Continua il mio viaggio alla “spider-web-music” per questi lidi suonanti, animato da inesauribile curiosità per le manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci tiene compagnia. La tappa di questa volta è Roma, per andare ad approfondire la conoscenza della Anomala Soundscapes Records. Label frequentemente ascoltata su Kathodik, bastino le recensioni delle ultime uscite di Maath ‘No Survivors for the New World 2025’ e Paul Schütze ‘The Crystal Suite’; da qui necessario approfondimento grazie alla disponibilità di uno dei fondatori della label, Marco Ramassotto, che si è mostrato subito disponibile a raccontare nascita, quotidiano e futuro della Anomala Soundscapes Records. A voi la lettura.
Quando e come è nata l’idea di fondare la label Anomala Soundscapes Records?
L’idea c’era già dal 2015, ma la spinta l’ha data il fatto che, come succede spesso, uno manda in giro le proprie cose e non riceve una risposta. Spesso questo succede non perché non piace quello che si propone, ma perché chi riceve la risposta non ha materialmente il tempo di ascoltarla. Proprio per questo motivo, insieme al mio amico Daniele Pecorelli, che è un altro musicista con cui ho fatto in passato delle produzioni, ci era venuto in mente di avere una sorta di contenitore identitario, un’etichetta discografica, un progetto con cui magari ci si poteva presentare al meglio e in maniera chiara. Poi però il progetto è stato formalizzato solamente nel 2019 e la label è stata inaugurata con il primo disco, uno split tra me e Daniele, uscito appunto nel 2019. Poi da “etichetta privata”, diciamo così, dove uno pubblica le sue produzioni, piano piano, come succede spesso, la voce ha iniziato a girare, ecc. ecc. e abbiamo iniziato ad accogliere altri musicisti, da Andrea Marutti, a Kar, e in ultimo Paul Schütze.
Daniele Pecorelli, Mark Schaub ‘&’
Approfondiamo il discorso: su genere musicale vi siete orientati? E perché?
Il perché non te lo so proprio dire perché saranno una trentina d’anni buoni che faccio musica, e quando mi sono imbattuto nel genere, diciamo così, ambient, dark ambient, industrial e dintorni, ho capito che quello era il genere in cui riuscivo a dedicarmici al meglio, era il mio “genere”. Quindi l’etichetta che riflette il modo di diffondere produzioni proprie ha preso quella fisionomia che si dipana, come dicevo, dall’ambient, anche se io faccio fatica ad etichettare le produzioni, anche perché la musica prodotta è molto più eclettica, basta ascoltare le produzioni della Anomala Soundscapes Records per rendersi conto che c’è una forte dialettica musicale, con proposte che magari confliggono tra loro, e l’obiettivo è farle convivere nella stessa proposta.
Daniele Pecorelli ‘ASH TAPES’
La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?
Diciamo che l’anima alla base dell’etichetta è di non essere focalizzata esclusivamente su un genere particolare, di nicchia, ma con la problematica che presenta una visione in cui fatichi a riconoscere i diversi autori. Chiaramente la label non pubblicherà musica pop, mantiene e manterrà la sua direttiva musicale di cui ti parlavo sopra, sicuramente in maniera più strutturata rispetto agli inizi, grazie anche alla crescita artistica che ci ha accompagnato in questi anni.
Rumore Austero ‘Innesto’
Un approfondimento sulle vostre produzioni che sono in formato cd, vinile, digitale e in cassetta. Quale formato, secondo voi, riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia della musica?
Io non credo che l’etichetta sia così legata ad un suo supporto particolare. Ci sono etichette che fanno solo vinili, altre che fanno solo cassette, mini disc; sono situazioni che vogliono definire la loro identità in maniera chiara anche in base al supporto, come inizialmente era l’idea del vinile. Certe musiche però non si adattano bene al vinile, ed il cd è ancora molto importante, anche se ultimamente è pervasivamente presente lo streaming del disco, la cosiddetta musica liquida.
Perché secondo me ultimamente sta emergendo una certa idea, nel senso cioè che che questi, chiamiamoli, non supporti, ti permettono anche di riconsiderare un brano singolo, un diverso approccio se vogliamo pensarla in questa maniera. Mentre invece da quando sono nato musicalmente c’è sempre stato il cd che ha imposto il suo formato come durata. Adesso lo streaming ti permette di scoprire il brano singolo, e di non legare le uscite al concetto di album e di conseguenza al concetto di supporto.
Questa ultimamente per me sta diventando una strada da percorrere perché mi dà più libertà nella composizione, e di conseguenza diventa un discorso per me interessante. La critica a cui va incontro questa idea è che l’ascolto è in mano ad un algoritmo che crea compilation caotiche e anarchiche, ma se si fa una lettura storica dell’ascolto musicale si ritorna a quando c’era il formato 7’’ o disco 45 giri, il classico singolo, perché l’album come concetto unitario è un’invenzione che ha preso piede negli anni ‘60. Quindi forse questa impostazione rivolta allo streaming permette oggi di avere un ritorno di praticità. Nel mio caso mi dà come dicevo più libertà compositiva e meno impegno, perché diciamocela pure la verità, produrre un vinile è molto impegnativo, mentre caricare dei singoli, una volta che si ha una utenza dedicata, permette di mantenere il contatto in maniera più regolare, di non far passare troppo tempo, perché un disco si può fare una volta all’anno, mentre i singoli, stiamo parlando di brani di durata considerevole, si possono “spalmare” durante l’anno, mantenendo desto l’interesse dello “zoccolo duro” degli appassionati che seguono le tue produzioni.
Anofele – Mark Schaub ’08’
Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?
Io sono molto favorevole a questo aspetto, in passato ho già fatto delle sperimentazioni con Marco Carcasi e con il contenitore Scatole Sonore, ho fatto sperimentazioni con la Eibon Records di Mauro Berchi, quindi secondo me se si riesce a trovare il feeling giusto anche a livello produttivo, un giusto scambio di idee, si crea una sinergia giusta e la coproduzione diventa una cosa molto buona.
Andrea Marutti, Carlo Giordani ‘Impressioni organizzate di Ansie Liquide’
Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?
Noi siamo attivi sui social in maniera molto timida perché quello è un campo in cui dobbiamo ancora lavorarci e impegnarci un po’ di più, che ci piaccia o no, dato che è un’altra vetrina molto importante. Anzi secondo me è un modo fondamentale per arrivare ad una fascia di ascoltatori molto giovani che non sa che esistono determinati supporti. Quando mi capita di far vedere un vinile o una cassetta, i ragazzi non riescono a credere ai loro occhi, dato che per loro la musica proviene solo da Internet, da Youtube e da altre piattaforme di streaming. Il lavoro sui social in futuro diventerà la forma di promozione più remunerativa, diventerà un lavoro a tempo pieno per l’etichetta.
Maath ‘Vaco’
Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete, da parte vostra come proposta musicale e dall’altra parte, in un certo senso, come ricezione della musica proposta?
Lo sappiamo, quando c’è un genere di nicchia la promozione è problematica ed è difficile per cose, tra virgolette, ascoltabili, avere degli spazi adeguati, figuriamoci per proposte più particolari, considerando che il nostro genere musicale richiede un ascolto profondo, con particolare attenzione, il cosiddetto deep listening. Non è un approccio usa e getta, come va molto di moda oggi, un approccio dove la musica si adatta al contenitore, in questo caso Internet.
Trovare una propria strada più originale è difficile, sicuramente fare i concerti live e trovare soluzioni performative dal vivo rimane paradossalmente sempre la strada migliore, però anche quello è un altro fronte su cui bisogna impegnarsi.
Maath ‘No Survivors for the New World 2025’
Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?
La label è ancor ancora molto giovane, non abbiamo materiale sufficiente per raccontare qualcosa, e poi penso che per raccontare una storia che ti riguarda è meglio che ci pensi qualcun altro se un domani avrà voglia. Io mi limito per il momento a cercare di fare al meglio quello che faccio, cerco di promuovere la label al meglio e testare il riscontro del mio lavoro per la Anomala Soundscapes Records.
Paul Schütze ‘the crystal suite’
Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?
Una delle caratteristiche di questa etichetta è anche ripescare cose più vecchie che non hanno trovato spazio; per farti un esempio ultimamente è stato ristampato il primo disco di debutto di Maath ‘No Survivors for The New World 2025’, che era del 2005; ‘Vaco’ l’altro album in vinile, uscito un paio di anni fa, era originariamente del 2012. Da una parte c’è il ripescaggio di cose che non hanno trovato la loro collocazione. E in quest’ottica probabilmente farei un disco anche con l’aiuto di Marco Carcasi, di un collettivo che si era creato in maniera spontanea nel 2001 con il nome Calm, collettivo tutto romano, e questa potrebbe essere una prossima uscita. In questo mese c’è stata la nuova uscita di Paul Schütze, frutto di un lavoro lungo, durato quasi tre anni, tra contatti e scambi di mail.
Gli ho chiesto se aveva del materiale da farmi sentire, se aveva fatto qualcosa, dato che in questi anni suona poco in giro, ed invece mi ha fatto ascoltare le sue ultime produzioni, molto interessanti, al che gli ho chiesto se non ci fosse nessuno interessato a pubblicarle. Paul Schütze mi ha detto che non c’era nessuno e se volevo le potevo produrre io. Quindi la produzione è nata così, telefonicamente, Schütze ha lavorato e rielaborato i brani, e la Anomala Soundscapes Records li ha pubblicati.
Sono stato molto contento di aver fatto questa uscita, il lavoro è molto bello e spero che abbia la giusta risonanza, perché Schütze è un personaggio grandioso, disponibilissimo, ormai storico nell’ambiente, ma è un personaggio eclettico, si occupa di arte, di installazione, di fotografia, si è messo a fare anche i profumi, è un personaggio incredibile. Spero in futuro di collaborare ancora con questo importante artista, anche nella gestione di un possibile live in Italia.
Per il resto non so, qui c’è un paiolo ribollente di cose mischiate e vedrò, una volta che avrò immerso il mestolo, cosa uscirà fuori. Vedremo…
Link: Anomala Soundscapes Records Home Page
Link: Anomala Soundscapes Records Instagram Profile
Link: Anomala Soundscapes Records Bandcamp Page
Karoline Leblanc / Paulo J Ferreira Lopes ‘Frangible Seams Of Lore’
(Atrito-Afeito 2026)
Album d’impressionante maturità e profondità questa nuova uscita del duo Leblanc / Lopes.
Che par quasi una bestemmia il suo esser disponibile solo in digitale più una risicata manciata di copie in Cdr (le trovate sul sito di Atrito-Afeito).
La pianista/organista canadese (qui anche al synth) ed il percussionista/field recorder portoghese, ben si conoscono avendo collaborato in una miriade di progetti, nello specifico, “Frangible Seams Of Lore”, è il succo concentrato di un 2025 passato ad improvvisare fra tensioni e silenzi riverberanti.
Cut-up di materia in dispersione, di scultorei metalli risonanti e gocce di piano lasciate cadere con grazia da classica contemporanea.
Un ascolto profondo e avvolgente fuori dal casuale baccano mainstream che spesso avvolge come Domopak uscite similari (semplici steps che nascondono atteggiamenti da, buona la prima, che per favore, risparmiateci, ne abbiamo le stanze piene).
Qui percorso e punto d’arrivo son ben chiari.
Un balsamo per padiglioni auricolari stremati.
Voto: 8/10
Karoline Leblanc Bandcamp Page
Cowards ‘Can You Hear Me?’
(Bloody Sound/2026)
Non tutti i gruppi riescono a fare un ottimo disco, dopo un esordio sorprendente. Ai marchigiani Cowards l’impresa è riuscita! A distanza di un anno da “God Hates Cowards”, Michele Prosperi (batteria), Giulia Tanoni (voce e basso) e Luca Piccinini (voce e chitarra) hanno pubblicato questo “Can You Hear Me?” sorprendendo anche i fan più affezionati. Già perché se nell’esordio il trio si era espresso con un ottimo shoegaze/noise abbastanza compatto, con questo secondo lavoro ha dimostrato di essere in grado di spaziare, pur restando nell’alveo del noise e dintorni, vale a dire post-punk, shoegaze e garage, rendendo il proprio sound più stratificato e consapevole, mantenendo quell’urgenza espressiva che affonda le proprie radici negli anni Novanta.
Le otto tracce comprese in questo lavoro sono una sorta di insieme di frammenti all’interno di un unico flusso emotivo, attraversato da tensione costante e da una sensazione di instabilità latente. I sentimenti che prevalgono e che vengono espressi sono quelli di paura, alienazione, rabbia e senso di vuoto che vengono tradotti in un sound che si fa a volte abrasivo, altre contorto e altre ancora fluido, tra saturazione e sospensione.
Il disco si apre con l’irruenta Devils, che non lascia vie di fuga e nella quale il tema centrale è quello dei demoni interiori con cui ognuno combatte tutti i giorni. Il tema della paura viene affrontato anche in Fear of Fear, un blues tossico e malato che evoca i Gun Club e la musica sicuramente è un ottimo antidoto per sconfiggerla.
L’intrigante martellante e acida Tell Me descrive la sensazione del vuoto e dell’alienazione in un mondo in cui non ci si riconosce più. Con 9 Minutes si ammorbidiscono temporaneamente i toni, ma con un’intensità in crescendo, tuttavia, la successiva Mad World descrive lo sguardo cinico ed arrabbiato che bisogna avere su questo pazzo mondo che sta andando nel baratro, ma con il registro del noise, suonato in modo piacevolmente eccessivo.
I demoni interiori tornano nella vorticosa Bad Trip, in cui, come direbbero i Management, l’incubo reso dal trio è stupendo, in quanto l’ascoltatore viene calato in un girone di noise infernale e fottutamente rock’n’roll sporco e abrasivo. La festa descritta in Your Party is Gravy sembra bella, ma ha qualcosa di inquietante, dato il garage malefico che viene suonato.
La degna conclusione di un lavoro ottimo è affidata a No Return, in cui rassegnazione e consapevolezza di una fine inesorabile viene vissuta con una relativa tranquillità, con un sound che va sempre più… in discesa.
Voto: 9/10
Cowards Facebook Page
Intervista con Marco Ramassotto della label italiana Anomala Soundscapes Records
Continua il mio viaggio alla “spider-web-music” per questi lidi suonanti, animato da inesauribile curiosità per le manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci tiene compagnia. La tappa di questa volta è Roma, per andare ad approfondire la conoscenza della Anomala Soundscapes Records. Label frequentemente ascoltata su Kathodik, bastino le recensioni delle ultime uscite di Maath ‘No Survivors for the New World 2025’ e Paul Schütze ‘The Crystal Suite’; da qui necessario approfondimento grazie alla disponibilità di uno dei fondatori della label, Marco Ramassotto, che si è mostrato subito disponibile a raccontare nascita, quotidiano e futuro della Anomala Soundscapes Records. A voi la lettura.
Quando e come è nata l’idea di fondare la label Anomala Soundscapes Records?
L’idea c’era già dal 2015, ma la spinta l’ha data il fatto che, come succede spesso, uno manda in giro le proprie cose e non riceve una risposta. Spesso questo succede non perché non piace quello che si propone, ma perché chi riceve la risposta non ha materialmente il tempo di ascoltarla. Proprio per questo motivo, insieme al mio amico Daniele Pecorelli, che è un altro musicista con cui ho fatto in passato delle produzioni, ci era venuto in mente di avere una sorta di contenitore identitario, un’etichetta discografica, un progetto con cui magari ci si poteva presentare al meglio e in maniera chiara. Poi però il progetto è stato formalizzato solamente nel 2019 e la label è stata inaugurata con il primo disco, uno split tra me e Daniele, uscito appunto nel 2019. Poi da “etichetta privata”, diciamo così, dove uno pubblica le sue produzioni, piano piano, come succede spesso, la voce ha iniziato a girare, ecc. ecc. e abbiamo iniziato ad accogliere altri musicisti, da Andrea Marutti, a Kar, e in ultimo Paul Schütze.
Daniele Pecorelli, Mark Schaub ‘&’
Approfondiamo il discorso: su genere musicale vi siete orientati? E perché?
Il perché non te lo so proprio dire perché saranno una trentina d’anni buoni che faccio musica, e quando mi sono imbattuto nel genere, diciamo così, ambient, dark ambient, industrial e dintorni, ho capito che quello era il genere in cui riuscivo a dedicarmici al meglio, era il mio “genere”. Quindi l’etichetta che riflette il modo di diffondere produzioni proprie ha preso quella fisionomia che si dipana, come dicevo, dall’ambient, anche se io faccio fatica ad etichettare le produzioni, anche perché la musica prodotta è molto più eclettica, basta ascoltare le produzioni della Anomala Soundscapes Records per rendersi conto che c’è una forte dialettica musicale, con proposte che magari confliggono tra loro, e l’obiettivo è farle convivere nella stessa proposta.
Daniele Pecorelli ‘ASH TAPES’
La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?
Diciamo che l’anima alla base dell’etichetta è di non essere focalizzata esclusivamente su un genere particolare, di nicchia, ma con la problematica che presenta una visione in cui fatichi a riconoscere i diversi autori. Chiaramente la label non pubblicherà musica pop, mantiene e manterrà la sua direttiva musicale di cui ti parlavo sopra, sicuramente in maniera più strutturata rispetto agli inizi, grazie anche alla crescita artistica che ci ha accompagnato in questi anni.
Rumore Austero ‘Innesto’
Un approfondimento sulle vostre produzioni che sono in formato cd, vinile, digitale e in cassetta. Quale formato, secondo voi, riesce ad esprimere al meglio la vostra filosofia della musica?
Io non credo che l’etichetta sia così legata ad un suo supporto particolare. Ci sono etichette che fanno solo vinili, altre che fanno solo cassette, mini disc; sono situazioni che vogliono definire la loro identità in maniera chiara anche in base al supporto, come inizialmente era l’idea del vinile. Certe musiche però non si adattano bene al vinile, ed il cd è ancora molto importante, anche se ultimamente è pervasivamente presente lo streaming del disco, la cosiddetta musica liquida.
Perché secondo me ultimamente sta emergendo una certa idea, nel senso cioè che che questi, chiamiamoli, non supporti, ti permettono anche di riconsiderare un brano singolo, un diverso approccio se vogliamo pensarla in questa maniera. Mentre invece da quando sono nato musicalmente c’è sempre stato il cd che ha imposto il suo formato come durata. Adesso lo streaming ti permette di scoprire il brano singolo, e di non legare le uscite al concetto di album e di conseguenza al concetto di supporto.
Questa ultimamente per me sta diventando una strada da percorrere perché mi dà più libertà nella composizione, e di conseguenza diventa un discorso per me interessante. La critica a cui va incontro questa idea è che l’ascolto è in mano ad un algoritmo che crea compilation caotiche e anarchiche, ma se si fa una lettura storica dell’ascolto musicale si ritorna a quando c’era il formato 7’’ o disco 45 giri, il classico singolo, perché l’album come concetto unitario è un’invenzione che ha preso piede negli anni ‘60. Quindi forse questa impostazione rivolta allo streaming permette oggi di avere un ritorno di praticità. Nel mio caso mi dà come dicevo più libertà compositiva e meno impegno, perché diciamocela pure la verità, produrre un vinile è molto impegnativo, mentre caricare dei singoli, una volta che si ha una utenza dedicata, permette di mantenere il contatto in maniera più regolare, di non far passare troppo tempo, perché un disco si può fare una volta all’anno, mentre i singoli, stiamo parlando di brani di durata considerevole, si possono “spalmare” durante l’anno, mantenendo desto l’interesse dello “zoccolo duro” degli appassionati che seguono le tue produzioni.
Anofele – Mark Schaub ’08’
Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?
Io sono molto favorevole a questo aspetto, in passato ho già fatto delle sperimentazioni con Marco Carcasi e con il contenitore Scatole Sonore, ho fatto sperimentazioni con la Eibon Records di Mauro Berchi, quindi secondo me se si riesce a trovare il feeling giusto anche a livello produttivo, un giusto scambio di idee, si crea una sinergia giusta e la coproduzione diventa una cosa molto buona.
Andrea Marutti, Carlo Giordani ‘Impressioni organizzate di Ansie Liquide’
Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?
Noi siamo attivi sui social in maniera molto timida perché quello è un campo in cui dobbiamo ancora lavorarci e impegnarci un po’ di più, che ci piaccia o no, dato che è un’altra vetrina molto importante. Anzi secondo me è un modo fondamentale per arrivare ad una fascia di ascoltatori molto giovani che non sa che esistono determinati supporti. Quando mi capita di far vedere un vinile o una cassetta, i ragazzi non riescono a credere ai loro occhi, dato che per loro la musica proviene solo da Internet, da Youtube e da altre piattaforme di streaming. Il lavoro sui social in futuro diventerà la forma di promozione più remunerativa, diventerà un lavoro a tempo pieno per l’etichetta.
Maath ‘Vaco’
Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete, da parte vostra come proposta musicale e dall’altra parte, in un certo senso, come ricezione della musica proposta?
Lo sappiamo, quando c’è un genere di nicchia la promozione è problematica ed è difficile per cose, tra virgolette, ascoltabili, avere degli spazi adeguati, figuriamoci per proposte più particolari, considerando che il nostro genere musicale richiede un ascolto profondo, con particolare attenzione, il cosiddetto deep listening. Non è un approccio usa e getta, come va molto di moda oggi, un approccio dove la musica si adatta al contenitore, in questo caso Internet.
Trovare una propria strada più originale è difficile, sicuramente fare i concerti live e trovare soluzioni performative dal vivo rimane paradossalmente sempre la strada migliore, però anche quello è un altro fronte su cui bisogna impegnarsi.
Maath ‘No Survivors for the New World 2025’
Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?
La label è ancor ancora molto giovane, non abbiamo materiale sufficiente per raccontare qualcosa, e poi penso che per raccontare una storia che ti riguarda è meglio che ci pensi qualcun altro se un domani avrà voglia. Io mi limito per il momento a cercare di fare al meglio quello che faccio, cerco di promuovere la label al meglio e testare il riscontro del mio lavoro per la Anomala Soundscapes Records.
Paul Schütze ‘the crystal suite’
Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?
Una delle caratteristiche di questa etichetta è anche ripescare cose più vecchie che non hanno trovato spazio; per farti un esempio ultimamente è stato ristampato il primo disco di debutto di Maath ‘No Survivors for The New World 2025’, che era del 2005; ‘Vaco’ l’altro album in vinile, uscito un paio di anni fa, era originariamente del 2012. Da una parte c’è il ripescaggio di cose che non hanno trovato la loro collocazione. E in quest’ottica probabilmente farei un disco anche con l’aiuto di Marco Carcasi, di un collettivo che si era creato in maniera spontanea nel 2001 con il nome Calm, collettivo tutto romano, e questa potrebbe essere una prossima uscita. In questo mese c’è stata la nuova uscita di Paul Schütze, frutto di un lavoro lungo, durato quasi tre anni, tra contatti e scambi di mail.
Gli ho chiesto se aveva del materiale da farmi sentire, se aveva fatto qualcosa, dato che in questi anni suona poco in giro, ed invece mi ha fatto ascoltare le sue ultime produzioni, molto interessanti, al che gli ho chiesto se non ci fosse nessuno interessato a pubblicarle. Paul Schütze mi ha detto che non c’era nessuno e se volevo le potevo produrre io. Quindi la produzione è nata così, telefonicamente, Schütze ha lavorato e rielaborato i brani, e la Anomala Soundscapes Records li ha pubblicati.
Sono stato molto contento di aver fatto questa uscita, il lavoro è molto bello e spero che abbia la giusta risonanza, perché Schütze è un personaggio grandioso, disponibilissimo, ormai storico nell’ambiente, ma è un personaggio eclettico, si occupa di arte, di installazione, di fotografia, si è messo a fare anche i profumi, è un personaggio incredibile. Spero in futuro di collaborare ancora con questo importante artista, anche nella gestione di un possibile live in Italia.
Per il resto non so, qui c’è un paiolo ribollente di cose mischiate e vedrò, una volta che avrò immerso il mestolo, cosa uscirà fuori. Vedremo…
Link: Anomala Soundscapes Records Home Page
Link: Anomala Soundscapes Records Instagram Profile
Link: Anomala Soundscapes Records Bandcamp Page
Naga Kirana ‘Lumba2’
(Autoproduzione 2026)
Da Amsterdam il collettivo Naga Kirana con questo bel singolo digitale che anticipa album in arrivo.
Bello scontro fra tendenze da club oltre il proprio naso e trame folk d’ascendenza indonesiana (la cantante Inda Duran e metalliche dolcezze gamelan).
Un brano originale ed una reinterpretazione di un grato canto popolare nei confronti della pioggia che bagna e nutre.
Synth/folk/pop che sgambetta agile, fresco, coinvolgente e divertente.
Mentre vi grigliate in spiaggia sparatelo a volume trapano sulla vostra bellicosa cassa da viaggio e fottetevene dei vicini d’ombrellone.
Voto: 7.5/10
Naga Kirana Bandcamp Page
Atonauer ‘Ocean In A’
(Future Sonant 2026)
Prima uscita lunga per il finlandese Atonauer (Lauri Wuolio).
“Ocean In A” (che si avvale del mastering di Taylor Deupree), è un inabissamento senza paura dalle parti di un blu intenso.
Sette movimenti di dronante quiete ambientale che nei momenti più scattanti, si tinge di rifrazioni etno (A3 perfetto esempio) con aggiunta di qualche milligrammo di trattamenti materici.
Minimali sinfonie fra sogno e memoria (A4) che si aggrumano attorno ad una frequenza, si mostrano con placido garbo e poi scoloriscono disperdendosi nel circostante.
A5, la traccia più estesa dell’album, è un tutt’uno di marini sciabordii e riuscita prova di volo frequenziale dalle parti di un romantico abbandono estatico.
Se Eno e il Biosphere di “Substrata” fanno parte del vostro pane quotidiano, azzannate questo.
Per tutti gli altri, provatelo in cuffia, possibilmente al tramonto in riva ad uno specchio d’acqua o meglio ancora, in solitudine di notte spersi a naso in su fra stelle, poi ne riparliamo.
Voto: 8/10
Atonauer Bandcamp Page
Tristan Allen ‘Osni the Flare’
(RVNG Intl. 2026)
L’androgino compositore, produttore e burattinaio (si, proprio così) nordamericano Tristan Allen ha programmato i dieci ampli episodi di “Osni the Flare” come la seconda parte di una mitica trilogia (dopo il debutto del 2023) in questo caso vertente sul fuoco, tra voci lontane e indistinte (Act I: Garden) e onnipresenti “tastiere giocattolo” (se così possiamo dire, fin da Osni Opening). Giochi di luci e ombre innervano l’intero lavoro (per esempio in Act I: Loon), in composizioni aperte e in qualche modo lussureggianti. Per esempio, Act II: Pyre è tutto sommato briosa, Act III: Umbra è solenne.
Cameristico, in fondo, e non malvagio, ma nell’insieme piuttosto “ordinario”.
Voto: 6/10
Tristan Allen ‘Osni The Flare’ Bandcamp Page
The Remote Viewers ‘Winter Library Vol 1’
(Autoprodotto 2026)
I quattro musicisti qui coinvolti sono da lungo sui terreni dell’avanguardia, la loro è una storia che comincia nel 1999 con i due sassofonisti e che fra cambiamenti di formazione e ospiti vari arriva fino ad oggi.
John Edwards al contrabbasso, David Petts al sax tenore, Steve Beresford – objects and toys e Adrian Northover al sax soprano sono impegnati in cinque brani, fra musica free e la ricerca di melodie, qui è molto bravo Edwards a fare da collante dell’intero progetto, a dare quella solida base su cui gli altri tre trovano una via all’improvvisazione, a volte più radicale a volte direttamente coinvolgente per tutto quello che esprimono.
Ne spunta un disco che si può ascoltare anche d’estate
La loro è un’avanguardia comunicativa, senza grosse preoccupazioni di forma.
Voto: 8/10
The Remote Viewers ‘Winter Library Vol 1’ Bandcamp Page
Intervista con Davide Parenti, Direttore del Museo del Disco D’Epoca di Sogliano al Rubicone
Appuntamento numero 10, dedicato alla scoperta di direttori, gestori di musei e collezionisti accaniti del “caro e vecchio” Rock, e non solo, in tutte le sue manifestazioni sonore. Scrivo non solo perché con le ultime interviste sto esplorando realtà che conservano molteplici e variegati generi dell’inesauribile memoria sonora, oltre a quella Rock. Prima: Rolando Giambelli, Beatles Museum di Brescia (qui). Seconda: Tiziano Gerli, Clash City Rockers Cafè, museo dedicato ai Clash e al loro mondo (qui). Terza: Mariano Freschi, associazione MADE IN ROCK, incredibile collezione di centinaia di bassi, chitarre, amplificatori (Kinks, Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin, ecc.), di memorabilia, poster, gadget della Storia del Rock (qui). Quarta: Jacob McMurray, Director of Curatorial Affairs del MoPOP – Museum Of Pop Culture di Seattle (qui). Quinta: Sawako Ishii dell’Hamamatsu Museum of Musical Instruments, Giappone (qui). Sesta: B.George, direttore dell’ARChive of Contemporary Music di New York (qui). Settima: Sonia Martone, Direttrice del Museo Nazionale degli strumenti musicali di Roma (qui). Ottava: Vinnie Fiorello del Punk Rock Museum di Las Vegas (qui). Nona: Andrea Dozi, responsabile della Fonoteca Trotta di Perugia (qui). Questa volta mi dirigo virtualmente a conoscere il Museo del Disco d’Epoca, situato a Sogliano al Rubicone in provincia di Forlì-Cesena. Ho conosciuto questo incredibile Museo recensendo il libro di Cristina Giuntini ‘Rëbra. Musica sulle costole’, non lo conoscevo e mi sono subito attivato per saperne di più per questa rubrica. Grazie al direttore Davide Parenti ho potuto conoscere la storia del Museo, le attività che si svolgono, e tutta la sua incredibile collezione di memorabilia, vinili, statue, poster, un mondo dedicato al disco e alla sua capacità di suscitare emozioni nelle persone. A voi la lettura.
Quando, perché, come è nato il Museo del Disco d’Epoca?
Il Museo del Disco d’Epoca è nato quasi per caso, da una raccolta iniziata da Parenti Roberto negli anni Sessanta, quando da ragazzo recuperava dischi e altri oggetti dalle cantine, dalle soffitte e perfino dai cassonetti, in un periodo in cui i 33 e 45 giri stavano sostituendo i vecchi 78 giri. Col tempo, da questa attività è nato un interesse sempre più profondo per il disco e per tutto ciò che gli ruotava attorno, come grammofoni, fonografi e apparecchi di riproduzione. Verso la fine degli anni Ottanta, alcuni dischi in bachelite portati a scuola per una semplice attività espositiva suscitarono tale curiosità da portare all’organizzazione di una piccola mostra durante una festa di paese. Dopo varie edizioni e un crescente successo di pubblico, nacque l’idea di trasformare quell’esperienza in una esposizione permanente, da cui è nato il museo.
Qual è stata l’ispirazione iniziale?
L’ispirazione iniziale è nata in modo spontaneo, prima dalla passione di Parenti Roberto per il recupero dei dischi abbandonati, poi dalla reazione delle persone di fronte a questi oggetti. La scoperta che un supporto apparentemente semplice potesse generare stupore, curiosità e domande ha fatto capire che quel patrimonio non era soltanto da conservare, ma anche da raccontare. In particolare, alcuni pezzi insoliti, come il disco Pathé da 50 centimetri, hanno mostrato con grande evidenza la forza narrativa e visiva della collezione, contribuendo a delineare la vocazione pubblica del museo.
Dove si trova?
Il Museo del Disco d’Epoca si trova a Sogliano al Rubicone, nell’entroterra romagnolo. Ha sede all’interno del palazzo settecentesco Marcosanti-Ripa, poi divenuto Palazzo della Cultura. Le sale espositive sono collocate al piano nobiliare, in ambienti che conservano anche affreschi di gusto tardo ottocentesco e primo novecentesco, creando un dialogo molto suggestivo tra contenitore storico e collezione.
Quali oggetti contiene?
Il museo conserva una raccolta estremamente ampia ed eterogenea, che attraversa oltre un secolo di storia della registrazione e della riproduzione del suono. Vi si trovano fonografi a cilindro di fine Ottocento, cilindri in cera, grammofoni, dischi Pathé da 50 centimetri, primi dischi in gommalacca monofacciali Berliner, prime incisioni acustiche ed elettriche, primi 33 giri, fino ad arrivare a oggetti più vicini a noi come il primo Walkman a cassette, il primo iPod e moderni impianti di alta fedeltà. Accanto alla parte strettamente tecnica, il museo custodisce anche cimeli autografati da artisti internazionali come Michael Jackson e Led Zeppelin, una chitarra di Bruce Springsteen, migliaia di spartiti musicali, libretti d’opera dal Seicento in avanti, costumi di scena, fonocartoline, picture disc, jukebox storici e materiali destinati al pubblico infantile, come i Bubble Book e i dischi Red Raven.
C’è qualche aneddoto interessante intorno al Museo?
L’aneddoto più significativo è proprio quello della sua nascita, avvenuta non da un progetto programmato a tavolino, ma da una piccola esperienza scolastica che ha fatto emergere l’interesse del pubblico. Anche la crescita della collezione è accompagnata da episodi curiosi: negli anni, grazie alla credibilità acquisita, molti collezionisti e anche alcuni istituti hanno deciso di affidare al museo i loro patrimoni fonografici, contribuendo ad ampliare enormemente il fondo. Non mancano poi episodi più leggeri e divertenti, come quello di alcuni visitatori che, davanti a chitarre autografate, hanno chiesto scherzosamente di poterle annusare per capire se conservassero ancora tracce del musicista che le aveva suonate.
Come si può vivere e visitare il museo?
La visita al museo è pensata come un’esperienza diretta, non soltanto visiva ma anche d’ascolto. Generalmente si comincia dalla sala principale, dove si trovano le macchine più antiche, e il percorso si sviluppa attraverso racconti, dimostrazioni e ascolti di supporti originali su macchine originali. Questa possibilità di far funzionare gli apparecchi e di ascoltare realmente i suoni del passato rende la visita particolarmente coinvolgente. Inoltre, non si tratta di un percorso rigido: spesso la visita prende forma anche in base alle domande, alle curiosità e agli interessi dei presenti, diventando ogni volta un’esperienza diversa.
Il museo è aperto a collaborazioni con l’esterno?
Sì, il museo è aperto alle collaborazioni e una parte importante della sua crescita è stata resa possibile proprio da relazioni esterne. Negli anni ha acquisito una credibilità tale da spingere collezionisti privati, studiosi e talvolta anche istituzioni ad affidargli materiali e fondi di grande interesse. Il museo è convenzionato con l’Università di Bologna e accoglie tirocinanti provenienti da diverse facoltà. Proprio da un progetto nato per iniziativa dell’Università di Bologna e di una sua studentessa, che aveva conosciuto il museo durante una gita scolastica organizzata da una professoressa, è nato un importante lavoro di catalogazione: circa 16 mila degli 80/90 mila dischi conservati al museo sono stati catalogati e, nello stesso rapporto di collaborazione, sono stati catalogati, fotografati e pubblicati sul sito anche circa 500 libretti d’opera. Anche l’ultima pubblicazione uscita nel 2026 è nata da questo dialogo con il mondo della ricerca, perché è stata realizzata da una dottoranda che ha studiato parte del materiale fonografico del museo. Il museo considera quindi la collaborazione con l’esterno come un elemento fondamentale sia per la conservazione sia per la valorizzazione del patrimonio.
Prevedete possibili sviluppi del Museo del Disco d’Epoca? Ad esempio un libro o un documentario che ne racconti la storia attraverso interviste e video?
Sì, tra i possibili sviluppi del museo rientra sicuramente anche una dimensione editoriale e audiovisiva. La storia del museo, la ricchezza del patrimonio conservato e la quantità di racconti che ruotano attorno agli oggetti si prestano molto bene sia alla realizzazione di un libro sia a un documentario costruito attraverso interviste, materiali d’archivio e testimonianze sonore. In questa direzione esiste già un’esperienza concreta e molto significativa: la dottoranda Anita Posateri ha studiato in modo approfondito, per la sua tesi, il fondo Pathé conservato presso il museo. Considerata la vastità di questo fondo e l’elevata qualità scientifica e descrittiva del suo lavoro, si è deciso, in collaborazione con l’Università di Bologna e con il Comune di Sogliano al Rubicone, di trasformare quella tesi in una pubblicazione. Questo rappresenta un primo sviluppo importante e conferma come il museo possa diventare sempre più anche un centro di ricerca, studio e produzione culturale oltre che di esposizione.
Progetti futuri?
Tra i progetti futuri c’è anzitutto il proseguimento del lavoro di catalogazione, documentazione e valorizzazione del patrimonio. Il museo conserva più di 80 mila supporti fonografici, migliaia di spartiti musicali e migliaia di libretti d’opera, ma solo una parte di questo materiale è stata finora catalogata in modo approfondito. Ampliare questa conoscenza è fondamentale per rafforzare le attività di ricerca e divulgazione. Accanto a questo, il museo intende continuare a sviluppare la propria funzione educativa ed esperienziale, coinvolgendo pubblici diversi, consolidando le collaborazioni e aprendo la strada a nuove pubblicazioni, racconti audiovisivi e progetti culturali legati alla storia del suono registrato.
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Anacleto Vitolo / Hiseka / Gigi Masin / Fabio Orsi ‘a sad song for A.’
(Silentes, 2025)
Seppur con qualche mese di ritardo, finalmente metto mano sul bellissimo box set in edizione limitata contenente quattro compact disc assieme ai rispettivi libretti, uscito per la collana 13 della mitica Silentes (chi frequenta le pagine kathodiche già sa!), label veneta dedita a “rumore silenzioso o silenzio rumoroso”, decidete voi.
Progetto affascinante e decisamente ambizioso questo ‘A sad song for A.’, opera multimediale ed esperimento terapeutico che cerca di tradurre, attraverso la sinergia tra musica, scrittura e fotografia, il male invisibile e universale che prende il nome di ansia.
L’idea nasce da Stefano Gentile (fondatore di Silentes) e Giulia Dal Vecchio che, oltre a curare le immagini e le poesie contenute nei booklet, fanno musica insieme con il moniker di Hiseka.
L’opera si sviluppa in quattro capitoli sonori ed emotivi: panico, ansia, luce e sogno.
La fase del panico, Precipitando in un vortice di stelle malate, è affidata al sound artist campano Anacleto Vitolo; si comincia con un pianoforte malinconico che man mano diventa elettronica scura e decostruita, tra battiti e interferenze industrial, suoni spigolosi che riproducono fedelmente quei momenti di improvviso disorientamento, terminando in un Collasso noise.
Si passa poi all’ansia cronica firmata dagli Hiseka, Affogando in un mare di polvere, dove il panico lascia spazio a una sensazione strisciante di soffocamento e paralisi quotidiana, tra respiri corti e tachicardie, droni ambient e loop microscopici che dilatano il tempo.
Con i brani di Implodendo in una accecante oscurità, il maestro veneziano Gigi Masin esplora il tema della luce attraverso i suoi classici tappeti sonori, un’ambient romantica e malinconica capace di mostrare quel chiarore che svelerà le ombre interiori.
Il percorso si compie infine con il sogno di Fabio Orsi, Ascoltando il rumore dei girasoli, in cui droni stratificati e flussi cosmici eliminano ogni spigolosità, avviando verso una definitiva risalita.
L’ambizione iniziale del progetto trova così la sua perfetta realizzazione, e la forza di ‘A sad song for A.’ sta proprio nella sua capacità di generare empatia immediata.
Un’opera profondamente necessaria, capace di trasformare la fragilità umana in pura bellezza condivisa.
Voto: 7,5/10
A sad song for A. Bandcamp Page
Kenny Barron, Ray Drummond, Ben Riley ‘So Many Lovely Things: Live in Brecon’
(Elemental Music 2026)
Nuova uscita curata dal produttore Zev Feldman in collaborazione con il promoter spagnolo Jordi Suñol e il Jordi Suñol Archive, questo live che vede il pianista Kenny Barron in trio con il bassista Ray Drummond e il batterista Ben Riley. Tre titani della musica jazz che si esibirono al Brecon Jazz Festival, nel Wales, nel 1995. La band si ascolta al massimo della forma, i musicisti si dilettano a suonare sprizzando piacere e divertimento, unite ad una maestria strumentale che permette loro di infiammare l’uditorio. I brani spaziano dalla ballata Oh, Look At Me Now, di Joe Bushkin scritta nel 1940 per Frank Sinatra, a Time Was che Barron prende dalla registrazione di John Coltrane con Red Garland nel 1957 e il trio ne fornisce una pirotecnica versione, a Surrey With the Fringe On Top, che Barron prende dalla versione del 1982 di Ahmad Jamal, passando per la torch song The Very Thought of You, scritta da Ray Noble nel 1934. Il trio ha una perfetta interazione, Ray Drummond e Ben Riley si esprimono al meglio nei passaggi improvvisativi, il risultato è una gioia per la musica e per l’ascolto. Inoltre, come consueto in queste produzioni un corposo libretto contiene estese note e dettagliate riflessioni dello storico del Jazz Ted Panker completano questa interessante produzione
Voto: 8/10
Kenny Barron, Ray Drummond, Ben Riley ‘So Many Lovely Things: Live in Brecon’ Elemental Music Page