Nel mio viaggio “spideristico-musicale” alla ricerca di manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna nella nostra quotidianità, questa volta faccio tappa in Emilia-Romagna per approfondire la conoscenza della Ribéss Records. Le sue produzioni, tra folk, cantautorato e elettronica “anomala”, in questi anni sono state spesso ospitate su Kathodik. Questo mi ha spinto a volerne sapere di più sulla label, e ho intervistato Giulio, il maggiordomo del Re Biscio, che mi ha raccontato la nascita, la quotidianità sonora, e il futuro della Ribéss Records. A voi la lettura.
Quando e come è nata l’idea di fondare la label Ribéss Records?
La label è nata il 29 settembre 2005. In realtà sarebbe nata a maggio, ma l’abbiamo fatta coincidere col giorno di san Michele Arcangelo per questioni di coerenza con la nostra mitologia fantafolk: l’arcangelo, patrono di Santarcana così come del suo equivalente reale Santarcangelo, è il re delle milizie celesti e ha il compito di uccidere il drago / serpente, dunque non può essere che l’arcinemico del nostro Re Biscio. la confraternita degli Arcangioliti, che risiede nel labirinto di cunicoli sotterranei che crivellano la collina su cui sorge Santarcana, cerca in tutti i modi di debellare il nostro strisciante sovrano, anche eseguendo cruenti rituali atti a incarnare l’arcangelo nel corpo di giovanissimi popolani, in pratica dei bambini, nella speranza che uno di questi sviluppi un infallibile istinto alla caccia del maligno e straordinari poteri salvifici. tuttavia l’esito dei riti, nel corso dei secoli, si dimostra fallimentare: i bambini – rapiti, segnati nel corpo e nella psiche – diventano mentalmente instabili e vengono così rilasciati in paese, dove continueranno a vivere randagi. del resto, Santarcana è il paese italiano col maggior numero di matti. ma un bambino in particolare, una volta tornato libero, comincia a mostrare insolite, ambigue capacità…
Giulio, il maggiordomo del Re Biscio al Mondobiscio party 28.12.2025
È stato Ale a buttarla lì, e io l’ho accolta subito come l’uovo di Colombo. Avevamo lo stesso giro. Ci è capitato di suonicchiare insieme in sala prove e ogni tanto andavamo a qualche concerto. Poi abbiamo cominciato a organizzarne qualcuno. Poi qualche rassegna. Poi una specie di format radiofonico che è stato anche uno stratagemma per far passare gruppi locali che nessun programmatore professionista avrebbe preso in considerazione. Io personalmente con l’attività musicale ero fermo a una trascurabile cover band che si era sciolta qualche anno prima. Lui aveva sempre mille pensate e progetti nel pentolone. Il primo a prendere corpo sul serio, come una dama bianca che ti si materializza davanti, erano i Lilli Burlero. Segnati questo nome, se ti va. Loro e il Circolo dell’Ozio Cabalistico, un suo progetto successivo.
Abbiamo aperto la Ribéss senza sapere bene cosa fosse un’etichetta, e soprattutto cosa comportasse gestirne una: sai no?, impaginare un booklet, stampare i supporti, ma anche le pratiche Siae, la promo, la distro, la ricerca perennemente frustrata di un booking, ’ste menate qua. Cose che bene o male abbiamo imparato a conoscere strada facendo e se, spesso, abbiamo continuato a ignorarle, a un certo punto era perché volevamo ignorarle. A comandare era la nostra linea editoriale: dare spazio alla provincia. Nel 2005 c’era già puzza di “urbanizzazione” delle proposte musicali: ci si stava già appiattendo verso pochi standard imperniati su chi deteneva grandi consensi numerici. Il che si traduceva in tanta roba omologata, derivativa, il più delle volte futile. A noi interessava la pluralità. Soprattutto se sporca. E attraverso quella sporcizia alzare l’asticella.
Bancale ‘Frontiera’
Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?
Fin dall’inizio avevamo un appetito molto vario. E aspiravamo a produzioni che deragliassero nell’arte figurativa, concettuale, nella narrativa, nel fumetto. In quel periodo, poi, eravamo entrambi in fissa con l’etnografia che sconfina nel fantastico (bè, io lo sono ancora) e, unendo certi punti che scoprivamo intorno a noi, ci si è rivelato un immaginario gotico-rurale piuttosto glocal, prima ancora che questa parola diventasse d’uso comune. Ma anziché glocal potrei dire archetipico. Ne abbiamo fatto materia d’ispirazione. Il Re Biscio (Ribéss nel dialetto del mio paese) era diventato il nostro sfuggente e discutibile nume tutelare, carico di significati che trascendevano le vecchie leggende da cui l’avevamo risvegliato. La sua tana era il nostro covo, allo stesso tempo inospitale e accogliente. Il paese stesso era stato ribattezzato Santarcana. Ale era diventato il demiurgo della tana, io il maggiordomo.
Quest’immaginario era la narrazione che faceva da cornice alle narrazioni in forma musicale che producevamo. Avrebbe dovuto esplodere anche in una graphic novel, fiabe, perfino un gioco da tavolo e altri progetti rimasti sospesi nell’aria. Al momento siamo fermi a dei francobolli e poco altro. Tu capisci che, con queste premesse, non potevamo che andare in fregola per l’alt_folk, il cantautorato dai tratti oscuri, certa elettronica suggestiva e terrigna. Cose che a metà anni ’10 non erano così fuori dal mondo. Anche in Italia, qua e là, c’era dell’interesse per la destrutturazione e il rinnovo di generi ritenuti in via d’esaurimento. Ma non ci è voluto più di un anno perché ci rendessimo conto che avevamo intrapreso un sentiero divergente dalla grana e dalla fama.
Collettivo Ginsberg ‘Kintsugi’
La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?
Non così tanto. Nel 2009 abbiamo preso una decisione irremovibile sulla questione della lingua. Sei italiano? Valutiamo di produrre il tuo disco solo se canti in italiano. Sei francese o uzbeko? Solo se canti in francese o uzbeko. L’inglese, per favore, lasciamolo agli anglofoni. E di madrelingua anglofoni ne sono passati diversi, dalla Ribéss. Il motto “lingua e buoi dei paesi tuoi” vale tuttora. A conti fatti, un bel collo d’imbuto per le proposte italiane, che – vuoi per propensioni personali, vuoi per illusioni di mercato – non si sono ancora del tutto smarcate dall’esterofilia.
Ma a parte la sterzata della lingua, e il ritiro del demiurgo dalla tana, non si sono viste grandi trasformazioni. Forse si spinge un po’ di più con l’elettronica. Al di là dei generi, di sicuro la Ribéss si è orientata più spudoratamente verso ciò che, in varie forme e misure, recepisce come “sacro contemporaneo”, e le religioni rientrano ben poco in questo campo. L’idea del sacro della Ribéss abbraccia l’eresia anche a costo dell’irrilevanza. Ci manteniamo alternativi al mainstream ma anche alle sue alternative dominanti, e questo senza farne un dogma: è una questione “estetica” in senso proprio, di aspettative su ciò che la musica può ancora offrire. Di salvaguardia di una ecosistema musicale che accetta anche il torbido. Gettiamo semi per la posterità.
forestale val d’aupa ‘Ramaglia’
Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo te riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?
Usciamo anche in cassetta, pendrive… Ci mancano solo le tavolette d’argilla incise a mano. Non abbiamo un supporto predefinito, si valuta di produzione in produzione. Il cd resta senz’altro il formato più battuto. Il vinile è bello, caldo e godurioso quanto vuoi ma, checché se ne dica, non ha un’impennata di richieste tale da renderlo irrinunciabile per mantenere la baracca – almeno per la nostra limitata esperienza. Neanche col cd si mantiene la baracca, sia chiaro, ma ci si dissangua meno. Sembra che a preferire di più il vinile siano i musicisti stessi, perché la soddisfazione di uscire in 12” esercita un’attrattiva irresistibile. Io sono molto combattuto. Ho l’impressione che la fregola per il vinile tradisca un imborghesimento dei gusti. Ora la musica è ormai tutta gratis dappertutto, e tu che hai ancora un’affezione per il fisico cosa fai? Ti dirigi verso il formato più costoso. Mh, c’è qualcosa che non torna. Sei più interessato all’opera o al supporto? Che poi è un prodotto industriale, mica un multiplo d’artista. È un po’ come credere che per impiattare un minestrone serva un mestolo di design. In quanti comprano davvero mestoli di design? E quanti mestoli possono comprare in un mese? In quel mese lì, compreranno mai due o tre mestoli di interessanti artisti semisconosciuti se è appena uscito il MestoLone limited edition dei Radiohead?
Ad ogni modo, è vero, ogni formato si porta dietro una filosofia e una storia, dei bonus e dei malus. Alla Ribéss piace “forzare” il formato, dotarlo di un quid che lo renda più saporito di quanto ci si aspetti. Ci siamo fatti le ossa lavorando sulla confezione, sugli extra, perfino sul detournement, come nel box multivinile per l’ultimo lavoro di Francobeat, che non contiene vinili ma tavole di disegni ispirati al disco. Per un prossimo lavoro del TIR, ‘Amigdala’, stiamo pensando a un manufatto simile a una gemma che ti permette di ascoltare i pezzi se lo tieni vicino al telefono. Le variabili di un formato e del suo packaging non sono poi tante: se te le giochi bene puoi ancora tirar fuori un oggetto che si distingue. Feticismo per feticismo, preferiamo puntare su prodotti originali che costino poco. Ma poi, se ci pensi, non dovrebbe essere questo l’obiettivo del design? E comunque il formato perfetto dobbiamo ancora provarlo. Non è l’mp3, ecco.
Hazy Loper ‘the shadow carvings and other short poems’
Cosa ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche?
Ne abbiamo fatte diverse, dagli inizi fino all’altroieri. In generale c’è stata una fase ben precisa della discografia indie italiana relativamente recente in cui si praticavano le coproduzioni con molta disinvoltura. Che per certi versi era una gran cosa: scoprivi altre etichette, vicine e lontane, ci lavoravi insieme, si faceva rete, potevano crearsi rapporti anche duraturi. Da qualche parte funziona ancora così.
In alcuni casi la faccenda sfuggiva di mano. Si sono viste cordate lunghissime, tipo dieci o dodici etichette per un disco solo. Ecco, ’ste cose sanno di mezzuccio: un espediente delle etichette più strutturate (o più motivate) per abbattere le spese chiedendo quote alle colleghe minori che non avevano il benché minimo potere decisionale. In cordata, anche sul piano delle vendite, l’etichetta grossa si mangia le piccole. Se un disco figura in tanti cataloghi, finisce che viene trovato solo in quello dell’etichetta più in vista o più abile a piazzarsi. Inoltre, se un’opera ha tanti coproduttori, è prodotta da tutti e da nessuno, e chi la produce si declassa a uno sponsor. C’è come una diluizione dell’impronta editoriale.
Ci tieni a produrre un disco? Fai uno sforzo economico in più e riduci il numero dei coproduttori al minimo indispensabile. Il disco, il gruppo stesso ha dei vantaggi a non trovarsi accasato sotto troppi tetti. È un fatto di riconoscibilità di una visione, di posizionamento qualitativo (se c’è qualità). Tra l’altro il produttore singolo è già, funzionalmente, un capocordata: è la figura che si mette a disposizione di tutti i soggetti coinvolti – musicisti, collaboratori, tecnici, grafici, uffici stampa; lavora quotidianamente insieme a loro e, alla bisogna, decide se far passare la propria linea oppure no. Io, ad esempio, mi sono scoperto un capocordata molto remissivo. Dovrei imparare a battere il pugno, ogni tanto.
Pieralberto Valli ‘Atlas’
Che ne pensi dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?
Più che altro siamo psicoattivi. Il 2.0 ha smesso di essere utile già nei suoi primissimi anni. Ora che i social sono onnipervasivi e in aumento, siamo tutti punto e a capo, ma con una mole di lavoro extramusicale in più che si suppone imprescindibile per avere qualche chance di far passare la propria voce. Stringi stringi, hai le spalle al muro. Sei uno spettro che bisbiglia all’orecchio di altri spettri in un campo multidimensionale, ognuno incapsulato nella propria cazzo di dimensione. La speranza di visibilità è una tentazione soft-porno che cerchi di mandare a segno in un ambiente tarato sugli snuff movie, metaforicamente parlando. E se hai abbastanza fortuna da far arrivare davvero la tua voce a qualcuno, il più delle volte finisce lì. Perché peggio del rumore di fondo c’è la quantità sconvolgente di orecchi assuefatti a quel rumore.
Ascoltare un disco richiede attenzione: un silenzio auto-indotto. A quanto ci dicono tutti, i nostri dischi richiedono un po’ di attenzione in più, in un contesto saturo di proposte e battage promozionali. E già qui si crea un paradosso: per proporre un disco “silenzioso” dovremmo metterci anche noi a far casino? Per il momento la Ribéss se ne sta sui social il minimo indispensabile. Magari con toccate-e-fughe dadaiste.
TIR ‘Clima’
Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?
Intricata.
Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?
Tempo fa avevo iniziato a mettere in bella copia un blook sulla Ribéss. Conteneva la versione integrale di alcune “rubriche” lanciate sui social, approfondimenti su progetti mai realizzati, e naturalmente aneddoti su tutte le produzioni, i gruppi, l’etichetta in generale. L’hard disk in cui era salvato il file è andato in frantumi e non c’è stato modo di recuperare i dati. La perdita di quel testo era il male minore. Ovviamente quella lezione non è bastata a farmi prendere l’abitudine ai backup. Comunque l’idea del blook – o in ogni caso una narrazione pulviscolare, che mescoli generi e discipline artistiche – non è scartata del tutto. Può tornare buona per la prossima vita. Chissà.
Però da qui all’estinzione della Ribéss vorrei mandare in porto un progetto a cui tengo molto. Anche questo ha a che fare con il racconto delle piccole gesta dell’etichetta. Un mazzo di tarocchi. Ok, in giro ce ne sono a migliaia. I Tarocchi di Santarcana però sono la quadra di tutto il Biscioverso. Lo spunto iniziale risale a parecchio tempo fa e ora sta prendendo forma grazie alla Lori. Nella Ribéss ha fatto un ingresso felpato come, diciamo, revisora dei conti e mental coach in egual misura. Per i nostri tarocchi si è messa a disposizione per far tornare una delle operazioni più assurde mai concepite nella tana del Re Biscio: fondere la simbologia degli arcani marsigliesi con l’immaginario dream-folk della Ribéss, ma anche con personaggi e situazioni reali che hanno marcato la storia dell’etichetta. Non so se ho reso l’idea. Ci trovi dei gruppi musicali ben precisi immersi in un background fantastico molto definito e tutto questo può essere letto in chiave tarologica. Roba da mandare in pappa il cervello. Al limite puoi usarli per giocare a briscola.
francobeat ‘amour automatique’
Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?
In primis il nuovo disco di Houdini Righini. Una produzione che, dopo Lascaux, non era cosa banale. Credo abbia tirato fuori dal cilindro una nuova veste del suo pop-simbolismo maturo, e in questo i suoi vecchi e nuovi complici in arte sono stati decisivi. Poi c’è il terzo disco degli Unoauno, che in questi ultimi anni si erano concentrati su progetti paralleli. Con Sandri abbiamo in ballo la seconda “sessione della stalla” con cui dovremmo chiudere un concept in dialetto. Stiamo anche lavorando al packaging (di legno) per la documentazione del concerto meditativo ‘Hierà’ di Alessandro Adelio Rossi (Bancale, AAR) e Denis Guerini. Forse il 2026 sarà l’anno buono per far uscire anche il nuovo disco del TIR, il secondo full-length dopo ‘Clima’ se escludiamo la colonna sonora di Nosferatu. Ci sarebbero altre uscite nell’aria ma la lista mi sembra impegnativa già così, non trovi?
Link: Ribéss Records Bandcamp Page
Intervista con Giulio della Ribéss Records
Nel mio viaggio “spideristico-musicale” alla ricerca di manifestazioni di questo universo di suoni e visioni che ci circonda e ci accompagna nella nostra quotidianità, questa volta faccio tappa in Emilia-Romagna per approfondire la conoscenza della Ribéss Records. Le sue produzioni, tra folk, cantautorato e elettronica “anomala”, in questi anni sono state spesso ospitate su Kathodik. Questo mi ha spinto a volerne sapere di più sulla label, e ho intervistato Giulio, il maggiordomo del Re Biscio, che mi ha raccontato la nascita, la quotidianità sonora, e il futuro della Ribéss Records. A voi la lettura.
Quando e come è nata l’idea di fondare la label Ribéss Records?
La label è nata il 29 settembre 2005. In realtà sarebbe nata a maggio, ma l’abbiamo fatta coincidere col giorno di san Michele Arcangelo per questioni di coerenza con la nostra mitologia fantafolk: l’arcangelo, patrono di Santarcana così come del suo equivalente reale Santarcangelo, è il re delle milizie celesti e ha il compito di uccidere il drago / serpente, dunque non può essere che l’arcinemico del nostro Re Biscio. la confraternita degli Arcangioliti, che risiede nel labirinto di cunicoli sotterranei che crivellano la collina su cui sorge Santarcana, cerca in tutti i modi di debellare il nostro strisciante sovrano, anche eseguendo cruenti rituali atti a incarnare l’arcangelo nel corpo di giovanissimi popolani, in pratica dei bambini, nella speranza che uno di questi sviluppi un infallibile istinto alla caccia del maligno e straordinari poteri salvifici. tuttavia l’esito dei riti, nel corso dei secoli, si dimostra fallimentare: i bambini – rapiti, segnati nel corpo e nella psiche – diventano mentalmente instabili e vengono così rilasciati in paese, dove continueranno a vivere randagi. del resto, Santarcana è il paese italiano col maggior numero di matti. ma un bambino in particolare, una volta tornato libero, comincia a mostrare insolite, ambigue capacità…
Giulio, il maggiordomo del Re Biscio al Mondobiscio party 28.12.2025
È stato Ale a buttarla lì, e io l’ho accolta subito come l’uovo di Colombo. Avevamo lo stesso giro. Ci è capitato di suonicchiare insieme in sala prove e ogni tanto andavamo a qualche concerto. Poi abbiamo cominciato a organizzarne qualcuno. Poi qualche rassegna. Poi una specie di format radiofonico che è stato anche uno stratagemma per far passare gruppi locali che nessun programmatore professionista avrebbe preso in considerazione. Io personalmente con l’attività musicale ero fermo a una trascurabile cover band che si era sciolta qualche anno prima. Lui aveva sempre mille pensate e progetti nel pentolone. Il primo a prendere corpo sul serio, come una dama bianca che ti si materializza davanti, erano i Lilli Burlero. Segnati questo nome, se ti va. Loro e il Circolo dell’Ozio Cabalistico, un suo progetto successivo.
Abbiamo aperto la Ribéss senza sapere bene cosa fosse un’etichetta, e soprattutto cosa comportasse gestirne una: sai no?, impaginare un booklet, stampare i supporti, ma anche le pratiche Siae, la promo, la distro, la ricerca perennemente frustrata di un booking, ’ste menate qua. Cose che bene o male abbiamo imparato a conoscere strada facendo e se, spesso, abbiamo continuato a ignorarle, a un certo punto era perché volevamo ignorarle. A comandare era la nostra linea editoriale: dare spazio alla provincia. Nel 2005 c’era già puzza di “urbanizzazione” delle proposte musicali: ci si stava già appiattendo verso pochi standard imperniati su chi deteneva grandi consensi numerici. Il che si traduceva in tanta roba omologata, derivativa, il più delle volte futile. A noi interessava la pluralità. Soprattutto se sporca. E attraverso quella sporcizia alzare l’asticella.
Bancale ‘Frontiera’
Su che genere musicale vi siete orientati? E perché?
Fin dall’inizio avevamo un appetito molto vario. E aspiravamo a produzioni che deragliassero nell’arte figurativa, concettuale, nella narrativa, nel fumetto. In quel periodo, poi, eravamo entrambi in fissa con l’etnografia che sconfina nel fantastico (bè, io lo sono ancora) e, unendo certi punti che scoprivamo intorno a noi, ci si è rivelato un immaginario gotico-rurale piuttosto glocal, prima ancora che questa parola diventasse d’uso comune. Ma anziché glocal potrei dire archetipico. Ne abbiamo fatto materia d’ispirazione. Il Re Biscio (Ribéss nel dialetto del mio paese) era diventato il nostro sfuggente e discutibile nume tutelare, carico di significati che trascendevano le vecchie leggende da cui l’avevamo risvegliato. La sua tana era il nostro covo, allo stesso tempo inospitale e accogliente. Il paese stesso era stato ribattezzato Santarcana. Ale era diventato il demiurgo della tana, io il maggiordomo.
Quest’immaginario era la narrazione che faceva da cornice alle narrazioni in forma musicale che producevamo. Avrebbe dovuto esplodere anche in una graphic novel, fiabe, perfino un gioco da tavolo e altri progetti rimasti sospesi nell’aria. Al momento siamo fermi a dei francobolli e poco altro. Tu capisci che, con queste premesse, non potevamo che andare in fregola per l’alt_folk, il cantautorato dai tratti oscuri, certa elettronica suggestiva e terrigna. Cose che a metà anni ’10 non erano così fuori dal mondo. Anche in Italia, qua e là, c’era dell’interesse per la destrutturazione e il rinnovo di generi ritenuti in via d’esaurimento. Ma non ci è voluto più di un anno perché ci rendessimo conto che avevamo intrapreso un sentiero divergente dalla grana e dalla fama.
Collettivo Ginsberg ‘Kintsugi’
La vostra proposta musicale è cambiata negli anni?
Non così tanto. Nel 2009 abbiamo preso una decisione irremovibile sulla questione della lingua. Sei italiano? Valutiamo di produrre il tuo disco solo se canti in italiano. Sei francese o uzbeko? Solo se canti in francese o uzbeko. L’inglese, per favore, lasciamolo agli anglofoni. E di madrelingua anglofoni ne sono passati diversi, dalla Ribéss. Il motto “lingua e buoi dei paesi tuoi” vale tuttora. A conti fatti, un bel collo d’imbuto per le proposte italiane, che – vuoi per propensioni personali, vuoi per illusioni di mercato – non si sono ancora del tutto smarcate dall’esterofilia.
Ma a parte la sterzata della lingua, e il ritiro del demiurgo dalla tana, non si sono viste grandi trasformazioni. Forse si spinge un po’ di più con l’elettronica. Al di là dei generi, di sicuro la Ribéss si è orientata più spudoratamente verso ciò che, in varie forme e misure, recepisce come “sacro contemporaneo”, e le religioni rientrano ben poco in questo campo. L’idea del sacro della Ribéss abbraccia l’eresia anche a costo dell’irrilevanza. Ci manteniamo alternativi al mainstream ma anche alle sue alternative dominanti, e questo senza farne un dogma: è una questione “estetica” in senso proprio, di aspettative su ciò che la musica può ancora offrire. Di salvaguardia di una ecosistema musicale che accetta anche il torbido. Gettiamo semi per la posterità.
forestale val d’aupa ‘Ramaglia’
Le vostre produzioni sono in formato Cd, vinile, digitale. Quale formato secondo te riesce ad esprimere meglio la vostra filosofia di Musica?
Usciamo anche in cassetta, pendrive… Ci mancano solo le tavolette d’argilla incise a mano. Non abbiamo un supporto predefinito, si valuta di produzione in produzione. Il cd resta senz’altro il formato più battuto. Il vinile è bello, caldo e godurioso quanto vuoi ma, checché se ne dica, non ha un’impennata di richieste tale da renderlo irrinunciabile per mantenere la baracca – almeno per la nostra limitata esperienza. Neanche col cd si mantiene la baracca, sia chiaro, ma ci si dissangua meno. Sembra che a preferire di più il vinile siano i musicisti stessi, perché la soddisfazione di uscire in 12” esercita un’attrattiva irresistibile. Io sono molto combattuto. Ho l’impressione che la fregola per il vinile tradisca un imborghesimento dei gusti. Ora la musica è ormai tutta gratis dappertutto, e tu che hai ancora un’affezione per il fisico cosa fai? Ti dirigi verso il formato più costoso. Mh, c’è qualcosa che non torna. Sei più interessato all’opera o al supporto? Che poi è un prodotto industriale, mica un multiplo d’artista. È un po’ come credere che per impiattare un minestrone serva un mestolo di design. In quanti comprano davvero mestoli di design? E quanti mestoli possono comprare in un mese? In quel mese lì, compreranno mai due o tre mestoli di interessanti artisti semisconosciuti se è appena uscito il MestoLone limited edition dei Radiohead?
Ad ogni modo, è vero, ogni formato si porta dietro una filosofia e una storia, dei bonus e dei malus. Alla Ribéss piace “forzare” il formato, dotarlo di un quid che lo renda più saporito di quanto ci si aspetti. Ci siamo fatti le ossa lavorando sulla confezione, sugli extra, perfino sul detournement, come nel box multivinile per l’ultimo lavoro di Francobeat, che non contiene vinili ma tavole di disegni ispirati al disco. Per un prossimo lavoro del TIR, ‘Amigdala’, stiamo pensando a un manufatto simile a una gemma che ti permette di ascoltare i pezzi se lo tieni vicino al telefono. Le variabili di un formato e del suo packaging non sono poi tante: se te le giochi bene puoi ancora tirar fuori un oggetto che si distingue. Feticismo per feticismo, preferiamo puntare su prodotti originali che costino poco. Ma poi, se ci pensi, non dovrebbe essere questo l’obiettivo del design? E comunque il formato perfetto dobbiamo ancora provarlo. Non è l’mp3, ecco.
Hazy Loper ‘the shadow carvings and other short poems’
Cosa ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche?
Ne abbiamo fatte diverse, dagli inizi fino all’altroieri. In generale c’è stata una fase ben precisa della discografia indie italiana relativamente recente in cui si praticavano le coproduzioni con molta disinvoltura. Che per certi versi era una gran cosa: scoprivi altre etichette, vicine e lontane, ci lavoravi insieme, si faceva rete, potevano crearsi rapporti anche duraturi. Da qualche parte funziona ancora così.
In alcuni casi la faccenda sfuggiva di mano. Si sono viste cordate lunghissime, tipo dieci o dodici etichette per un disco solo. Ecco, ’ste cose sanno di mezzuccio: un espediente delle etichette più strutturate (o più motivate) per abbattere le spese chiedendo quote alle colleghe minori che non avevano il benché minimo potere decisionale. In cordata, anche sul piano delle vendite, l’etichetta grossa si mangia le piccole. Se un disco figura in tanti cataloghi, finisce che viene trovato solo in quello dell’etichetta più in vista o più abile a piazzarsi. Inoltre, se un’opera ha tanti coproduttori, è prodotta da tutti e da nessuno, e chi la produce si declassa a uno sponsor. C’è come una diluizione dell’impronta editoriale.
Ci tieni a produrre un disco? Fai uno sforzo economico in più e riduci il numero dei coproduttori al minimo indispensabile. Il disco, il gruppo stesso ha dei vantaggi a non trovarsi accasato sotto troppi tetti. È un fatto di riconoscibilità di una visione, di posizionamento qualitativo (se c’è qualità). Tra l’altro il produttore singolo è già, funzionalmente, un capocordata: è la figura che si mette a disposizione di tutti i soggetti coinvolti – musicisti, collaboratori, tecnici, grafici, uffici stampa; lavora quotidianamente insieme a loro e, alla bisogna, decide se far passare la propria linea oppure no. Io, ad esempio, mi sono scoperto un capocordata molto remissivo. Dovrei imparare a battere il pugno, ogni tanto.
Pieralberto Valli ‘Atlas’
Che ne pensi dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica della vostra label? Siete attivi sui social?
Più che altro siamo psicoattivi. Il 2.0 ha smesso di essere utile già nei suoi primissimi anni. Ora che i social sono onnipervasivi e in aumento, siamo tutti punto e a capo, ma con una mole di lavoro extramusicale in più che si suppone imprescindibile per avere qualche chance di far passare la propria voce. Stringi stringi, hai le spalle al muro. Sei uno spettro che bisbiglia all’orecchio di altri spettri in un campo multidimensionale, ognuno incapsulato nella propria cazzo di dimensione. La speranza di visibilità è una tentazione soft-porno che cerchi di mandare a segno in un ambiente tarato sugli snuff movie, metaforicamente parlando. E se hai abbastanza fortuna da far arrivare davvero la tua voce a qualcuno, il più delle volte finisce lì. Perché peggio del rumore di fondo c’è la quantità sconvolgente di orecchi assuefatti a quel rumore.
Ascoltare un disco richiede attenzione: un silenzio auto-indotto. A quanto ci dicono tutti, i nostri dischi richiedono un po’ di attenzione in più, in un contesto saturo di proposte e battage promozionali. E già qui si crea un paradosso: per proporre un disco “silenzioso” dovremmo metterci anche noi a far casino? Per il momento la Ribéss se ne sta sui social il minimo indispensabile. Magari con toccate-e-fughe dadaiste.
TIR ‘Clima’
Come vedete la promozione e la diffusione della musica che proponete?
Intricata.
Possibili progetti futuri come un libro che racconti la storia della label?
Tempo fa avevo iniziato a mettere in bella copia un blook sulla Ribéss. Conteneva la versione integrale di alcune “rubriche” lanciate sui social, approfondimenti su progetti mai realizzati, e naturalmente aneddoti su tutte le produzioni, i gruppi, l’etichetta in generale. L’hard disk in cui era salvato il file è andato in frantumi e non c’è stato modo di recuperare i dati. La perdita di quel testo era il male minore. Ovviamente quella lezione non è bastata a farmi prendere l’abitudine ai backup. Comunque l’idea del blook – o in ogni caso una narrazione pulviscolare, che mescoli generi e discipline artistiche – non è scartata del tutto. Può tornare buona per la prossima vita. Chissà.
Però da qui all’estinzione della Ribéss vorrei mandare in porto un progetto a cui tengo molto. Anche questo ha a che fare con il racconto delle piccole gesta dell’etichetta. Un mazzo di tarocchi. Ok, in giro ce ne sono a migliaia. I Tarocchi di Santarcana però sono la quadra di tutto il Biscioverso. Lo spunto iniziale risale a parecchio tempo fa e ora sta prendendo forma grazie alla Lori. Nella Ribéss ha fatto un ingresso felpato come, diciamo, revisora dei conti e mental coach in egual misura. Per i nostri tarocchi si è messa a disposizione per far tornare una delle operazioni più assurde mai concepite nella tana del Re Biscio: fondere la simbologia degli arcani marsigliesi con l’immaginario dream-folk della Ribéss, ma anche con personaggi e situazioni reali che hanno marcato la storia dell’etichetta. Non so se ho reso l’idea. Ci trovi dei gruppi musicali ben precisi immersi in un background fantastico molto definito e tutto questo può essere letto in chiave tarologica. Roba da mandare in pappa il cervello. Al limite puoi usarli per giocare a briscola.
francobeat ‘amour automatique’
Chiusa dell’intervista: le prossime uscite in cantiere?
In primis il nuovo disco di Houdini Righini. Una produzione che, dopo Lascaux, non era cosa banale. Credo abbia tirato fuori dal cilindro una nuova veste del suo pop-simbolismo maturo, e in questo i suoi vecchi e nuovi complici in arte sono stati decisivi. Poi c’è il terzo disco degli Unoauno, che in questi ultimi anni si erano concentrati su progetti paralleli. Con Sandri abbiamo in ballo la seconda “sessione della stalla” con cui dovremmo chiudere un concept in dialetto. Stiamo anche lavorando al packaging (di legno) per la documentazione del concerto meditativo ‘Hierà’ di Alessandro Adelio Rossi (Bancale, AAR) e Denis Guerini. Forse il 2026 sarà l’anno buono per far uscire anche il nuovo disco del TIR, il secondo full-length dopo ‘Clima’ se escludiamo la colonna sonora di Nosferatu. Ci sarebbero altre uscite nell’aria ma la lista mi sembra impegnativa già così, non trovi?
Link: Ribéss Records Bandcamp Page
Revolutionary Snake Ensemble ‘Serpentine’
(Cuneiform Records 2025)
Il prodotto discografico è la registrazione di una live al Ragattabar di Boston nel 2024. E’ un prodotto estremamente godibile e riconoscibile. Il Revolutionary Snake Ensemble (RSE) suona come una marching band da club: capitanata da Ken Field al sax alto e flauti, non è composta che da ottoni e sezione ritmica. La costruzione armonica rispecchia il tipico arrangiamento delle bande di strada della Lousiana, compresa anche la naturale tendenza a far ballare (The Skunk is D’Funk’d).
Si arricchisce però di altro materiale proveniente da tradizioni diverse. E in questo aderisce pienamente alla grande tradizione del “jazz”: prendere da questo e da quello, mischiare il tutto assieme, suonarci qualcos’altro partendo dal “tema”. Nella musica degli RSE ci sono spunti zappiani (Son of Mr. Green Genes), echi balcanici (Buck, con un grande solo di Field; Nezalezhnist), omaggi a Sun Ra (Strange Cults).
Di sicuro la resa performativa del gruppo è notevole. Vederli dal vivo dovrebbe essere stato molto coinvolgente. Ma è meno sicuro, per quanto mi riguarda, l’aggettivo applicato al gruppo: “rivoluzionario”. Non ci trovo nulla di sconvolgente; dovessi applicare invece un attributo, sarebbe quello che ho scritto all’inizio: godibile.
Voto: 7/10
Cuneiform Records Home Page
Emiliano D’Auria ‘The Baggage Room Vol. 2’
(Via Veneto Jazz 2025)
Tra le migliori cose dell’anno mettiamo quest’album del pianista Eimiliano D’Auria, ancora con il suo quintetto internazionale insieme a Philip Dizack alla tromba, Dayna Stephens al sax tenore, Jacopo Ferrazza al contrabbasso e Kush Abadey alla batteria, registrato a Monaco di Baviera e missato a New York.
The baggage room è la stanza in cui gli immigrati che passavano da Ellis Island lasciavano i loro bagagli prima di essere accettati o meno in USA, una realtà che ha lasciato una profonda impressione nel pianista, autore di composizioni molto interessanti e ispirate che affondano le loro radici nel mare magnum del modern mainstream, a contatto con il quintetto di Miles Davis con Wayne Shorter, atmosfere indimenticabili che qui trovano una loro logica continuazione, coinvolgenti per come avvolgono emozionalmente l’ascoltatore.
Gli assoli dei due fiati, il perfetto lavoro della ritmica senza nessuna sbavatura, senza momenti a vuoto, fanno di questo album un appuntamento importante per il leader, arrivato ad un ottimo livello, in grado di guidare il gruppo attraverso le sue composizioi con mano sicura e di creare atmosfere che lasciano il segno.
Bel disco, compatto, si ascolta d’un fiato lasciando la voglia di farlo ripartire di nuovo, ad ogni nuovo ascolto si scopre qualcosa di nuovo, il particolare che ne fa qualcosa di speciale.
Voto 9/10
Emiliano D’Auria Facebook Page
Jacopo Fagioli ‘Dialogue’
(Aut Records 2025)
Il trombettista jacopo Fagioli è qui al suo secondo album con un quartetto che presenta una musica ed un jazz fuori dagli schemi più ricorrenti, moderno e frizzante, che si pone domande cercando il dialogo come indicato nel titolo.
Insieme a lui ci sono Davide Strangio alla chitarra, Amedeo Verniani al contrabbasso e Mattia Galeotti alla batteria, anche loro coinvolti dalla forza trainante del leader, autori di suoni inusuali, specialmente la chitarra costantemente lacerata alla ricerca di qualcosa di profondo all’interno delle esecuzioni.
Ovunque c’è qualcosa di interessante, un’idea, un suono, un dialogo, fino al Desertification finale, in cui tutto si rarefà creando una bellezza diafana ma allo stesso tempo ricca di una forza interiore
Si tratta di un quartetto molto interessante, in sintonia con le correnti piú avanzate del jazz odierno, che cerca evidenti spazi al di fuori dei confini nazionali.
Voto: 8/10
Jacopo Fagioli ‘Dialogue’ Bandcamp Page
Black Lips ‘Season Of The Peach’
(Fire/Goodfellas 2025)
A tre anni dal caustico “Apocalypse Love” i BL cambiano ancora direzione virando, questa volta, verso una musica vintage, fatta di garage rock pop, new wave, country e riferimenti a epiche colonne sonore western.
“Season Of The Peach” è stato registrato in analogico con il chiaro intento di captare su nastro la stessa energia che il gruppo esprime sul palco, cosa che è ben riuscita, perché nelle quattrodici tracce in scaletta il gruppo ha espresso l’energia e lo spirito degli esordi, prendendo molto in considerazione la musica outsider.
Nel disco la varietà di generi suscita la sensazione di momenti e sonorità molto variegati, per cui si parte con la ballata soffusa country The Illusion Part Two che porta alla mente i Wilco più folk e intimisti, si prosegue con Wild One, un mantra per i postumi della sbornia, un lamento struggente in lode della natura selvaggia, che non avrebbe sfigurato in un disco dei Royal Trux.
Con Tippy Tongue si respira un po’ del sound a cui ci hanno abituato i BL grazie ad un serrato beat-pop che deve tanto al soul delle girl group degli anni ’60, come The Shangri-Las e Ronettes. Questo brano fa il paio con il martellante beat anni ’60 di So Far Gone, ma con una vena psichedelica che spiazza. Intrigano e sorprendono tanto Zulu Saints per il suo intreccio tra country e folk distorto, quanto Happy Place per il suo intro clashiano per poi virare verso un eccitante beat.
Disco straniante e spiazzante, quindi valido e meritevole di molta attenzione.
Voto: 8/10
The Black Lips Facebook Page
Neptunian Maximalism ‘Le Sacre Du Soleil Invaincu’
(I,Voidhanger Records 2025)
Neptunian Maximalism è un nome che circola dalle parti di Kathodik. Ne ho parlato qui per ‘Éons’, poi ne ho parlato qui nell’intervista a Luciano Gaglio della I,Voidhanger Records, label che pubblica la loro produzione. Ora ne ritorno a parlare in occasione dell’uscita quest’anno del loro nuovo album ‘Le Sacre Du Soleil Invaincu’. Splendidamente illustrato dall’artista giapponese Kaneko Tomiyuki, il disco è stato registrato nel 2023 alla chiesa di St. John’s on Bethnal Green a Londra per il The Judgement Hall Festival, ed è il frutto di una residenza di quattro giorni nella chiesa che si presenta al pubblico come un lungo viaggio musicale, intrapreso per rivisitare 3 raga della musica classica indiana: Raga Marwa, Raga Todi e Raga Bairagi. La musica presentata dalla band si apre come una lunga processione di suoni intrecciati che uniscono bordate drone ad inserti free jazz, accompagnati da innesti “spaziali” di chitarre psichedeliche che guidano l’ascolto come una incandescente traccia sonora, in un continuo stato di limbo sonico da cui non ci si riesce fortunatamente a distaccare, complice la geometria complessa disvelata in in ogni brano, dove ogni nota prodotta ha il suo senso all’interno della visione complessiva dell’opera. Grazie all’ottima interazione dei membri della band, l’ascoltatore viene progressivamente traghettato verso uno zenit sonoro che “esplode e divampa” e cosparge di ceneri pentagrammatiche il mondo sottostante, per riprendere la graduale discesa verso nuovi lidi di senso e suono da ascoltare e accogliere nel proprio orizzonte di “senso acustico”. Un incredibile e affascinante viaggio che si ripete e ripete, ogni volta sempre più profondo, sempre più necessario. Rischiate l’ignoto e ascoltateli…
Voto: 9/10
I,Voidhanger Records Bandcamp Page
Christian Vasseur, Nicolo Vivi, Steve Gibbs ‘FWWU+’
(4DaRecord 2025)
Abbiamo qui un doppio album che sicuramente susciterà l’interesse di chi suona la chitarra, presa nella sua eccezione più vasta, come strumento che può suonare anche l’avanguardia e che si presta a tanti esperimenti dal punto di vista costruttivo.
Sul primo CD ci sono Christian Vasseur alla chitarra una 11 string alto guitar Philip Woodfield tuned in quarter tone e Steve Gibbs ad una chitarra classica a 8 corde.
Sul secondo CD ai due si aggiunge Nicolò Vivi aila chitarra classica a 8 corde, suonata qui anche dagli altri due.
È un disco fuori dal comune, comunque molto interessante per come le chitarre interagiscono, fuori da qualunque dogma musicale ma anche pronte ad interagire con altre forme artistiche,
Bella musica e bei suoni, al di fuori degli schemi correnti.
Voto 8/10
Christian Vasseur, Nicolo Vivi, Steve Gibbs ‘FWWU+’ Bandcamp Page
Mad Dogs ‘The Future Is Now’
(Go Down/2025)
Con “The Future Is Now” i Mad Dogs giungono al terzo disco con cui confermano la loro attitudine di portavoce qualificati di quel sound che ha trovato il punto di congiunzione tra hard rock svedese degli anni ‘90, proto punk e punk melodico di matrice australiana.
In questi undici brani il quartetto, infatti, dimostra di sapersi destreggiare tra accelerate, assoli, rallentamenti, melodie e ballate sferraglianti. Badate bene non è un ossimoro, perché i Mad Dogs riescono a sviluppare ulteriormente la lezione impartita dagli Hüsker Dü da un lato e dalla tradizione del hard rock melodico dei ’70 dall’altro. Se prendiamo It’s Not Late Tonight, parte con chitarre roteanti e inarestabili, che sono la base per un cantato tirato, ma non troppo e prosegue in modo scheggiato e avvolgente, ma con la voce che attenua la spinta hard. Questo brano fa il paio con Black Sheep, una ballata proto-punk avvolgente, nella quale in alcuni momenti sono più melodici degli Hüsker Dü, mentre in altri si lasciano andare ad un punk accelerato di matrice svedese, con tanto di assoli di chitarra.
Particolarmente attraente è No More Lies, nella quale il quartetto trova la quadratura del cerchio tra assoli della sei corde e accelerate tra hard e punk alla The Hellacopters, gruppo che sicuramente ha ispirato la stessa title-track, mentre in Go Ahead (Don’t Give Up) le sonorità sono più assimilabili al punk-rock australiano.
Coerenti come pochi i Mad Dogs se ne fregano delle mode e dell’hype, macinando rock’n’roll come se non ci fosse un domani.
Voto: 7/10
Mad Dogs Facebook Page
Intervista con Tim Mitchell, Head of Editorial, Intellect Books, Subject Area: Music
Incontro numero 14, dedicato a far conoscere ai lettori di Kathodik chi si occupa di promuovere un discorso approfondito di critica musicale nell’editoria italiana e internazionale. 1° Antonio Bacciocchi della Cometa Rossa Edizioni (qui); 2° Marco Refe della Edizioni Crac (qui); 3° Luca Cerchiari, curatore della collana ‘Musica Contemporanea’ della Mimesis Edizioni (qui); 4° Karl Ludwig, a quel tempo Responsabile Comunicazione della tedesca wolke verlag (qui); 5° Domenico Ferraro, direttore editoriale della Squilibri Editore (qui); 6° Fabio Ferretti, ideatore e curatore della collana ‘Chorus’, della Edizioni Quodlibet (qui); 7° Massimo Roccaforte, curatore editoriale della Goodfellas Edizioni (qui); 8° Christina Ward co-curatrice della casa editrice statunitense Feral House (qui); 9° Ken Wissoker, Senior Executive Director della casa editrice statunitense Duke University Press (qui); 10° Jamie Sutcliffe e Mark Pilkington ideatori e direttori editoriali della casa editrice britannica Strange Attractor Press (qui); 11° Roberto Gagliardi aka Robertò, della Hellnation Libri/Red Star Press (qui); 12° Eugenio Monti della Tsunami Edizioni (qui); 13° Maria Maddalena Novati, Presidente dell’Associazione NoMus (qui).
Oggi mi sposto “virtualmente” nel Regno Unito, a Bristol, per intervistare Tim Mitchell, Head of Editorial, Subject Area: Music, della Intellect Books. A questa interessante e articolata realtà editoriale ci sono arrivato prima attraverso la recensione del volume di Barry Phillips ‘In search of Tito’s Punk’ (qui), poi attraverso l’intervista a Mike Dines e Russ Bestley del Punk Scholars Network (qui). Naturale mi è sembrata la richiesta di approfondimento riguardo la Intellect Books. Grazie alla disponibilità di Tim Mitchell ho potuto conoscere le varie aree di studio e le varie iniziative messe in campo per far conoscere e apprezzare il suono in cui ogni giorno siamo piacevolmente e fortunatamente immersi. A voi la lettura.
Qui trovate la traduzione in Inglese
Come nasce l’idea della Subject Area Music ?
Sebbene la Intellect abbia una lunga tradizione nell’editoria nel campo delle arti creative, la nostra lista di pubblicazioni musicali è diventata ufficialmente una categoria a sé stante solo nel 2019. Prima di allora, i titoli relativi alla musica facevano parte del nostro più ampio catalogo dedicato alle arti dello spettacolo, che comprende anche studi di danza e teatro. L’istituzione della musica come categoria a sé stante ci ha permesso di riflettere meglio il numero crescente di riviste e libri incentrati specificamente su questo campo e di dare maggiore visibilità al catalogo, il che ci ha aiutato a rafforzare la nostra presenza e ad espanderci con maggiore sicurezza nel campo della musica e delle discipline correlate. Ci permette inoltre di creare una collezione specifica di riviste musicali per le biblioteche.
Riguardo ai libri: come vengono selezionati i titoli da pubblicare?
Partecipiamo a una vasta gamma di conferenze e simposi dedicati alla musica popolare, agli studi culturali e sui media, alle arti performative e a molti altri campi correlati, il che ci aiuta a rimanere in contatto con le nuove tendenze e i ricercatori emergenti. Prendiamo in considerazione proposte che siano in linea con una o più delle nostre aree tematiche principali. Se il tema centrale, la metodologia e il pubblico di riferimento riguardano principalmente gli studi musicali, aggiungeremo la proposta all’elenco dedicato alla musica. Detto questo, molti dei nostri libri sono profondamente interdisciplinari. Non è raro, ad esempio, che un progetto colleghi gli studi sulle sottoculture alle arti visive o che colleghi la composizione musicale agli studi sui videogiochi. Ogni proposta viene sottoposta a una revisione editoriale interna per valutarne l’adeguatezza rispetto all’orientamento editoriale di Intellect e spesso invitiamo esperti esterni del settore a valutarne il rigore accademico. Essendo innanzitutto un editore accademico, tutti i nostri titoli devono superare con successo una doppia revisione tra esperti prima della pubblicazione.
Per quanto riguarda la selezione di autori stranieri, a quale scuola di critica musicale si fa più riferimento? Accenno un esempio: avete più interesse negli agli autori di lingua inglese? Oppure negli autori di lingua francese? Oppure di altre lingue?
Siamo una casa editrice con sede nel Regno Unito che pubblica libri in lingua inglese. Sebbene tutti i nostri titoli siano pubblicati in inglese per un pubblico anglofono, questa è l’unica restrizione in termini di contenuti. I nostri autori provengono da tutto il mondo e scrivono su una vasta gamma di argomenti internazionali per un pubblico eterogeneo. Uno dei temi principali dei nostri titoli musicali è l’intersezione tra musica e cultura, esplorando le scene musicali a livello globale attraverso molteplici prospettive internazionali. Molti studiosi internazionali scrivono in inglese e noi forniamo loro supporto nella revisione dei testi. Inoltre, a volte acquisiamo progetti di diritti stranieri che sono stati tradotti in inglese prima della presentazione. Ad esempio, abbiamo recentemente pubblicato Shock Factory: The Visual Culture of Industrial Music di Nicolas Ballet, originariamente pubblicato in francese. Attualmente sto lavorando a due accordi sui diritti tedeschi che esaminano le scene musicali nel contesto specifico della Germania del dopoguerra. Questo approccio è un ramo sempre più importante della nostra attività editoriale.
Quali generi preferite trattare per le vostre pubblicazioni? Perché?
In termini di generi musicali, abbiamo trovato la nostra nicchia in determinati ambiti, soprattutto grazie alle entusiastiche comunità accademiche che si sono sviluppate attorno ad essi. Come editore di riviste, fondare una rivista dedicata a un particolare “genere” aiuta a costruire e alimentare una comunità di studiosi che lavorano in quel sottocampo. Esempi degni di nota dall’elenco Intellect includono, tra gli altri, gli studi sul punk e post-punk, sul metal e sull’hip-hop. Tuttavia, non siamo affatto limitati dal genere e accogliamo con favore proposte originali che si concentrano su qualsiasi genere o tradizione musicale, compresa la musica elettronica, il jazz, il rock o la musica classica contemporanea.
Qual è il titolo più interessante che è stato pubblicato fino ad oggi? Perché?
Non sono sicuro di poter citare un esempio specifico, poiché il nostro elenco è ricco di libri e riviste interessanti, spesso altamente specializzati, che intrecciano la musica con diverse discipline, producendo risultati molto originali e coinvolgenti.
Parlatemi della serie di riviste dedicate alla musica: scorrendo il vostro sito si può vedere che oltre all’argomento Popular Music trattate anche di Punk e Post Punk (come mi ha raccontato Russ Bentley, nell’intervista al Punk Scholars Network qui), ma anche di colonne sonore, di teatro musicale e molti altri argomenti. Come avete selezionato gli argomenti da trattare?
La nostra filosofia come casa editrice è sempre stata quella di sostenere le aree tematiche emergenti. Ad esempio, gli studi sul punk e sul metal sono ormai campi consolidati, ma quando abbiamo lanciato le prime riviste in questi settori, ciò comportava un certo grado di rischio. La qualità della proposta, insieme all’impegno e alla visione degli editori nel definire il campo e dimostrare la necessità della rivista, gioca un ruolo fondamentale nell’aiutarci a decidere quali argomenti vale la pena sostenere. Queste aree devono sempre riflettere i nostri valori come casa editrice. Studies in Musical Theatre, ad esempio, è una rivista di grande successo, che coniuga le nostre aree principali nell’ambito delle arti performative della danza, del teatro e della musica. Una volta che si è creata una comunità editoriale, con redattori, autori, revisori e lettori coinvolti, spesso seguono collane di libri e titoli singoli, che ci consentono di costruire un elenco coerente e mirato all’interno di quell’area tematica.
Pensate sia possibile la coproduzione tra editori per pubblicazioni selezionate, come avviene tra microlabel nella musica?
Sì, assolutamente, a volte ha senso collaborare con un’altra istituzione o casa editrice, e questo può assumere diverse forme. Il rischio viene condiviso, consentendo una produzione più costosa di titoli più appariscenti, oppure un altro coeditore potrebbe contribuire a pagare i costi di produzione, ma acquisire i diritti di pubblicazione nella propria zona, un’area difficile da raggiungere per Intellect, ad esempio. Ad esempio in passato abbiamo già realizzato con successo coedizioni con case editrici universitarie in Sudafrica e nelle Filippine.
Lo stato britannico aiuta gli editori per la pubblicazione?
Sì, ma solitamente in modo indiretto, attraverso finanziamenti da parte di enti quali l’UK Research and Innovation (UKRI), che sostiene i principali consigli di ricerca nei nostri settori chiave, tra cui l’Arts and Humanities Research Council (AHRC). Questi finanziamenti contribuiscono a coprire i costi di ricerca e la pubblicazione dei risultati, in genere pagando le spese di redazione di libri e articoli per renderli accessibili in modalità Open Access.
Oltre ai volumi pensate ad altre forme di pubblicazione? Ad esempio documentari, film, podcast?
Abbiamo una serie regolare di podcast “In Conversation” con i nostri autori ed editori, condotta da James Campbell della Intellect.
Stiamo sviluppando un programma di audiolibri per integrare i nostri testi cartacei e quelli digitali.
I nostri libri e articoli incorporano sempre più spesso elementi multimediali come video, musica e animazioni, riflettendo le esigenze in continua evoluzione delle nostre principali aree tematiche. Recentemente abbiamo lanciato la nostra piattaforma, Intellect Discover, che consente agli autori di libri e riviste di ospitare contenuti multimediali supplementari. La piattaforma fornisce anche l’accesso a tutti i nostri titoli in Open Access. Un esempio recente di pubblicazione musicale in Open Access con contenuti multimediali integrati è Sonic Signatures: Music, Migration and the City at Night.
Qualche segnalazione meritevole dei prossimi titoli che avete in cantiere?
Sì, abbiamo recentemente stipulato un contratto per due nuove interessanti riviste da inserire nel nostro catalogo 2027: il Journal of Live Music Studies e il Journal of Caribbean Music and Sound Cultures. Abbiamo appena pubblicato il primo numero del Journal of Music Production Research alla fine del 2025 e il contenuto è disponibile gratuitamente sulla nostra piattaforma per tutti i lettori interessati.
Per quanto riguarda i libri, stiamo per lanciare la nostra collana Contemporary Music Making and Learning, incentrata principalmente sull’educazione musicale, con due titoli: Djing in New York: Learning Processes of Underground Club DJs e If Colours Could be Heard: Narratives about Racial Identity in Music Education. La nostra collana Advances in Metal Music and Culture pubblicherà un titolo in Open Access, Medievalism, Popular Culture and Politics in Metal Music, nella primavera del 2026, mentre sono in fase di produzione due nuovi titoli per la nostra collana Global Punk: Punk and the Animal: Ethos, Ethics and Aesthetics e un volume collettivo che analizza il gruppo punk americano Bad Religion, entrambi in uscita nell’autunno del 2026. Infine, il prossimo anno uscirà un altro libro della nostra collana Urban Music Studies, che analizza la scena musicale di Minneapolis, famosa per essere la città natale e la base creativa di Prince.
Link: Intellect Books Music Page
Link: Intellect Books Music Journal Page
Link: Intellect Books Facebook Page
Link: Intellect Books Twitter/X Profile
Link: Intellect Books Instagram Profile
Interview with Tim Mitchell, Head of Editorial, Intellect Books, Subject Area: Music
Meeting number 14, dedicated to introducing Kathodik readers to those involved in promoting a discourse of music criticism in Italian and international publishing. 1° Antonio Bacciocchi, Cometa Rossa Edizioni (here); 2° Marco Refe, Edizioni Crac (here); 3° Luca Cerchiari, editor of the ‘Musica Contemporanea’ series of Mimesis Edizioni (here); 4° Karl Ludwig, at that time Communication Manager of the German wolke verlag (here); 5° Domenico Ferraro, Editorial Director of Squilibri Editore (here); 6° Fabio Ferretti, creator and editor of the series ‘Chorus’, by Edizioni Quodlibet (here); 7° Massimo Roccaforte, editorial curator of Goodfellas Edizioni (here); 8° Christina Ward, co-curator of the US publishing house Feral House (here); 9° Ken Wissoker, Senior Executive Director of US publishing house Duke University Press (here); 10° Jamie Sutcliffe and Mark Pilkington, creators and publishing directors of Strange Attractor Press (here); 11° Roberto Gagliardi Aka Robertò, of the Hellnation Libri/Red Star Press (here); 12° Eugenio Monti of the Tsunami Edizioni (here); 13° Maria Maddalena Novati, President of the Associazione NoMus (here).
Today, I am traveling “virtually” to Bristol, UK, to interview Tim Mitchell, Head of Editorial, Subject Area: Music, at Intellect Books. I first came across this interesting and multifaceted publishing house through a review of Barry Phillips book ‘In Search of Tito’s Punk’ (here), then through an interview with Mike Dines and Russ Bestley from the Punk Scholars Network (here). It seemed natural to ask for more information about Intellect Books. Thanks to Tim Mitchell’s willingness to talk, I was able to learn about the various areas of study and the various initiatives put in place to raise awareness and appreciation of the sound in which we are pleasantly and fortunately immersed every day. Enjoy reading!
Here you can find the Italian Translation
How did the idea of the Subject Area: Music come about?
While Intellect has a long history of publishing in the creative arts, our music list only officially became its own subject area in 2019. Before that, music-related titles were part of our broader performing arts list, which also includes dance and theatre studies. Establishing music as a standalone category allowed us to better reflect the growing number of journals and books focused specifically on this field, and give the list greater visibility, something that’s helped us strengthen our presence and expand more confidently within music and related disciplines. It also allows us to create a specific music journals collection for libraries.
About the books: how do you select the titles for publication?
We attend a wide range of conferences and symposiums in popular music, cultural and media studies, performing arts, and many related fields which helps us stay connected to emerging conversations and researchers. We consider proposals that align with one or more of our core subject areas. If the central theme, methodology, and intended audience primarily relate to music studies, we’ll add it to the music list. That said, many of our books are deeply interdisciplinary. It’s not unusual for a project to bridge subcultural studies and visual arts, or to connect musical composition with video game studies, for example. Every proposal goes through an internal editorial review to assess its fit with Intellect’s publishing focus, and often we’ll invite external experts in the field(s) to evaluate its academic rigour. As a scholarly publisher first and foremost, all our titles must successfully pass a double-blind peer review before publication.
As far as the selection of foreign authors is concerned, which school of music criticism is the most referred to? Just to give you an example: are you more interested in English-speaking authors? Or in French-speaking authors? Or other languages?
We are a UK-based, English-language publisher. While all our titles are published in English for an English-speaking audience, this is the only restriction on content. Our authors come from around the world and write on a wide variety of international topics for diverse audiences. A key focus of our music titles is the intersection of music and culture, exploring music scenes globally through multiple international perspectives. Many international scholars write in English, and we provide copy-editing support. Additionally, we sometimes acquire foreign rights projects that have been translated into English prior to submission. For example, we recently published Shock Factory: The Visual Culture of Industrial Music by Nicolas Ballet, originally published in French. Currently, I am working on two German rights agreements that examine music scenes within the specific context of post-war Germany. This approach is an increasingly important branch of our publishing.
What genres do you prefer to deal with for your publications and why?
In terms of musical genres, we have found our niche within certain areas, largely thanks to the enthusiastic scholarly communities that have developed around them. As a journal publisher, establishing a journal in a particular ‘genre’ helps to build and nurture a community of scholars working within that subfield. Notable examples from the Intellect list include punk and post-punk, metal studies, and hip-hop studies, among others. However, we are by no means restricted by genre, and we welcome original proposals that focus on any genre or musical tradition including electronic music, jazz, rock or contemporary classical.
What is the most interesting title that has been published to date and why?
I’m not sure I can single out a specific example, as our list is full of interesting, often highly specialized books and journals that intersect music with multiple subject areas, producing highly original and engaging results.
Tell me about your series of magazines dedicated to music: browsing your website, I see that in addition to popular music, you also cover punk and post-punk (as Mike Dines and Russ Bentley told me in the interview about Punk Scholars Network here), as well as soundtracks, musical theater, and many other topics. How did you select the topics to cover?
Our ethos as a publisher has always been to support emerging subject areas. For example, punk studies and metal studies are now well-established fields, but when we first launched journals in these areas, it involved a degree of risk. The quality of the proposal, along with the commitment and vision of the editors in defining the field and demonstrating the need for the journal, plays a key role in helping us decide which topics are worth championing. These areas must always reflect our values as a publisher. Studies in Musical Theatre for example is a very successful journal, marrying as it does our core areas within performing arts of dance, theatre and music. Once a journal community is established, with engaged editors, authors, reviewers, and readers, book series and individual titles often follow, allowing us to build a cohesive and focused list within that subject area.
Do you think co-production between publishers for selected releases is possible, as it happens between microlabels in music?
Yes absolutely, sometimes it makes sense to work in partnership with another institution or publisher, and this can take a variety of forms. The burden of risk is shared allowing for a more expensive production of a more visual titles, or another co-publisher might help pay for the production costs but takes the publishing rights in their region, an area where it is difficult for Intellect to reach for example. We have previously had successful copublications with university presses in South Africa and the Philippines for example.
Does the UK state help publishers with publishing?
Yes, it does, but usually indirectly, through funding from bodies such as UK Research and Innovation (UKRI), which supports key research councils in our core areas, including the Arts and Humanities Research Council (AHRC). This funding helps cover research costs and publishing outcomes, typically by paying book and article processing fees to make books and journal articles Open Access.
In addition to books, and journals, are you thinking of other forms of publication? For example documentaries, movies, podcasts?
We have a regular ‘In Conversation’ podcast series with our authors and editors hosted by Intellect’s James Campbell.
We are developing an audiobook programme to complement our text-based print and digital titles.
Our books and articles are increasingly incorporating multimedia elements such as video, music, and animation, reflecting the evolving needs of our core subject areas. We have recently launched our own platform, Intellect Discover, which allows book and journal authors to host supplementary multimedia content. The platform also provides access to all of our Open Access titles. A recent example of an Open Access music publication with integrated multimedia content is Sonic Signatures: Music, Migration and the City at Night.
Are there any forthcoming titles worth mentioning?
Yes, we have recently contracted two exciting new journals for our 2027 catalogue, the Journal of Live Music Studies, and the Journal of Caribbean Music and Sound Cultures. We just published the first issue of the Journal of Music Production Research in late 2025, and the content is freely available on our platform for any interested readers.
In terms of books, we are just about to launch our Contemporary Music Making and Learning series – which focusses heavily on music education – with two titles Djing in New York: Learning Processes of Underground Club DJs and If Colours Could be Heard: Narratives about Racial Identity in Music Education. Our Advances in Metal Music and Culture series will publish an Open Access title, Medievalism, Popular Culture and Politics in Metal Music in Spring 2026 and we have two new titles just entering production for our Global Punk series, Punk and the Animal: Ethos, Ethics and Aesthetics, and an edited volume examining the seminal American punk group Bad Religion, both due out in Fall 26. Finally, we will have another book coming out in our Urban Music Studies series next year, examining the music scene in Minneapolis, famously Prince’s home and creative base.
Link: Intellect Books Music Page
Link: Intellect Books Music Journal Page
Link: Intellect Books Facebook Page
Link: Intellect Books Twitter/X Profile
Link: Intellect Books Instagram Profile