(WormHoleDeath 2026)
Dalle maggiori asciuttezze di “Paturnie” son trascorsi trent’anni e una notevole torre di produzioni, che di solito, da noi come altrove, si traduce in un, quasi definitivo silenzio stremato o, spesso alla bella e meglio, un gentile e introverso rattrappimento domestico/addomesticato in attesa del finale.
Apprezzar non posso (spero anche tu), il rilancio con annesso salto dalla scogliera, compiuto da qualche album a questa parte dal Brusaschetto.
Riesco solo a vederne la scia dice, e intanto corre con veloci zampette nel più fitto del bosco (Non so cosa dico, non so cosa scrivo, ho un carattere isolazionista, diciamo schivo, non esco mai, odio la gente, mi viene l’orticaria se penso agli assembramenti, levo le tende, ma dai, vi amo tutti, lo sapete, andiamo a fare la fila al bancone del bar, non avete sete? Offro io, tranquilli, sono un signore).
Alto verso il cielo, in cerca di deflagrazione come un fuoco d’artificio che per istante tutto illumina di noi ancorati a terra, bocche aperte, denti e pelli sudate, un’ultima istantanea Polaroid, da ritrovare appesa fra cento anni, consunta e schizzata di sangue su di un frigo in una cucina devastata (finalmente), da orde di zombie.
Di fredda osservazione da entomologo che sorride di fronte agli infiniti combattimenti concentrati in un centimetro quadrato.
La più alta onda anomala mai registrata fu in Alaska nel 1958, alta 524 metri travolse ogni cosa e ridisegnò il paesaggio di Lituya Bay.
Immagina, di esser seduto con le gambe penzoloni nel vuoto e un sorriso di ringraziamento che t’allarga la faccia per la bellezza che ti si para di fronte, veloce in arrivo.
Farai quel che devi, urlerai, urlerai, urlerai.
E poi di nuovo, ringrazierai, prima del silenzio che tutto avvolge.
Voto: 8/10
Daniele Brusaschetto Bandcamp Page
Daniele Brusaschetto ‘Dichotomous’
(WormHoleDeath 2026)
Dalle maggiori asciuttezze di “Paturnie” son trascorsi trent’anni e una notevole torre di produzioni, che di solito, da noi come altrove, si traduce in un, quasi definitivo silenzio stremato o, spesso alla bella e meglio, un gentile e introverso rattrappimento domestico/addomesticato in attesa del finale.
Apprezzar non posso (spero anche tu), il rilancio con annesso salto dalla scogliera, compiuto da qualche album a questa parte dal Brusaschetto.
Riesco solo a vederne la scia dice, e intanto corre con veloci zampette nel più fitto del bosco (Non so cosa dico, non so cosa scrivo, ho un carattere isolazionista, diciamo schivo, non esco mai, odio la gente, mi viene l’orticaria se penso agli assembramenti, levo le tende, ma dai, vi amo tutti, lo sapete, andiamo a fare la fila al bancone del bar, non avete sete? Offro io, tranquilli, sono un signore).
Alto verso il cielo, in cerca di deflagrazione come un fuoco d’artificio che per istante tutto illumina di noi ancorati a terra, bocche aperte, denti e pelli sudate, un’ultima istantanea Polaroid, da ritrovare appesa fra cento anni, consunta e schizzata di sangue su di un frigo in una cucina devastata (finalmente), da orde di zombie.
Di fredda osservazione da entomologo che sorride di fronte agli infiniti combattimenti concentrati in un centimetro quadrato.
La più alta onda anomala mai registrata fu in Alaska nel 1958, alta 524 metri travolse ogni cosa e ridisegnò il paesaggio di Lituya Bay.
Immagina, di esser seduto con le gambe penzoloni nel vuoto e un sorriso di ringraziamento che t’allarga la faccia per la bellezza che ti si para di fronte, veloce in arrivo.
Farai quel che devi, urlerai, urlerai, urlerai.
E poi di nuovo, ringrazierai, prima del silenzio che tutto avvolge.
Voto: 8/10
Daniele Brusaschetto Bandcamp Page
The Mon ‘Songs of Embrance’
(Supernatural Cat/2026)
A distanza di pochissimi mesi dalla pubblicazione di “Songs Of Abandon”, Urlo, bassista, tastierista e voce degli Ufomammut, torna con il secondo capitolo del suo progetto solista The Mon, chiudendo con “Songs Of Embrace” un ideale e bizzarro doppio album.
I due dischi rappresentano un dittico indissolubile ma speculare, due facce della medesima medaglia nata per esorcizzare un lungo percorso di solitudine e sconforto. Laddove “Songs Of Abandon” cercava il calore dell’approccio acustico e della parola cantata, “Songs Of Embrace” sceglie la via opposta: un flusso di coscienza interamente elettronico e strumentale, un noise catartico capace di rendere sopportabile il malessere. In questo lavoro, inoltre, The Mon tra i tanti elementi che ha utilizzato per allestire i brani ha attinto dalla colonna sonora di “Arancia Meccanica” e da alcune melodie dei The Cure.
L’immersione nell’abisso comincia con Invocation Of The Abyss, una lunga linea electro-noise sorretta da un corredo psichedelico ipnotico e circolare, che mette subito in chiaro le coordinate notturne dell’opera. Il legame con il cinema distopico emerge prepotente in ben due episodi: prima in Three Nails, One Heart, che rilegge le celebri atmosfere della colonna sonora di “Arancia meccanica” (il contrasto tra musica classica e sintetizzatori di Wendy Carlos) in un formato electro-noise abrasivo; poi in The Sigil, dove quelle stesse ambientazioni kubrickiane vengono evocate attraverso l’uso di una tastiera possente e marziale.
Non mancano però aperture più melodiche e nostalgiche. Incantation si muove sinuosa come fosse una ballata dei Cure, intrisa di una malinconia che sembra scagionare l’anima dai suoi pesi, prima di svoltare a metà brano con un netto e sorprendente cambio di registro stilistico. La stessa influenza “cureiana” si ritrova nella splendida Sovereign Of Silence, un pezzo ambivalente che vive sul filo del rasoio tra un noise inquietante e una tastiera gotica che progredisce e cresce d’intensità.
La parte centrale del lavoro gioca sui contrasti e sulla ripetizione geometrica. Se A Pearlescent Pulse Of Light è un brano intenso, al tempo stesso greve nel mood e soffice nei suoni, la successiva Ritual Of Night Violence spezza l’atmosfera con i suoi ritmi scheggiati e spigolosi. Verso il finale, Embers Of Calendula si sviluppa in modo circolare e ipnotico, evolvendo secondo una scansione ritmica rigorosa, prima di cedere il passo alla conclusiva Embrace The Abandon, traccia ricca di richiami evocativi e derive psichedeliche che chiude il cerchio concettuale con il disco precedente.
Questo disco non è da ascolto facile, ma è un ascolto necessario, terapeutico e catartico. Urlo deve essere ringraziato perché ha avuto il coraggio di denudare non solo la sua musica dalle chitarre pesanti del doom per rifugiarsi nei sintetizzatori, ma anche se stesso nel manifestare le sue angosce, che ha trasformato in pura suggestione sonora.
Voto: 7/10
Urlo ‘The Moon’ Facebook Page
Roberto Bottalico ‘Così è (se vi pare) A Jazz Poem’
(Filibusta Records 2026)
L’ensemble intorno a Roberto Bottalico sforna un jazz compatto, nella tradizione di un mainstream che trasuda swing e si muove su terreni collettivi da cui esplodono assoli di ottimo livello tecnico esecutivo, che attirano l’attenzione sull’intera opera.
L’ispirazione sullo sfondo viene dall’opera di Pirandello, il primo CD dalL’omonimo dramma, il secondo da tre dei suoi racconti.
I musicisti sono Roberto Bottalico al sax tenore e compositore, Elio Germano voce recitante, Augusto Crani alla chitarra, Alessandro Del Signore al contrabbasso, Massimo Di Cristoforo alla batteria, Lewis Saccocci al pianoforte, Tiziano Ruggeri, Giacomo Serino e Davide Richichi alla tromba, Claudio Giusti sax alto, Igor Marino e Nicola Concettini al sax tenore, Davide Di Pasquale e Eugenio Renzetti al trombone, Federico D’Angelo alla tuba.
Fra collettivi ben arrangiati e assoli che ben si inseriscono nell’insieme spunta un album che ben si inserisce nella tradizione del mainstream portando accenti letterari con sé..
Voto: 8/10
Roberto Bottalico Facebook Page
Gigi Masin ‘Movement’
(Sacred Bones/Goodfellas 2026)
A quaranta anni dal mitico debutto con ‘Wind’, il maestro veneziano dell’ambient Gigi Masin torna con ‘Movement’, il suo primo vero lavoro solista dopo 6 anni.
Pubblicato dalla prestigiosa etichetta americana Sacred Bones, il nuovo lavoro rappresenta un’affascinante e inattesa evoluzione nella lunga carriera del settantenne autore veneto, spingendo le sue classiche tessiture sonore verso territori decisamente più dinamici e pulsanti.
Una musica per il movimento, appunto, come lo stesso Masin afferma, “per allontanare l’ambient dall’ascolto solitario e dall’accademia fredda.
Qualcosa che si muova verso l’esterno, non verso l’interno. Qualcosa di somatico, che parli al corpo oltre che alla mente”.
E allora, abbandoniamoci e addentriamoci, fisicamente e spiritualmente, in queste nove tracce, cominciando dal flusso cosmico dell’iniziale Bed on Mars che emana stupore quasi metafisico.
Lost ci regala cinque minuti di percussioni languide e fiati lunghi, facendoci galleggiare alla deriva in un mare sconosciuto, mentre la successiva The Age of Sampling omaggia l’arte del campionamento attraverso un seducente miscuglio di ritmi spettrali e voci radiofoniche d’epoca.
La title track Movement fa da baricentro concettuale dell’opera, il battito si fa denso delineando una crepuscolare deep-house, invece la successiva UMIè una riflessiva fresca immersione oceanica.
Usciamo dall’acqua e troviamo la solare radiosità balearica di Golden a inebriarci, prima di lasciarci andare, pur sempre nell’ eleganza, al ballo di Deception Dance, bombetta funk-techno celestiale.
Ci avviamo verso la conclusione e troviamo Azimuth (John Taylor) ovvero un sentito ed emozionante omaggio al trio simbolo dell’universo ECM: cinque minuti di circolarità eterea su cui un sospiro jazz fluttua con struggente morbidezza.
A chiudere il disco ci pensa Fifteen, sublime rigenerante distesa sonora che suona come augurio di pace, congedandoci da un’opera che trabocca di luce, calore mediterraneo e incrollabile positività.
Un gran ritorno!
Voto 8/10
Gigi Masin Bandcamp Page
Taj Mahal & The Phantom Blues Band ‘Time’
(Resonatin’/Goodfellas 2026)
Non tutti i grandi artisti invecchiano con dignità. Taj Mahal ci riesce e benissimo, dopo aver ricevuto il Grammy Lifetime Achievement Award ha pubblicato questo “Time”, giusto per dirci che non si sente arrivato e che ha ancora tanta voglia di dilettarsi con il suo caro blues. Tuttavia, in questo caso le dodici battute vengono magicamente contaminate da soul, roots, folk, r’n’b sound di New Orleans e reggae.
In realtà “Time” non è stato registrato recentemente, ma nel 2010, insieme alla storica Phantom Blues Band, il dream team dietro a capolavori come “Señor Blues” e “Shoutin’ in Key”. “Time”, infatti, era rimasto custodito negli Ultratone Studio di Studio City per anni, mantenendo intatta una chimica di gruppo che oggi suona più fresca e necessaria che mai.
Il fulcro del disco è indubbiamente la title track, che è un’inedita composizione di Bill Withers salvata dall’oblio grazie al produttore Steve Berkowitz, con la benedizione della famiglia Withers, Taj Mahal fa suo il brano trasformandolo in un soul avvolgente, impreziosito da un coro femminile che cattura la stessa onesta intensità delle storiche performance acustiche dell’amico scomparso.
Il resto della scaletta si muove fluida tra i continenti, alternando l’apertura evocativa di Life of Love alla leggerezza in levare di Wild About My Lovin’, fino a lambire i territori di una jazz-pop ballad d’altri tempi con Crazy About A Jukebox. La versatilità della band emerge con forza nella rilettura afro-cubana di You Put The Whammy On Me e nella reinterpretazione reggae-soul di Talkin’ Blues, classico di Bob Marley, nobilitato dal feauturing di Ziggy Marley.
Il resto del disco spinge sull’acceleratore del groove e della tradizione: se Sweet Lorene è puro R&B d’annata, quyindi di grande valore e spessore, sorretto dalle ritmiche di Tony Braunagel e Larry Fulcher, Ask Me About Nothing (But The Blues) evoca con classe le atmosfere narrative di Van Morrison. Verso il finale, le tastiere di Jon Cleary e l’organo di Mick Weaver trascinano l’ascoltatore nel R&B ipnotico e circolare di It’s Your Voodoo Working, prima che il congedo di Rowdy Blues ristabilisca il perfetto equilibrio tra country rurale e blues tradizionale.
“Time” vive felicemente di questi contrasti temporali: riflette gli anni passati nei cassetti, ma parla con urgenza al presente. Dimostrando che a oltre ottant’anni si può essere contemporaneamente custodi della tradizione e instancabili innovatori.
Voto: 8/10
Taj Mahal Facebook Page
Upupayāma ‘Honesty Flowers’
(Fuzz Club 2026)
Meno male che esistono musicisti come Alessio Ferrari, guidati da infinita curiosità, passione, amore viscerale per quell’entità intangibile ma potentissima che, attraverso onde sonore invisibili, aleggia nell’aria e arriva direttamente a noi, scardinandoci corpo e mente.
Gente che fa Musica e vive per essa, che suona e registra tanto, che fa uscire una roba dietro l’altra sempre più che eccelsa, e che non ci lascia mai a “orecchie asciutte”.
Che Meraviglia!
E allora, a due anni dall’acclamato ‘Mount Elephant’, e dopo la pubblicazione del disco ‘Live At Fuzz Club Festival 2025’ dell’anno scorso, ecco un’altra (magnifica) uscita del polistrumentista parmense Alessio Ferrari, in arte Upupayāma.
‘Honesty Flowers’ — quarto album in studio — come per i precedenti lavori, esce per Fuzz Club, etichetta giovane ma già diventata di culto, “che da 12 anni infiamma i giradischi” (citiamo direttamente dalla pagina Bandcamp della label londinese).
Il nuovo disco nasce nel suo studio casalingo ricavato da un ex fienile dell’Appennino emiliano, dove troviamo il nostro indomito alchimista psichedelico passare intere notti in trance suonando conga, djembè e ogni sorta di strumento a percussione disponibile, rapito dall’ascolto di tanta musica funk e ritmi africani.
Rispetto a ‘Mount Elephant’, che era incentrato su atmosfere decisamente più pastorali e acid-folk, questo nuovo LP dalla durata di 70 minuti (!) è focalizzato sul concetto di ritmo, su forti basi percussive dalle quali Upupayāma costruisce clamorosamente i suoi mondi sonori.
Dentro queste 11 tracce troviamo davvero tanta roba: è una miscela pregiata e pazza di esplosioni di groove, di funk polveroso che guarda al deserto, di pulsioni krautrock di matrice motorik, geometrie afrobeat, distorsioni fuzz e momenti meditativi.
Questo mix di misticismo e percussioni ossessive evoca inevitabilmente il sound dei misteriosi svedesi Goat: proprio come la band di Korpilombolo, anche Upupayāma trasforma la psichedelia in un rituale pagano e selvaggio.
I brani si muovono costantemente tra luce e ombra. Da un lato troviamo la ferocia ritmica di Fliiim / Laliīmph e l’energia contagiosa di Yuya e Baobab, inni a una danza tribale senza fine.
Dall’altro, episodi come Mokushō e Old Sky, Wandering Clouds recuperano vecchi appunti acustici del passato, evocando paesaggi rurali bagnati dalla pioggia e un profondo misticismo orientale.
Alla fine dei settanta minuti di ‘Honesty Flowers’, la sensazione è quella di risvegliarsi da un lungo sogno lucido.
La musica di Upupayāma agisce come un rituale collettivo, dove i loop di percussioni e le chitarre cariche di fuzz curano lo spirito prima ancora di far muovere il corpo.
Più che un semplice album, Ferrari ha piantato un giardino sonoro storto e bellissimo in cui perdersi continuamente.
Lasciatevi trasportare dal flusso.
Voto: 8/10
Upupayāma Bandcamp Page
Alessandro Seravalle ‘Quaderni’
(Zeit Interference / Lizard Records 2026)
Un invito a Seravalle da parte di Marco Maria Tosolini a spedir dei testi nel 2022 alla trasmissione radio “La Voce Di Calliope”, il riascoltar le (proprie) parole, declamate dalla voce recitante di Marzia Postogna, a suscitar l’urgenza di fermare il tutto in “Quaderni”.
Sette composizioni, in movimento fra strutture più fisse e spazi liberi, fra chitarre aliene/alienanti, elettronica organica/detritica, rumori assortiti e tasti tastati, la voce della Postogna ad integrarsi nel tutto.
Bisogna imparar dagli alberi, dice, coglier presagi dai cieli, dice, mentre il tutt’attorno si sfarina e rimonta, più e più, fra droni e strapazzi di voce rielaborata.
Riuscendo, nella non facile impresa di aver una presa e non vagar sullo sfondo del paesaggio.
Siam dunque, al di fuori del semplice atto documentaristico di un singolo evento.
Funziona, rimbalza e non rompe.
Voto: 7,5/10
Lizard Records Home Page
Elli De Mon ‘Grembo De Pria’
(Rivertale/2026)
Già con “Raise”, la cantautrice blues vicentina Elli De Mon aveva dato una svolta importante al suo percorso stilistico, sostituendo l’inglese con il dialetto vicentino. Lo stile musicale, invece ha subito poche variazioni, nel senso che la base è sempre il blues, ma ultimamente, è stato impreziosito di stoner e momenti psichedelici.
“Grembo De Pria” è un ep composto di due brani, si tratta di un’appendice dello stesso “Raise”. Nei due brani in scaletta, l’artista veneta, si è fatta accompagnare, oltre che dal chitarrista Marco Degli Esposti e dal batterista Francesco Sicchieri, da Black Snake Moan.
Il primo brano, Monte Orco è un folk, con una cadenza che incrocia la prima PJ Harvey, ci cui conserva la melodia canora, e la grevità di Cesare Basile.
Grembo De Pria, invece, è delicata, e avvolgente, molto essenziale nel suo incedere morbido, quasi una ballata.
Questo lavoro ha una doppia valenza, perché da un lato accompagna un suo scritto intitolato “Manifesto – La Montagna parla per noi”, dedicato al monte Summano, luogo spirituale dove termina il cammino di Santorso nella leggenda narrata in “Raìse”. Dall’altro il ricavato dalla vendita di “Grembo De Pria” sarà devoluto alle associazioni italiane L.A.I.G.A. – Libera Associazione Italiana Ginecologi Non Obiettori per l’Applicazione della L. 194/78, che tutela il diritto di interruzione volontaria della gravidanza (www.laiga194.it), e CiaoLapo, che offre sostegno psicologico e assistenza nell’esperienza del lutto perinatale (www.ciaolapo.it).
Voto: 8/10
Elli De Mon Facebook Page
Le Vice Anglais ‘Allons-y’
(4Da Records 2026)
Botta bruta, ma di una certa eleganza nel movimento che precede l’impatto.
Sfrigola, si spintona vicendevole e sfrappa il suo perimetro con un tot di elettronica marcia.
Dal Portogallo Ricardo Guerra Pires (elettrica guitar + il marciume di cui sopra) e Bruno Parrinha (alto sax), alla seconda uscita (il precedente “Vas-y’ del 2025 sempre su 4Da).
Meditabondi arrovellamenti free di detritica contemporaneità, più nell’ombra che in piena luce.
Un trapano dentistico Borbetomagus, usato indossando una maschera da sub.
Di strepiti non necessariamente sull’aggressivo, vibrazioni/richiamo e grotteschi raggomitolamenti.
Voto: 7,5/10
4Da Records Bandcamp Page
A Place To Bury Strangers ‘Rare and Deadly’
(Dedstrange 2026)
Sintetizzando al massimo e sommariamente, questa raccolta di “demo” e rarità nel corso di dieci anni (2015 – 2025) si configura d’acchitto come contundente e lancinante, equivalente alla multiforme e oramai longeva carriera del progetto A Place To Bury Strangers di Oliver Ackermann, deus ex_machina (da sempre) chitarristico della “sonica” formazione newyorkese. Il caos miracolosamente organizzato di Dead Inside è solo una delle “gemme” oscure e disconnesse che Oliver ha tirato fuori dai suoi corposi archivi, ma non l’unica. Il “singolo” Song For Girl From Macedonia è praticamente indistiguibile dagli altri brani, genericamente ritmatissimi e sonici (eppure non scevri di una certa quale misteriosa grazia) come On The Wire o Crash, ripetuti in stile “flusso di coscienza”. Possiamo citare Energy e Everyone The Same per completezza, tra i tanti. Heartless è oscuro, ma, ripetiamo, con grazia, come Resurrected.
Non male proprio, dopotutto.
Voto: 7/10
A Place To Bury Strangers ‘Rare and Deadly’ Bandcamp Page