Se siete di quei personaggi lamentosi che non riescono a farsi una ragion d’essere della propria appartenenza al maledetto stivale (n.d.r. vedi italia) e della conseguente pochezza di stimoliinputfascinazioni musical-linguistico-visive forse siete arrivati al punto di svolta.
Basta mettere questo ‘Il Cucchiaio Infernale’ nel vostro ingoia supporti audio con raggetto laser.
Di sicuro non stanno con le mani in mano i nostri Rifuti Umani Non Identificati: amicizia collaborativa con Bugo, Bruno Dorella di Bar La Muerte, Jacopo Andreini.
Fossi più inglese avrei già creato l’impalcatura per un’ipotesi di scena italiana.
Peccato il clima non aiuti questa identificazione-trasfigurazione personale con nebbia di contorno. Preferisco vedere il tutto come confluenza di individui, poi ovviamente fra personaggi umani (o meno) ci si scambia idee, impressioni, dischi ecc.
Se qualcosa c’é in comune fra i suddetti personaggi penso sia, appunto, il fatto di frequentarsi. Amicizia, frequentazione come del resto esiste con Mirko Spino della Wallace (che insieme a Beware e Bar La Muerte ha prodotto questo cd).
Tirando le somme secondo me i R.U.N.I. non suonano uguali a nessun altro, al momento, in italia.
Una sana vena primitivista e molto 80’s (Devo in primis), amore per le colonne sonore da film, presenza strumentale grassa e rotonda con dilatazioni temporali prog-post senza noia. Collante dell’operazione sana sanissima ironia distribuita con discrezione fra le tracce, elettronica dispensata un po ovunque e in varie forme (synth, campionamenti, nastri).
Godibilissimo tutto il prodotto con picchi: Clinicocchio incedere saltellante primitivista per un pezzo che potrebbe essere un hit da club di adepti della chiesa del Sub-Genius, Monstri Gamordi colonna sonora post-surf con contrapunto clarinettistico che ci fa rotolare con i suoi arpeggi-intrecci, Il Technosiciliano una chitarra arabescata spalleggia una voce filtrata aprendosi a break irruenti ed accelerati per calare in atmosfere alla Piazzolla che evolvono in ostinati chitarristici contornati da synth vintage risonante, Il Tempo é Disco (e io non lo capisco) bleep dissonanze riff e saliscendi scalistici con voce vagamente-ska su testo da locandina di film per cultori delle arti marziali orientali (strappare cuori con le mani non é male, anche vagamente romantico), In fondo in fondo siamo tutti assitenti pedagocigi fiati da club jazzistico, incedere funk di basso-batteria con contorno di aliena caratterizzazione delle tastiere e finale acustico.
Brani dallo sviluppo quasi lineare si alternano a sgroppate finto-psichedeliche divertendendo e non annoiando mai (e porca troia non mi dite che é poco altrimenti dovrò pensare che siete emigrati da qualche parte che non sia qui!).
Ottimo!
Approfondiremo a breve il discorso R.U.N.I.
Controllate Kathodik, comprate il cd dei R.U.N.I. e non vi preoccupate dei grassi bruciati per portare a compimento le operazioni in questione… divertirsi aumenta l’appetito.
Burp! Pardon.

Voto: 9

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Diverso tempo fa rimasi colpito nel leggere un articolo ricco di elogi nei confronti di una label capace di coniugare nuove ricerche sonore e vecchie incisioni di musicisti dimenticati.
Il problema, però, era rappresentato dalla scarsa reperibilità e dalla totale assenza distributiva all’interno del nostro (bel) paese.
Adesso che il problema è stato risolto, ho avuto il piacere di entrare personalmente in contatto col mondo Elevator Bath.
Il battesimo, in particolare, è stato ascoltareTrois Chambres D’inquiètude della compositrice francese Michèle Bokanowsky, figura non poco rilevante del panorama elettroacustico novecentesco. La sua carriera raccoglie diversi anni di studio e ricerca perpetrati insieme al padre fondatore della cosiddetta ‘musica concreta’: Pierre Shaeffer. Importanti sono anche gli esperimenti di ricerca musicale con l’uso del computer effetuati insieme alla connazionale Eliane Radigue.
Le tre stanze d’inquietudine, da cui prende il titolo il disco, formano un’unica composizione divisa in tre pezzi (poco più di 27 minuti) ricchi di campionamenti ed effetti sonori a mio parere difficilmente riconducibili al periodo in cui furono composti (stiamo parlando del 1976).
Il brano iniziale, forse il più efficace e variegato, sovrappone con ironia lamenti infantili, rudimentali sonorità ambientali ad una base ritmica vagamente techno.
Per le tracce che seguono il discorso si modifica assestandosi principalmente su atmosfere dilatate e oscure, sfiorando attimi profondamente isolazionisti.
Carino e ben congegnato: Trois chambres D’inquiètude è musica scritta ‘ieri’ per ascoltatori di ‘domani’.

Voto: 8

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Il meglio di certo indie-rock americano degli ultimi anni, il movimento ‘emo-core’, la melodia e la rabbia degli At The Drive-in, la sincerita’, la vitalita’ dei Fugazi. Tutto questo fuso insieme, metabolizzato e riproposto con una nuova freschissima, perfetta veste. Tutto questo (e anche piu’ di quello che si puo’ rendere in una recensione) è ” Memories Collector ” dei catalani Standstill.
Finora i 5 avevano pubblicato un 7”split coi tedeschi Engrave, un ep (” The Tide”) e un altro cd (“The Ionic Spell”) entrambi per la Bcore, indie-label di Barcellona (che con loro e i Madee puo’ arrivare molto in alto credete) ma solo con quest’ultimo lavoro entrano di diritto nell’Olimpo degli “ out-siders “ della musica indipendente internazionale.
Per spiegare che musica fanno prendiamo il referente principale: gli At The Drive-in, quelli di “Relationship Of Command” ( e ho detto tutto ), sì ma immaginateli piu’ espressivi, intensi e raffinati nelle parti melodiche, introspettive ( lo so che sembra impossibile ma e’ così ) e piu’ screaming, genuinamente hardcore in quelle tirate. Come direbbero i gitani, gli Standstill hanno “El Duende” cioè la capacità innata di trasmettere un’emozione, un sentimento profondo.
I testi sono stupendi, intelligenti, pura poesia. I brani? Che dire… sono tutti superlativi, vi segnalo quelli in cui l’intensità tocca un apice leggermente piu’ alto: Always Late,Two Poems, Skies And Mouse, Not The Place e quelli contraddistinti da lirismo puro come Dead Man Picture o la strumentale Welcome e la trasognata, conclusiva Airplane.
Il cd contiene anche una traccia video per PC: no, non il solito video-clip o roba simile, piuttosto una serie di immagini (dell’ultimo tour europeo nel 2001) ed appunti tramite i quali il ‘ collezionista di memorie ‘ ci permette di “ sbirciare “ nel suo intimo. Era tempo che non ascoltavo piu’ un album che entra dentro, smuove, commuove e deposita un’altra inebriante emozione ad ogni nuovo ascolto. Magnifico/i.

Voto: 10

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È davvero piacevole sapere di un gruppo italiano che incide per una prestigiosa etichetta come la Young God Records. E’ ancor più appagante costatare con mano l’ottimo risultato che ne è scaturito da un rapporto nato, vissuto e conclusosi nella più assoluta astrazione fisica; e questo, non per una chiara distanza geografica inevitabilmente presente fra Torino (dove sembra risiedano i Larsen) e Brooklyn (sede della Young God), ma per un perentorio e oscuro volere della band a non lasciarsi identificare sul piano fisico.
Un rapporto decisamente peculiare come riferisce lo stesso Michael Gira che, incuriosito da una serie di CD-R che con regolarità arrivavano da mesi al proprio POBOX e arrivato a Torino per il volere degli stessi Larsen, non è mai stato in grado di guardare negli occhi i propri interlocutori continuamente protetti da uno schermo durante le session di registrazione dell’album.
Il risultato di quelle strane sedute è “Rever”, un album che, al di là delle curiosità che hanno accompagnato la sua lavorazione, colpisce ancor più per i propri contenuti.
È difficile parlare di vere e proprie canzoni, più correttamente si potrebbe dire di una miriade di sublimi intuizioni, incipit che in sala di incisione hanno trovato il modo di fluire liberamente e che successivamente, durante l’editing curato da Gira e dagli stessi, hanno acquisito una maggior organicità, una maggior compattezza e coesione.
“Rever” è un caleidoscopio di umori, colori, suoni che ai fini puramente descrittivi può rimandare, in alcuni momenti, ai pattern minimal-reiterativi della “gioventù sonica” in altri sembra abbracciare un folk dal taglio tipicamente europeo, in altri ancora le composizioni assumono il carattere di veri e propri “raga” dal sapore liturgico-rituale.
Il tutto, comunque, è filtrato attraverso una personale e genuina visione e costruito con l’ausilio di pochi e semplici strumenti (chitarre, basso, fisarmonica, tromba, batteria, percussioni, organo, voci, tra le quali quella dello stesso Gira e qualche occasionale intervento di tape loop).
Un lavoro complesso a tratti impenetrabile, in ogni caso carico di un fascino oscuro.
Una vera sorpresa.
Sarebbe un peccato se rimanesse un culto per pochi intimi.

Voto: 9

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Sotto il nome Xiu Xiu (già titolo di un film cinese del 1998) si cela un progetto di rock sperimentale con base a San Diego che annovera tra i componenti il cantante Jamie Stewart, il bassista Cory McCulloch e le polistrumentiste Yvonne Chen e Lauren Andrews che si destreggiano con sintetizzatori, fiati e percussioni.
“Knife Play” è il loro album d’esordio, un disco particolarmente eccentrico e creativo che traccia un ponte tra la generazione dei Pere Ubu e quella dei Radiohead, fondendo le atmosfere apocalittiche dei primi con i suoni raffinati dei secondi. Tra le influenze occorre citare anche Peter Hammil, per il generale piglio orchestrale e Mark Hollis, il cui tibro vocale angelico e sofferto è identico a quello di Jamie Steward. Ma se le influenze sono percepibili distintamente, la loro sovrapposizione dà luogo a intrecci sonori molto personali che rendono la musica molto difficile da descrivere a parole.
Ciò che risplende (o per meglio dire, implode) in ogni canzone è un senso di desolazione e tristezza che tuttavia si trasfigura in un’eterea diapositiva in bianco e nero venata di sfumature poetiche. Sono brani di umore astratto che indulgono occasionalmente in danze dal sapore new wave (“Over Over”, “Poe Poe”). “Luber” è un’eccellente marcia funebre venata di un’opprimente fatalità. “I Broke Up” dall’incedere quasi ballabile innalza il proprio canto disperato verso cieli neri di desolazione. “Don Biasco”, “Suha”, “Tonite and Today” sono gli altri episodi memorabili del disco, tutti incredibilmente sofferti e trascendenti.
L’abilità degli Xiu Xiu nello sposare misteriosi suoni obliqui con narrazioni sentimentalmente autobiografiche rende questi schizzi decisamente toccanti. Il loro ‘art-rock’ si eleva dal manierismo per mettersi al servizio di una emotività spudoratamente esibita. Al di là di un piglio patetico latente “Knife Play” è in grado di regalare sincere emozioni a chi si propone di spogliarlo foglia dopo foglia.

Voto: 8

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Autore: maxosini@hotmail.com