e la sua visione del presente e del futuro della musica e della produzione musicale.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come è nata l’idea di fondare la New World Records? Può dirci qualcosa sulle origini della sua etichetta?

La New World Records è stata fondata nel 1975 come progetto per il Bicentenario della Fondazione Rockefeller. La missione originale della New World era quella di produrre un’antologia di 100 dischi di musica americana che comprendesse il più ampio spettro possibile di generi musicali. La serie di registrazioni che ne è scaturita, insieme alle esaurienti note di copertina, costituisce un programma di base per la musica americana e gli studi americani. Nel 1978 l’Antologia è stata completata e distribuita gratuitamente a quasi 7.000 istituzioni educative e culturali in tutto il mondo, mentre altre 2.000 Antologie sono state vendute a pagamento ad altre istituzioni simili. Attraverso queste registrazioni sono stati riportati in vita duecento anni di musica e di storia culturale americana.
Visto l’interesse del pubblico nell’acquistare queste registrazioni, si decise di creare un’etichetta discografica per facilitare questa operazione e continuare a produrre registrazioni per documentare e diffondere la musica americana ignorata dalle etichette commerciali. L’etichetta doveva essere un’entità senza scopo di lucro, in modo da poter raccogliere fondi da fonti pubbliche e private.

Come si può leggere nelle vostre “dichiarazioni di missione”, le vostre produzioni si concentrano su “tesori trascurati dal passato” e sulla musica classica o post-classica contemporanea (principalmente dell’area americana). Avete dei criteri estetici o storici specifici che vi aiutano a selezionare gli artisti e la musica che vorreste registrare?

Non direi che ci sono criteri specifici che determinano ciò che scegliamo di registrare o pubblicare. Fin dall’inizio c’è stato un comitato artistico, di solito composto dal direttore artistico e di repertorio e da membri selezionati del consiglio di amministrazione, e la regola generale è stata quella di fornire una piattaforma per il lavoro di compositori passati e presenti ritenuti degni di ricevere visibilità attraverso l’etichetta, indipendentemente dall’estetica compositiva; da qui l’incredibile varietà di stili compositivi rappresentati nel catalogo.

Negli Stati Uniti d’America esiste una notevole quantità di etichette discografiche dedicate alla valorizzazione della musica contemporanea scritta principalmente (anche se non esclusivamente) da compositori americani (si pensi, ad esempio, a Cantaloupe, Neuma, Cold Blue, Navona e così via). Qual è, secondo voi il tratto distintivo della NWR – se ce n’è uno – rispetto a queste altre etichette?

Innanzitutto, siamo un’associazione no-profit con un mandato particolare: documentare il lavoro dei compositori americani (nati o naturalizzati). Al di là di questo, non siamo mai stati e non siamo solo dedicati alla documentazione della musica contemporanea. Negli ultimi trent’anni questo è stato l’obiettivo principale, ma allo stesso tempo abbiamo realizzato un’importante serie di registrazioni con la Paragon Ragtime Orchestra, per esempio, che racconta il lavoro di compositori del primo Novecento che hanno scritto musica per il teatro. La serie ‘Treemonisha’ di Scott Joplin e la serie ‘Black Manhattan’ ne sono esempi significativi. Ritengo che la nostra sia un’etichetta unica che ripercorre l’evoluzione della musica da concerto americana dal XIX secolo ai giorni nostri. Praticamente ogni figura importante è rappresentata e si potrebbe tenere un corso approfondito sulla musica americana anche solo attingendo al sito del catalogo della New World.

Una parte del vostro ricco catalogo è dedicata a figure chiave della musica sperimentale americana, come Harry Partch, Henry Brant, Lou Harrison o Julius Eastman. Può dirci se nei prossimi anni verranno registrati altri CD con la loro musica dalla vostra etichetta? Ci sono altri nomi, o aree, che potrebbero essere aggiunti come di particolare interesse da parte vostra?

Penso che abbiamo documentato questi compositori in modo abbastanza esauriente, quindi non prevedo ulteriori registrazioni. Per esempio, il il cofanetto [un triplo CD intitolato “Unjust Malaise”, N.d.R.] di Julius Eastman è l’urtext del suo lavoro e altre etichette hanno continuato a documentare la sua eredità man mano che emergeva nuovo materiale.

Uno dei marchi di fabbrica della NWR sono le esaurienti note di copertina incluse nel libretto dei CD della NWR, che si possono anche scaricare dal vostro sito web. Pensa che gli scritti critici possano aiutare le persone a comprendere meglio, e infine ad apprezzare, la musica meno conosciuta e sperimentale del XX e XXI secolo?

La missione originaria dell’etichetta era di tipo educativo; per questo motivo venivano incaricati studiosi ed esperti nel loro campo di scrivere le note di copertina, che di solito erano piuttosto esaustive. Di solito veniva inclusa una bibliografia selezionata e una discografia selezionata, in modo da fornire il maggior contesto storico possibile per l’ascolto della musica e per ulteriori approfondimenti. Questo modello è stato scrupolosamente seguito nel corso degli anni, perché riteniamo che la corretta contestualizzazione della musica sia essenziale per una migliore comprensione e apprezzamento dell’intento del compositore.

Sembra che nel vostro catalogo ci sia una quantità crescente di registrazioni dedicate alla musica vocale/corale. C’è una ragione specifica oltre a questa sorta di “tendenza”?

Onestamente non ho notato questa tendenza, perché non c’è nulla di intenzionale.

Le produzioni della New World Records sono principalmente in formato CD e digitale. Cosa ne pensa del vinile? Pensa che troverà più spazio nella sua etichetta in futuro? Pensa, più in generale, che le uscite fisiche continueranno a esistere nonostante la gente utilizzi soprattutto piattaforme digitali e di streaming?

Abbiamo pubblicato un paio di titoli in vinile, entrambi con la musica di Harry Partch, ma siamo arrivati a malapena al pareggio e quindi non aveva senso farne altri, soprattutto per i compositori con un nome poco o per nulla conosciuto. Per noi è diventato molto difficile anche vendere i CD, quindi non è fattibile fare uscite in vinile, soprattutto date le nostre risorse limitate.

Detto questo, nel corso degli anni abbiamo concesso in licenza diversi titoli per la pubblicazione di LP ad alcune etichette di nicchia. Soundohm, in particolare, attraverso il suo marchio “Blume”, ha prodotto bellissime edizioni in vinile del cofanetto di Julius Eastman e di ‘Postal Pieces’ di James Tenney, tra gli altri. Penso che le uscite fisiche continueranno a esistere, ma per un mercato più limitato che si rivolge a interessi specializzati.

Avete rapporti diretti con conservatori e università per le vostre produzioni discografiche? Siete mai stati sostenuti, in qualche modo, dal governo degli Stati Uniti o vi affidate principalmente a finanziamenti privati?

Non abbiamo relazioni istituzionali che attualmente forniscono finanziamenti consistenti. La nostra principale fonte di finanziamento negli ultimi quarant’anni circa è stato un filantropo, Francis Goelet, che amava la musica e credeva nella missione dell’azienda. Una volta esaurita la sovvenzione iniziale di Rockefeller e una volta presa la decisione di trasformare la New World Records in un’etichetta discografica, egli ha finanziato il budget annuale per le registrazioni. Alla sua morte, nel 1998, ha lasciato un’eredità che ha continuato a sostenerci attraverso un Trust, terminato quattro anni fa. Ora l’etichetta si sostiene principalmente attraverso le vendite, quindi il nostro budget è molto più modesto.
Nel corso degli anni, abbiamo ricevuto sostegno per le spese operative e per progetti specifici da diverse fondazioni, sia pubbliche (il National Endowment for the Arts, per esempio) sia private (l’Aaron Copland Fund for Music e l’Alice M. Ditson Fund sono le più importanti).

Pensa che i social media possano aiutare la promozione della musica contemporanea? Come si muove l’etichetta sui social media?

I social media svolgono sicuramente un ruolo importante nella promozione della musica contemporanea (come in molti altri ambiti culturali) e abbiamo un dipendente part-time che gestisce questo aspetto del marketing per noi.

Come immagina il futuro della musica contemporanea, soprattutto dal punto di vista delle etichette discografiche come la NWR?

Considerando il rapido ritmo dei cambiamenti di questi tempi, è difficile dire come andranno le cose. I compositori continuano a produrre una quantità significativa di nuova musica e la musica dal vivo rimane molto richiesta. Detto questo, le etichette discografiche probabilmente diminuiranno d’importanza, dato che YouTube e altre piattaforme online offrono un modo semplice e veloce per diffondere la propria musica a un vasto pubblico senza che l’etichetta discografica faccia da intermediario.

Può dirci qualcosa su alcuni dei vostri progetti futuri?

Purtroppo non sono in grado di fornire informazioni specifiche, poiché stiamo ancora definendo gli accordi. Posso solo dire che attualmente realizziamo circa quattro titoli all’anno, dato che questo è ciò che il nostro budget consente.

Link: New World Records Home Page

Link. New World Records Facebook Page

Link: New World Records Instagram Profile 

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Marco Paolucci
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Interview with Paul M. Tai, of the American contemporary music label New World Records

A key reference for contemporary music devotees, the American label New World Records boasts an extensive catalogue, that covers some historical names of twentieth-century American music, especially the most “pioneering” and experimental ones (such as Harry Partch, Lou Harrison, Julius Eastman, just to name a few). At the same time, for several years now, the label gives much space to emerging and less known authors, who nonetheless are equally interesting, and (sometimes) even radical in their expressive language. After reviewing several NWR’s recordings, we (myself, Marco Paolucci, together with Filippo Focosi) decided to interview Paul M. Tai, one of the label’s board members, in order to deepen the history of NWR, its most distinctive features, and its vision of the present and of the future of music and music production.

Here you can find the Italian Translation

How did the idea of founding New World Records come about? Can you tell us something about the origins of your label?

New World Records was founded in 1975 as a Bicentennial project of the Rockefeller Foundation. New World’s original mission was to produce a 100-disc anthology of American music encompassing the broadest possible spectrum of musical genres. The resulting set of recordings, together with their extensive liner notes, provide a core curriculum in American music and American studies. In 1978 the Anthology was completed and distributed free of charge to almost 7,000 educational and cultural institutions throughout the world, with an additional 2,000 Anthologies being sold at cost to other similar institutions. Through these recordings two hundred years of music and American cultural history were brought to life.
Due to the interest of the public in acquiring these records, the decision was made to create a record label to facilitate this and to continue making recordings to document and disseminate American music ignored by the commercial labels. The label was to be a nonprofit entity so as to enable it to raise funds from both public and private sources.

As one can read on your “mission statements”, your productions focus on “neglected treasures from the past” as well as on contemporary classical or post-classical music (mainly from the American area). Do you have some specific aesthetic or historical criteria that help you to select the artists and the music that you would like to record?

I wouldn’t say that there are specific criteria that determine what we choose to record or release. From the very beginning, there was an artistic committee, usually comprising the Artist & Repertory director and selected members of the board, and the general rule is to provide a platform for the work of composers past and present whom they consider worthy of further exposure through the label, regardless of compositional aesthetic; hence the incredibly diverse range of compositional styles represented in the catalog.

There is, in the United States of America, a considerable amount of labels dedicated to the enhancement of contemporary music written mainly (albeit not exclusively) by American composers (think of, e.g., Cantaloupe, Neuma, Cold Blue, Navona, and so on). What do you think is NWR’s most distinguishing trait – if there is any – with respect to these other labels?

First, we are a non-profit with a particular mandate—to document the work of American (born or naturalized) composers. Beyond that, we have never been and are not solely dedicated to the documentation of contemporary music. Over the past thirty years that has been the primary focus but at the same time we have done an important series of recordings with the Paragon Ragtime Orchestra, for example, that chronicles the work of composers of the early twentieth century who wrote music for the theatre. Scott Joplin’s ‘Treemonisha’ and the ‘Black Manhattan’ series are salient examples of this.
I think we are unique in that we are the only label that chronicles the evolution of American concert music from the nineteenth century to the present day. Virtually every important figure is represented and one could teach an in-depth course on American music just from the New World catalog.

Part of your rich catalogue is devoted to key figures in American experimental music, such as Harry Partch, Henry Brant, Lou Harrison, or Julius Eastman. Can you tell us if some more CDs of their music are going to be recorded on your label within the next years? Are there other names, or areas, that might be added as of particular interest on your side?

I think we’ve documented these composers quite extensively so I don’t envision any further recordings. For example, the Julius Eastman set is the urtext for his work and other labels have continued to document his legacy as new material surfaces.

One of trademarks of NWR are the extensive liner notes that are included in the booklet of NWR’s CDs, which one can even download on your website. Do you think that critical writings can help people to better understand, and eventually appreciate, less known and experimental music from XX and XXI century?

The original mission of the label was educational, the reason scholars & experts in their field were commissioned to write the liner notes, which were usually quite exhaustive. A selected bibliography was usually included as well as a selected discography so as to provide as much historical context as possible for listening to the music and for further exploration. This template has been scrupulously followed over the years because we do believe the proper contextualization of the music is essential for a better understanding and appreciation of the composer’s intent.

It seems that in your catalogue there is an increasing amount of recordings devoted to vocal/choral music. Is there some specific reason beyond this sort of “trend”?

I honestly didn’t notice this as a trend since there was nothing intentional about it.

 

New World Records productions are mainly in CD and digital format. What do you think about the vinyl? Do you think it will find more space in your label in the future? Do you think, more generally, that physical releases will continue to exist despite people mostly use digital and streaming platforms?

We released a couple of titles on vinyl, both of Harry Partch’s music, but we barely broke even so it didn’t make sense to do any others, especially for composers with little to no name recognition. For us, it has become very difficult even to sell CDs so it’s not feasible to do vinyl releases, especially given our limited resources.

That said, we have licensed several titles over the years for LP release to a few boutique labels. Soundohm, in particular, via their “Blume” imprint, has produced beautiful vinyl editions of the Julius Eastman set and James Tenney’s ‘Postal Pieces’, among others. I think that physical releases will continue to exist but for a more limited market that caters to various specialized interests.

 

Do you have some direct relations with conservatories and universities for your record productions? Have you ever being supported, in some way, by the US government, or do you rely mainly on private funding?

We do not have any institutional relationships that currently provide consistent funding. Our primary funding source for the past forty years or so was a philanthropist, Francis Goelet, who was a music lover and believed in the company’s mission. Once the initial Rockefeller grant was exhausted and the decision was made to make New World Records a label, he underwrote the annual recording budget. When he died in 1998, he left a legacy that continued his support via a Trust, which ended four years ago. The label now supports itself primarily through sales, so we operate on a much more modest budget now. Over the years, we have received support for operating expenses and specific projects from several foundations, both public (the National Endowment for the Arts, for example) and private (the Aaron Copland Fund for Music and the Alice M. Ditson Fund being the most prominent of them).

Do you think that social media may help the promotion of contemporary music? How does the label act on social media?

Social media definitely has a role to play in the promotion of contemporary music (as it does in so many other cultural spheres) and we have a part-time employee who manages that aspect of marketing for us.

How do you imagine the future of contemporary music, especially from the point of view of record labels such as NWR?

Well, given the rapid pace of change these days it’s difficult to say how things will play out. Composers continue to produce a significant amount of new music and live music remains very much in demand. That said, record labels will likely diminish in importance since YouTube and other online platforms provide a quick and easy way to disseminate one’s music to a wide audience without the record label as an intermediary.

Could you tell us something about some of your future projects?

Unfortunately, I’m not at liberty to give any specifics since we are still in the process of finalizing agreements. I can only say that we now do about four titles annually since that is what our budget allows.

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Marco Paolucci
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Intervista con Vinnie Fiorello, del Punk Rock Museum, Las Vegas – USA

Ottavo appuntamento dedicato alla scoperta di direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e non solo, in tutte le sue manifestazioni sonore. Scrivo non solo perché con le ultime interviste sto esplorando realtà che conservano vari generi di memoria sonora, oltre a quella Rock. Prima: Rolando Giambelli, Beatles Museum di Brescia (qui). Seconda: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, museo dedicato ai Clash e al loro mondo (qui). Terza: Mariano Freschi, associazione MADE IN ROCK, incredibile collezione di centinaia di bassi, chitarre, amplificatori (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, ecc.), di memorabilia, poster, gadget della Storia del Rock (qui). Quarta: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs del MoPOP – Museum Of Pop Culture di Seattle (qui). Quinta: Sawako Ishii dell’Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Giappone (qui). Sesta: B.George, direttore dell’ARChive of Contemporary Music di New York (qui). Settima: Sonia Martone, Direttrice del Museo Nazionale degli strumenti musicali di Roma (qui). Ora mi sposto “virtualmente” negli Stati Uniti, per intervistare Vinnie Fiorello del Punk Rock Museum di Las Vegas. Breve inciso: al museo ci sono arrivato grazie a Mike Dines e Russ Bestley del Punk Scholar Network (qui l’intervista). Il Punk Rock Museum di Las Vegas è stata un’incredibile e interessante scoperta, un’istituzione importante e fondamentale per lo studio e l’approfondimento della cultura e della filosofia Punk in tutte le sue forme. Attraverso le parole di Vinnie Fiorello potrete approfondire la conoscenza di questa importante istituzione musicale.

Qui trovate l’intervista in inglese

Quando e perché è stato fondato il Punk Rock Museum?

Abbiamo aperto ufficialmente le porte nell’aprile del 2023, ma l’idea era in cantiere da anni. Il punk rock è sempre stato cultura del fai-da-te, ribellione e comunità, ma la sua storia era frammentaria: registrazioni bootleg, volantini infilati nelle scatole, storie tramandate come folklore. Volevamo uno spazio fisico dove le persone potessero sperimentare in prima persona l’energia grezza del punk, non solo come genere musicale ma come movimento. È un museo *da* punk, *per* punk.

Come è strutturato?

Il museo è un mix di mostre cronologiche, installazioni immersive ed esperienze interattive. Ci sono stanze tematiche dedicate a diverse epoche e scene – l’Hardcore della East Coast, lo Skate Punk della West Coast, il Regno Unito del ’77 e altro ancora – e mostre a rotazione. Ci sono anche un bar, un negozio di dischi, uno studio di tatuaggi (perché è ovvio) e luoghi per il matrimonio punk rock.

The Punk Rock Museum Exterior: photo by Mona Whetzel

Dove si trova?

Proprio nel cuore di Las Vegas, in Nevada, vicino al quartiere delle arti, sulla Western Ave, vicino a tutto il caos. Las Vegas potrebbe sembrare una casa improbabile per il punk, ma è proprio questo il punto: per noi è stata una casa perfetta!

photo by Lisa Johnson

Che collezioni contiene il Punk Rock Museum?

Abbiamo di tutto, da testi scritti a mano e chitarre rotte a rari volantini di spettacoli e abiti di scena, tutti donati da band come NOFX, The Descendents e Bad Religion. Uno dei miei pezzi preferiti sono gli appunti scritti a mano da Joe Strummer per *London Calling*. C’è anche qualche pezzo distrutto, perché a volte la storia è rumorosa e disordinata.

photo by Lisa Johnson

Che cosa si può fare al Punk Rock Museum?

Oltre alle mostre, è possibile suonare gli strumenti usati dai gruppi punk o prenotare una visita guidata da musicisti punk (il tour di Fat Mike è… un’esperienza). Ospitiamo spettacoli dal vivo, tavole rotonde e workshop. E sì, se volete scambiarvi i voti potete sposarvi qui.

photo by Lisa Johnson

È possibile fare ricerca al Punk Rock Museum?

Assolutamente sì. Stiamo archiviando interviste, zine e registrazioni per le generazioni future. Studiosi, giornalisti o semplici nerd come me possono ammirare 5 decenni di punk, anche se non si tratta della tipica biblioteca tranquilla. Aspettatevi di sentire i Black Flag in sottofondo.

Qual è il modo migliore per vivere il Punk Rock Museum?

Venite con la mente aperta. Suonate le chitarre. Fate domande. Rimanete per un tatuaggio. E se siete fortunati, incontrerete un membro della band che vi spiegherà il suo posto nel punk.

Il Punk Rock Museum è sui social media?

@thepunkrockmuseum su Instagram, TikTok, ecc. Pubblichiamo sneak peek delle mostre, foto del passato e annunci di eventi imminenti. Seguiteci per i commenti più scatenati.

Il Punk Rock Museum è aperto a collaborazioni con istituzioni, associazioni, centri di ricerca?

100%. Abbiamo lavorato con università, etichette indipendenti e festival. Se avete un progetto in linea con la conservazione dell’eredità del punk – che si tratti di una mostra d’arte, di una storia orale o di un documentario – contattateci.

Sub Cultural Appropriation FLyer 12

Avete in mente possibili sviluppi? Per esempio un libro oppure un documentario che racconti la sua storia attraverso interviste e video?

È in preparazione un documentario e un libro che raccoglie foto e storie mai viste. Abbiamo parlato molto di programmi di sensibilizzazione per insegnare ai ragazzi l’etica punk del fai-da-te: serigrafia, autopubblicazione, sostegno alla nostra comunità.

Progetti futuri o mostre in corso?

Domani 7 giugno inauguriamo la mostra sul Tiki Punk e per i prossimi 5 mesi la mostra su Edward Culver.

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Marco Paolucci
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Interview with Vinnie Fiorello of the Punk Rock Museum, Las Vegas – USA

Eighth appointment dedicated to discovering directors, museum managers and avid collectors of “dear old” Rock, and beyond, in all its sonic manifestations. I write not only because with the latest interviews I am exploring realities that preserve various genres of sonic memory besides Rock. First: Rolando Giambelli, Beatles Museum in Brescia (here). Second: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, a museum dedicated to the Clash and their world (here). Third: Mariano Freschi, MADE IN ROCK association, incredible collection of hundreds of basses, guitars, amplifiers (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, etc.), of memorabilia, posters, gadgets from the History of Rock (here). Fourth: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs at MoPOP – Museum Of Pop Culture in Seattle (here). Fifth: Sawako Ishii of the Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Japan (here). Sixth: B.George, director of the ARChive of Contemporary Music, New York (here). Seventh: Sonia Martone, director of the National Museum of Musical Instruments in Rome (here). Now I move “virtually” to the United States, to interview Vinnie Fiorello of the Punk Rock Museum in Las Vegas. Brief aside: I came to the museum thanks to Mike Dines and Russ Bestley of the Punk Scholars Network (interview here). The Punk Rock Museum in Las Vegas was an incredible and interesting discovery, an important and vital institution for the study and furthering of Punk culture and philosophy in all its forms. Through the words of Vinnie Fiorello you can learn more about this important musical institution.

Here the Italian Translation

When was The Punk Rock Museum founded, and why?

We officially opened the doors in April 2023, but the idea had been brewing for years. Punk rock has always been about DIY culture, rebellion, and community, but its history was scattered—bootleg recordings, flyers stuffed in boxes, stories passed down like folklore. We wanted a physical space where people could experience punk’s raw energy firsthand, not just as a music genre but as a movement. It’s a museum *by* punks, *for* punks.

How is it structured?

The museum is a mix of chronological exhibits, immersive installations, and interactive experiences. We’ve got curated rooms dedicated to different eras and scenes—East Coast hardcore, West Coast skate punk, UK ’77, and more—along with rotating exhibits. There’s also a bar, a record store, a tattoo parlor (because of course), and places for punk rock matrimony.

The Punk Rock Museum Exterior: photo by Mona Whetzel

Where is it?

Right in the heart of Las Vegas, Nevada close to the arts district—on Western Ave, near all the chaos. Vegas might seem like an unlikely home for punk, but that’s the point it’s been a perfect home to us!

photo by Lisa Johnson

What collections does The Punk Rock Museum have?

We’ve got everything from handwritten lyrics and broken guitars to rare show flyers and stage outfits – all donated by bands like NOFX, The Descendents, and Bad Religion. One of my favorite pieces is Joe Strummer’s handwritten notes for *London Calling*. There’s also some smashed gear—because sometimes history is loud and messy.

photo by Lisa Johnson

What can you do at The Punk Rock Museum?

Beyond the exhibits, you can play actual instruments used by punk bands, or even book a guided tour led by punk musicians (Fat Mike’s tour is… an experience). We host live shows, panel discussions, and workshops. And yeah, you can get married here if you want to exchange vows.

photo by Lisa Johnson

Is it possible to do research at The Punk Rock Museum?

Absolutely. We’re archiving interviews, zines, and recordings for future generations. Scholars, journalists, or just nerds like me can take in 5 decades of punk —though it’s not your typical quiet library. Expect to hear Black Flag blasting in the background.

What’s the best way to experience The Punk Rock Museum?

Come with an open mind. Play guitars. Ask questions. Stay for a tattoo. And if you’re lucky, you’ll run into a band member explaining their place in punk  to you.

Is The Punk Rock Museum on social media?

@thepunkrockmuseum on Instagram, TikTok, etc. We post exhibit sneak peeks, throwback photos, and announcements for upcoming events. Follow us for unhinged commentary.

Is the museum open to collaborations?

100%. We’ve worked with universities, indie labels, and festivals. If you’ve got a project that aligns with preserving punk’s legacy—whether it’s an art show, oral history, or documentary—hit us up.

Sub Cultural Appropriation FLyer 12

Any future developments?

A documentary is in the works, plus a book compiling never-seen photos and stories. We’ve been talking a lot about outreach programs to teach kids punk’s DIY ethos—screen-printing, self-publishing, supporting our community.

Upcoming projects or exhibitions?

We are opening our Tiki Punk exhibit tomorrow June 7th and our Edward Culver exhibit is up for the next 5 months.

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Marco Paolucci
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Intervista con Roberto Gagliardi aka Robertò, della Hellnation Libri/Red Star Press

Incontro numero 11, dedicato a far conoscere ai lettori di Kathodik chi si occupa di promuovere un discorso approfondito di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale. Aggiorno l’elenco perché per problemi tecnici avevo saltato un’intervista. Quindi nell’ordine: il primo incontro è stato con Antonio Bacciocchi della Cometa Rossa Edizioni (qui); il secondo incontro è stato con Marco Refe della Edizioni Crac di Falconara Marittima (qui); il terzo incontro è stato con il professore Luca Cerchiari, curatore della collana ‘Musica Contemporanea’ della Mimesis Edizioni (qui); il quarto incontro è stato con Karl Ludwig, a quel tempo Responsabile Comunicazione della tedesca wolke verlag (qui); il quinto incontro è stato con Domenico Ferraro, direttore editoriale della Squilibri Editore (qui); il sesto incontro è stato con Fabio Ferretti, ideatore e curatore della collana ‘Chorus’, della Edizioni Quodlibet (qui); il settimo incontro è stato con Massimo Roccaforte, curatore editoriale della Goodfellas Edizioni (qui); l’ottavo incontro è stato con Christina Ward co-curatrice della casa editrice statunitense Feral House (qui); il nono incontro è stato con Ken Wissoker, Senior Executive Director della casa editrice statunitense Duke University Press (qui); il decimo incontro è stato con Mark Pinghington e Jamie Sutcliffe ideatori e direttori editoriali della casa editrice britannica Strange Attractor Press (qui). Oggi ritorno “virtualmente” in Italia per intervistare Roberto Gagliardi Aka Robertò, della Hellnation Libri/Red Star Press. La collana editoriale curata da Robertò ha in catalogo svariati titoli veramente interessanti, qui una mia recensione, che vanno da approfonditi studi su fondamentali generi musicali a ricerche sulla cultura underground e sul calcio, che aspettano solo di essere letti e studiati.

Come nasce l’idea della Hellnation Libri?

Ciao e grazie per lo spazio che mi concedete. HELLNATION è una collana nata dopo le sollecitazioni di CRISTIANO ARMATI, il boss della RED STAR PRESS, che vedeva nel marchio HELLNATION la possibilità di colmare lo spazio dedicato allo Sport Popolare, alle Terrace culture e alle sottoculture giovanili legate alla musica. I primi titoli sono stati la ristampa di ‘Lontano da Highbury’ di Luca Frazzi e a seguire vari titoli per raggiungere un catalogo ben fornito di oltre 50 titoli.

Come vengono selezionati i titoli da pubblicare?

Di norma mi sento con Cristiano e si decide in base all’interesse che riguarda il mio pubblico dato che i titoli HELLNATION vengono venduti principalmente tramite i canali del negozio. Poi Cristiano raggiunge le distribuzioni ufficiali e fa quel lavoro “sporco” che riguarda una diffusione a larga scala nelle principali librerie italiane. Le scelte sono di cuore principalmente e la vendibilità c’entra poco anche se è importante. Diciamo che non ci infiliamo in un vicolo cieco pubblicando un libro non vendibile. Va raggiunto almeno il pareggio.

Per quanto riguarda la selezione di autori stranieri, a quale scuola di critica musicale si fa più riferimento? Accenno un esempio: avete più interesse negli agli autori di lingua inglese? Oppure negli autori di lingua francese? Oppure di altre lingue?

Nessuna scuola di critica musicale in particolare anche se il sottoscritto è un fan sfegatato della scrittura e del giornalismo “GONZO” (Lester Bangs, Philippe Garnier, Andrea Valentini, GONZAI Magazine, fino alla nuova formula CHERIBIBI, GARAGELAND…). Prendiamo ciò che ci sembra interessante. Se un autore della Malaysia ha tirato fuori un testo interessante lo pubblichiamo senza problemi… certo poi trovare un traduttore è un altro paio di maniche.

Serie di domande tecniche: raccolta fondi, tiratura, promozione, distribuzione per un titolo che scegliete di pubblicare?

Non esiste nessun mecenate, raccolta fondi (roba che disdegno particolarmente) e finanziatori esterni. Quà investiamo di tasca nostra e basta. Le tirature per i libri vanno da un minimo di 300 ad un massimale di 1500 per una prima stampa. I canali di distribuzione sono i soliti: negozi affini, librerie affini, distributori grossisti ufficiali, distributori alternativi, non arriviamo direttamente su Amazon (ma certi distributori raggiungono quella piattaforma con i nostri titoli e non è possibili impedirgli di farlo), poi vendita in negozio fisico nostro, fiere e banchetti vari!

Quali argomenti preferite trattare per le vostre pubblicazioni? Perché?

Politica per ciò che riguarda RED STAR PRESS, Arte per ciò che riguarda BIZZARRO BOOKS, Sottoculture giovanili e sport popolare per ciò che riguarda HELLNATION. Perché è ciò che AMIAMO e sta nel nostro limbo di interesse!

Qual è il titolo più interessante che è stato pubblicato fino ad oggi? Perché?

HELLNATION direi ‘Too Much Too Young’, ‘Spirit of ‘69’ e ‘Il miracolo di Castel di Sangro’ visto sotto un’ottica diversa.

Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?

Io sono abbastanza contro le coproduzioni con 10 realtà. Al massimo un paio. Accerchiarsi di 10 coproduttori significa che non credi nel progetto e vuole dire che ti impegni poco a promuoverlo essendo altre realtà che lo fanno per te. Poi più viene a mancare l’impegno economico meno ti sbatti

Lo stato italiano aiuta gli editori per la pubblicazione?

NO!

Oltre ai volumi pensate ad altre forme di pubblicazione? Ad esempio documentari, film, podcast?

Abbiamo (Cristiano) ha già messo sul mercato dei titoli con allegato i DVD

Qualche segnalazione meritevole dei prossimi titoli che avete in cantiere?

Per ciò che riguarda HELLNATION la bio sui Devo, ‘1967’ di Robyn Hitchcock e altri titoli succosi oltre al numero 5 della fantastica rivista GARAGELAND guidata da “main de maitre” da Flavio Frezza!

Link: Hellnation Libri/Red Star Press Home Page

Link: Crombie Media Garageland

Link: Red Star Press/Hellnation Libri Facebook Page

Link: Hellnation Record Store Instagram Profile

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Marco Paolucci
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Intervista con Nicola Quiriconi della label italia Dissipatio

Di nuovo in viaggio in esplorazione da “ragnetto” musicale dell’incredibile universo di suoni e visioni che ci circonda, e ci accompagna in ogni dove e in ogni quando, sono approdato sulle lande della label Dissipatio. Piccola ma agguerrita realtà italiana dedita alla sperimentazione elettronica e alla creazione di ambienti sonori affascinanti, monitorati da Kathodik con interesse e con recensioni accluse, necessitava del mio approfondimento con il fondatore Nicola Quiriconi, che si è prestato con piacere a “battere sulla tastiera” le risposte alle mie questioni, e raccontarmi le origini, il presente e il futuro della Dissipatio. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la label Dissipatio?

– La nascita di Dissipatio ha un valore fortemente politico, ti chiederai il senso di questa mia affermazione ma per capirlo è sufficiente guardare al recente passato, agli ultimi 30 anni, con il passaggio dall’entusiasmo per le nuove possibilità tecnologiche di diffusione di contenuti culturali, quando credevamo che il www fosse il mezzo per liberare le potenzialità creative e divulgative in modo veramente orizzontale, rompendo il sistema dall’interno così da creare nuovi spazi liberi di diffusione di idee, alla caduta di quello stesso entusiasmo che nemmeno troppo lentamente si è spento di fronte alla polverizzazione del mercato musicale. Questa situazione ha di fatto ridotto ancora di più la possibilità di avere una base socioculturale di supporto per la costruzione e lo sviluppo di realtà di promozione artistica indipendente. Di fatto Dissipatio è un atto di resistenza nei confronti dell’omologazione culturale imperante, vorrei che musicisti, giornalisti, promoter e tutti quelli che in qualche modo operano intorno al mondo dell’arte capissero che non è possibile riuscire ad ottenere una consapevole libertà di espressione se non c’è unione di intenti oltre che una attiva collaborazione tra tutti gli attori che fanno parte di questa scena. Spesso mi arrivano richieste di produzione da musicisti che non hanno mai ascoltato un brano del mio catalogo, ma che senso ha questo comportamento? A cosa può portare questa visione solipsistica? Dobbiamo capire che senza la conoscenza, la curiosità, non c’è evoluzione. Ti faccio un esempio concreto del problema, da alcune settimane c’è una grande polemica per una nuova label, di cui non voglio fare il nome, a causa della sua provenienza alto borghese e di destra, ricordo però che parlandone e litigando non si fa altro che dare ulteriore visibilità a chi proprio non ne ha bisogno. Perché invece non parlare di Dissipatio o di Maple Death oppure di Unexplained Sound Group, di Silentes, Backwards, Stochastic Resonance ecc..Il motivo è semplice, la gran parte di questi personaggi non ascolta, non acquista, non va ai concerti, è molto più facile fare casino sui social.

Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?

– La caratteristica di Dissipatio è l’ eterogeneità, a differenza di altri ‘colleghi’ che tendono a crearsi un’identità legata ad un genere ben preciso per la mia label l’elemento che non deve mai mancare in nessuna produzione è il coraggio di sperimentare, questo vale per qualsiasi ambito musicale si vada a toccare. Il mio catalogo offre una discreta varietà di generi: l’elettronica, la drone, l’elettroacustica, la musica colta, l’ambient, l’impro, il dark jazz, il noise, fino addirittura a sfiorare il pop più sbilenco e straniante, l’importante è osare, alzare lo sguardo oltre lo steccato, fare ricerca. Il non essere omologati per me è una necessità culturale, non sopporto gli ‘artisti’ che per tutta la loro carriera fanno la stessa cosa così da essere facilmente riconoscibili, lo trovo un approccio profondamente stupido che toglie respiro alla creatività.

La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?

– Più che cambiata si è ampliato l’ambito in cui Dissipatio si muove, come detto sopra l’ingrediente che accomuna tutte le produzioni della label è l’elemento sperimentale, questo approccio non deve mai mancare. Certamente nel corso del tempo il catalogo allargherà ancora di più gli orizzonti, ne sentirete delle belle!

Le vostre produzioni sono in formato Cd e digitale. Avete in mente uscite in vinile? Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?

– Il supporto fisico è ormai diventato un oggetto che davvero in pochi acquistano, tant’è che le produzioni Dissipatio sono sempre estremamente limitate da 50 a massimo 200 copie. Il CD è ad oggi l’ausilio che permette di avere una qualità sonora elevata, un packaging accattivante ed un costo contenuto, questi elementi non li troviamo nel vinile il quale purtroppo ha dei costi di stampa davvero alti, il rapporto è di circa uno a cinque per le basse tirature, pertanto il buon vecchio cd mi dà la possibilità di produrre quasi tutto quello che voglio. Discorso a parte sono le cassette, ho fatto un paio di uscite su questo supporto, ormai sono diventate un oggetto di culto, ovvero tutti la vogliono ma nessuno le ascolta! Però hanno un fascino particolare, mi ricordano tanto l’adolescenza e per certe produzioni ritengo siano più azzeccate rispetto al cd, in particolare per l’impro o il noise ma anche certa ambient, hanno un ’sapore’ che il cd non ha, ma una qualità sonora non sempre adeguata.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

– Le coproduzione sono un’ottima cosa, sono necessari degli elementi che accomunino le label per far si che un’uscita sia davvero azzeccata, ad esempio ne ho fatte alcune con la Unexplained dell’infaticabile Raffaele Pezzella che ritengo davvero centrate per entrambi i cataloghi. Sono anche una possibilità di conoscenza e diffusione molto interessante e stimolante, onestamente mi piacerebbe farne di più, vanno però valutati tutti gli aspetti con attenzione, incluso ad esempio il non poter gestire in completa autonomia tutta la fase produttiva e promozionale, cosa per me abituale, ne consegue che se non si ha un buon rapporto con l’altro interlocutore la collaborazione può diventare un vero incubo!

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?

– I social sono purtroppo fondamentali per la promozione e la diffusione della musica, questo a tutti i livelli ed ovviamente anche per Dissipatio, l’importante è farne un uso corretto, evitando di postare qualsiasi cosa. La piattaforma che normalmente utilizzo per l’ascolto e la vendita è Bandcamp che ancora rimane la migliore soluzione per queste attività, ha sempre un grande bacino di utenti attenti ed interessati alle novità ed alla ricerca ed è abbastanza corretta anche con i costi di gestione. Mi piace anche Soundcloud ma non si avvicina minimamente ai numeri di Bandcamp, la utilizzo soprattutto per mandare le anteprime degli album in ascolto. Le altre piattaforme di streaming come Spotify, Apple Music, Amazon ecc… le ritengo non adatte per Dissipatio, costi elevati e nessun tipo di ritorno di visibilità né tanto meno economico, questo almeno per la mia esperienza, ma ovviamente non vivo di certezze e non escludo di tornare sui miei passi. Poi ci sono i social generici come FB ed IG che hanno la loro importanza anche se il primo negli ultimi anni ha perso davvero tanto, si tende soprattutto a litigare più che a condividere contenuti. A Tik Tok non ci arrivo, sono troppo vecchio!

P.A.N

Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?

– Devo essere onesto, malissimo. È davvero difficile dare continuità alle uscite in termini di diffusione, non parlo di vendite perché quelle sono un vero disastro ma di visibilità. Scrivo e invio materiale a un numero davvero rilevante di riviste, webzine, giornalisti, influencer, radio, blog ovviamente di settore e devo dire che in questi cinque anni ho sempre ricevuto buoni feedback, alcuni anche inaspettati, il problema è che poi vedo quante vendite od ascolti portano e questo mi manda in confusione. Persino per istituzioni come The Wire si parla di numeri risibili, non so davvero più quali possano essere i canali adeguati, forse non c’è più un pubblico disposto a dedicare tempo e attenzione a proposte che richiedono un minimo di attenzione o forse sono io che non ho le capacità per gestire e trovare i giusti percorsi. Vi faccio io la domanda ‘Da addetti ai lavori come vivete e vedete la diffusione della musica di cui scrivete?’

Grazie per la sollecitazione, potrebbe essere lo spunto per un’altra intervista. Ritorniamo alla Dissipatio. Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?

– Progetti futuri tantissimi, una cosa su cui sto lavorando con il solito fondamentale supporto dell’amico Paolo Monti è una nuova edizione del Dissipatio Fest, stiamo cercando uno spazio davvero bello unendo le forze anche con altre label, c’è anche la possibilità di far risorgere un mitico festival! Vediamo se tutti i pezzi si mettono al loro posto. Per il libro io sono disponibilissimo! Battute a parte, se qualcuno avesse il coraggio di affrontare questo percorso oltre che felicissimo avrei un bel po’ di cose da raccontare, aneddoti, curiosità, riflessioni, i momenti belli e quelli sgradevoli ma sempre con il sorriso, io sono toscano e la battuta, la presa in giro, fa parte di me, non riesco a prendermi troppo sul serio, so che questa cosa a molti non piace, ma arrivato a cinquant’anni ho fatto pace con me stesso e mi accetto per quello che sono, un entusiasta che mette anima e corpo in tutto quello che fa.

Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?

–  Ho un programma fittissimo di uscite per quest’anno e anche per il prossimo, giusto per fare qualche nome la prossima release sarà quella di Zerogroove, poi Marta Zapparoli insieme Liz Allbee quindi il nuovo densissimo lavoro di Bruno Duplant, il nuovo album di Heimito Künst, il solo di Massimiliano Furia, i Satan is my Brother e ancora molti molti altri.

Link: Dissipatio Label Bandcamp Page
Link: Dissipatio Label Facebook Page
Link: Dissipatio Label Instagram Profile

 

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Marco Paolucci
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Intervista con Marcelo M. Wanderley, Direttore del CIRMMT, Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology, McGill University, Montreal, Canada

19° puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano – Italia (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments– Svizzera (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio – Australia (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum – Giappone (qui). Quinta: Museo della Farfisa – Italia (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum – Stati Uniti (qui). Settima: CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII – Italia (qui). Ottava: SoundMit – International Synth Event – Italia (qui). Nona: EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – Stati Uniti (qui). Decima: EMS Elektronmusik Studion – Svezia (qui). Undicesima: Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), Svizzera (qui). Dodicesima: IEM Institute for Electronic Music and Acoustics, Austria (qui). Tredicesima: Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT), Stati Uniti (qui). Quattordicesima: Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA), Stati Uniti (qui). Quindicesima: Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Messico (qui). Sedicesima: Institute of Sonology, Royal Conservatoire, Le Hague – Olanda (qui). Diciassettesima: CNRS – Science et Technologie de la Musique et du Son, IRCAM, Sorbonne Université, Ministère de la Culture – Francia (qui). Diciottesima: Hiroshi Hieida, storico dell’NHK Electronic Music Studio di Tokyo – Giappone (qui). Oggi mi muovo virtualmente in Canada per intervistare Marcelo M. Wanderley, Direttore del Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT) della McGill University, di Montréal (Québec), Canada. A voi la lettura

Qui trovate l’intervista in inglese

Come nasce il CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

Il CIRMMT è stato creato 25 anni fa. L’obiettivo era quello di creare un’infrastruttura per promuovere la ricerca interdisciplinare sulla musica e sull’audio, fondendo senza soluzione di continuità la ricerca scientifica e lo sviluppo tecnologico con gli studi sulla musica e sul suono.

Come è strutturato?

Le strutture del CIRMMT sono ospitate presso l’Elizabeth Wirth Music Building della McGill University di Montreal, Qc, Canada. Si tratta di otto laboratori di ricerca, da piccoli spazi dedicati a esperimenti individuali alla Multimedia Room (MMR) di oltre 400 m2,
acusticamente flessibile, che può ospitare un’intera orchestra sinfonica o piccoli ensemble con un pubblico di circa 100 persone.

La comunità del CIRMMT comprende quattro istituzioni partner – McGill University, Université de Montréal, Université de Sherbrooke e École de technologie supérieure – e cinque istituzioni affiliate: Concordia University, Université du Québec à Montréal (UQÀM), Université Laval, Institut national de recherche scientifique (INRS) e Marianopolis College, oltre a una forte rete a livello nazionale e internazionale.

Da oltre vent’anni polo di ricerca leader nel Nord America e nel mondo per la ricerca interdisciplinare innovativa in ambito musicale, scientifico e tecnologico, il CIRMMT riunisce attualmente 60 ricercatori, 271 studenti e 106 collaboratori.

Che attrezzature ha il CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

Oltre alle sue strutture all’avanguardia, il CIRMMT dispone di un’attrezzatura unica, disponibile per tutti i membri (ricercatori e studenti). Un elenco completo sarebbe troppo lungo da descrivere, ma i punti salienti includono un sistema di 62 diffusori Meyer Sound UPJ-1P + 8 subwoofer con il sistema Constellation per la simulazione dell’acustica virtuale nell’MMR, una cupola di 37 diffusori presso il Performance Research Laboratory (PeRL), un FabLab per la realizzazione di strumenti musicali digitali, decine di microfoni e relative apparecchiature di registrazione e produzione, dispositivi per la misurazione del suono e dell’acustica, ecc.

CIRMMT-02-28-25-8 (Photo Credit – Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

Cosa si può fare al CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

Il CIRMMT promuove progetti artistici di alto livello che fondono musica d’avanguardia e ricerca scientifica/ingegneristica per creare esperienze artistiche uniche per la comunità di Montreal e per l’estero. Parallelamente, lo studio del suono e della musica da parte del CIRMMT è un banco di prova ideale per la ricerca interdisciplinare avanzata in campo scientifico e ingegneristico, in quanto richiede approcci innovativi per far fronte alle esigenze di esecuzione e composizione musicale, che sono particolarmente elevate. Studiare il suono del futuro (applicazioni artistiche) e il futuro del suono (ricerca scientifica e tecnologica) all’interno dello stesso ambiente consente ai ricercatori e ai collaboratori del CIRMMT di contribuire a plasmare il futuro della musica, nonché di formare una nuova generazione di personale altamente qualificato e ricercato per carriere in prestigiose università, industrie di alto livello e istituzioni no-profit in Québec, Canada e nel mondo.

Il Centro si propone di aiutare i ricercatori di diverse discipline a collaborare in progetti interdisciplinari. Esempi di progetti precedenti includono Virtual Haydn, la registrazione di sonate di Haydn utilizzando repliche di strumenti storici in ambienti acustici virtuali che riproducono quelli in cui Haydn stesso si esibiva; lo sviluppo del primo violoncello compatibile con la fMRI per essere utilizzato in esperimenti di neuroscienze e grandi performance come Rythmopolis, che mescola percussioni, danza, acrobazia e tecnologia.

CIRMMT’s Multimedia Room (MMR) (Photo credit: Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

E’ possibile fare ricerca al CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology?

Il CIRMMT ospita accademici in visita da tutto il mondo. Ha già accolto 67 ricercatori provenienti da 17 Paesi che trascorrono da poche settimane a un anno lavorando a progetti di ricerca in collaborazione con i membri del CIRMMT.

Gli accademici e i ricercatori-creatori interessati a recarsi a Montreal per lavorare a un progetto di ricerca con uno o più membri del CIRMMT sono pregati di contattare direttamente i membri interessati.

Il CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology è presente sui social?

Il CIRMMT dispone di account Facebook, Instagram e YouTube con informazioni su eventi e opportunità di ricerca. La pagina YouTube del CIRMMT presenta due caratteristiche principali: La prima è la serie crescente di video della Distinguished Lecture Series, che attualmente conta più di 95 video di un’ora di conferenze di ricerca tenute da ricercatori e artisti di spicco, un’enciclopedia video unica di musica, scienza e tecnologia. La seconda è ResonatorTube, una serie di brevi video educativi sugli aspetti scientifici e tecnologici della ricerca musicale, pensati per i non addetti ai lavori.

Il CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology è attento alla questione di genere nella Musica Elettronica? E nella Cultura Musicale del Canada?

Il CIRMMT mira a fornire un ambiente di ricerca positivo, inclusivo ed equo, in cui tutti siano i benvenuti e abbiano un senso di appartenenza e voce in capitolo, indipendentemente da razza, etnia, genere e identità di genere, sessualità, abilità fisiche o cognitive, background socioeconomico, credenze religiose o qualsiasi altra caratteristica.

Negli ultimi anni, tutti i ricercatori del CIRMMT hanno beneficiato di workshop dedicati all’inclusione dei principi EDI nella progettazione dei progetti di ricerca nelle rispettive università.

Il CIRMMT è strettamente coinvolto nella cultura musicale canadese, soprattutto attraverso la serie di concerti live@CIRMMT. In corso dal 2007, la serie live@CIRMMT ha permesso la produzione di oltre 150 prime mondiali e 50 prime canadesi con opere che vanno da progetti basati su installazioni a performance con strumenti di nuova concezione in oltre 100 concerti, raggiungendo un pubblico di oltre 17.000 persone. Gli spettacoli si tengono nel MMR di McGill, nella Salle Claude-Champagne (Université de Montréal – UdeM) e in luoghi esterni come la Place des Festivals di Montréal, sede di eventi su larga scala come Rythmopolis (Musical Event of the Year 2018, a cui hanno assistito migliaia di persone dal vivo e online, grazie a una collaborazione con Radio-Canada).

In che rapporti si trova con il governo canadese?

Il CIRMMT riceve la maggior parte dei finanziamenti dal Fonds de Recherche du Québec (FRQ), l’agenzia provinciale per la promozione della ricerca in Québec. Il CIRMMT ha ricevuto un consistente finanziamento infrastrutturale dalla Fondazione canadese per l’innovazione (CFI), un’istituzione federale creata per sostenere lo sviluppo delle infrastrutture di ricerca in Canada, e dal governo del Québec.

Il CIRMMT Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology è aperto a collaborazioni con enti, associazioni, centri di ricerca?

Il CIRMMT accoglie ricercatori, artisti e studenti disposti a venire a Montreal per progetti di collaborazione con i membri del CIRMMT. Le informazioni relative a Visiting Academics e Research Creators illustrano in dettaglio le modalità di possibili collaborazioni e le informazioni sull’immigrazione relative ai soggiorni di ricerca in Canada.

CIRMMT-dec-24 (Photo Credit – Claude Jr Labonté-Lefebvre, Super Club Vidéo)

Progetti in corso e progetti futuri?

Di seguito viene riportata una breve sintesi di alcuni progetti del Centro.

Il Centro ospita diversi grandi progetti di partenariato internazionale guidati dai suoi membri, come i progetti di digital humanities SIMSSA: Single Interface for Music Score Searching and Analysis project e LinkedMusic: Interlinking Music Resources for Enhanced Access o ACTOR: Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration. SIMSSA ha sviluppato algoritmi in grado di riconoscere i vari elementi dei manoscritti musicali, consentendo ricerche e analisi online senza precedenti delle partiture musicali, mentre LinkedMusic si concentra attualmente sulla creazione di uno schema di metadati internazionale completo per la musica. ACTOR, che porta il timbro musicale e l’orchestrazione in primo piano nella ricerca, nella pratica e nella consapevolezza del pubblico.

Il CIRMMT sostiene anche partenariati locali che hanno un impatto diretto sulla vita dei cittadini, come Sounds in the City, con partner dell’Università McGill, della città di Montreal e professionisti del settore che lavorano sulla gestione del rumore urbano e del paesaggio sonoro, collegando ricerca e pratica, e conducendo programmi innovativi di formazione sul paesaggio sonoro per urbanisti e altri dirigenti grazie alle strutture del CIRMMT.

Una collaborazione con l’Università di Ghent studia l’uso combinato di motion capture, modellazione computazionale e agenti virtuali adattivi e mira ad approfondire i principi di controllo della sincronizzazione temporale umana, immaginando nuove creazioni in cui musicisti dal vivo interagiscono con le loro controparti virtuali in tempo reale tramite cuffie XR.

La rete tematica AIRS (Air, Intersectorialité, recherche Respiratoire et Sonore), di recente costituzione, si occupa del suono e del rumore urbano in relazione all’inquinamento atmosferico, in termini di qualità ambientale, salute sostenibile e giustizia ambientale per garantire un accesso giusto ed equo a spazi di vita sani.

Altri progetti stanno attualmente valutando il potenziale degli apparecchi acustici (cioè i dispositivi indossabili nell’orecchio) per la diagnosi precoce delle malattie neurodegenerative, anche in collaborazione con istituzioni sanitarie del Québec come il Parkinson Québec e il Douglas Research Center.

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