(Glitterbeat/Goodfellas 2026)
Con “Assikel” (viaggio o percorso in lingua Tamasheq), i Tamikrest celebrano vent’anni di carriera riaffermando il proprio ruolo di voce imprescindibile della cultura Kel Tamasheq. Il sesto album in studio della formazione maliana non è soltanto un nuovo capitolo discografico, ma una dichiarazione artistica e politica che affonda le radici nell’esilio, nella perdita e nella resistenza di un popolo ancora sospeso tra guerra, censura e diaspora.
Registrato interamente dal vivo su nastro analogico, “Assikel” restituisce tutta la forza organica e magnetica della band. La scelta produttiva privilegia l’impatto emotivo e l’interazione istintiva tra i musicisti, catturando quella dimensione ipnotica che negli anni ha reso i Tamikrest una delle realtà più intense del desert blues contemporaneo.
Sul piano tematico, il disco continua a esplorare il concetto di assouf, termine chiave della poetica tuareg che racchiude nostalgia, malinconia e desiderio di appartenenza. Come sottolineato dal frontman Ousmane Ag Mossa, le motivazioni della band non sono cambiate perché nemmeno la situazione del Mali è cambiata: la violenza e l’instabilità continuano a segnare profondamente la vita del popolo Tamasheq. Eppure, ciò che emerge dalle otto tracce del disco non è rassegnazione, ma una tensione costante verso la sopravvivenza culturale e spirituale. Musicalmente, “Assikel” alterna momenti di trance meditativa a improvvise accelerazioni rock. Le chitarre elettriche e acustiche dialogano con una lap steel sospesa e visionaria, mentre basso e percussioni costruiscono una struttura ritmica profonda, a tratti dub, a tratti ancestrale.
Il disco si apre con la morbida e rallentata Adagh Oyanted, che introduce subito il tono del disco: una chitarra slide lenta e pulsante accompagna un canto che denuncia lo sfruttamento delle terre del nord del Mali, evocando paesaggi aridi e tensioni irrisolte. Aiytma, scritta insieme al poeta Mahmoud Ag Ahmouden, si presenta invece come una ballata delicata solo in apparenza, trasformandosi progressivamente in un canto di resistenza dal forte impatto emotivo, caratterizzandosi per un desert-blues classico.
Tuttavia, il vertice elettrico dell’album arriva con Imanin, probabilmente il brano più feroce e diretto del lotto, in quanto viera vira verso il rock con un bel basso in evidenza. Le linee sintetiche di Wouter Van Asselbergh, infatti, aprono la strada a una tempesta di chitarre distorte, basso incalzante e percussioni ossessive, in un incontro riuscitissimo tra rock psichedelico e tradizione Ishumar.
Eillal spezza la tensione con il suo spoken word quasi contemplativo e reso più suggestivo dalla partecipazione di Ibrahim Ag Alhabib dei Tinariwen. Adounia, traccia finale, è il cuore emotivo del disco, in quanto rende omaggio al compianto Mohammed Ag Itlale, conosciuto come Japonai, mentore del cantante e chitarrista Ousmane Ag Mossa e figura centrale della musica tuareg contemporanea. Tra organi malinconici, voci soffuse e una struttura quasi liturgica, il pezzo si chiude con una registrazione domestica dello stesso Japonais che recita una poesia: un finale struggente, intimo e profondamente umano.
Con “Assikel”, i Tamikrest non reinventano il proprio linguaggio, ma ne affinano ulteriormente la forza evocativa, pubblicando uno dei dischi più belli di questi primi mesi del 2026. Per l’intensità che evoca, in grado di trasformare memoria, dolore e identità in un’esperienza sonora avvolgente e universale.
Voto: 9/10
Tamikrest Facebook Page
Psoas ‘Satori’
(Aut Records 2026)
Il trio che prende il nome da un muscolo, lo psoas, fa un disco coraggioso, pieno di idee che scorrono per 68 minuti, libere di fluire senza alcun problema, tanto è l’intesa che regna fra i musicisti.
Alex Dal Checco al sax tenore, Giulio Cuppari alla chitarra elettrica e Giosuè Consiglio alla batteria si lasciano andare a brani soffusi, come Piccola preghiera, ma poi graffiano con forza altrove scoprendo il funky o seguendo le orme libere del free.
Le composizioni e tutta la musica rivela un gruppo dalla forte inventiva e che sa attirare gli ascoltatori con personalità, facendo una musica propria.
Bravi, emergono con personalità, una di quelle band che anche nella dimensione live trasmette tante emozioni al pubblico.
Voto: 8/10
Psoas ‘Satori’ Bandcamp Page
Killing Joke ‘Extremities. The Albini Demos And Live Beginnings ’88’
(Overdrive/2026)
Nella quasi cinquantennale carriera il momento più critico per la band principe del post-punk è stato il biennio tra il 1988 e il 1990. Dopo l’addio del batterista Paul Ferguson e del bassista Paul Raven, la band si era arenata in un synth pop freddo e poco convincente con “Outside” The Gate’ (1988), che li aveva lasciati sommersi dai debiti e dalla critica. Sembrava la fine, invece con uno scatto di reni resiliente, la band riuscì a riscattarsi da quella crisi.
La band, con i nuovi innesti, tra i quali il nuovo batterista, ex PIL, Martin Atkins, si approcciò ulteriormente all’industrial e andò a registrare questo disco a Chicago con la supervisione di Steve Albini.
Inizialmente Walker e Atkins si chiusero in uno scantinato con il cantante-chitarrista degli Shellac per registrare alcune demo strumentali, senza la voce di Jaz Coleman. I tre si accordarono in modo importante, tanto è vero che le linee di basso distorte e gli oscillatori caotici crearono un’energia grezza che (finalmente) spazzò via il pop cerebrale degli anni precedenti.
Money (Demo), infatti, è scarna, noise e serrata, mentre l’inedita Unreleased si distacca dalla furia generale, rallentando in un viaggio malinconico e nostalgico, richiamando le atmosfere oscure e raffinate del loro “What’s THIS For…!” (1981), in un post-punk rocambolesco. Con Scrape/North Of The Border (Demo) la band inglese si esprime con ballabile groove funky che evoca i Gang of Four. Irresistibile è Money (Reflex Mix) con un ritmo industrial-dance che avvolge, travolge ed eccita da morire l’ascoltatore.
Nel secondo lato del disco troviamo la registrazione del primo concerto di Martin Atkins con i Killing Joke, tenutosi al Burberries di Birmingham il 20 dicembre 1988, all’interno di un piccolo club saturo di adrenalina e claustrofobia, dove la band incendiò il palco con brani che avrebbero poi composto “Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions”. I brani presenti sul disco di quel live sono le versioni embrionali ma piene di vitalità di “Extremities” e The Beautiful Dead, che già allora erano intrise di sonorità industrial metal, questo sicuramente anche grazie all’esperienza di Atkins nei Ministry.
Tra le chicche di questo live c’è l’inedito The Fanatic, che oggi appare profetico, in quanto le sue trame ritmiche anticipano le influenze mediorientali che la band avrebbe esplorato anni dopo in “Pandemonium”. Tuttavia,
il culmine del concerto giunge con la performance esplosiva di Intravenous, dove la batteria di Atkins esplode in detonazioni ritmiche che lasciano senza fiato.
“Extremities, The Albini Demos And Live Beginnings ’88” non è un disco per chi cerca un ascolto leggero, bensì un documento storico, un tassello indispensabile per i cultori della band, perché registra il momento storico in cui Geordie Walker e Martin Atkins salvarono letteralmente i Killing Joke, riportandoli in vita con rabbia e orgoglio.
Voto: 9/10
Killing Joke Facebook Page
Valentina Fin ‘Negli stessi fiumi’
(Bacàn Records 2026)
Ecco ancora un progetto di musica crossover, fra la struttura dei madrigali del secolo XVI e l’improvvisazione jazz, un modo di mettere d’accordo passato e presente, la voce antica legata alla partitura e nuovi strumenti quali la chitarra elettrica, un miscuglio tra musiche che qui si svolge sulle rive dei fiumi già testimoni secoli fa della rinascita del madrigale come genere dopo due anni di “pausa” creativa.
Claudio Monteverdi, Giovanni Pierluigi da Palestrina e Maddalena Casulan, prima donna a scrivere musica, sono i compositori piú noti del genere, ora Valentina Fin alla voce insieme a Angela Centanin, Alberto Rassu e Leonardo Franceschini che aggiungono voce, chitarra elettrica, basso a volte percussioni, suonano quelle strutture insieme ad assoli in cui la chitarra, altro strumento eclettico, appare divisa fra suggessioni rock ed altre più jazzistiche, in ogni caso improvvisando e dando nuovi impulsi.
Le nuove possibilità espressive date da questo incrocio fra polifonie e antiche e improvvisazioni richiede un poco di tempo per essere assimilato, come tutte le cose nuove.
Non resta che ascoltarlo e farsi coinvolgere, di momenti interessanti ce ne sono tanti.
Voto: 8/10
Valentina Fin Home Page
Design ‘Faithless’
(Overdub/2026)
Ci sono album che raccontano emozioni e altri che riescono a fotografare il disagio di un’intera epoca. “Faithless”, terzo lavoro in studio dei marchigiani Design, appartiene decisamente alla seconda categoria.
Nato dal dolore, ma proiettato oltre la dimensione privata del lutto, il disco utilizza la perdita come strumento per interrogare il presente e le sue fragilità. Fin dalle prime tracce emerge la natura concettuale dell’opera: un viaggio nelle crepe di una società che sembra aver smarrito ogni punto di riferimento.
La mancanza di fede evocata dal titolo non riguarda soltanto la religione, ma si allarga al crollo delle ideologie, delle istituzioni e delle promesse di progresso che hanno accompagnato la modernità. Attraverso la metafora del ventre della balena, sospesa tra Melville, Collodi e suggestioni distopiche, i Design costruiscono una discesa nell’oscurità che non indulge nel vittimismo, ma individua nel confronto con il buio l’unica possibilità di rinascita. Sul piano sonoro, “Faithless” colpisce per maturità e coerenza. La produzione di Enrico Tiberi e il mastering di Pete Maher danno forma a un suono moderno e internazionale, dove post-punk, elettronica, industrial ed electro-rock convivono con equilibrio. Ne emerge un album dinamico, capace di alternare atmosfere rarefatte e improvvise esplosioni di energia.
La title-track apre il percorso affrontando perdita e smarrimento, mentre Cold War e Sweet Surrender trasformano in musica la tensione, l’alienazione e il senso di esclusione contemporanei.
Il vertice emotivo arriva con Deep Dive, cuore oscuro del disco, dove aggressività industrial e ricerca melodica si fondono in una catarsi intensa. L’inquietudine prosegue in Evil Eye e Red Dragon, due brani che trasformano conflitti personali e derive collettive in materia sonora pulsante. La parentesi più intima è affidata a Loner’s Dream, momento di fragile sospensione prima della chiusura affidata a Keyhole, feroce riflessione sulla manipolazione della realtà contemporanea. La forza di Faithless sta nella capacità di unire introspezione e critica sociale senza rinunciare all’impatto emotivo.
I Design firmano un lavoro ambizioso e autentico, che evita tanto la nostalgia quanto le formule più prevedibili dell’alternative contemporaneo. Un disco intenso e necessario, capace di guardare nell’abisso senza distogliere lo sguardo.
Voto: 8/10
Design Facebook Page
Simone Basile ‘Perspectives’
(Encore Music 2026)
Fra le cose più interessanti uscite recentemente c’è da mettere questo disco del chitarrista Simone Basile, registrato a new York nello storico Bunker Studio, uno spazio da cui sono passati artisti quali Brad Mehldau e Brian Blade.
Qui, nella città che non dorme mai, ha incontrato John Patitucci, un bassista coinvolto in collaborazione storiche con Chick Corea ed i Manhattan Transfer ed è nato così il trio insieme al batterista Antonio Cerfeda.
Le composizioni sono tutte del leader, molto interessanti, richiamano alla lontana lo stile del primo Pat Metheny, ma cue che colpisce di più è l’interplay fra i tre, il basso elettrico di Patitucci che trova subito l’intesa con i due giovani musicisti italiani, come se fossero insieme da lungo tempo.
Quel che viene fuori è un album autentico, solido, raffinato, di un trio jazz in sintonia con le tendenze contemporanee che si respirano a New York.
Voto: 9/10
Simone Basile ‘Perspectives’ Bandcamp Page
Lone Assembly ‘Knots & Chains’
(Irascible/2026)
Esordire oggi con un album che affonda apertamente le proprie radici nell’estetica della Factory Records potrebbe sembrare una scelta rischiosa, ma i Lone Assembly affrontano questa sfida con personalità e convinzione. Con “Knots & Chains”, il quartetto svizzero firma un debutto affascinante, capace di intrecciare le atmosfere cupe del post-punk con la raffinatezza melodica del synth-pop.
Il lavoro ruota attorno al tema del controllo, declinato nelle sue diverse forme: quello esercitato dagli altri, quello che imponiamo a noi stessi e quello generato dagli ambienti che ci circondano. Questa riflessione prende forma attraverso un costante gioco di contrasti, in cui tensione e liberazione, chiusura e apertura si alternano senza sosta. È una dinamica presente in tutto il disco, trasformandolo in un percorso emotivo fatto di compressioni e improvvisi spiragli di luce.
Già dalle prime battute di Call of the Swift, la band chiarisce le proprie coordinate stilistiche. Il timbro baritonale di Raphaël Bressler richiama certe suggestioni dark degli anni ‘80, mentre la sezione ritmica costruisce una struttura solida e avvolgente. Brani come Fantasy e Nocturnal Vision ampliano ulteriormente l’orizzonte sonoro, immergendo l’ascoltatore in paesaggi sintetici sospesi e atmosferici.
Con The Pain Keeper emerge invece il lato più synth-pop del gruppo, con le tastiere che assumono un ruolo centrale e riportano alla mente la migliore tradizione coldwave, senza mai risultare nostalgiche o derivative. L’alienazione urbana trova poi la sua espressione più efficace in The City Works Like This, una traccia intensa e opprimente che prepara il terreno a quello che rappresenta il vero punto di svolta dell’album.
Nel complesso, “Knots & Chains” è un esordio di notevole spessore, perché il quartetto riesce a recuperare il fascino austero e malinconico della tradizione post-punk e synth-pop, aggiornandolo attraverso una produzione ampia, elegante e contemporanea.
Voto: 8/10
Lone Assembly Facebook Page
Tamikrest ‘Assikel’
(Glitterbeat/Goodfellas 2026)
Con “Assikel” (viaggio o percorso in lingua Tamasheq), i Tamikrest celebrano vent’anni di carriera riaffermando il proprio ruolo di voce imprescindibile della cultura Kel Tamasheq. Il sesto album in studio della formazione maliana non è soltanto un nuovo capitolo discografico, ma una dichiarazione artistica e politica che affonda le radici nell’esilio, nella perdita e nella resistenza di un popolo ancora sospeso tra guerra, censura e diaspora.
Registrato interamente dal vivo su nastro analogico, “Assikel” restituisce tutta la forza organica e magnetica della band. La scelta produttiva privilegia l’impatto emotivo e l’interazione istintiva tra i musicisti, catturando quella dimensione ipnotica che negli anni ha reso i Tamikrest una delle realtà più intense del desert blues contemporaneo.
Sul piano tematico, il disco continua a esplorare il concetto di assouf, termine chiave della poetica tuareg che racchiude nostalgia, malinconia e desiderio di appartenenza. Come sottolineato dal frontman Ousmane Ag Mossa, le motivazioni della band non sono cambiate perché nemmeno la situazione del Mali è cambiata: la violenza e l’instabilità continuano a segnare profondamente la vita del popolo Tamasheq. Eppure, ciò che emerge dalle otto tracce del disco non è rassegnazione, ma una tensione costante verso la sopravvivenza culturale e spirituale. Musicalmente, “Assikel” alterna momenti di trance meditativa a improvvise accelerazioni rock. Le chitarre elettriche e acustiche dialogano con una lap steel sospesa e visionaria, mentre basso e percussioni costruiscono una struttura ritmica profonda, a tratti dub, a tratti ancestrale.
Il disco si apre con la morbida e rallentata Adagh Oyanted, che introduce subito il tono del disco: una chitarra slide lenta e pulsante accompagna un canto che denuncia lo sfruttamento delle terre del nord del Mali, evocando paesaggi aridi e tensioni irrisolte. Aiytma, scritta insieme al poeta Mahmoud Ag Ahmouden, si presenta invece come una ballata delicata solo in apparenza, trasformandosi progressivamente in un canto di resistenza dal forte impatto emotivo, caratterizzandosi per un desert-blues classico.
Tuttavia, il vertice elettrico dell’album arriva con Imanin, probabilmente il brano più feroce e diretto del lotto, in quanto viera vira verso il rock con un bel basso in evidenza. Le linee sintetiche di Wouter Van Asselbergh, infatti, aprono la strada a una tempesta di chitarre distorte, basso incalzante e percussioni ossessive, in un incontro riuscitissimo tra rock psichedelico e tradizione Ishumar.
Eillal spezza la tensione con il suo spoken word quasi contemplativo e reso più suggestivo dalla partecipazione di Ibrahim Ag Alhabib dei Tinariwen. Adounia, traccia finale, è il cuore emotivo del disco, in quanto rende omaggio al compianto Mohammed Ag Itlale, conosciuto come Japonai, mentore del cantante e chitarrista Ousmane Ag Mossa e figura centrale della musica tuareg contemporanea. Tra organi malinconici, voci soffuse e una struttura quasi liturgica, il pezzo si chiude con una registrazione domestica dello stesso Japonais che recita una poesia: un finale struggente, intimo e profondamente umano.
Con “Assikel”, i Tamikrest non reinventano il proprio linguaggio, ma ne affinano ulteriormente la forza evocativa, pubblicando uno dei dischi più belli di questi primi mesi del 2026. Per l’intensità che evoca, in grado di trasformare memoria, dolore e identità in un’esperienza sonora avvolgente e universale.
Voto: 9/10
Tamikrest Facebook Page
Peter Van Huffel, Rieko Okuda, Sofia Borges ‘Lagrangian Points’
(4Da Record 2026)
Il titolo si ispira ai punti di Lagrange, ben conosciuti ai matematici ed agli astronomi, e qui ripresi in quanto concetto di equilibrio fra forze gravitazionali che si attraggono o finiscono di interagire, così come i tre musicisti qui all’opera.
Sofia Borges alla batteria percussioni ed electronics, Rieko Okuda al pianoforte tastiere, electronics e Peter Van Huffel sax alto e baritono ed electronics hanno già lavorato insieme, ma qui sono per la prima volta in trio, registrati dal vivo al Morphine Raum a Berlino.
La varietà degli strumenti e degli effetti che sgorgano dal computer generano un tappeto di suoni infinito, possibilità di infinite di interazioni ma sempre in un sottile equilibrio fra le forze in campo, senza collisioni di personalità incompatibili.
Il tutto, nonostante i computer a sputare residui di musica concreta, acquista momenti di spiccata emozionalità nel complesso dialogo fra strumenti acustici ed elettronici.
All’interno dell’album una dedica che ci riporta alla contemporaneità extra musicale: This album is dedicated to those who had no voice in war but bore its deepest wounds.
Voto: 9/10
Peter Van Huffel, Rieko Okuda, Sofia Borges ‘Lagrangian Points’ Bandcamp Page
Johann Merrich ‘Altri Suoni’
Johann Merrich è una musicista che è praticamente “di casa” nei lidi kathodici. Come webzine e come associazione i suoi studi e le sue ricerche vengono regolarmente seguiti dalla redazione con molta curiosità e profondo interesse. Varie occasioni ci sono state, nel corso della sua carriera, in cui come Kathodik si è potuto approfondire vari aspetti dei suoi studi e della sua poetica e filosofia della musica. Ben venga quindi la notizia di un nuovo libro intitolato ‘Altri Suoni. Storia nascosta della Musica Elettronica’ pubblicato anche questa volta da Arcana Edizioni, in cui la nostra amplia il raggio d’azione delle sue scoperte e riscoperte musicali, in ambito elettronico e non solo, raccontando con il suo stile puntale, e avvincente, storie dimenticate di pioniere e di pionieri, di incredibili macchine “sonanti”, di nomi che hanno contribuito alla rivoluzione della musica e della sua tecnologia. Merrich si dirige in paesi come, tra gli altri, l’Egitto con il compositore Halim El-Dabh, la Svezia con la storia di uno dei più importanti studi di ricerca sulla musica elettronica l’Elektronmusicstudio (qui mi permetto di segnalare l’intervista che ho fatto al direttore Mats Lindström), la Finlandia con il musicista Erkki Kurenniemi, la Norvegia con la ricercatrice Else Myrvang, storia questa recuperata da Merrich in collaborazione con la dj e producer sami-norvegese Charlotte Benedikt, la Turchia con la riscoperta della musica elettronica, grazie allo scambio di informazioni con la compositrice e sound artist Başak Günak, in arte Ah! Kosmos, per arrivare a parlare del compositore Gökçen Kaynatan, la Grecia con Michael Adamis, Jani Christou, Theodore Antoniou, la Romania con la storia di Octavian Nemescu insieme al fondamentale supporto della moglie Erica Nemescu, ma anche l’India, le Filippine e tante altre nazioni scrigni di tesori sonori da riscoprire. L’elenco volutamente parziale è un chiaro invito a procurarsi il volume, posizionarsi con i padiglioni auricolari ben aperti, leggere i vari capitoli e ascoltare a più non posso i suoni e le suggestioni presenti in questo affascinante volume, importante contributo all’allargamento della conoscenza della musica tutta. Repetita juvant… consigliato!
Johann Merrich, Altri Suoni. Storia nascosta della Musica Elettronica, Roma, Arcana Edizioni, 2025
Praed ‘Al Wahem’
(Ruptured/Annihaya 2026)
Il duo composto dall’artista libanese Raed Yassin (sintetizzatori, voce, elettronica, campionamenti) e il musicista svizzero Paed Conca (clarinetto, basso elettrico e campionamenti), dopo aver pubblicato nell’ottobre dell’anno scorso l’ambizioso ‘The Dictionary of Lost Meanings’ – assieme a una orchestra di 16 elementi- a nome Praed Orchestra!, torna in questo 2026 col nuovo disco ‘Al Wahem’, uscito per le labels libanesi Ruptured e Annihaya.
Registrato e mixato da Fadi Tabbal tra Beirut e Berlino, il nuovo lavoro vede comunque la collaborazione di un ensemble sì ristretto ma estremamente potente, in cui spicca lo sdoppiamento ritmico della doppia batteria di Pascal Semerdjian e Ayman Zebdawi, la voce eterea di Mayssa Jallad, le tastiere di Amr Said e la sezione archi composta da Rasheed Helal (violino), Razan Qassar (violino), Mahdi Almahdi (viola) e Abdul Jawad Hretani (cello).
La traiettoria dei Praed è da sempre un viaggio di esplorazione dove la tradizione shaabi (musica popolare araba) viene destrutturata attraverso la lente deformante di psichedelia, improvvisazione ed elettronica.
Anche in questo disco,il duo mantiene la promessa: un lavoro denso, destabilizzante e totalmente a fuoco.
É la title track ad aprire le danze, Al Wahem (tradotto in lingua italiana sarebbe “L’illusione”) è un monumentale rituale groovy di 19 minuti in cui la doppia batteria e il basso formano l’ossatura per il clarinetto sinuoso di Conca libero di strisciare attorno alle ramificazioni di synth -settati appositamente con scale mediorientali- che vedono entrare in chiusura, le voci fantasma e spettrali di Raed Yassin e Mayssa Jallad.
Segue Al Hathayan, brano che funge da ponte fra le due composizioni più lunghe dell’album, cinque minuti che vedono il clarinetto muoversi fra gli archi, sullo sfondo di loop inquieti e percussioni grezze.
Ci si sposta poi verso i tredici minuti di Al Maraya, un’estasi ascensionale e tribale esplicitamente dedicata agli specchi, fatta di spirali avvolgenti di clarinetto e spruzzi di sintetizzatori oceanici.
Il cerchio si chiude infine con l’assalto frontale di Assarab, traccia dal titolo programmatico (‘Il Miraggio’), otto minuti di ‘trance-psych-electro-Shaabi’, dove spiccano le ipnotiche tastiere di Amr Said che si intrecciano alle trame serrate dei fiati, dei sintetizzatori e delle percussioni, stratificandosi in una progressione poliritmica che fonde il tutto e non fa più distinguere tra analogico e sintetico.
In definitiva, ‘Al Wahem’ non è soltanto una magistrale conferma per i Praed, ma il coronamento perfetto di una carriera ventennale spesa a sabotare i confini tra avanguardia occidentale e cultura pop mediorientale.
Un disco fisico e politico, in grado di far convivere la polvere delle strade del Cairo con la freddezza industriale di Berlino.
Un ascolto totale, disorientante e assolutamente imperdibile per gli amanti delle contaminazioni senza confini.
Voto 8/10
Praed ‘Al Wahem’ Bandcamp Page