Parte la disamina della prima parte di uscite jazz e blues che ho voluto selezionare per il Record Store Day di aprile 18, che vedono all’opera il produttore discografico Zev Feldman, presenza abituale nei lidi di Kathodik. In questa prima parte tratterò le uscite della Elemental Music e gli artisti trattati saranno Michel Petrucciani, Bill Evan, Cecil Taylor, Freddie King. Iniziamo.
Michel Petrucciani ‘Kuumbwa’
Questo album arriva dallo scavo compiuto da Zev Feldman nell’archivio del fondatore Tim Jackson, del Kuumbwa Jazz Center, a Santa Cruz, in California. Il disco presenta un superlativo live del 1987 registrato al Kuumbwa Jazz Center, che vede in formazione oltre al leaded Michel Petrucciani, il batterista Eliot Zigmund e il contrabbassista Dave Holland. Michel Petrucciani viene colto in un periodo di ascesa, pianista ventiquattrenne emigrato dalla Francia a New York nel 1984, contratto con la Blue Note Records nel 1986. Nonostante l’osteogenesi imperfetta, la malattia genetica delle ossa che ne arrestò la crescita e lo lasciò in preda a un dolore quasi costante, l’immaginazione e il rigore nel suonare sono squadernati nella pirotecnica esibizione. Petrucciani si diverte a presentare i brani, con un tocco stravagante, che passa da toni romantici a toni funkeggianti, a toni scherzosi, a lunghe cavalcate pianistiche. La forza e l’energia che ci mette nel suonare si trasmettono facilmente agli altri due musicisti che interagiscono con il leader con naturalezza, divertendosi in un jazz svingante, spumeggiante e trascinante. Come sempre in queste uscite il corposo libretto continee approndite note e riflessioni del figlio di Michel Petrucciani, Alexandre Petrucciani, anche lui pianista, del batterista Eliot Zigmund, del pianista Enrico Pieranunzi, del giornalista Thierry Pérémarti, e del cofondatore del Kuumbwa Jazz Center, Tim Jackson.
Voto: 8/10
Michel Petrucciani ‘Luumbwa’ Elemental Music Page
Bill Evans ‘Bill Evans at the BBC’
Seconda uscita curata da Zev Feldman, questa in collaborazione con la Bill Evans Estate, che vede il leggendario pianista Bill Evans in trio con il contrabbassista Chuck Israel e il batterista Larry Bunker, in questa registrazione del 1965, per la prima volta in stampa, per la televisione britannica BBC. L’album combina due episodi del programma intitolato Jazz 625, condotto dal trombettista inglese Humphrey Lyttleton, e vede Evan con il suo nuovo trio, dopo il cambiamento dovuto alla fine del suo precedente trio, per la scomparsa del contrabbassista Scott LaFaro in un tragico incidente nel 1961, e la dipartita del batterista Paul Motian nel 1963 per andare con il pianista Paul Bley. Le due sessioni di registrazione furono registrate durante il periodo di concerti del trio al famoso club Ronnie Scott di Londra, e vedono Evans esplorare il repertorio tratto dall’album ‘Trio 65’in quel periodo prossimo alla pubblicazione. Il trio si muove tra composizioni come Israel di John Carisi e How My Hearth Sings di Earl Zindars, con gli standard Who Can I Turn To? e Come Rain or Come Shine, con l’aggiunta dei classici di Evans quali Waltz for Debby e Re: Person I Knew, oltre ai suoi preferiti come Summertime, Someday My Price Will Come e Nardis di Miles Davis.
Nel complesso le esecuzioni risultano brillanti, il trio si muove con agilità e precisione, lo swing fluisce naturalmente attraverso i componenti e la musica si esprime con naturalezza, pur nella forma “compressa” della trasmissione, in cui le esecuzioni vengono intervallate da interventi di Lyttleton che “racconta” i brani all’uditorio della televisione inglese. Anche in questo album, che segna la 15° collaborazione con la Evans Estate, troviamo nel libretto un’intervista a Chuck Israel, un saggio sull’eredità di Bil Evans del cantante/pianista Jamie Cullum e del pianista James Pearson direttore del Ronnie Scott di Londra, e annotazioni dello studioso Marc Meyers.
Voto: 8/10
Bill Evans ‘Bill Evans at the BBC’ Elemental Music Page
Cecil Taylor Unit ‘Fragments The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts’
Terza uscita, questa del Cecil Taylor Unit, comprendente Cecil Taylor al pianoforte, Jimmy Lyons al sassofono coltralto, Sam Rivers al sassofono tenore e al flauto, Andrew Cyrille alla batteria. Dalle note di presentazione si legge che “la formazione di questo album esisterà solo per un anno. A gennaio 1969 Sam Rivers viene invitato ad unirsi al trio, e la formazione così costituita a giugno si reca in Francia, presso Fondation Maeght in Costa Azzurra, dove risiede per quasi due mesi e tiene due concerti alla fine di luglio. La formazione si mescola “contaminandosi” con gli artisti, pittori, scultori, ballerini, residenti nella Fondazione, e tiene due concerti alla fine di luglio. Uno di questi fu pubblicato come triplo lp, ‘Nuits De La Fondation Maeght’ (uscito negli Usa come ‘The Great Concert of Cecil Taylor’). La formazione fu poi invitata dal produttore George Wein ad aprire i concerti della Duke Ellington Orchestra, insieme alla band di Miles Davis, in un tour di 15 date tra ottobre e novembre 1969, pubblicizzato come il Newport Jazz Festival in Europa. L’itinerario includeva concerti a Milano, Roma, Vienna, Londra, Copenaghen, Stoccolma, Berlino, Rotterdam e due esibizioni, uno spettacolo pomeridiano e uno serale, alla Salle Pleyel di Parigi. Questi due spettacoli vengono qui presentati per la prima volta in maniera integrale e in tutta la loro incredibile creatività. I concerti comprendevano una maratona di un unico brano, creato ex novo ogni volta, ma “innestato” nella composizione, sia Rivers che Lyon suonavano con gli spartiti, soprannominato “Fragments of a Dedication to Duke Ellington’. Entrambe le esibizioni furono inoltre filmate dalla troupe della ORFT, la rete televisiva e radiofonica nazionale francese, ma non furono pubblicate ufficialmente in nessuna forma. Ben venga allora quest’uscita che colma una incredibile lacuna.
L’ascolto delle registrazioni è emozionante, Taylor è incredibile, “assalta” la tastiera e produce una tempesta controllata di note che catturano l’ascoltatore, in un serratissimo dialogo con Andrew Cyrille, mentre Rivers e Lyons si destreggiano in un continuo interscambio tra fiati che emoziona e avvince. Un continuo saliscendi di suoni che producono letteralmente “visioni”, un interplay incredibile e magmatico, il set è avvincente ed eccezionale. Questa registrazione, esclusiva per il Record Store Day, è stata prodotta come parte di una consolidata partnership tra l’INA (Institut National de l’Audiovisuel), l’archivio nazionale audivisivo francese, e il produttore Zev Feldman, che ha collaborato con l’INA in passato per le registrazioni tra gli altri di Albert Ayler, Yusef Lateef e tanti altri. A completamento dell’opera un corposo libretto include un approfondimento dei rapporti musicali e personali tra Cecil Taylor, Duke Elligton e Miles Davis del giornalista e studioso americano Philip Freeman, autore della biografia dedicata alla figura di Cecil Taylor ‘The Brevwing Luminous: The Life & Music of Cecil Taylor’ (recensita qui). Include anche riflessioni di Andrew Cyrille, l’ultimo membro sopravvissuto della formazione Unit del 1969, la vedova di Jimmy Lyons, Karen Borca, la moglie di Sam Rivers Monique, il batterista Jack DeJohnette (membro della band di Miles Davis nel 1969) e del pianista Matthew Shipp.
Voto: 9/10
Cecil Taylor Unit ‘Fragments The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts’ Elemental Music Page
Freddie King ‘Live at Nancy Jazz Pulsations, 1975’
La quarta produzione della Elemental Music si intitola ‘Feeling Alright: The Complete 1975 Nancy Jazz Pulsation Concerts’, e presenta il gigante della chitarra blues Freddie King dal vivo al festival francese Jazz Pulsation Festival nell’ottobre 1975 di fronte a 50,000 fan in adorazione. Questa edizione, recuperata dalla ORFT (Office de radiodiffusion-télévision française) vede la luce grazie alla collaborazione tra il produttore Zev Feldman e la Freddie King Estate. L’album vede il Texas Cannonball, come veniva chiamato, alla chitarra e alla voce, accompagnato da Alvin Hemphill all’organo, Ed Lively alla chitarra, Lewis Stephens al piano, Benny Turner al basso, Calep Emphrey alla batteria. Il concerto è trascinante, avvincente, King si svela al pubblico in tutta la sua arte nella trasposizione della tradizione blues con un approccio moderno, intenso, con una sequenza di brani incandescenti, tra cui la bellissima esibizione di Have You Ever Loved a Woman, seguita dalla versione di Whole Lot of Lovin di B. B. King, con aggiunti vari standard blues quali Sweet Little Angel, Got My Mojo Working, The Things I Used to Do, Sweet Home Chicago, Messin’ with the Kid, Danger Zone, Stormy Monday. Inoltre Freddie King aggiunge due brani iconici della musica Rock, diventati parti fondanti del suo repertorio live, quali il brano di Dave Mason, Feeling Alright, reso celebre dai Traffic e da Joe Cocker, e il brano di Don Nix Goin’ Down.
Anche per questo album il corposo libretto include note di copertine del giornalista musicale e storico Cary Baker, un saggio del produttore Zev Feldman, dalla moglie di Freddie King e amministratrice della fondazione Wanda King, e dal chitarrista dei ZZ Top, Billy F. Gibbons.
Voto: 8/10
Freddie King ‘Live at Nancy Jazz Pulsations, 1975’ Elemental Music Page
Anna Piosik ‘In The Absence of Gods’
(4DaRecord 2026)
L’ascolto della trombettista polacca Anna Piosik ci permette di fare l’incontro con una personalità speciale, trasferitasi in Portogallo per continuare il suo approccio all’improvvisazione più radicale.
Qui è in solo, insieme alla sua tromba ed a field recordings raccolti ovunque, compreso l’abbaiare di un cane, completamente assorta nel suo mondo fatto note di tutti i tipi, a volte raffinate, a volte volutamente più grezze, in mezzo ad un mondo frequentato nell’avanguardia da Leo Smith e le sue ricerche sul suono ed il silenzio.
Fra un brano e l’altro si cerca sempre qualcosa di nuovo, fra quotazioni del free e nuove idee, in ogni caso piuttosto innovativo come approccio.
La produzione ed il mix di João Madeira, musicista esperto in questo tipo di suoni, dona all’intera incisione un’attenzione precisa nella costruzione dei brani.
Voto: 8/10
Anna Piosik ‘In The Absence of Gods’ Bandcamp Page
Palmer Generator ‘Corpo celeste’
(Bloody Sound/2026)
Il trio jesino Palmer Generator, attivo da sedici anni, con ‘Corpo celeste’, giunge al suo sesto lavoro in studio, a tre anni dall’ottimo ‘Ventre’.
La matrice sonora è sempre il post rock, ma con questo lavoro il gruppo ha fatto un enorme passo in avanti evolvendo il sound. Se ‘Ventre’, infatti, era più legato al noise e al math, in ‘Corpo celeste’ le sonorità meno spigolose, decisamente più morbide, mantenendo da un lato un’attitudine che richiama i GodSpeed You! Black Emperor e dall’altro volge lo sguardo verso le dinamiche emotive dei Mogwai e soprattutto verso la pulsione ipnotica dei Neu!.
Il disco è composto da un’unica traccia, divisa in quattro parti, una sorta di sinfonia post-rock, un approccio non distante da quello dei Sonic Youth, quando pubblicarono ‘A Thousand Leaves’. Non a caso, in ‘Copo celeste’ nonostante siano utilizzati esclusivamente chitarra, basso e batteria, sono facilmente percepibili le tensioni orchestrali e minimali di Glenn Branca.
Nel fluire sonoro le quattro parti sono una consequenziale e complementare all’altra, per cui si parte con la title-track che parte lenta, per intensificarsi gradualmente in un post-rock avvolgente in cui emergono le evoluzioni musicali che emancipano questo lavoro da ‘Ventre’, caratterizzate dalla perfetta integrazione dei strumenti, tanto da sembrare di ascoltare una jam, ma paradossalmente non improvvisata, ma ben strutturata. Si può sembrare un ossimoro, ma è ciò che suscita questa primo tema. La seconda parte, Interludio, è una lunga linea sonora su cui chitarra e basso si lasciano andare a sperimentazioni e le evoluzioni giungono dalle parti di un noise tanto caro agli Slint. Corpo celeste II è l’unico episodio con elementi math, ma nel quale sono compresi anche momenti rilassati, mentre la conclusiva Coda ha sonorità più oscure, contrappuntate da momenti psichedelici e avvolgenti.
Disco consigliatissimo agli amanti del genere!
Voto: 9/10
Palmer Generator Facebook Page
Records Store Day 2026 Parte 1 Elemental Music: Michel Petrucciani, Bill Evans, Cecil Taylor, Freddie King
Parte la disamina della prima parte di uscite jazz e blues che ho voluto selezionare per il Record Store Day di aprile 18, che vedono all’opera il produttore discografico Zev Feldman, presenza abituale nei lidi di Kathodik. In questa prima parte tratterò le uscite della Elemental Music e gli artisti trattati saranno Michel Petrucciani, Bill Evan, Cecil Taylor, Freddie King. Iniziamo.
Michel Petrucciani ‘Kuumbwa’
Questo album arriva dallo scavo compiuto da Zev Feldman nell’archivio del fondatore Tim Jackson, del Kuumbwa Jazz Center, a Santa Cruz, in California. Il disco presenta un superlativo live del 1987 registrato al Kuumbwa Jazz Center, che vede in formazione oltre al leaded Michel Petrucciani, il batterista Eliot Zigmund e il contrabbassista Dave Holland. Michel Petrucciani viene colto in un periodo di ascesa, pianista ventiquattrenne emigrato dalla Francia a New York nel 1984, contratto con la Blue Note Records nel 1986. Nonostante l’osteogenesi imperfetta, la malattia genetica delle ossa che ne arrestò la crescita e lo lasciò in preda a un dolore quasi costante, l’immaginazione e il rigore nel suonare sono squadernati nella pirotecnica esibizione. Petrucciani si diverte a presentare i brani, con un tocco stravagante, che passa da toni romantici a toni funkeggianti, a toni scherzosi, a lunghe cavalcate pianistiche. La forza e l’energia che ci mette nel suonare si trasmettono facilmente agli altri due musicisti che interagiscono con il leader con naturalezza, divertendosi in un jazz svingante, spumeggiante e trascinante. Come sempre in queste uscite il corposo libretto continee approndite note e riflessioni del figlio di Michel Petrucciani, Alexandre Petrucciani, anche lui pianista, del batterista Eliot Zigmund, del pianista Enrico Pieranunzi, del giornalista Thierry Pérémarti, e del cofondatore del Kuumbwa Jazz Center, Tim Jackson.
Voto: 8/10
Michel Petrucciani ‘Luumbwa’ Elemental Music Page
Bill Evans ‘Bill Evans at the BBC’
Seconda uscita curata da Zev Feldman, questa in collaborazione con la Bill Evans Estate, che vede il leggendario pianista Bill Evans in trio con il contrabbassista Chuck Israel e il batterista Larry Bunker, in questa registrazione del 1965, per la prima volta in stampa, per la televisione britannica BBC. L’album combina due episodi del programma intitolato Jazz 625, condotto dal trombettista inglese Humphrey Lyttleton, e vede Evan con il suo nuovo trio, dopo il cambiamento dovuto alla fine del suo precedente trio, per la scomparsa del contrabbassista Scott LaFaro in un tragico incidente nel 1961, e la dipartita del batterista Paul Motian nel 1963 per andare con il pianista Paul Bley. Le due sessioni di registrazione furono registrate durante il periodo di concerti del trio al famoso club Ronnie Scott di Londra, e vedono Evans esplorare il repertorio tratto dall’album ‘Trio 65’in quel periodo prossimo alla pubblicazione. Il trio si muove tra composizioni come Israel di John Carisi e How My Hearth Sings di Earl Zindars, con gli standard Who Can I Turn To? e Come Rain or Come Shine, con l’aggiunta dei classici di Evans quali Waltz for Debby e Re: Person I Knew, oltre ai suoi preferiti come Summertime, Someday My Price Will Come e Nardis di Miles Davis.
Nel complesso le esecuzioni risultano brillanti, il trio si muove con agilità e precisione, lo swing fluisce naturalmente attraverso i componenti e la musica si esprime con naturalezza, pur nella forma “compressa” della trasmissione, in cui le esecuzioni vengono intervallate da interventi di Lyttleton che “racconta” i brani all’uditorio della televisione inglese. Anche in questo album, che segna la 15° collaborazione con la Evans Estate, troviamo nel libretto un’intervista a Chuck Israel, un saggio sull’eredità di Bil Evans del cantante/pianista Jamie Cullum e del pianista James Pearson direttore del Ronnie Scott di Londra, e annotazioni dello studioso Marc Meyers.
Voto: 8/10
Bill Evans ‘Bill Evans at the BBC’ Elemental Music Page
Cecil Taylor Unit ‘Fragments The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts’
Terza uscita, questa del Cecil Taylor Unit, comprendente Cecil Taylor al pianoforte, Jimmy Lyons al sassofono coltralto, Sam Rivers al sassofono tenore e al flauto, Andrew Cyrille alla batteria. Dalle note di presentazione si legge che “la formazione di questo album esisterà solo per un anno. A gennaio 1969 Sam Rivers viene invitato ad unirsi al trio, e la formazione così costituita a giugno si reca in Francia, presso Fondation Maeght in Costa Azzurra, dove risiede per quasi due mesi e tiene due concerti alla fine di luglio. La formazione si mescola “contaminandosi” con gli artisti, pittori, scultori, ballerini, residenti nella Fondazione, e tiene due concerti alla fine di luglio. Uno di questi fu pubblicato come triplo lp, ‘Nuits De La Fondation Maeght’ (uscito negli Usa come ‘The Great Concert of Cecil Taylor’). La formazione fu poi invitata dal produttore George Wein ad aprire i concerti della Duke Ellington Orchestra, insieme alla band di Miles Davis, in un tour di 15 date tra ottobre e novembre 1969, pubblicizzato come il Newport Jazz Festival in Europa. L’itinerario includeva concerti a Milano, Roma, Vienna, Londra, Copenaghen, Stoccolma, Berlino, Rotterdam e due esibizioni, uno spettacolo pomeridiano e uno serale, alla Salle Pleyel di Parigi. Questi due spettacoli vengono qui presentati per la prima volta in maniera integrale e in tutta la loro incredibile creatività. I concerti comprendevano una maratona di un unico brano, creato ex novo ogni volta, ma “innestato” nella composizione, sia Rivers che Lyon suonavano con gli spartiti, soprannominato “Fragments of a Dedication to Duke Ellington’. Entrambe le esibizioni furono inoltre filmate dalla troupe della ORFT, la rete televisiva e radiofonica nazionale francese, ma non furono pubblicate ufficialmente in nessuna forma. Ben venga allora quest’uscita che colma una incredibile lacuna.
L’ascolto delle registrazioni è emozionante, Taylor è incredibile, “assalta” la tastiera e produce una tempesta controllata di note che catturano l’ascoltatore, in un serratissimo dialogo con Andrew Cyrille, mentre Rivers e Lyons si destreggiano in un continuo interscambio tra fiati che emoziona e avvince. Un continuo saliscendi di suoni che producono letteralmente “visioni”, un interplay incredibile e magmatico, il set è avvincente ed eccezionale. Questa registrazione, esclusiva per il Record Store Day, è stata prodotta come parte di una consolidata partnership tra l’INA (Institut National de l’Audiovisuel), l’archivio nazionale audivisivo francese, e il produttore Zev Feldman, che ha collaborato con l’INA in passato per le registrazioni tra gli altri di Albert Ayler, Yusef Lateef e tanti altri. A completamento dell’opera un corposo libretto include un approfondimento dei rapporti musicali e personali tra Cecil Taylor, Duke Elligton e Miles Davis del giornalista e studioso americano Philip Freeman, autore della biografia dedicata alla figura di Cecil Taylor ‘The Brevwing Luminous: The Life & Music of Cecil Taylor’ (recensita qui). Include anche riflessioni di Andrew Cyrille, l’ultimo membro sopravvissuto della formazione Unit del 1969, la vedova di Jimmy Lyons, Karen Borca, la moglie di Sam Rivers Monique, il batterista Jack DeJohnette (membro della band di Miles Davis nel 1969) e del pianista Matthew Shipp.
Voto: 9/10
Cecil Taylor Unit ‘Fragments The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts’ Elemental Music Page
Freddie King ‘Live at Nancy Jazz Pulsations, 1975’
La quarta produzione della Elemental Music si intitola ‘Feeling Alright: The Complete 1975 Nancy Jazz Pulsation Concerts’, e presenta il gigante della chitarra blues Freddie King dal vivo al festival francese Jazz Pulsation Festival nell’ottobre 1975 di fronte a 50,000 fan in adorazione. Questa edizione, recuperata dalla ORFT (Office de radiodiffusion-télévision française) vede la luce grazie alla collaborazione tra il produttore Zev Feldman e la Freddie King Estate. L’album vede il Texas Cannonball, come veniva chiamato, alla chitarra e alla voce, accompagnato da Alvin Hemphill all’organo, Ed Lively alla chitarra, Lewis Stephens al piano, Benny Turner al basso, Calep Emphrey alla batteria. Il concerto è trascinante, avvincente, King si svela al pubblico in tutta la sua arte nella trasposizione della tradizione blues con un approccio moderno, intenso, con una sequenza di brani incandescenti, tra cui la bellissima esibizione di Have You Ever Loved a Woman, seguita dalla versione di Whole Lot of Lovin di B. B. King, con aggiunti vari standard blues quali Sweet Little Angel, Got My Mojo Working, The Things I Used to Do, Sweet Home Chicago, Messin’ with the Kid, Danger Zone, Stormy Monday. Inoltre Freddie King aggiunge due brani iconici della musica Rock, diventati parti fondanti del suo repertorio live, quali il brano di Dave Mason, Feeling Alright, reso celebre dai Traffic e da Joe Cocker, e il brano di Don Nix Goin’ Down.
Anche per questo album il corposo libretto include note di copertine del giornalista musicale e storico Cary Baker, un saggio del produttore Zev Feldman, dalla moglie di Freddie King e amministratrice della fondazione Wanda King, e dal chitarrista dei ZZ Top, Billy F. Gibbons.
Voto: 8/10
Freddie King ‘Live at Nancy Jazz Pulsations, 1975’ Elemental Music Page
ETHIOPIQUES 31 – Muluken Mèllèssè
(Buda Musique 2026)
Si riapre lo scrigno magico della Buda Musique– label parigina che da quaranta anni si occupa di archiviare e diffondere le varie musiche proveniente dal globo – e l’ennesima gemma preziosa che ne esce fuori è il volume 31 della serie Etiophiques.
La fondamentale collana diretta dal produttore francese Francis Falceto, che nel corso degli anni grazie alle sue pubblicazioni è riuscita a far arrivare al grande pubblico occidentale la musica etiope , stavolta è completamente dedicata alla figura di Muluken Mèllèssè.
Percussionista e cantante, fu uno dei grandi protagonisti della cosiddetta “Swinging Addis”, ovvero l’epoca d’oro della scena musicale e culturale della capitale Addis Abeba, fiorita tra la fine degli anni ’60 e l’inizio dei ’70.
Il cd è praticamente tutto incentrato sul disco che il cantante registrò assieme alla Dahlak Band, la clamorosa formazione guidata dall’arrangiatore e sassofonista Tilaye Gebre, che qua tocca vette altissime a suon di ethiopian groove, fusione di musica tradizionale etiope e elementi jazz, funk e soul.
Dieci brani praticamente perfetti dove la voce angelica e ultraterrena di Mèllèssè (in)canta d’amore fluttuando sul suono ipnotico e profondo creato dalla Dahlak Band, caratterizzato da ottoni potenti e ritmi sincopati.
Da segnalare un corposo booklet di 16 pagine pieno di illustrazioni, composto dalle note del curatore Falceto e dalla traduzione dei testi dei brani sia in lingua inglese che in lingua francese.
In poche parole, “masterpiece” da ascoltare e riascoltare.
Voto: 8,5/10
Ethiopiques Series Bandcamp Page
Intervista con Pino Montecalvo della label italiana Music à la Coque
Nuova tappa del mio viaggio “spideristico-musicale” alla ricerca di manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna nella nostra esistenza quotidiana. La nuova località di questo “sonico” pellegrinaggio è la Puglia, divisa tra Torre a Mare e Bari, dove approfondisco “virtualmente” la conoscenza della Music à la Coque, “label sperimentale dedita a produrre musica che si muove tra impatto fisico, ricerca sonora e spirito giocoso”. Kathodik aveva incontrato le produzioni della label parecchi anni fa, poi con il tempo si sono perse le tracce. Grazie al “fresco” collaboratore Matteo Fiorelli, che ha parlato di RAVINALE & UBERTO ‘canti e percussione’, e prontamente mi ha “redarguito” sul fatto che non avessi intervistato il deus ex machina della Music à la Coque, mi sono immediatamente attivato e, grazie alla disponibilità di Pino Montecalvo, ho potuto approfondire per questa rubrica la nascita, la quotidianità e il futuro sul pentagramma della Music à la Coque. A voi la lettura.
Pino Montecalvo
Quando, dove e come è nata l’idea di fondare la label Music à la Coque?
Music à la Coque nasce dall’esigenza di poter pubblicare qualsiasi cosa fosse di mio interesse prescindendo da generi prestabiliti. La prima uscita risale al 1995 ed è uno split 7” tra i BZ BZ UEU ed i GOD IS MY CO-PILOT.
BZ BZ UEU / GOD IS MY CO-PILOT ‘Split Ep 7”’
Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?
Come dicevo nel catalogo di Music à la Coque si possono trovere cose molto differenti tra loro dal rumorismo alle musiche piu soffici come ad esempio il lavoro di LE TON MITÉ.
La cosa importante è sempre e comunque il fatto che qualsiasi lavoro deve “centrarmi” in pieno.
LE TON MITÉ ‘Version d’un ouvrage traduit’
La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?
No e si, lavori diversi ma sempre con lo stesso approccio totalmente distaccato anche se non so bene da cosa.
AVVITAGALLI ‘Avvitagalli’
Le vostre produzioni sono in formato cassetta, cd, vinile, digitale. Quale formato secondo voi riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?
L’importanza maggiore è il contenuto non certo la forma.
LO FLOPPER ‘Lo Flopper’
Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?
Buona cosa ma a volte si è poco personali dovendo farlo solo per necessità.
MONTECLAVA ‘Al Canto dei Pidocchi’
Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?
Bisogna adeguarsi ai tempi ma non sempre funziona copme nel mio caso.Preferivo le vecchie fanzines, i giri gli scambi postali.Il fatto è che sono un vero impedito con la tecnologia.
SKINCHANGER ‘Skinchanger’
Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?
Non mi sono mai affidato ad agenzie di promozione o cose del genere, un gorno proverò la cosa, chi lo sa…
GUEERSH ‘Interferências na fazendinha’
Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?
Nessun progetto, si aspetta quello che si trova. Sono una prsona molto cacciatrice e curiosa.
Preferirei, al posto del libro, raccontare la storia della label su un pezzo di carta igienica.
CHIK WHITE ‘face across the door’
Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?
Come dicevo, l’elemento sorpresa è fondamentale e capita e non si sa quando e con chi.
Link: Music à la Coque Bandcamp Page
RAVINALE & UBERTO ‘canti e percussione’
(Music à la Coque 2025)
Questa cassettina bianca fatta uscire dalla mitica label barese Music à La Coque ovvero “rock irregolare jazz senza forma rumori no wave anti folk melodie per bambini e ogni sorta di roba stonata” si intitola “canti e percussione” ed è stata fatta creata da Lucas Ravinale e Loup Uberto ovvero canti fiati rumore e percussioni e vede i due musicisti francesi già membri della band Bégayer prendere interiorizzare e ingoiare canti tradizionali e di lavoro tipici di regioni come Piemonte Emilia Romagna Toscana e Marche per poi rigettarli senza alcuna inibizione trasformandoli in una profonda magnifica casciara sonica fatta di cantato viscerale e botte di percussioni e tamburi fino a far sanguinar le dita tutto questo in un nastro magnetico tanto grezzo quanto vitale.
Voto: 8/10
Loup Uberto Bandcamp Page
Litania ‘Litania’
(Subsound Records/Heavy Psych Sounds Records/2025)
Elisa De Munari, meglio conosciuta con il moniker Elli De Mon, con cui si esprime con un ottimo folk-blues, non si accontenta mai. Per fortuna! Nella sua continua ricerca musicale dal 2024 si è messa alla guida dei Litania, un quartetto italo-serbo composto da membri di Ornaments, Art Of Wind e The Black Heart Procession, con i quali si esprime con un metal-stoner tirato e psichedelico.
In questo lavoro d’esordio sono comprese otto tracce nelle quali la base musicale è l’hindustan psych, un mix di musica indiana, psichedelia, stoner e doom.
Questa scelta musicale non è affatto casuale, se consideriamo la passione di Elli De Mon per le sonorità folk, al punto tale che per questo lavoro ha deciso di non utilizzare il suo caratteristico timbro da murder ballads, preferendo esplorare otto differenti raga indiani, strutture complesse e affascinanti della musica classica indiana, con una voce eterea e trascendente.
Musicalmente, il disco si muove tra riff pesanti e accordi ribassati che evocano atmosfere desertiche alla Joshua Tree, come nella tellurica Ghunghru e i passaggi doom dilatati e vagamente prog di Veil Of Illusion.
Le fluttuazioni di alti e bassi di Bound evocano i Soundgarden, mentre con Jamuniya vengono in mente i Kyuss per la tensione e per il sound particolarmente pieno e possente.
La scelta stilistica di utilizzare elementi del folk indiano ha reso questo disco una realtà metal-stoner molto interessante, perché il gruppo ha trovato un elemento nuovo da miscelare con il sound potente, aiutandolo così a rinnovarsi e a trovare nuova linfa.
Voto: 8/10
Litania ‘Litania’ Bandcamp Page
Intervista con gli ONDAKEIKI
Il nome ONDAKEIKI non dovrebbe “suonar nuovo” per chi è solito stazionare sulle frequenze kathodike.
Qualche mese fa su queste pagine recensii il loro ‘Canti Vol.2’, disco uscito a fine 2025 per 42 Records: canzoni cantate in italiano fatte di un miscuglio magico quanto inspiegabile di dub, reggae, psichedelia e post punk, che consolidava l’unicitá della band milanese all’interno dell’ambiente sperimentale underground nazionale.
Ad inizio aprile il trio ha intrapreso un mini tour che ha toccato Toscana, Emilia Romagna, Puglia e Marche, e proprio nella data marchigiana di Pesaro, all’Urbica Velostazione ho avuto modo di vederli dal vivo.
Come potevo immaginare, la dimensione live probabilmente è quella che valorizza ancora di più il progetto ONDAKEIKI: un set bello denso e dilatato che vede i nostri sul palco completamente a loro agio.
Il trio composto da Rella (voce, batteria), Nicola Ferloni (basso,sampler) e Giacomo Stefanini (chitarra,synth,tastiere), per circa un’ora alterna momenti decisamente più meditativi e onirici a quelli in levare e in generale più movimentati.
Creando un unico flusso sonoro in grado di sequestrare gli spettatori presenti e trasportarli verso mondi sconosciuti.
Insomma, mi raccomando: dal vivo sono imperdibili!
Poi, una volta ripreso dal concerto, ho chiesto ai ragazzi di presentarsi ai lettori di Kathodik, parlandoci un pò di loro e del loro progetto.
Li ringrazio ancora una volta per la disponibilità, di seguito trovate la chiacchierata, buona lettura!
Ciao ragazzi! Cominciamo subito con la classica domanda che prima o poi deve esser fatta soprattutto quando ci si trova di fronte a un nome così particolare come nel vostro caso: che cosa significa ONDAKEIKI (ammesso che abbia un significato)? Perché proprio questo nome… da dove è partito l’input? Diteci di più, dai che i lettori di Kathodik vogliono sapere!
Quando è nata l’idea della band, c’erano due spiriti nell’aria: il suono del mare e una bambina che stava per nascere. Keiki in lingua hawaiiana significa bambino e germoglio; onda è il ritmo che inseguiamo quando suoniamo. Lo scriviamo sempre tutto maiuscolo ONDAKEIKI perché il terzo spirito è lo swag.
Siete tre baldi giovani ma avete già alle spalle tanti anni di musica nel giro più underground, con i vostri progetti personali tipo Everest Magma, Pueblo People e Porta d’Oro, solo per citarne qualcuno. Quand’è che le vostre traiettorie si sono incrociate?
Esiste un’email risalente al 2012 in cui Nicola chiedeva a Rella se aveva voglia di mettere in piedi un progetto con influenze dub. Ci sono voluti appena 11 anni!
‘Canti Vol. 1’ è uscito ad aprile 2024 per Sentiero Futuro Autoproduzione mentre il secondo volume è uscito a ottobre 2025 per 42 Records.
Nel frattempo a inizio 2025 avete fatto uscire in digitale ‘Sei Fiori’, sei remix/rielaborazioni di “Oltre il fiore esploso” che chiudeva ‘Canti Vol.1’.
Ti dico la verità, me l’ero proprio perso quindi ho recuperato in questi giorni… vedo che c’ha messo mano anche Rella col suo progetto Everest Magma, poi tra gli altri nomi c’è Neurotica Exotica e anche un contributo di Lay Llamas… molto interessante!
I quattro brani di ‘Canti Vol. 1’ sono stati una assoluta novità per noi, abituati a fare musica molto diversa.
Trovare un suono per noi così inedito ha anche voluto dire aprire tutta una serie di porte mentali che erano rimaste chiuse fino a quel momento, tra cui l’idea della version, per usare un termine dell’universo dub, o del remix.
La proposta iniziale era di remixare tutte le canzoni del disco, ma le prime due o tre persone con cui ne abbiamo parlato hanno tutte scelto “Oltre il fiore esploso”, così ci siamo ispirati agli amici Holiday Inn e alla loro “Torbido” per creare un EP con diverse versioni della stessa canzone
. È stato bellissimo sentirla mutare così.
Come e perché è nata l’idea di far uscire ‘Canti’ in due volumi separati?
Si tratta di due dischi completamente separati, prodotti in momenti diversi.
Dopo il Vol. 1 non ci siamo rimessi a scrivere puntando per forza a produrne un secondo, ma a un certo punto ci siamo accorti che il disco che si stava materializzando aveva caratteristiche simili al primo, e così lo abbiamo lasciato diventare il Vol. 2.
Cosa che ci ha anche dato la scusa di ingaggiare di nuovo Liz Van Der Nüll per produrre una versione “sorella” della prima copertina.
Com’è nata la collaborazione con la label 42 Records di Roma?
42 è una realtà strana, per noi. Non è certo famosa per dischi di dub psichedelico con pezzi lunghi 10 minuti. Però Emiliano e Mattia hanno da subito dimostrato un grande entusiasmo per la nostra musica, ed è stato impossibile da ignorare. Un altro aspetto è che sin dal primo momento ONDAKEIKI ci ha portato fuori dalle nostre zone di comfort e ci ha fatto provare molte cose nuove e inaspettate: la collaborazione con 42 rientra in questa categoria.
Negli ultimi anni la musica dub sta vivendo una fase di rinascita e trasformazione significativa, che rapporto avete in generale con la “bass culture”?
La nostra è una posizione un po’ ai margini, perché pur essendo estimatori del suono dub/reggae, siamo anche consapevoli di aver passato gli ultimi 20 e passa anni a muoverci dentro ad ambienti che non avevano che qualche contatto sporadico con questa cultura.
Mentre della scena DIY ci sentiamo pienamente parte, grazie alle nostre esperienze pregresse, se si parla di bass culture siamo decisamente degli spettatori.
Ci piace pensare di iniettare un po’ di calore e di sole nel più “freddo” e “cupo” mondo del rock psichedelico e dell’underground sperimentale, quello sì.
Sogniamo che i nostri pezzi vengano suonati nei sound system, ma non ci risulta che sia ancora successo.
Un giorno, chissà.
Come vi approcciate alla dimensione live?
Suonare dal vivo è la cosa più importante per noi, perché fa vivere la tua musica, la senti che ti si agita tra le mani e allora la lasci andare, come una bestiolina. Ci piace che il nostro live sia un’esperienza intensa e avvolgente, un bel viaggione da fare a occhi chiusi, possibilmente ballando.
In questi due anni il vostro progetto che riscontro ha avuto? Siete contenti, soddisfatti? Aspettative/programmi per il futuro?
La nostra maggiore soddisfazione è quando qualcuno urla “woo!” durante lo stacco di basso di “Un cerchio”.
No dai, a parte gli scherzi: ci divertiamo un casino, abbiamo provato tante esperienze nuove, produciamo musica che ci stupisce in continuazione, e anche la nostra amicizia ne ha giovato tanto.
Siamo molto contenti di avere questa band.
Per concludere vi chiederei un disco o un artista in particolare che state ascoltando in questo periodo e che consigliate ai nostri lettori.
‘Perpetual Musket’ di Elijah Minnelli è in heavy rotation.
Dal vivo consigliamo di non perdersi Cosimo Querci, i Cacao, Steve Pepe.
Link: ONDAKEIKI Instagram Profile
Link: 42 Records Home Page
VERSO ‘Echoes of Remembered Things’
(Aut Records 2025)
Il timbro della voce, le melodie, il contesto di derivazione jazzistica, le atmosfere espressive favorite dalla particolare sonorizzazione. Sono probabilmente questi gli elementi che mi fanno sentire Joni Mitchell nei brani cantati da Marta Frigo – sebbene gli influssi che qui riecheggiano siano senz’altro molteplici. Le composizioni originali (quasi tutte le tracce dell’album sono sue o del pianista Diego Albini, eccetto l’ultima, Mode VI che è di Paul Motian, ma la cantante ci mette le parole) hanno strutture assai equilibrate e la loro interpretazione emana il profumo di una consapevole, mai rassegnata, anzi rilassata ed espressiva nostalgia. Sono affreschi ariosi e dolcemente intensi, eleganti nella loro capacità di articolare con naturalità configurazioni narrative. Il che avviene anche grazie alla riuscita del dialogo tra i fiati (il sax tenore e il clarinetto di Francesco Bigone) e la voce, ben supportati dalle tastiere (piano e synth) di Albini (che trova soluzioni esteticamente efficaci e per nulla scontate come quella di procedere all’unisono col canto in Life Sentences ). Alcuni momenti colpiscono l’ascoltatore per la loro nitidezza lirica: le note iniziali del canto di Home at Last sono ad esempio splendide, anche grazie alla loro semplicità.
Sebbene sia l’opera prima del trio, è un lavoro davvero assai maturo: piuttosto intimistico, ma non solipsistico o chiuso in sé stesso. Aut Records continua così il suo contributo alla valorizzazione della creatività di musicisti italiani (e non) che hanno qualcosa di creativo da comunicare.
Voto: 8/10
Aut Records Home Page
Mark Schaub ‘Quiet Panic’
(Anomala Soundscapes 2025)
La nuova uscita della sigla Mark Schaub (uno dei moniker dell’ultra ventennale attività di Marco Ramassotto), è raccolta di elettronica notturna urbano tutt’uno scorie/scarti, che risuona di armonioso e vitale stridore post- techno, nel principio dell’uno/due, Cyborg’s Carnival / Magnetic Splinters, fluttua si allunga e mostra, negli oltre dieci minuti di Quiet Panic (gomme chill/dub FSOL trattate con sensibilità post-worth music, Tuu / Rapoon).
Quantized Breath persuasiva ricognizione, su pale d’elicottero e carpenteriana notte, che vista dall’alto, è tutta un susseguirsi di corone di luci bianche e gialli neon, buio intermittente e lampadine colorate, la puzza di piscio ti entra nel naso anche in quota.
Recursive Path ricorda l’origine reimmettendo in circolo, in aderenza all’oggi, tossine TG / Arecibo.
Sempre alla stessa distanza resta, sulla linea dell’orizzonte, senza nome e non raggiungibile, Fading Folk.
Si.
Voto: 8/10
Anomala Soundscapes Bandcamp Page