Devo essere sincero con chi si appresta a leggere quanto segue.
Un po’ perché sono un patito di tutta la musica che ricade nella categoria power pop, un po’ perché, nel caso specifico, sono da tempo un irriducibile seguace di Tommy Keene, mi sento in dovere di ammettere che, quando si tratta di scrivere a proposito delle canzoni di quest’ultimo, non brillo certo per senso critico e obiettività e che, pertanto, non sono forse la persona più adatta a parlare di “The merry-go-round broke down” (ultima prova sulla lunga distanza di questo tanto poco conosciuto quanto grande cantautore pop americano) con la sobrietà e il distacco che ci si aspetterebbe da un recensore.
Fu nel lontano 1984 che un dodici pollici, intitolato “Places that are gone”, portò prepotentemente alla ribalta un giovane musicista, originario del Maryland, il quale, senza il benchè minimo timore di apparire fuori moda nell’epoca in cui, dopo punk e new wave, l’elettronica stava proliferando e l’alta fedeltà andava irrimediabilmente appiattendo e uniformando ogni cosa in un entità amorfa chiamata fm-rock, suonava una brillante e irresistibile miscela di pop anni Sessanta e Settanta, mescolando di tutto, dai Byrds ai Big Star, dai Kinks agli Shoes, dai Beatles ai Cheap Trick.
“Places that are gone” e il successivo “Back again” fecero parlare di sé quanto bastò per attirare l’attenzione di una major, la Geffen, per la quale Keene registrò due album “Songs from the film” (ristampato nel 1998 ed ora nuovamente fuori catalogo e “Based on happy times”) e un ep (“Run now”, le cui canzoni sono state incluse nelle poc’anzi menzionata riedizione di “Songs from the film”), senza mai ottenere, va da sé, alcun riscontro commerciale, prima di essere da questa puntualmente scaricato sul finire degli anni Ottanta.
La scorsa decade ha visto Keene accasarsi presso diverse etichette indipendenti (Alias e Matador), pubblicando altre vere e proprie bibbie del power pop (l’e.p. “Sleeping on a rollercoaster” del 1992 e gli album “Driving into the sun”, “Ten years after” e “Isolation party”, del 1994, ’96 e ’98 rispettivamente), collaborando con Paul Westerberg e Velvet Crush e diventando vero e proprio oggetto di culto tra gli appassionati del genere.
Preceduto dal live “Showtunes”, uscito lo scorso anno, è ora disponibile grazie alla newyorkese SpinArt “The merry-go-round broke down”, che ci dà la possibilità di ascoltare un Keene in ottima forma, sempre ai livelli degli esordi, nonostante tutto il tempo trascorso.
Impeccabili melodie candide e dirette, senza artifizi di sorta (non che gli artifizi mi dispiacciano, anzi, è solo che ogni tanto non fa male tornare ai fondamentali) si susseguono dall’inizio alla fine, in parte attraverso i ritmi serrati e le chitarre esuberanti di “Begin where we end”, “All your love will stay”, “Technicolor” e “The fog has lifted” (che ben si collocano sulla scia di storiche canzoni di Keene, quali “Love is a dangerous thing” “Going out again” e “Long time missing”), in parte lasciando il passo ad atmosfere più distese e sognanti (“Big Blue Sky”, “Hanging over my head”, “The world where I still live” e ”Circumstance”).
Ma la grande sorpresa, anche per i più profondi conoscitori di Tommy Keene, è rappresentata dalla curiosa “The final hour”, inarrestabile cavalcata della durata di diciassette minuti, costituita da una mezza dozzina di singole composizioni che si fondono l’una nell’altra, il cui succedersi accompagna il racconto dell’insolito epilogo di una storia d’amore tra due giovani a bordo di un aereo di linea. Una sorta di summa di tutto ciò che è power pop: preziose e disinibite melodie ora sostenute ora più posate e storie di amori vissuti o soltanto sognati, di promesse mantenute o di speranze deluse, di giorni luminosi e spensierati e di gioie bruscamente interrotte.
Una sola pecca, rappresentata da “The man without a soul”, brano inspiegabilmente del tutto privo di ispirazione e davvero noioso, non offusca la bellezza dell’ennesima prova di grande classe di questo fin troppo sottovalutato cantautore d’Oltreoceano.
Voto: 7
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Autore: acrestani@telemar.it
Inedia ‘ Vedermi Bruciare ‘
Gli Inedia sono 5 ragazzi emiliani e questo e’ il loro primo ( e credo proprio unico ) cd-demo. ‘Vedermi Bruciare’ e’ composto , come si legge nel foglietto interno, da “ 5 movimenti di hc furioso che premono contro i bordi di malinconiche riflessioni cantate in italiano ”, “ 5 porzioni di cemento armato fuso in stampi di mazzata hc autoprodotte con ardore “. ‘Vedermi Bruciare’ suona esattamente come se i Negazione de ‘ Lo Spirito Continua ‘ rifacessero i Concrete di ‘ Nunc Scio Tenebris Lux ‘ ( similari le immagini di sofferenza e frustrazione evocate nelle liriche ). ‘Vedermi Bruciare’ ha forse l’unica nota leggermente stonata nel cantato ( o meglio urlatissimo ) che e’ un po’ “tutto uguale” e alla lunga si rivela pesante da digerire. ‘Vedermi Bruciare’ puo’ essere acquistato ( e vi consiglio di farlo ) non spendendo piu’ delle care vecchie 5000 lire. Contattateli: inedia@katamail.com
Voto: 7
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William Parker & Hamid Drake ‘Piercing The Veil’
Osservandolo in questo periodo William Parker sembra essere sempre più impegnato nell’incisione di dischi piuttosto che vagare per il globo esibendosi sia da solo che in compagnia di noti nomi del jazz contemporaneo (David S. Ware, Susie Ibarra, Roscoe Mitchell e tanti altri).
Ma tutto ciò avviene ‘ora’, perché Parker ha dovuto lottare non poco per affermare in pieno la propria arte (composta da tecnica ed emotività) all’interno della scena internazionale.
Il suo nome sin dagli anni 60 compare in collaborazione con quasi tutti i protagonisti di quel periodo:Sam Rivers, Billy Higgins, Cecyl Taylor etc.
Il disco in questione, uscito per la newyorkese Aum Fidelity ( ricca di altri lavori dell’artista), lo vede insieme ad Hamid Drake creare un discorso incentrato sulla tradizione etnica e folcloristica a 360 gradi e tralasciare, secondo me, la vena più personale e musicale: il jazz.
Interessante osservare i due non suonare solo i consueti strumenti, contrabbasso e batteria, ma cimentarsi nell’uso di altri, dalle caratteristiche decisamente particolari – tablas, balafone, shakuhachi, frame drum- e quindi creare un duo vibrante ed energico, a tratti dalle tinte marcatamente esotiche.
I momenti più interessanti rimangono la samba metropolitana di Black Cherry,
la violenza impressa da Parker al basso con l’archetto in Chatima, l’allucinata e minimale Nur al Anwar, la tensione ai massimi livelli di Piercing the veil, forse la traccia più radicale e spontanea di tutto il disco.
Piercing the veil è un lavoro divertente e simpatico, ma non di sicuro il capolavoro di Parker, perciò speriamo che quest’improvvisa prolificità di registrazioni non diventi, come spesso accade, il punto debole di un’artista: ripetersi in continuazione.
Voto: 7
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Manual ‘Ascend’
(Morr/Wide 2002)
Seconda prova per il giovanissimo (appena 20 anni) artista danese Munk Jensen, in arte Manual.
In quest’album il nostro dedica particolare attenzione a forme soniche che richiamano la scena/etichetta 4AD, dando la sua personale e “notturna” interpretazione di quello stile e modus vivendi, che ben si combina alle note espresse nei solchi tracciati dal laser. Delicati arpeggi elettronici in progressione che richiamano i Cocteau Twins, gli Slowdive e i My Bloody Valentine, combinati con “scherzi” sonico/samplerici messi lì come delizioso contorno. Languide progressioni acustico/sintetiche che permettono alla mente di vagare, di pacificarsi con il sé oscuro e malinconico cullando contemporaneamente le proprie orecchie. Intrusioni di chitarra che legano insieme il “sacro e profano” del suono attuale intrecciati con drones tirati simulanti un flipper pasticcione. La fuga eterea rimodulata suo malgrado in ritmi acustico/terreni che concludono i pezzi. Un magma che non si dirada ma ribolle continuamente sotto la superficie quasi a differenziarsi e a far valere la “giovinezza quietamente ribelle”. Sembra proprio un disco da ascoltare e riascoltare e ascoltare e riascoltare e ascoltare e riascoltare
Voto: 8
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Lali Puna ‘Scary World Theory’
(Morr/Wide 2001)
Poco più di mezz’ora di di tenui splendori, di arabeschi pop elementari e seducenti, di timida electro-sensibilità ricercata e preziosa. “Scary World Theory” è un rarissimo caso di qualità compositiva distillata in dieci episodi di popedelia sintetica stilizzata.
Accompagnata da un team del tutto eccezionale imparentato con gli sperimentalismi soft di Notwist, Village of Savoonga, Tied & Tickled Trio, Valerie Trebeljahr confeziona un gioiellino senza tempo: retrò nelle sue rievocazioni wave, contemporaneo nel suo dolce distacco Post-qualcosa, futuribile nell’accostare sonorità inconciliabili in un unicum trans-genere. Basterebbe seguire soltanto l’ammaliante percorso della voce di Valerie che, dalle suadenze dall’iniziale Nim-Com Pop (capolavoro naive decorato da reiteranti microimplosioni di fuochi d’artificio synth) e della dolcissima Bi-Pet, trasmuta attraverso l’excursus idiomatico portoghese nella staticità quasi informativa di Contratempo, per approdare infine al disincanto di una Kim Gordon cyborgizzata da tappeto Karaftwerk in Don’t Think o da loop dolcemente ossessvi in Come On Home. Musica fotocromatica quella dei Lali Puna, che muta restando immobile, che sembra ad ogni istante debordare senza scossoni, che cala i suoi rivoli sintetici e le sue tessitture pop negli anfratti del vostro animo con delicata e geometrica precisione. Se è vero che nel sound della band tedesca gli Stereolab o i Radiohead sono proprio dietro l’angolo, il mio consiglio è: lasciateli dove sono. Forme d’espressione intense come questa non hanno bisogno di alcuna pezza d’appoggio, tantomeno avrebbero avuto bisogno del presunto ‘lancio’ operato dalle dichiarazioni estasiate degli autori di “Amnesiac”: se un genio di ben altra caratura come Kubrik non è riuscito a far sì che il suo amore per Max Ophuls facese ricordare ai più un solo fotogramma di quest’ultimo…
Godetevi tutta la bellezza e la lucentezza di “Scary World Theory”, il suo uso sapiente di mezzi analogici e sintetici nel trasfigurare momenti di soffusa malinconia in meraviglie pop sobrie e carezzevoli. Godetevi tutta la freschezza di dischi come questo nella spasmodica attesa che l’era del ‘dopo Kid A’ e del cosiddetto ‘pop di nuova generazione’…. non arrivi mai.
Voto: 10
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Gene ‘Libertine’
(Sub Rosa 2002)
Carriera stilisticamente altalenante per i Gene, tra le raffinate leziosità pop del vecchio “Drawn to the Deep End” e albums in qualche modo più diretti e ‘rockish’ style come il precedente buon “Revelations”. Lo stile che piega e allunga le gambe sull’altalena per spingersi, la qualità che sorride spensierata andando giù per lo scivolo.
Al fan che è (era?) in me, ho dovuto spiegare che la vita non è fatta di sola musica, che ci sono i figli, le riunioni del partito laburista, lo stress post-tournee e che l’esistenza di Martin Rossiter e soci non poteva certo fare eccezione… (ma alla fine ho dovuto promettergli – e con quale faccia dio mio – che ci saranno presto nel suo futuro altre lucenti promesse guitar pop, incontrerà altri sound e vivrà altri sogni… il tutto sotto il suo sguardo poco convinto… queste storie aveva cominciato a sentirle già con “Revelations” dopotutto)…
“Libertine” è niente più che una collezione di ballads mid-tempo dove l’onnipresente suono delle tastiere (Steve Mason riceverà un caché ridotto per i suoi parsimoniosi e timidi contributi chitarristici?) e l’ipermelodico usignolo Rossiter tentano disperatamente di avvolgerci in un mondo glamour ormai alienato in sé stesso. Di ottimo livello l’iniziale Does He Have a Name? non fossero i suoi oltre sette minuti complessivi e l’interminabile coda ‘sviolinante’; tutto sommato buona la scintillante Is It Over? se non arrivasse troppo presto ad ammorbare un album non certo ‘decollato’; semplicemente stupenda Yours for the Taking se non finisse per costituire una rarissima eccezione all’interno dell’album (terribilmente controproducente poi il suo ricordarci che ‘quelli’ erano i barlumi dei veri Gene). Il resto non va oltre il livello di B-sides ripescate per umana pietà da un annoiato produttore ansioso di portare a termine le scadenze contrattuali.
Gli ormai usurati paragoni con Morrissey e la sua storica band vengono inevitabilmente meno (mettereste mai la pur gradevole e ‘smithsiana’ Walking in the Shallow vicino anche al peggior brano prodotto negli ’80 dal quartetto di Manchester?)…
Martin Rossiter ha dichiarato poco prima dell’uscita dell’album che su “Libertine” ci sarebbero state ‘canzoni che vi faranno piangere e altre che vi faranno ridere’… e ha splendidamente mantenuto la sua drammatica promessa.
Ma come glie lo spiego ora al fan che è in me che il pianto ha a che fare con la nostalgia e che il riso ha a che fare col ridicolo?… o era proprio questo che intendeva Rossiter e sono stato io a fraintendere?…
Voto: 5
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Luna ‘Romantica’
Sesta prova sulla lunga distanza per i Luna di Dean Wareham (ex Galaxie 500), la prima all’indomani della separazione della major (Elektra/Warner) che aveva prodotto tutte le precedenti uscite, fin dagli esordi (“Lunapark”, 1992; “”Bewitched”, 1994; “Penthouse”, 1995; “Pup tent”, 1997), separazione tutt’altro che indolore, visto che ha comportato la scarsa reperibilità del precedente “The days of our nights”, (uscito proprio nello stesso periodo e divenuto ben presto agognato oggetto misterioso per tutti i seguaci dei Nostri) e che ha lasciato per qualche tempo la formazione in una sorta di limbo, senza contratto né certezze circa il proprio futuro. La band è ora accasata presso la Jetset, una delle etichette indipendenti americane più gettonate del momento, e la formazione presenta qualche novità, con l’inserimento della bassista Britta Phillips (la quale, peraltro, dimostra di avere anche delle rimarchevoli doti vocali) al posto dell’ex Chills Justin Harwood.
“Romantica” è allo stesso tempo assai simile e diverso dagli album che l’anno preceduto. Simile perché Wareham non rinnega le sue radici velvettiane (e come potrebbe?) e torna a proporci del sublime ed etereo pop sottilmente psichedelico; diverso perché le canzoni qui contenute, cariche come sono di intimità, calore e tenerezza, sono mediamente più accessibili nella loro semplicità e spontaneità rispetto alla passata produzione targata Luna.
Nel diffondere le sue note tutt’intorno, “Romantica” tenta l’ascoltatore fin dall’inizio senza dargli tregua, seducendolo lentamente con docilità e discrezione, senza lasciargli scampo, ammaliandolo come un omerico canto delle sirene. E’ un flusso di melodie che vanno dritte al cuore, risvegliando il ricordo delle più diverse emozioni che tutti proviamo nella nostra quotidianità, un diario nel quale sono frettolosamente ma significativamente annotati e immortalati momenti piacevoli e frangenti dolorosi della vita di ogni giorno.
“Romantica” è estatica contemplazione della persona oggetto dei nostri desideri (“Lovedust”); è la frustrazione che viene dal non riuscire a vivere il proprio amore fio in fondo, a causa di tutti i suoi paradossi (“Rememories”), delle mille incertezze che esso reca sempre con sè e i timori che queste suscitano (la title-track), dell’impossibilità di dire e far comprendere a chi ci sta di fronte tutto quel che ci portiamo dentro (“Dizzy”); è la presa di coscienza, nel lanciare uno sguardo a ritroso nel tempo, dei propri errori, dei propri fallimenti e della miseria della propria condizione presente (“Black postcards”).
Ascoltare “Romantica” è come alzare nella notte gli occhi al cielo, dove la Galassia Cinquecento si è dissolta da tempo ma la stella Wareham continua a brillare. Oggi più che mai.
Voto: 8
Link correlati:Luna
Autore: acrestani@telemar.it
Tommy Keene ‘The merry-go-round broke down’
Devo essere sincero con chi si appresta a leggere quanto segue.
Un po’ perché sono un patito di tutta la musica che ricade nella categoria power pop, un po’ perché, nel caso specifico, sono da tempo un irriducibile seguace di Tommy Keene, mi sento in dovere di ammettere che, quando si tratta di scrivere a proposito delle canzoni di quest’ultimo, non brillo certo per senso critico e obiettività e che, pertanto, non sono forse la persona più adatta a parlare di “The merry-go-round broke down” (ultima prova sulla lunga distanza di questo tanto poco conosciuto quanto grande cantautore pop americano) con la sobrietà e il distacco che ci si aspetterebbe da un recensore.
Fu nel lontano 1984 che un dodici pollici, intitolato “Places that are gone”, portò prepotentemente alla ribalta un giovane musicista, originario del Maryland, il quale, senza il benchè minimo timore di apparire fuori moda nell’epoca in cui, dopo punk e new wave, l’elettronica stava proliferando e l’alta fedeltà andava irrimediabilmente appiattendo e uniformando ogni cosa in un entità amorfa chiamata fm-rock, suonava una brillante e irresistibile miscela di pop anni Sessanta e Settanta, mescolando di tutto, dai Byrds ai Big Star, dai Kinks agli Shoes, dai Beatles ai Cheap Trick.
“Places that are gone” e il successivo “Back again” fecero parlare di sé quanto bastò per attirare l’attenzione di una major, la Geffen, per la quale Keene registrò due album “Songs from the film” (ristampato nel 1998 ed ora nuovamente fuori catalogo e “Based on happy times”) e un ep (“Run now”, le cui canzoni sono state incluse nelle poc’anzi menzionata riedizione di “Songs from the film”), senza mai ottenere, va da sé, alcun riscontro commerciale, prima di essere da questa puntualmente scaricato sul finire degli anni Ottanta.
La scorsa decade ha visto Keene accasarsi presso diverse etichette indipendenti (Alias e Matador), pubblicando altre vere e proprie bibbie del power pop (l’e.p. “Sleeping on a rollercoaster” del 1992 e gli album “Driving into the sun”, “Ten years after” e “Isolation party”, del 1994, ’96 e ’98 rispettivamente), collaborando con Paul Westerberg e Velvet Crush e diventando vero e proprio oggetto di culto tra gli appassionati del genere.
Preceduto dal live “Showtunes”, uscito lo scorso anno, è ora disponibile grazie alla newyorkese SpinArt “The merry-go-round broke down”, che ci dà la possibilità di ascoltare un Keene in ottima forma, sempre ai livelli degli esordi, nonostante tutto il tempo trascorso.
Impeccabili melodie candide e dirette, senza artifizi di sorta (non che gli artifizi mi dispiacciano, anzi, è solo che ogni tanto non fa male tornare ai fondamentali) si susseguono dall’inizio alla fine, in parte attraverso i ritmi serrati e le chitarre esuberanti di “Begin where we end”, “All your love will stay”, “Technicolor” e “The fog has lifted” (che ben si collocano sulla scia di storiche canzoni di Keene, quali “Love is a dangerous thing” “Going out again” e “Long time missing”), in parte lasciando il passo ad atmosfere più distese e sognanti (“Big Blue Sky”, “Hanging over my head”, “The world where I still live” e ”Circumstance”).
Ma la grande sorpresa, anche per i più profondi conoscitori di Tommy Keene, è rappresentata dalla curiosa “The final hour”, inarrestabile cavalcata della durata di diciassette minuti, costituita da una mezza dozzina di singole composizioni che si fondono l’una nell’altra, il cui succedersi accompagna il racconto dell’insolito epilogo di una storia d’amore tra due giovani a bordo di un aereo di linea. Una sorta di summa di tutto ciò che è power pop: preziose e disinibite melodie ora sostenute ora più posate e storie di amori vissuti o soltanto sognati, di promesse mantenute o di speranze deluse, di giorni luminosi e spensierati e di gioie bruscamente interrotte.
Una sola pecca, rappresentata da “The man without a soul”, brano inspiegabilmente del tutto privo di ispirazione e davvero noioso, non offusca la bellezza dell’ennesima prova di grande classe di questo fin troppo sottovalutato cantautore d’Oltreoceano.
Voto: 7
Link correlati:Tommy Keene
Autore: acrestani@telemar.it
Big Heavy Stuff ‘Size of the ocean’
Nati nel 1990 dalle ceneri dell’ensemble pop/psichedelica Ups and Downs, i Big Heavy Stuff hanno, nel corso degli anni e attraverso numerosi cambi di formazione, sviluppato un interessante sound che intreccia classiche sonorità pop a cavallo tra anni Sessanta e Settanta e trame più ruvide e rumorose, prossime ai suoni che hanno caratterizzato la scena inglese tra la fine degli anni Ottanta e l’inizio degli anni Novanta, andando ad inserirsi di buon diritto nella scena power pop australiana, da anni in continua espansione, anche se qui da noi per la più gran parte sconosciuta. (Qualche nome per chi volesse approfondire: You am I, The Underground Lovers, Glide, Summer Suns, Welcome Mat, Drop City, Knievel – ma ce ne sono tanti, tanti altri). Un percorso che ha trovato realizzazione in una discografia di tutto rispetto, da un punto di vista tanto quantitativo quanto qualitativo.
Il gruppo esordisce sulla media distanza nel 1991 con l’e.p. “Pops like crazy” e, come suggerisce il titolo, in questa prima prova prevale la componente melodica e più retrò, assai vicina agli Ups and Downs di cui sopra. Lungo le stesse coordinata sonore si collocano i due singoli successivi, “Chaos” (1992) e “North by night” (1993), con quest’ultimo che fa da preludio alla pubblicazione nello stesso anno, del primo e, ahimè, introvabile, primo album “Truck”.
Ben presto, tuttavia, comincia ad emergere quella matrice rumorosa e stridente che ha contribuito in modo determinante a forgiare quel suono che ha fino ad oggi contraddistinto i Big Heavy Stuff. In questa direzione si muovono infatti i successivi e.p. (“Trouble and desire” del 1994, “Covered in bruises” del 1995, “Big mouth” del 1996 e “May” del 1997) e la seconda prova sulla lunga distanza, “Maximum sincere” (1997).
Nello stesso arco di tempo, il gruppo si è anche affermato quale eccellente live act, aprendo per bands quali Dinosaur Jr., Pavement, Stone Roses e Radiohead.
Dopo un silenzio i due anni, i Big Heavy Stuff si sono rifatti vivi nel 1999 con l’e.p. “Devil’s tongue” e l’anno successivo con l’e.p. “Two sisters”, ai quali ha fatto seguito, a distanza di tempo, il terzo album “Size of the ocean”, che prosegue, senza soluzione di continuità, il percorso inziato con “Pops like crazy”.
Impeccabili, curate come sono fin nei minimi particolari senza mai sconfinare nel manierismo, le dodici canzoni dalle quali è costituito l’album sono disposte seconda una sorta di schema ciclico e, se una differenza rispetto alle precedenti uscite può essere individuata, questa sta nel carattere assai più tranquillo e riflessivo della maggior parte delle composizioni qui contenute. All’iniziale “Hybernate”, fragile e sconsolata ballata acustica, seguono un paio di brani pop/rock “a lenta combustione” (“Devil’s tongue” e “Laughing boy”) che, alternandosi ad altre docili creazioni squisitamente pop (“Redhead” e “Two sisters”), preludono alla parentesi che i Big Heavy Stuff dedicano al loro lato più rovente (“Hank” e “Forever sighs the ocean”) e rumoroso (“Freaks in the circus”). Seguono ”You send me”, altro pezzo che si svela lentamente acquistando progressivamente vigore e intensità emotiva, e ”Bye the blue sky”, che con la sua semplicità chiude, come si diceva, in modo ciclico quello che è un disco ben al di sopra della media nel suo genere, opera di una band da tenere d’occhio nell’ambito di un panorama musicale, quello della musica pop australiana, che purtroppo continua trovare troppo poco spazio e troppo poca attenzione dalle nostre parti.
Voto: 7
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Autore: acrestani@telemar.it
Josh Rouse ‘Under Cold Blue Stars’
Sono trascorsi quattro anni da quando Josh Rouse ha esordito con il folgorante “Dressed up like Nebraska” (sorta di omaggio al suo Stato natale – Rouse risiede ora a Nashville, Tennessee), disco reso a dir poco epocale da un vero e proprio inno quale Suburban sweetheart e da intense e dolorose ballate come Invisibile, Flair e Lavina, e da allora il Nostro si è rapidamente imposto agli osservatori più attenti come uno dei più bei segreti del panorama cantautorale americano recente.
Con la pubblicazione del successivo “Home” e di un ep, intitolato “Chester”, frutto della collaborazione con Kurt Wagner dei Lambchop, la sua miscela di power pop, folk e un tocco di country ha catturato l’attenzione di molti tra gli addetti ai lavori e, per quanto Rouse registri ancora per una etichetta indipendente, gli ha comunque permesso di guadagnarsi di tanto in tanto un posto al sole (e un po’ di quattrini, che non guastano mai), con comparizioni nelle colonne sonore di alcuni, altrimenti trascurabili, serial americani (l’unico dei quali ad essere conosciuto dalle nostre parti è “Party of five”) e produzioni cinematografiche di grido (Josh Rouse è stato anche incluso nella colonna sonora di “Vanilla Sky” di Cameron Crowe).
Il nuovo “Under cold blue stars”, da un lato, è una sorta di concept album, le cui canzoni delineano vagamente le vicende, ambientate nell’America degli anni Cinquanta, di una giovane coppia appena sposata, che, poco dopo il matrimonio, si ritrova a dover traslocare dal Midwest, terra d’origine, nell’arretrato sud degli Stati Uniti, dove lei ha ereditato una piccola fattoria; dall’altro, rappresenta anche un passo in avanti nell’evoluzione artistica di Rouse. L’album è stato infatti prodotto da Roger Moutenot, figura di spicco della “Hoboken scene”, noto ai più per aver lavorato, tra gli altri, con Freedy Johnston e, soprattutto, con gli Yo La Tengo. Il suo impatto sul suono di Rouse è a tratti evidente, laddove il tessuto delle composizioni abbandona il minimalismo che aveva contrassegnato gli esordi e si arricchisce, mano a mano che accompagna la narrazione di cui si diceva or ora, di tastiere, campionature d’archi, loops e fiati.
Se l’iniziale Nothing gives me pleasure like you do è una sincera e dolcissima dichiarazione d’amore (“Don’t you know/nothing gives me pleasure like you do/nothing has the strength to pull me through/I’ve always been the one to follow you”) in puro stile Big Star/Raspberries/Badfinger, il suono va in seguito facendosi più complesso, mentre Josh Rouse canta (nell’ariosa e solare Miracle) la cronistoria del viaggio della giovane coppia alla volta del sud, verso un nuovo mondo, una nuova vita, le incognite e, nonostante tutto, la speranza (“Wake up, we’re almost there/just ten more miles it was such an affair/that in all our lives we’ve waited for this day”) i primi screzi tra i due giovani sposi (nella tetra Christmas with Jesus), dovuti alla difficoltà di lui ad accettare il profondo sentimento religioso di lei (“And it’s so very hard/to ask for a part in your Christmas”); le difficoltà che lui incontra nell’accettare la nuova fase della propria esistenza dovendo sacrificare i propri spazi e la propria passione per la musica alla famiglia (la title-track); l’infedeltà di lei (Ugly Stories); la risoluzione (in Feeling No Pain) di essere coerenti fino in fondo con i propri sentimenti, anche nelle circostanze più buie ed avverse, (“My heart is wide open/and somehow everything falls into place/and it’s love”) e la determinazione da parte di entrambi, nonostante gli errori, le inevitabili differenze e le reciproche incomprensioni, di non lasciare mai nulla di intentato e di far comunque funzionare le cose (Women and Men).
L’intreccio tra narrazione e arrangiamenti funziona alla perfezione e a tratti riesce difficile dire se si stia leggendo un raccolta di racconti dal sapore tutto carveriano o ascoltando dell’ottima musica cantautorale . L’ennesima prova di grande spessore di questo giovane talento dal quale ci aspettiamo ancora grandi cose.
Voto: 8
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Autore: acrestani@telemar.it
AA.VV. ‘ The Killing Fields ‘
La Germania, negli ultimi tempi, si sta sempre piu’ ponendo in una posizione di primo piano nel movimento hardcore europeo. E’ incredibile la quantita’ ( e la qualita’ ) di nuove labels, bands, scene varie che vedono la luce in questa terra. Etichette come la Alveran, la LifeForce ( vd. Sezione links ) si stanno facendo apprezzare con crescente interesse per non parlare della notorieta’ di alcune bands come Heaven Shall Burn, Caliban e Jane il cui valore e’ ormai riconosciuto in tutto il globo.
Per dei “veterani” che si affermano pero’ dall’altra parte servono anche raccolte come questa per dare spazio e scovare nuovi “enfants prodige” del New School. Direi proprio che i tipi della Beniihana siano riusciti nell’intento non fosse per questi Should Have Known ( che non sono poi cosi’ malaccio ma in confronto agli altri perdono di molto ): il loro hc ricorda vagamente quello dei primi Course Of Action senza averne pero’ la stessa creativita’ ed intelligenza compositiva, testi banalotti. Parliamo delle altre tre bands ( tutte presenti con tre pezzi ). Si inizia con i Narziss: gruppo interessantissimo e difficile da inquadrare. Fanno un hc metallico, cadenzato con sporadici momenti votati alla melodia. Ottimi. Vi segnalo l’uscita del loro full-length per la connazionale PerKoro.
I Destiny ( gia’ recensito in questa sede il loro cd di debutto ) sono la fotocopia esatta dei PoisonTheWell e i loro 3 brani sembrano 3 inediti presi dalle sessions di “ The Opposite Of December: A Season Of Separation “ per cui….fate vobis.
Concludo con i Self-Conquest (e rileggetevi la recensione della raccolta ‘ the Crossroad Project ): che dire? La promessa dell’ hc tedesco? Brutalita’, tensione, emozioni intense e comunicate tramite un impatto sonoro impressionante. Provate a smentirmi. A quando l’uscita di un cd tutto loro?Per ora scovate questa compilazione.
Voto: 8
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