(House of Mythology/2026)
Gli Zu tornano sulla scena musicale internazionale con un nuovo album di inediti a sette anni da “Terminalia Amazonia”. Tuttavia, il gruppo romano in questi anni non è stato sempre fermo, perché l’anno scorso ha creato quello strano ibrido con i Ruins, RuinsZu con ospite Tatsuya Yoshida alla batteria.
A completare il trio dietro le pelli c’è Paolo Mongardi che si è integrato perfettamente con i due membri storici Luca Mai e Massimo Pupillo. In questo lavoro, un Leviatano di 80 minuti per undici brani, il trio tende a voler fare la summa di ciò che ha prodotto dalla sua nascita, il 1997.
A partire dal titolo “Ferrum Sidereum”, che significa in latino ferro cosmico, ha un significato mitologico del ferro meteoritico, presente in manufatti come antichi oggetti rituali egizi, lame “Phurpa” tibetane e la spada celeste dell’Arcangelo Michele. A questo titolo il trio ha pensato perché dopo i concerti riceveva feedback di vitalità da parte del pubblico. Il sound se da un lato è quello classico degli Zu, dall’altro troviamo come accennato tutti i percorsi che il trio ha svolto, compresi quelli tribali dell’Amazzonia ed è maggiormente presente l’elemento elettronico, che si fonde perfettamente con i tre strumenti. Un altro elemento interessante, rispetto ai lavori precedenti è che i brani sono più monolitici, i cambi di registro stilistico sono meno netti e radicali, piuttosto c’è una tendenza a seguire una scia sonora, che spesso ha una base psichedelica. Ascoltare per credere Kelther o A.I. Hive Mind vibrante, circospetta, apparentemente fuori controllo, ma che segue una linea musicale ben precisa.
Dall’altra parte troviamo Golgotha in cui la ritmica insistente lascia spazio a momenti eterei, ma inquietanti, su cui si innescano momenti di free jazz, La Donna Vestita di Sole, che contiene il classico sound degli Zu con la seconda parte particolarmente intensa e greve, brano che fa il paio con la title-track, che dopo una lunga linea elettronica, ha un finale delirante.
Con gli Zu il 2026 è cominciato, musicalmente parlando, benissimo!
Voto: 9/10
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Matar ‘Archaeoacustics’
(Sleeepers Records 2025)
Ristampa in un raffinato cd edizione giapponese con obi, ad un anno dall’uscita in vinile (ne ho parlato qui) della produzione, affidata alla Sleepers Records, del nome Matar, progetto di Adi Newton (TAG /SOON/ Spectral Unit / Clock DVA), con il ricercatore americano in E. V. P., Michael Esposito e la violinista americana e professoressa di Arte all’UC Santa Barbara, Sarah Rosalena Brady. Questa edizione praticamente si raddoppia con altre cinque nuove composizioni che approfondiscono ulteriormente in maniera compiuta la ricerca basata sull’archeoacustica, che Matar porta avanti nello sviluppare nuovi aspetti “delle teorie archeologiche e astrofisiche in relazione ad antichi sistemi di spiritualità, di credenze e di concetti metafisici, ed esplora queste relazioni con la psicoacustica, attraverso l’uso di particolari frequenze audio”. I nuovi brani ampliano in maniera eccellente il disvelamento di nuovi significati attraverso profonde immersioni elettroniche in ambienti dilatati, per mezzo di delicate ondate di suoni rarefatti che catturano l’attenzione e coinvolgono in profondità l’ascoltatore, avvolto da tappeti sonici “caldi” e sognanti.
Consiglio spassionato, cercatelo e ascoltatelo, non rimarrete delusi.
Voto: 9/10
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Clemens Gadenstätter ‘Paramyth 1-3’
(col legno 2025)
La trasposizione in musica di esperienze sensoriali forti che ognuno di noi si trova a sperimentare nella quotidianità. Il modo in cui il pentagramma può traslare l’esperienzialità in suoni che avvolgono l’ascoltatore e lo avvincono al suo presente. Questo tentativo viene ben messo in opera dal disco ‘Paramyth 1-3’ del compositore Clemens Gadenstätter, che vede eseguito il trittico di composizioni: häuten, schlitzen e reißen, riferibili alle sensazioni di scorticare, squarciare, lacerare, finalmente eseguito nella sua interessa dal famoso quartetto d’archi Arditti Quartet. La maestria interpretativa del quartetto intensifica e trasforma le sensazioni in musica, accompagnando l’ascoltatore in un viaggio “sensoriale” profondo e articolato, verso nuovi orizzonti di senso.
Voto: 7,5/10
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The Experimental Tropic Blues Band ‘Loverdose’
(JauneOrange/2025)
L’Experimental Tropic Blues Band è un trio belga in giro da oltre vent’anni. Dopo un lungo tour, alla fine del 2025 ha pubblicato “Loverdose” un disco che tende ad essere audace e trasformativo. Il trio che si è sempre caratterizzato per la sua creatività in questo lavoro da sfoggiato la capacità di creare intarsi sonori intriganti e innovativi.
Nelle dodici tracce emergono sonorità accostabili al post-punk, ma difficilmente incasellabili, perché il loro eclettismo li avvicina al Pop Group, per cui in molti brani emerge un electro-post-punk spezzettato, teso e represso. Ascoltare per credere l’assertività di Call Centers dove il trio trova la quadra tra la band di Mark Stewart e The Ex, mentre nella title-track evocano certe sperimentazioni con base reggae dei The Clash e dei Pere Ubu. Con Zeitgeist è più evidente la matrice post-punk allo stesso modo che in The Escape Game, che si differenziano dall’electro-pop che vira verso l’industrial-techno di Tropic.
Con “Loverdose” il trio belga dimostra che si può continuare a suonare post-punk, senza essere derivativi, ma con autorevolezza e con tanta creatività.
Voto: 8/10
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Gianni Mimmo ‘The lonesome thing’
(Rosebud Relevant 2025)
Tra esplorazione trasognata e configurazione di soggetti musicali dalla solida personalità, l’improvvisazione libera e saggia del sax soprano di Gianni Mimmo immerge chi ascolta in un percorso che, passando anche da Steve Lacy (Sideline; Sloping Parience -Utah) e Billy Strayhorn (A Flower is a Lonesome Thing), conduce nei felici territori della creatività espressiva. Arpeggi, intervalli, e patterns che hanno alimentato lo studio musicale di Mimmo animano le costruzioni sonore che le sette tracce dell’album ci offrono (oltre alle menzionate tre interpretazioni, quattro sono le composizioni originali del sassofonista). Come al solito, l’intensità e la varietà timbrica sono curate in modo raffinatissimo e l’impostazione – che altri recensori hanno opportunamente definito – “modernista” del sound dell’album (coerente peraltro con la scelta del dipinto di Casorati che campeggia nella sua copertina) è una scelta stilistica coerente con la storia dell’autore ed esteticamente felice. Se dovessi scegliere qualche episodio musicale paradigmatico, tra i molti, direi quelle frasi ripetute di Sideline che sprigionano l’immagine di un agente intelligente che ribadisce la propria insinuante presenza oppure l’incipit assertivo di Notturno delle Cryptimerie e i suoi successivi più eterei sviluppi, capaci di sfociare in canti melodicamente sublimi. Ma mi affascinano tutte le diverse figure e tecniche strumentiste che nelle diverse situazioni Mimmo adotta colpendo nel profondo la nostra percezione e la nostra immaginazione. Un disco eccellente.
Voto: 9/10
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Niels Rønsholdt ‘Memoriam’
(col legno 2025)
‘Memoriam’ è un’opera composta dal compositore danese Niels Rønsholdt, per il lavoro teatrale collettivo intitolato ‘Memoriam’ di Tim Matiakis, Anna Berit Asp Christensen e Niels Rønsholdt, e portato in scena dall’ensemble dedito alla musica contemporanea, alla performance e al teatro musicale, Scenatet, diretto da Anna Berit Asp Christensen, e dalla ballerina Marie Kaae. L’opera si sviluppa attraverso l’uso di un linguaggio articolato che utilizza la pratica del ricordo e della rimembranza, e grazie alla musica e alle voci si alternano nel racconto, ricostruisce la storia della trasmissione delle esperienze e delle credenze che si tramandano all’interno di una comunità, passando da un’epoca alla successiva. Lo sviluppo musicale mostra il valore della relazione comunitaria, che si pone come un riferimento solido che si muove attraverso un presente carente di certezze e verso un futuro nebuloso e cupo.
Voto: 7,5/10
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Zu ‘Ferrum Sidereum
(House of Mythology/2026)
Gli Zu tornano sulla scena musicale internazionale con un nuovo album di inediti a sette anni da “Terminalia Amazonia”. Tuttavia, il gruppo romano in questi anni non è stato sempre fermo, perché l’anno scorso ha creato quello strano ibrido con i Ruins, RuinsZu con ospite Tatsuya Yoshida alla batteria.
A completare il trio dietro le pelli c’è Paolo Mongardi che si è integrato perfettamente con i due membri storici Luca Mai e Massimo Pupillo. In questo lavoro, un Leviatano di 80 minuti per undici brani, il trio tende a voler fare la summa di ciò che ha prodotto dalla sua nascita, il 1997.
A partire dal titolo “Ferrum Sidereum”, che significa in latino ferro cosmico, ha un significato mitologico del ferro meteoritico, presente in manufatti come antichi oggetti rituali egizi, lame “Phurpa” tibetane e la spada celeste dell’Arcangelo Michele. A questo titolo il trio ha pensato perché dopo i concerti riceveva feedback di vitalità da parte del pubblico. Il sound se da un lato è quello classico degli Zu, dall’altro troviamo come accennato tutti i percorsi che il trio ha svolto, compresi quelli tribali dell’Amazzonia ed è maggiormente presente l’elemento elettronico, che si fonde perfettamente con i tre strumenti. Un altro elemento interessante, rispetto ai lavori precedenti è che i brani sono più monolitici, i cambi di registro stilistico sono meno netti e radicali, piuttosto c’è una tendenza a seguire una scia sonora, che spesso ha una base psichedelica. Ascoltare per credere Kelther o A.I. Hive Mind vibrante, circospetta, apparentemente fuori controllo, ma che segue una linea musicale ben precisa.
Dall’altra parte troviamo Golgotha in cui la ritmica insistente lascia spazio a momenti eterei, ma inquietanti, su cui si innescano momenti di free jazz, La Donna Vestita di Sole, che contiene il classico sound degli Zu con la seconda parte particolarmente intensa e greve, brano che fa il paio con la title-track, che dopo una lunga linea elettronica, ha un finale delirante.
Con gli Zu il 2026 è cominciato, musicalmente parlando, benissimo!
Voto: 9/10
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Tiratura Limitata ‘Tiratura Limitata’
(Area Pirata/2025)
Nell’ambito del rock indipendente della Milano degli anni ’80 sono nati alcuni dei gruppi più importanti del rock italiano che ha avuto successo e tanto seguito dagli anni ’90 in poi. Tuttavia, c’è anche chi ha avuto meno fortuna, come i Tiratura Limitata, che insieme ad Afterhours, La Crus, Casino Royale e Ritmo Tribale frequentavano il Jungle Studio di Andrea Scaglia degli stessi Ritmo Tribale.
I TL si esprimevano con un combat punk-rock, che prendeva molti spunti dallo ska e dal reggae. Per certi versi suonavano come The Gang della seconda metà degli anni ’90.
L’indispensabile Area Pirata ha dato alle stampe un’ampia manciata di brani che la band incise dal 1982 al 1987, anno di scioglimento della band. In realtà questo disco avrebbe dovuto vedere la luce almeno cinque anni fa, perché iniziò a lavorarci nel dicembre del 2020 il bassista del quintetto, Geno De Angelis, ma sventura volle che il buon Geno poco dopo si ammalò e purtroppo scomparve. L’idea di Geno, a cui il disco è dedicato, è stata ripresa recentemente per cui oggi abbiamo la fortuna di ascoltare questi quindici brani. Tra quelli più combat troviamo il punk-oi Distruggiamo il nucleare del 1983, il punk vicino a quello dei CCCP di Odia, il rock’n’roll malinconico di Cheyenne e il reggae veloce di Facciamo qualcosa.
Alcune canzoni possono risultare ingenue, ma questa pubblicazione è preziosa, perché documenta le preoccupazioni e le angosce di buona parte dei giovani degli anni ’80, stretti tra l’eroina che dilagava e la paura del nucleare, per cui per i Tiratura Limitata, come per molti altri il punk-rock militante fu un’ancora di salvezza e un modo per esorcizzare le tante preoccupazioni che la società di quel periodo procurava a quei ragazzi.
Voto: 8/10
Tiratura Limitata Bandcamp Page
Gudmundur Steinn Gunnarsson/Ensemble Adapter ‘Clavis Metrica’
(col legno 2025)
Ispirata dalla poesia islandese antica, l’arte compositiva di Guðmundur Steinn Gunnarsson si articola in una musica non vincolata da strutture ritmiche definite e formata su notazioni tradizionali, che si basa su un’esplorazione intuitiva dei ritmi organici. In questa maniera la musica si allinea all’esplorazione delle manifestazioni del proprio essere corporeo. Il precipitato della sua ricerca si concretizza in questo ‘Clavis Metrica’ dove la melodia e il ritmo sono liberi di fluire in un “divenire senza fine” , mantenendo segni inequivocabili e riconoscibili che permettono all’ascoltatore di mantenere desta l’attenzione sugli sviluppi delle composizioni. Composizioni ottimamente eseguite dall’Ensemble Adapter, residente a Berlino, guidato dai fondatori Matthias Engler (percussioni) e Gunnhildur Einarsdóttir (arpa), che ben si adatta a rendere “visibili” le peculiarità delle composizioni allo strumento.
Voto: 7,5/10
col legno Home Page
Peter Lieuwen ‘Nambè’
(Albany Records 2025)
Chi lo ha detto che la musica contemporanea debba per forza nutrirsi di dissonanze e sonorità sinistre, seguire formule astruse e inintelligibili, produrre atmosfere cupe e destabilizzanti? Qualcuno, in verità, lo ha fatto, e continua a sostenerlo. Per fortuna ci sono compositori come Peter Lieuwen a smentire, con la loro opera, tale peregrina equazione. Le sue composizioni orchestrali, che potete ascoltare in questo bellissimo Cd prodotto dalla storica label americana Albany Records, tengono i piedi ben saldi nella tonalità, sono ricche di temi riconoscibili e godibili, e soprattutto presentano una energia ritmica indefessa, vero punto di forza della scrittura del musicista classe 1953 nativo di Utrecht. La Pannon Philarmonic condotta da Franz Anton Krager esegue qui tre suoi brani orchestrali, in cui, oltre alle caratteristiche suddette, a colpire è l’orchestrazione scintillante e la ricchezza timbrica; da segnalare l’uso cospicuo di strumenti a percussione, specie nel conclusivo “Nambè”. Le qualità melodiche e ritmiche non vengono meno nei due lavori cameristici altresì presenti, per duo clarinetto-pianoforte e per il quintetto con clarinetto e quartetto d’archi: anzi, emergono qui in modo particolare la chiarezza di scrittura e il lirismo genuino e fresco di Lieuwen, insieme al dialogo contrappuntistico tra le parti. Uno stile, quello di Peter Lieuwen, che presenta qualche assonanza con un altro autore da me particolarmente amato, l’americano Michael Torke, a cui lo accomuna in particolare il motorismo ritmico di matrice post-minimalista, seppur in Lieuwen il procedimento compositivo sia meno lineare di quello del più giovane collega. La sensazione di immediatezza e positività che le composizioni di Lieuwen sprigionano non deve tuttavia ingannare: si tratta di brani ricchi di inventiva, che sollecitano un ascolto concentrato, attento ai dettagli formali, alla varietà di soluzioni timbriche, e agli sviluppi melodici e armonici che innervano queste pagine ispirate ed estremamente godibili.
Voto: 8/10
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Parlor ‘Tears For Everything’
(Source Atone/2025)
‘Tears For Everything’ è il terzo album dei parigini Parlor, attivi dal 2016. Il quartetto in questo lavoro ha affinato il suo approccio frutto di una fusione di noise, sludge e hardcore. In questo lavoro, infatti, più che le influenze degli Unsane e dei Converge, ben presenti nel loro debutto, “Softly”, in questo disco sono presenti più i riferimenti ai Breach e in più occasioni a prevalere sono le sonorità metal, rispetto a quelle hardcore e noise.
Tears For Everything’ può essere considerato a tutti gli effetti un concept, in quanto i dieci brani in scaletta sono legati da un unico filo conduttore. Le lacrime del titolo testimoniano una tempesta interiore in un corpo teso, in cerca di slancio, travolto da un mondo che corre verso l’assurdo. I Parlor, infatti, descrivono questo traboccare di emozioni attraverso lo sfogo dell’urlo, come un moto di liberazione.
Il protagonista descritto in questo disco è intrappolato dal suo condizionamento, nel potente grind/metal di Bind, fin dalla nascita, nella tesa Gilde. La condizione biografica del protagonista è quella della fine della giovinezza, che è immersa nell’iperconnessione, come emerge nel nu-metal di Juvenile e si perde in una vana lotta per tracciare la propria strada, paralizzato dai suoi fallimenti (Cement Diktat), esausto per il suo impiego lavorativo e per il suo peso mentale (In Charge).
Purtroppo l’esito di questa storia non è positiva, perché il protagonista di fronte a questo vicolo cieco, esprime tutta la sua sofferenza che prova a gestire con la ricerca di autocompiacimento, in Conqueror, nella quale viene trovata la quadratura del cerchio tra Faith No More e Melvins, ma senza passare per i Fantomas, l’uso di psicofarmaci, con la tiratissima Solace, prima della caduta finale in un buco nero mentale dove alcol e follia diventano i suoi compagni per eccellenza (Abyss, The Drop e Tunnel).
Voto: 8/10
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