Seconda parte della mia disamina delle uscite jazz e blues pescate dal Record Store Day del 18 aprile. Questa volta tratto le uscite della label creata da Zev Felman, la Time Traveler Recordings, e arrivo a lambire oltre alle sponde della musica Jazz anche quelle della musica Folk Rock trattando gli artisti Terry Callier, Roy Hargrove, Buster Williams.
Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’
Il primo album di cui parlo è il live di Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’, concerto in solo del nostro al Folk Club di Chicago, nel 1967. Frutto delle ricerche del produttore Zev Feldman, nell’archivio del proprietario del club Joe Segal, fondatore anche del jazz club Jazz Showcase, scoperta musicale che Feldman ha potuto fare grazie a Waine Segal che gli ha aperto l’archivio nel 2025. In questo live Terry Callier, all’epoca 22enne, si trova artisticamente in evoluzione, passando dall’esordio di ‘The New Folk Sound of Terry Callier’, e a distanza di cinque anni dal futuro ingaggio per la Chess Records che avverà nel 1970. Callier in questo frangente è un artista in transizione, che si muove tra avant folk, improvvisazione jazz e momenti di rara intensità, rendendo il set del concerto un mix magmatico di pezzi legati alla tradizione americana, blues, jazz, ballate e canzoni pop che il nostro presenta all’uditorio con un piglio personale. Callier durante il set presenta la sua versione di Bill Hancock, St. Mark Blues, il tradizional blues Deep Elm Blues e pesca, divertendosi, da Willie Dixon The Seventh Son. In questo album le note di copertina sono affidate all’amico di vecchia data di Terry Callier, Mark Ruffin, e la produzione esecutiva è affidata alla moglie dell’artista, Sunny Callier.
Voto: 8/10
Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’ Time Traveler Recordings Page
Roy Hargrove ‘Bern’
La seconda uscita è dedicata al live del trombettista Roy Hargrove nel 2000, all’International Jazz Festival a Berna, in Svizzera. L’album è prodotto da Zev Feldman e James Batsford, in collaborazione con la Roy Hargrove Estate e la vedova dell’artista, Aida Brandes-Hargrove, in veste di produttore esecutivo. L’artista in questo live, appena trentenne, viene da svariate collaborazioni con la sua tromba e il flicorno, che vedono nell’arco della sua breve esistenza, apparso sulla scena jazz di New York nel 1987 e scomparso nel 2018 all’età di 49 anni, vantare collaborazioni con artisti soul e hip hop come Erykah Baduh e D’Angelo. In questo live Hargrove mostra la sua inconfondibile vena jazz, richiamandosi a maestri della tromba come Dizzie Gillespie, Freddie Hubbard e Clifford Brown, affiancato in questa ottima prova da un quintetto che vede Larry Willis al piano, Willie Jones III alla batteria, Gerald Cannon al basso, Sherman Irby (membro della Jazz at Lincoln Center Orchestra) al sassofono alto. Hargrove si muove con scioltezza tra richiami hard bop, swinganti accelerazioni, ballate introverse ed esecuzioni personali e puntuali riletture di classici come il tradizionale Never Let Me Go, con il funkeggiante Carysm e la chiusura con la ripresa spumeggiante del brano di Art Blakey, Circus.
Voto: 7,5/10
Roy Hargrove ‘Bern’ Time Traveler Recordings Page
Buster Williams ‘Pinnacle’
La terza uscita è dedicata alla ristampa dell’esordio, originariamente apparso nel 1975 per la storica Muse Records, del musicista Buster Williams ‘Pinnacle’. L’album è frutto della collaborazione tra Zev Feldman e la Virgin Music Group e la Craft Recordings. Charles Anthony ‘Buster’ William, trentatreenne all’epoca dell’incisione, era un bassista affermato, avendo trascorso buona parte degli anni ‘60 in tournée e in studio con Nancy Wilson, e prestato il suo contrabbasso ad artisti come i Jazz Crusaders, Harold Land, e il Miles Davis Quintet, in sostituzione di Ron Carter per un lungo periodo nel 1967, dove incontrò Herbie Hancock. Incontro che lo portò a far parte del gruppo Mwandishi di Hancock nel 1971. L’album ‘Pinnacle’, registrato dopo lo scioglimento della band Mwandishi, vede con il nostro Billy Hart, ex Mwandishi, alla batteria, Sonny Fortune, veterano collaboratore di Miles Davis, al sassofono soprano e al flauto, Woody Shaw alla tromba, Earl Turbinton al sassofono, Onaje Allan Gumbs alle tastiere, Guiherme Franco alle percusssioni e in due brani anche la presenza dei cantanti Suzanne Klewan e Marcus. Buster Williams in questo album si muove agilmente tra basso elettrico in The Hump, innestato nella nascente via del Jazz Rock, virato in chiave Fusion, per poi ritornare al classico contrabbasso di Pinnacle, per librarsi nel flusso spirituale di Bakuti, andando di swing in Noble Eagle, per chiudere l’album con il frizzante movimento di Tayamisha. A chiusura il libretto comprende le note di copertina del giornalista Mike Flynn, una selezione di rari scatti del fotografo Raymond Ross, e le note originali del 1975 del produttore Elliot Meadow, che produsse le sessioni, registrate al Blue Rock Studio a New York.
Voto: 7,5/10
Buster Williams ‘Pinnacle’ Time Traveler Recordings Page
FӨRMS ‘FӨRMS’
(Wallace Records/Brigadisco Records 2026)
FӨRMS è una band composta da musicisti attivi in una miriade di formazioni dell’underground nostrano come La Piramide di Sangue, Golfclvb, Plasma Expander, Scrondo, Telephant, La T.a.r.c., nella persona di Stefano Lo Piccolo alla batteria, Marcello Pisanu alla chitarra, Massimo Trogu alle tastiere e ai synth e Riccardo Perria al basso. Esce con questo esordio omonimo, per le benemerite Wallace Records e Brigadisco Records, e propone un Post-Rock strumentale che si squaderna nei dieci capitoli dell’album. Ogni brano, approcciato in maniera minimale dagli strumentisti rivela un raggio di suono che contribuisce a creare il disegno sonico definitivo del progetto, dall’intro in stop motion Migrane, il mistico Vico III, la cavalcata sghemba Bullit, Vico II, spettrale suono siderale, la nenia Mortal, la ritmica sincopata Stoccolma, lo stomp rock di Houdini, Vico I, altro intervallo etereo siderale, Forbidden che nel flusso sonoro riprende vigore e riparte la progressione strumentale, per chiudere con Phantom, sintesi ambient elettronica che gradualmente si trasforma in un deciso incedere martellante che chiude il cerchio della ricerca sonora.
Voto: 7,5/10
FӨRMS ‘FӨRMS’ Bandcamp Page
Ivo Perelman ‘Trifecta’
(Makahala Music 2026)
Ivo Perelman, sassofonista tenore brasiliano fra i più importanti del jazz contemporaneo più libero e improvvisato, ha iniziato la sua avventura musicale suonando la chitarra, poi ha intrapreso la via del free seguendo la propria voce interiore.
Questa volta ha incontrato tre voci importanti della chitarra contemporanea e ne sono nate tre session di registrazione, con Marc Ribot, Elliott Sharp, Joe Morris, nomi a lui noti e con cui ha intrapreso dei progetti, specialmente Joe Morris, con cui ha spesso inciso sia nella veste di chitarrista che di contrabbassista.
È una musica che va ascoltata per il dialogo fitto fra voci cosí personali che si distinguono da tutti i loro colleghi, difficile da descrivere, se non che le atmosfere cambiano così spesso ma tutto resta coerente, improvvisato all’istante ma con tanto da dire.
Sono tre session ma si arriva facilmente alla fine, c’é tanta carne al fuoco ma ogni volta con ingredienti diversi, sono tutti dei grandi artisti che qui forniscono un progetto definitivo per quanto riguarda il confronto/dialogo improvvisato fra sax tenore e chitarra
Voto 9/10
Ivo Perelman ‘Trifecta’ Bandcamp Page
Luca Collivasone ‘Mausoleum (Sounds Of Grief, Dread, Decay)’
(Furry Heart 2026)
Di nuovo Luca Collivasone col suo fatto in casa Cacophonator.
Al giro questo, dopo natalizie letture circa oscurità e scomparsa, brevemente riflette, s’infiamma e aziona fra Novembre e Dicembre 2025.
Risultato: Otto riflessioni sul nostro esser fatti di luci e ombre e quotidiano sottile disagio, come un’alta frequenza costantemente percepita ma non dimostrabile ad altri, e poi, il tutto che c’è e non c’è e la nostra capacità d’appassimento come giglio (te piacerebbe…).
Tradotto?
Otto istantanee a tema, che grazie all’originalità strumentale del in casa fatto di cui sopra, spesso paion ma non sono, un flauto, una chitarra, nulla è ciò che sembra, in continuo scivolamento verso il basso, a guardar il cielo buio fra radici, roditori e lombrichi.
La Third Ear Band col suo “Macbeth” e Fabio Fabor con “Pape Satan” appaion fra il divano e il tavolo basso nell’angolo.
Vado a cercare il dvd della “Grande Abbuffata”, ho voglia di rivederlo.
Voto: 8/10
Furry Heart Records Bandcamp Page
Georgeanne Kalweit ‘Tiny Space’
(NOS/2026)
Georgeanne Kalweit, dopo una lunga esperienza come membro di diversi gruppi italiani: Delta V (2000–2004), Kalweit and the Spokes (2009–2015) e con The Kalweit Project (2016–2020), ha deciso di pubblicare un disco a uso nome. “Tiny Space”, inoltre, è nato in seguito al divorzio dal marito nel 2022, quando Georgeanne, originaria di Minneapolis e residente in Italia da oltre trent’anni, appena trasferitasi a Milano ha iniziato a comporre utilizzando un organo Bontempi e una tastiera Technics, registrando bozze al telefono e sviluppandole nel suo home studio mansardato. Questo materiale è stato poi valorizzato da Lorenzo Corti e poi sviluppato e trasformato dal produttore artistico Giovanni Ferrario (Scisma, Micevice, Hugo Race, PJ Harvey, John Parish, ecc.) in tracce stratificate, in cui elettronica, alt-rock, art pop e suggestioni cinematiche convivono in equilibrio narrativo.
Le dieci tracce del disco sono tutte raffinate e si muovono tra eleganza minimale e vibrazioni spigolose, accomunate da un alt-pop-rock molto ricercato che in più occasioni evoca i primi The Velvet Underground, in particolare nella title-track.
Tuttavia, il disco è abbastanza e piacevolmente variegato, in quanto troviamo l’alt-pop nobile di Heavenly Thoughts, la dilatata e ipnotica Call an Ambulance , l’elettronica inquietante di International Intrigue Time Zone, il pop-rock melodico-veloce e avvolgente di Ten Pins, fino all’intrigante e irresistibilmente seduttiva Fumbling Through February.
Un lavoro ricercato ma allo stesso tempo molto fruibile.
Voto: 8/10
Georgeanne Kalweit Facebook Page
Artizhan (Franky B) ‘Break Construction’
Percorrendo le infinite diramazioni della Musica mi sono imbattuto in questo volume, che si è rivelato una piacevolissima scoperta e che mi ha fatto fare bel un tuffo nel passato da ascoltatore. L’autore Artizan (Franky B), in questo corposo tomo, sottotitolo “Cronache sincopate di Basso e Batteria”, racconta l’evoluzione e le diramazioni della musica elettronica, attraverso il rituale del Breakbeat, e il suo rapporto con la tecnologia e la pista da ballo. Il documentato racconto si dipana a “suon di basso e batteria” attraverso l’Hip Hop dagli Stati Uniti alla cultura Rave inglese attraverso la musica House, la Techno, per arrivare alla Drum&Bass, alla Jungle, all’IDM (Intelligent Dance Music), raccontando le vite di artisti noti e “istituzionalizzati” come Aphex Twin, Goldie, Photek, Squarepusher, ma anche di tantissimi altri artisti, a me sinceramente sconosciuti, che hanno contribuito a suon di Break a scalpellare la storia della musica su tavole di suono. Artizan riesce a trasportare il lettore nel maelstrom di questi generi e di questi autori, grazie alla sua figura di ascoltatore a “tutt’orecchi”, di collezionista, di turntabist, di produttore, di praticante dell’arte dello Scratch con rigore da “arte marziale”, immerso in maniera attiva nella materia pulsante della musica elettronica. A completamento il nostro ci mostra il punto di vista e di suono di alcuni protagonisti storici dell’arte dello Scratch, come tra gli altri, Dj Skizo, Dj Stile, Ice One, completando ottimamente la sua navigazione in questo mare di suono e di movimento.
Finita l’ultima pagina, e in un attimo ti ritrovi con una lista di titoli da ricercare/riascoltare. Ergo… consigliato, leggetene e ascoltatene.
Artizan (Franky B), Break Construction. Cronache sincopate di basso e batteria, Napoli, Edizioni Magmata, 2025
LeMadonne ‘Segreti Di Fu!’
(Setola Di Maiale 2026)
Improvvisazione radicale da Piacenza.
Marcello Bellina (basso/contrabbasso elettrico/mixing), Riccardo Komesar (chitarra/synth) e Bruno Cabrini (batteria/percussioni), son trio che s’approccia alla composizione istantanea in ottica e impatto noise/etno/psych.
Undici stati d’agitazione, registrati tra fine 2024 e principio 2025, glaciali e dettagliati in zona Supersilent, aggiornate all’oggi sul calendario, floreali spaziature hendrixiane, sabbie dall’oriente del mondo ovunque o quasi, masticamenti implacabili + o – come una volta i Sand.
Belli carichi con stile.
Voto: 7,5/10
LeMadonne Bandcamp Page
Zlatko Kaucic / Francesco Cigana ‘Kako Klicati Zmaja’
(Dissipatio 2026)
Di draghi sott’acqua nelle paludi, di studenti, cappi e preghiere.
L’esperienza dello sloveno Zlatko Kaucic e la più giovane età di Francesco Cigana s’incontrano per raccontarci una storia.
Che di batteria/percussioni/oggetti in secca sessione unica del 2023, il lungo collo del drago in lenta riemersione descritto nel dettaglio, ci appare stampato sul fondo dell’occhio.
In azione impro fra spazi dilatati, andature masticate, attriti, sgroppate e scuola di terre dove il soldo non gira.
Ritmo ritmo ritmo.
Parecchia vita in questo.
Voto: 7,5/10
Dissipatio Label Bandcamp Page
Chevreuil ‘Stadium’
(Computer Students™/2026)
A vent’anni di distanza dal loro ultimo disco in studio, i Chevreuil tornano a farsi sentire, con un lavoro che è un punto di rottura e un nuovo inizio. Con questo “Stadium” doppio album, Julien F. e Tony C. firmano una vera e propria rinascita artistica, gettando un ponte d’acciaio tra le intuizioni del loro passato e le infinite possibilità del futuro.
Più che un disco, “Stadium” è un evento concettuale, un’installazione sonora che dimostra come il tempo non abbia minimamente scalfito la loro urgenza espressiva. La musica, infatti, che possiamo ascoltare è frutto non di un lavoro svolto in sala prove, ma di un’idea performativa e installativa.
Senza un bassista a fare da collante, Julien e Tony hanno lavorato sul concetto di “magnetismo”, con la chitarra e la batteria che si attraggono e si respingono in un’alchimia spontanea e quasi fisica.
La loro estetica si fonda su tre pilastri: riduzione, ripetizione e architettura sonora. Il risultato? Un paesaggio sonoro minimale ma devastante, dove ogni brano è un blocco di energia pura incastrato con la precisione di un monumento brutalista.
Registrato rigorosamente dal vivo, mantenendo intatto quel rigore metodologico che da sempre li contraddistingue, con “Stadium”, il duo utilizza per la prima volta sfumature elettroacustiche e timbri sintetici, espandendo il loro spettro sonoro senza snaturarlo.
I concetti che muovono il disco sono tanto affascinanti quanto esoterici: la fisica quantistica, la teoria della musica delle sfere, la radioattività e il magnetismo si trasformano in vibrazioni concrete e metamorfosi sonore. Ogni lato del doppio LP è un microcosmo di quattro brani, ascoltabili sia separatamente sia come un continuum, offrendo un’esperienza fluida e avvolgente. Il disco si muove tra scariche di pura adrenalina e ipnosi geometriche.
Vari i passaggi chiave di “Stadium”. Alliage Atoll II sono l’inizio e la fine del viaggio, accomunati dall’evocazione dei Battles. Il primo per la precisione geometrica e le chitarre sintetiche, mentre il secondo per la coda liquida, avvolgente e straordinariamente raffinata.
Con Tartarus e Aria si scende negli inferi del noise. Se Tartarus è un vortice sperimentale che mette a dura prova i timpani, Aria taglia l’aria con una brutalità che unisce la chirurgica spietatezza degli Shellac all’impatto frontale degli Unsane. Restando in ambito noise, con Plexus possiamo scomodare i Jesus Lizard, in quanto il brano è un assalto tirato e potente che si colloca esattamente al confine tra il metal matematico e le nevrosi del gruppo guidato da David Yow.
In Theorus Macrocosmus, Hypnosis e Magnus, il duo pone al centro dell’attenzione la psichedelia, con ritmi strutturati che avanzano e retrocedono in un loop ipnotico, arricchiti da cambi di registro dinamici e atmosfere lisergiche.
Infine se Quantum con l’electro-rock sperimentale e futuristico ridefiniscono in buona sostanza i confini del loro suono, con Opus e Sanctus torna l’amore per il noise di Chicago degli anni ’90, trattandosi di brani carichi di tensione, fatti di arrovellamenti sonori e feedback taglienti.
Con “Stadium”, i Chevreuil dimostrano che si può rimanere fedeli a se stessi pur rivoluzionando la propria formula. Dopo vent’anni di silenzio, il duo francese non ha perso un briciolo della propria spinta evolutiva. Questo disco è un invito a perdersi nelle frequenze di un magnetismo a cui è impossibile resistere.
Voto: 9/10
Chevreuil Home Page
To Die On Ice ‘Panoramica degli abissi’
(Subsound/2026)
A quattro anni dall’ottimo esordio con “Una specie di ferita”, i To Die On Ice tornano a farsi sentire con il loro secondo album in studio, “Panoramica degli abissi”. Definire questo progetto una semplice band sarebbe riduttivo: la formazione si configura come un vero e proprio collettivo artistico votato all’esplorazione radicale dei confini tra musica, narrativa e immagine.
Il disco non nasce nel vuoto, ma è la trasposizione sonora dell’omonimo racconto di Filippo Dionisi, illustrato da Vitt Moretta e pubblicato in edizione bilingue da Edizioni Fantasma. Lungi dall’essere una didascalica colonna sonora, l’album si propone come una manipolazione della materia narrativa stessa: la deforma, la amplifica e la reinventa, trasformandola in un’esperienza musicale autonoma e viscerale.
L’album si sviluppa come una narrazione alternativa ambientata in un post-Capodanno surreale. I protagonisti, Paul e Bacall, si incontrano casualmente su un cavalcavia per poi ritrovarsi a bordo di una macchina che si trasforma in un sottomarino incandescente diretto verso l’ignoto.
Ogni traccia corrisponde a un momento del racconto, ma le sonorità approfondiscono e arricchiscono il passato della band, aggiungendo strati di spaventosa complessità: dal gospel screamo a cappella (con il featuring di Vespertina) ai duetti cupi con Francesca Bono (Bono-Burattini/Ofelia Dorme), fino a derive vintage anni ’60 rilette in chiave doom (alla Fred Bongusto). Il risultato è un’opera polimorfa che affonda le radici nel Lynch Core, un genere ibrido e disturbante sospeso tra pornografia sentimentale, noir jazz anti-tecnico, minimalismo atmosferico e dilatazioni blues e soul.
La discesa negli abissi del collettivo si articola 13 tracce, ognuna portatrice di una specifica urgenza emotiva e sonora.
L’apertura è affidata a Edera, brano dall’atmosfera tesa e apocalittica, in cui il collettivo sfodera un folk-rock sostenuto, guidato da chitarre blues angosciosamente vicine ai primi Nick Cave & The Bad Seeds. La sensazione dominante è quella di un’inevitabilità geometrica, il battesimo perfetto per un viaggio senza ritorno. Il ritmo si fa più carnale con Baccanale, un blues oscuro che evoca i fantasmi di Carnival of Fools e Gun Club, il brano si muove come un’onda che degrada progressivamente in un’orgia di dilatazioni distorte, dove un saxofono ossessivo affonda in fondali melmosi e corporei, trasmettendo un senso di sensualità tanto magnetico quanto pericoloso.
La notte prosegue e si fa psicotica ne L’insonnia , traccia dominata da isterismi che guardano alla lezione dei Marnero, ma arricchita da spiazzanti cori gospel. A fare da contrappunto a questa violenza arriva La notte è giovane, un episodio jazzato in cui un sax libero si libra su atmosfere notturne. Il tono apparentemente leggero si rivela in realtà profondamente inquietante, mettendo in scena un dialogo serrato tra la finta spensieratezza e il buio circostante. Con Nerofumo l’ascoltatore viene letteralmente trascinato a fondo, in quanto il suono si fa greve, saturo di distorsioni e riverberi che simulano un tuffo negli abissi più oscuri della mente. C’è spazio anche per la decostruzione della tradizione con Tintarella di nulla, un esperimento di jazz sperimentale che poggia su una base melodica e blues, muovendosi sinuoso, sottile e raffinato come una carezza notturna e velenosa.
Il vero fulcro della destrutturazione stilistica dell’album è però Un’estate, che è un continuo e schizofrenico cambio di registro, in cui le sfumature soul di basso e sax si avviluppano su un tremolo distorto di chitarra, mentre un crooning vintage anni ’60 muta improvvisamente in un doom violentissimo. L’esplosione screamo che ne consegue lascia infine spazio a un finale ritmico inaspettatamente Motown. In chiusura, il disco stringe la morsa e con Tempeste di sabbia lavora sulla texture materica, andando in profondità sia letteralmente che metaforicamente attraverso suoni granulosi, ossessivi, che evocano il movimento perpetuo della sabbia. Il cerchio si chiude idealmente con E alla fine tutto torna con le chitarre blues che si fanno acide e che scavano nel profondo. È un ritorno alle radici per i To die In Ice, ma con una durezza granitica che non cede di un millimetro e che lascia l’ascoltatore immobile, sul fondo di quel mare incandescente.
Voto: 8/10
To Die On Ice Facebook Page
Record Store Day 2026 Parte 2 Time Traveler Recordings: Terry Callier, Roy Hargrove, Buster Williams
Seconda parte della mia disamina delle uscite jazz e blues pescate dal Record Store Day del 18 aprile. Questa volta tratto le uscite della label creata da Zev Felman, la Time Traveler Recordings, e arrivo a lambire oltre alle sponde della musica Jazz anche quelle della musica Folk Rock trattando gli artisti Terry Callier, Roy Hargrove, Buster Williams.
Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’
Il primo album di cui parlo è il live di Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’, concerto in solo del nostro al Folk Club di Chicago, nel 1967. Frutto delle ricerche del produttore Zev Feldman, nell’archivio del proprietario del club Joe Segal, fondatore anche del jazz club Jazz Showcase, scoperta musicale che Feldman ha potuto fare grazie a Waine Segal che gli ha aperto l’archivio nel 2025. In questo live Terry Callier, all’epoca 22enne, si trova artisticamente in evoluzione, passando dall’esordio di ‘The New Folk Sound of Terry Callier’, e a distanza di cinque anni dal futuro ingaggio per la Chess Records che avverà nel 1970. Callier in questo frangente è un artista in transizione, che si muove tra avant folk, improvvisazione jazz e momenti di rara intensità, rendendo il set del concerto un mix magmatico di pezzi legati alla tradizione americana, blues, jazz, ballate e canzoni pop che il nostro presenta all’uditorio con un piglio personale. Callier durante il set presenta la sua versione di Bill Hancock, St. Mark Blues, il tradizional blues Deep Elm Blues e pesca, divertendosi, da Willie Dixon The Seventh Son. In questo album le note di copertina sono affidate all’amico di vecchia data di Terry Callier, Mark Ruffin, e la produzione esecutiva è affidata alla moglie dell’artista, Sunny Callier.
Voto: 8/10
Terry Callier ‘Terry Callier at the Earl of Old Town’ Time Traveler Recordings Page
Roy Hargrove ‘Bern’
La seconda uscita è dedicata al live del trombettista Roy Hargrove nel 2000, all’International Jazz Festival a Berna, in Svizzera. L’album è prodotto da Zev Feldman e James Batsford, in collaborazione con la Roy Hargrove Estate e la vedova dell’artista, Aida Brandes-Hargrove, in veste di produttore esecutivo. L’artista in questo live, appena trentenne, viene da svariate collaborazioni con la sua tromba e il flicorno, che vedono nell’arco della sua breve esistenza, apparso sulla scena jazz di New York nel 1987 e scomparso nel 2018 all’età di 49 anni, vantare collaborazioni con artisti soul e hip hop come Erykah Baduh e D’Angelo. In questo live Hargrove mostra la sua inconfondibile vena jazz, richiamandosi a maestri della tromba come Dizzie Gillespie, Freddie Hubbard e Clifford Brown, affiancato in questa ottima prova da un quintetto che vede Larry Willis al piano, Willie Jones III alla batteria, Gerald Cannon al basso, Sherman Irby (membro della Jazz at Lincoln Center Orchestra) al sassofono alto. Hargrove si muove con scioltezza tra richiami hard bop, swinganti accelerazioni, ballate introverse ed esecuzioni personali e puntuali riletture di classici come il tradizionale Never Let Me Go, con il funkeggiante Carysm e la chiusura con la ripresa spumeggiante del brano di Art Blakey, Circus.
Voto: 7,5/10
Roy Hargrove ‘Bern’ Time Traveler Recordings Page
Buster Williams ‘Pinnacle’
La terza uscita è dedicata alla ristampa dell’esordio, originariamente apparso nel 1975 per la storica Muse Records, del musicista Buster Williams ‘Pinnacle’. L’album è frutto della collaborazione tra Zev Feldman e la Virgin Music Group e la Craft Recordings. Charles Anthony ‘Buster’ William, trentatreenne all’epoca dell’incisione, era un bassista affermato, avendo trascorso buona parte degli anni ‘60 in tournée e in studio con Nancy Wilson, e prestato il suo contrabbasso ad artisti come i Jazz Crusaders, Harold Land, e il Miles Davis Quintet, in sostituzione di Ron Carter per un lungo periodo nel 1967, dove incontrò Herbie Hancock. Incontro che lo portò a far parte del gruppo Mwandishi di Hancock nel 1971. L’album ‘Pinnacle’, registrato dopo lo scioglimento della band Mwandishi, vede con il nostro Billy Hart, ex Mwandishi, alla batteria, Sonny Fortune, veterano collaboratore di Miles Davis, al sassofono soprano e al flauto, Woody Shaw alla tromba, Earl Turbinton al sassofono, Onaje Allan Gumbs alle tastiere, Guiherme Franco alle percusssioni e in due brani anche la presenza dei cantanti Suzanne Klewan e Marcus. Buster Williams in questo album si muove agilmente tra basso elettrico in The Hump, innestato nella nascente via del Jazz Rock, virato in chiave Fusion, per poi ritornare al classico contrabbasso di Pinnacle, per librarsi nel flusso spirituale di Bakuti, andando di swing in Noble Eagle, per chiudere l’album con il frizzante movimento di Tayamisha. A chiusura il libretto comprende le note di copertina del giornalista Mike Flynn, una selezione di rari scatti del fotografo Raymond Ross, e le note originali del 1975 del produttore Elliot Meadow, che produsse le sessioni, registrate al Blue Rock Studio a New York.
Voto: 7,5/10
Buster Williams ‘Pinnacle’ Time Traveler Recordings Page