Quarto lavoro in studio per la band di L.A. (quinto complessivo comprendendo il live “Across a Wire-Live in New York). Dopo l’enorme successo del debutto, “August and everything after” (1993), il lavoro più riuscito e di maggior successo commerciale, il leader Adam Duritz si è scontrato con i problemi legati alla notorietà, al passaggio dall’essere un perfetto sconosciuto a diventare un divo “pop”. I successivi lavori pur non raggiungendo i livelli dell’esordio, hanno confermato quanto di buono era apparso: una classic-rock-band, proponitrice di una formula sicuramente non originale ma con personalità e talento indiscutibili. Loro grande merito è stato di non andare alla ricerca esasperata di un secondo singolo, com’era stato Mr. Jones, per non entrare nel classico circolo vizioso imposto dalla maggior parte delle major, “disco-almeno un potenziale singolo-altrimenti-niente disco”.
Il nuovo lavoro, “Hard Candy”, è forse il loro più accessibile, lo stesso Adam Duritz in recenti dichiarazione ha affermato di aver composto i brani con lo scopo preciso di creare delle melodie semplici e facilmente memorizzabili, in contrasto con l’introspettività e personalità delle liriche. La produzione è nelle mani di un veterano come Steve Lillywhite e il risultato e un disco piacevole con alcune canzoni notevoli, altre comuni e alcune sotto la media; proprio questo è il principale difetto del disco, la sua eccessiva lunghezza (quattordici brani), con la presenza di alcuni brani senza i quali “Hard Candy” sarebbe stato uno dei migliori lavori della band.
Ottimo l’inizio del disco, con forse i tre brani più riusciti del lavoro, le allegre e divertenti Hard Candy e American Girls (non è una cover di Tom Petty, attenti al plurale) e l’intima Good Time; bella anche la collaborazione con Ryan Adams in Butterfly in Riverse e la successiva Miami, altra coinvolgente ballata dai toni soffusi. La parte centrale è la più debole del disco con New Frontier, probabilmente la peggiore dell’intero disco, Carriage, classica ballata alla Duritz, arricchita da una tromba che la caratterizza.
Non citerò tutte le canzoni, sono troppe; sottolineo il buon finale con Up all night, Holiday in Spain e 4 White Stallion a conclusione di un buon disco che conferma l’onestà di una band che non stupisce ma regala piccoli gioielli destinati a durare a lungo.
Eterea, curata in ogni suo dettaglio, costruita minuziosamente come un mosaico, la musica dei Raeo s’insinua nelle mie orecchie incessantemente in questi giorni di fine estate. Duo formato dall’americano Marc Cunningham (tromba e synth) e dallo spagnolo Gat (chitarra, basso ed effetti) esce con questo Body Loops per la francese “Amanita”. Il primo proviene dalla scena ‘No Wave’ e alle proprie spalle ha collaborazioni con diversi musicisti underground quali: Lidya Lunch, Arto Linsday, e Pascal Comelade . Il secondo, invece fa parte della corrente, a me nuova, denominata ‘movida’ nata nei primi anni 90 a Barcellona. Il suo passato, lo ha visto impegnato, come Mark, in collaborazioni con Pascal Comelade e nel fondare l’etichetta indipendente: “G3G”. “Body Loops” prende vita da una performance intrapresa insieme all’artista multimediale Josep Maria Jordana: ‘Body Tapes’ incentrata sul tema del corpo umano nell’aspetto più estetico e anatomico del termine. I due, che tra l’altro hanno preso parte al Sonar 99, fondono con gran classe sonorità acustiche e digitali, non eccessivamente colte, ma profondamente atmosferiche e cristalline. Musica sospirata e in grado di concedere a chi ascolta non poche emozioni. Un lento battito (sarà umano?) sovrasta su micro-fruscii elettromagnetici, i quali scandiscono per intero l’iniziale: Motion and Rest; la traccia sicuramente più introspettiva di tutto l’album. In Gravity il suono seducente della tromba si posa adagio su lievi tessiture elettroniche, rimembrando il Miles Davis più visionario. Un inaspettato senso d’oppressione ci sorprende alle spalle in Spinal Curves: drone magnetico e circolare. All’interno di The Thinking Body convivono innocenti rumorismi generati dal basso e minimalismi funky. Paesaggi gitani fuoriescono dalla cornetta di Mark in Chemical Balance, parallelamente ad un crescente e vorticoso suono noise. Spetta al jazz ermetico di Kinesthesia chiudere un piacevole percorso, mai troppo impervio e forse proprio per questo più che discreto. Consigliato l’ascolto contro lo stress quotidiano.
L’ensemble, diretto da Aaron Burnet, performer e compositore d’avanguardia dell’area californiana produce questo nuovo lavoro articolato in quattro pieces intitolate con le prime quattro lettere dell’alfabeto.
Fornito di una partitura per musica improvvisata si distingue nel far confondere l’ascoltatore con prizzi, lazzi, frizzi, trilli e altro ancora concedendo molto spazio alla cacofonia sonica. Ma il dolce e malinconico suono di un violino (da Danubio blu)riporta alla realtà il travaglio dell’Es, accompagnato da un bordone di contrabbasso in andatura da valzer. C’é spazio anche per un pò di tromba jazz nell’ultima lettera, che per sfortuna é solo la B. Coleman ha fatto scuola, dopo tutto.
Voto finale: discreto come a scuola.
Il canadese Andrew Duke non è certamente nuovo ad escursioni in ambito elettronico visto che dal 1987 si occupa e preoccupa di diffondere il verbo techno nelle sue più disparate accezioni. La sua musica è un ibrido di stili tanto da essere stata paragonata a quella di una miriade di artisti della nu-electronica ma ciononostante non è etichettabile in alcuna maniera. Non sarà quindi impresa facile neanche quella di collocare la musica che troverete in quest’ultimo album per la francese Bip-Hop dove gia da subito Duke esprime la volontà di spiazzare l’ascoltatore con un coacervo di ritmi e umori che vanno dall’electro più eighties, alla techno più ipnotica e allucinata, a quella più minimale e microsonica, unico comun denominatore è il clima sinistro che aleggia su tutto l’album. Buona la scelta dei suoni e comunque l’idea di creare atmosfere di matrice prevalentemente ritmica ma se non siete amanti del genere o quantomeno di mente abbastanza aperta lasciate perdere tutto. Un disco troppo cervellotico per finire nei cuori ma troppo suggestivo per essere ignorato.
Ormai considerati fra i maggiori rappresentanti del pop triste del terzo millennio, i Placebo si preparano ad invadere ancora una volta le nostre orecchie con un nuovo album. Capitanati da Mr Brian Molko, il trio inglese ha prima rilasciato il singolo “Taste In Men”, accompagnato da un video stile telenovela maliziosa. Dopo il successo di ‘‘Without You I’m Nothing’’, sia fan che critica si aspettano un’altra buona prova da parte di Molko e compagni. Dalle numerose interviste rilasciate nei mesi precedenti all’uscita dell’album, si capiva che ‘‘Black Market Music’’ sarebbe stato un album molto rock e con meno pezzi lenti (e tristi) rispetto al passato. Ma sinceramente, questo non mi sembra sia avvenuto.
Al primo ascolto ‘‘Black Market’’ suona piuttosto monotono e poco innovativo, inoltre i vari riff (sia di chitarra che di pianoforte) vengono ripetuti moltissime volte (come in Passive Agressive) e tendono alla noia. Eppure dopo qualche dubbioso ascolto, ci si rende conto che il lavoro dietro questo album non è stato affatto poco. Quindi il tanto pubblicizzato “addio alla malinconia” non c’è stato, visto che i testi sono molto più tristi del passato, con numerosi riferimenti a droghe, perdita di fede e morte. C’è sicuramente qualche pezzo di rock tirato, ma rispetto agli altri album adesso gli arrangiamenti son pensati meglio e sembrano meno a caso.
Non si possono non citare le canzoni più belle come Peeping Tom dove Molko ci parla di un triste guardone e Narcoleptic dove l’amore non riesce a trovare un posto per crescere in pace.
A canzoni stile Placebo si uniscono inoltre esperimenti veramente gradevoli come Spite And Malice dove Molko duetta con il rapper Justin Warfield o Black Eyed dove i tre si divertono con l’elettronica. Insomma dopo averlo ascoltato numerose volte, non ho potuto far altro che promuovere questo album come un mezzo esperimento dei Placebo. I tre sono riusciti a fare ottima musica con pochissimo sforzo ma tanta passione, un passo in più per somigliare a mostri sacri del pop come il tanto osannato David Bowie e il vituperato Robert Smith.
Gli On non sono un vero e proprio gruppo nel senso comune del termine, bensì il nuovo progetto musicale della laboriosa mente di Ken Andrews. Chi è costui? Presto detto, l’ex frontman dei Failure, ottima band indie rock che potete ascoltare al suo meglio in ‘‘Fantastic Planet’’ e che si è resa discretamente famosa quando la sua stella era ormai tramontata con la cover di Enjoy The Silence dei Depeche Mode.
Quest’album a detta dello stesso Andrews è una raccolta delle sue emozioni durante i sei mesi di lavorazione al disco. Il musicista americano suona sintetizzatore, batteria, chitarra e basso in questo disco, fungendo ovvero da vera e propria one man band. Lo stile è sicuramente molto particolare, si potrebbe definire un pop moderno, con alcune sferzate di hard-rock vecchio stile.
Si parte da C’mon Collapse , dove la chitarra la fa da padrone per poi cedere al sintetizzatore che vola su note decisamente particolari. Mentre Slingshot è essenziale e brevissima, Soluble Words è lunga e molto laboriosa, con diversi cambi di ritmo. Passando per la stupenda Shifting Skin , l’album scorre veramente tranquillo fino ad arrivare all’incredibile Pick Up. Andrews dà il meglio di sé in una canzone alla Depeche Mode (appunto); il testo veramente poco interessante, viene compensato dalla musica quasi perfetta.
Non è sicuro se il progetto On verrà continuato da Ken Andrews, o se quest’ultimo preferirà accontentarsi del suo lavoro di produttore (ha lavorato con Blinker The Star, Creeper Lagoon, ecc.). Rimane comunque il fatto che quest’album è veramente interessante e, ovviamente, introvabile in Italia. Perciò non posso che raccomandarvi il sito NON ufficiale degli On che è www.shiftingskin.cjb.net dove troverete i testi dell’album e qualche morceau di canzone oltre ad una biografia veramente completa di Ken Andrews. Insomma un album forse un po’ retrò, ma veramente ben fatto.
La Melodic nasce nel 1998 a Manchester per mano di David Cooper, che dopo aver visto uno showcase della Twisted Nerve, in cui suonavano D.O.T., Mum & Dad e Badly Drawn Boy, decise di fondare una propria etichetta, dedicata alle nuove leve del suono inglese. Ascoltando ora la prima cd compilation della label, “A room full of tuneful”, il debito alla Twisted Nerve di Damon Gough (in arte Badly Drawn Boy) e Andy Votel è evidente, dato che le band qui presenti si dedicano quasi interamente a un’elettronica dal volto umano giocosa e piacevole, dai contorni analogici e lo-fi e che flirta continuamente con suoni neo-acustici. Un ottimo esempio di quanto detto può essere Locked out di Topo Gigio, come d’altro canto i due pezzi di Pedro, artista di punta dell’etichetta, già noto per collaborazioni a compilation come la recente “You don’t need darkness to do what you think is right” della Geographic, e che qui si distingue con il remix di Lay down mega man e soprattutto con l’ottima Seven eight, delizioso divertissment costituito da beat, pianola e voci campionate. Altro fiore all’occhiello della label di Cooper è Lucky Pierre, nient’altro che Aidan Moffat degli Arab Strap in versione solista e elettronica, qui presente con Dawn, burst & tired, brano che non sarà invece reperibile su “Hypnogogia”, debutto sulla lunga distanza di Aidan, previsto sempre su Melodic per la prima metà di settembre. Sempre a settembre è in uscita il nuovo ep dei Minoutar Shock: lascia ben presagire a questo proposito Lady came from baltic wharf, suadente downtempo presente nella compilation. A un primo ascolto sembrano interessanti anche Empire State e Baikonour, altri due gruppi made in Melodic con buone intuizioni da sfruttare, mentre più maturi sono gli ospiti Chessie, appartenenti al roster della label amica Plug Research, che con Daylight tentano un improbabile incrocio fra l’elettronica di etichette come Audio Dregs e Tomlab e suoni postrock. La compilation è poi completata dai migliori pezzi ricevuti negli uffici della Melodic e non ancora pubblicati, ad opera di Tex La Homa, Bronze Age Fox, Noakes Pressure e Dreams of Tall Buildings.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/melodic.jpg140150Gabriele Di Faziohttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgGabriele Di Fazio2002-08-27 02:01:002023-05-02 10:57:31AA.VV. ‘Melodic: a Room of Tuneful’
Non appena finito di parlare dell’esperienza solista affrontata da Annette Krebs su Fringes Records (eletto da Kathodik promo del mese di giugno), l’irrefrenabile Giuseppe Ielasi torna alla carica col proporci un nuovo interessantissimo ascolto. Unite le forze per l’occasione insieme con la newyorkese Intransitive, nasce il terzo volume (i primi due usciti rispettivamente per la Wrk e la svedese Hapna) delle registrazioni a vasto raggio effettuate dal nipponico Toshiya Tsunoda. Tsunoda da diversi anni sonda, anche insieme al collettivo Wrk, le diverse possibilità uditive offerte dallo spazio che ci circonda.
Descrivere le tecniche utilizzate da Tsunoda nel costruire la propria musica non è una cosa semplice o da esaurire in poche parole (e da questo punto di vista la spiegazione minuziosa dell’autore all’interno del libretto sui metodi e strumenti adoperati per l’occasione assolve al gravoso compito). L’eclettismo del musicista giapponese in fatto di sperimentazioni acustiche è infatti sorprendente (famose ad esempio le sue installazioni: come quella in cui permise ai visitatori di un museo di ascoltare tramite l’uso delle cuffie i rumori della stanza stessa cui si svolgeva l’evento).
Nel caso di “Extracts From…” il modus operandi di Tsunoda si fonda principalmente sull’applicazione di microfoni, sensori e microdispositivi piezoelettrici in ogni oggetto e luogo a noi comune: bottiglie, cavi, tunnel, motori, condotti, banchine portuali….insomma ovunque. E l’incredibile risultato sono pieces costituite unicamente da vibrazioni (interne od esterne) per niente prive di una propria liricità e di un proprio magnetico trasporto.
Un consiglio?
Meglio lasciare completamente da parte la teoria ed abbandonarsi come una valanga in discesa alla poesia sonora di ogni brano di “Extracts From …”. In fondo non sono le sensazioni provate in ogni istante di immersione auditiva quelle che contano?
Buon ascolto micro-sismicamente emozionale.
Sei pezzi per 39 minuti di musica costituiscono il debutto sulla lunga distanza degli inglesi Weevil, pubblicato dalla Where it’s at is where you are, conosciuta anche con la più sbrigativa sigla Wiaiwya. Etichetta attiva soprattutto in ambito retro-pop (interessanti a questo proposito la compilation natalizia “50,000,000 Elves fans can’t be wrong – Transatlantic pop christimas volume 1” e il cd degli Sportique “Modern museums”), ma che con questi Weevil devia dal suo abituale ambito, regalandoci un disco che miscela elementi di ascendenza new wave, armonie vocali gustosamente pop e un uso dell’elettronica semplice ma efficace. Procedimento che risulta chiaro sin dall’iniziale Pins of Light, scandita dalla chitarra acustica e dal suggestivo uso della voce, cui si aggiungono rumorini e campionamenti di sottofondo: come se i Kings of Convenience avessero incontrato gli Hood. Foam complica il tutto con un bel riff che sarebbe squisitamente pop se non fosse martoriato al computer e continuamente interrotto. La successiva Papercut introduce poi una dimensione più ambientale e d’atmosfera. Si tratta infatti di un pezzo dilatato, con basso e batteria che dialogano dando vita a un tappeto dub, su cui cala la voce filtrata del cantante. Gran pezzo davvero, che purtroppo ha l’unico difetto di assomigliare eccessivamente agli ultimi Hood, band che insieme ai Movietone e agli altri gruppi dell’altra Bristol è sicuramente un’importante influenza per i Weevil. Dopo l’intermezzo di Tapping Bird, melodia circolare segnata dalle percussioni e dai minimali accordi di chitarra, il disco si chiude con due lunghi pezzi elettronici e dilatati. Si tratta di Still, brano già presente sul singolo di esordio della band, qui presentato in versione remix, e della conclusiva e lunghissima Dogsneeze, sinfonia per chitarre e campionatori, in cui il rumore diventa melodia, come solo i migliori gruppi sanno fare. Se i Weevil sapranno scrollarsi di dosso le inevitabili ed eccessive influenze degli esordi potranno diventare un grandissimo gruppo. Intanto, per ascoltare questo bel disco, potete mandare una mail a wiaiwya@bigfoot.com.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/covernotavailable.jpg150150Gabriele Di Faziohttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgGabriele Di Fazio2002-08-26 02:01:002023-05-02 10:56:48Weevil S.T.
Dopo quel prezioso pacchetto di remix regalato alla serie Groovetechnology, si rifanno vivi i londinesi Swayzak con un full length a tutto tondo – il terzo per l’esattezza – a spaziare ancora una volta fra un immenso bagaglio di influenze stilistiche. Il gioco di parole non stupisca, con “Dirty Dancing” il duo rinnova l’oramai nota, sebbene discutibile, stima per l’attore Patrick Swayze (dal quale anche il nome) e, volendo dare un significato più profondo al tutto, il totale disprezzo verso tutto ciò che di scontato inquina purtroppo molta dance di oggigiorno. Non è di fatto la disinvoltura di movimento fra contrasti stilistici a colpire stavolta ma bensì l’inventiva, la personalità nonchè il gusto e la cura maniacale profusa in ogni singolo episodio. Dieci tracce in totale, di cui due solamente strumentali e le restanti arricchite da collaborazioni con produttori e vocalists d’eccezione – su tutti il contributo dei canadesi Headgear su In The Car Crash e del duo Adult direttamente da Detroit su I Dance Alone. Cinquantuno minuti per perdersi tra suggestioni tech-house, asperità cyber-electro, attitudini techno e oscillazioni dub e in più una perla: Buffalo Seven, con il cantato dell’emergente Klaus Kotai (del quale un album solista per la berlinese WMF) – giusto per non lasciare a bocca asciutta i dancefloors più esigenti quest’inverno. Questo terzo album degli Swayzak si rivela in definitiva complesso per diversità di intenti ma non eccessivamente ermetico come gran parte delle produzioni di questo tipo e indicherà una volta per tutte James Taylor e Dave Brown tra i technoheadz più accreditati per poter essere proposti alla grande massa. Senza perdere di vista il buon gusto.
Counting Crows ‘Hard Candy’
Quarto lavoro in studio per la band di L.A. (quinto complessivo comprendendo il live “Across a Wire-Live in New York). Dopo l’enorme successo del debutto, “August and everything after” (1993), il lavoro più riuscito e di maggior successo commerciale, il leader Adam Duritz si è scontrato con i problemi legati alla notorietà, al passaggio dall’essere un perfetto sconosciuto a diventare un divo “pop”. I successivi lavori pur non raggiungendo i livelli dell’esordio, hanno confermato quanto di buono era apparso: una classic-rock-band, proponitrice di una formula sicuramente non originale ma con personalità e talento indiscutibili. Loro grande merito è stato di non andare alla ricerca esasperata di un secondo singolo, com’era stato Mr. Jones, per non entrare nel classico circolo vizioso imposto dalla maggior parte delle major, “disco-almeno un potenziale singolo-altrimenti-niente disco”.
Il nuovo lavoro, “Hard Candy”, è forse il loro più accessibile, lo stesso Adam Duritz in recenti dichiarazione ha affermato di aver composto i brani con lo scopo preciso di creare delle melodie semplici e facilmente memorizzabili, in contrasto con l’introspettività e personalità delle liriche. La produzione è nelle mani di un veterano come Steve Lillywhite e il risultato e un disco piacevole con alcune canzoni notevoli, altre comuni e alcune sotto la media; proprio questo è il principale difetto del disco, la sua eccessiva lunghezza (quattordici brani), con la presenza di alcuni brani senza i quali “Hard Candy” sarebbe stato uno dei migliori lavori della band.
Ottimo l’inizio del disco, con forse i tre brani più riusciti del lavoro, le allegre e divertenti Hard Candy e American Girls (non è una cover di Tom Petty, attenti al plurale) e l’intima Good Time; bella anche la collaborazione con Ryan Adams in Butterfly in Riverse e la successiva Miami, altra coinvolgente ballata dai toni soffusi. La parte centrale è la più debole del disco con New Frontier, probabilmente la peggiore dell’intero disco, Carriage, classica ballata alla Duritz, arricchita da una tromba che la caratterizza.
Non citerò tutte le canzoni, sono troppe; sottolineo il buon finale con Up all night, Holiday in Spain e 4 White Stallion a conclusione di un buon disco che conferma l’onestà di una band che non stupisce ma regala piccoli gioielli destinati a durare a lungo.
Voto: 7
Link correlati:Counting Crows home page
Raeo ‘Body Loops’
Eterea, curata in ogni suo dettaglio, costruita minuziosamente come un mosaico, la musica dei Raeo s’insinua nelle mie orecchie incessantemente in questi giorni di fine estate. Duo formato dall’americano Marc Cunningham (tromba e synth) e dallo spagnolo Gat (chitarra, basso ed effetti) esce con questo Body Loops per la francese “Amanita”. Il primo proviene dalla scena ‘No Wave’ e alle proprie spalle ha collaborazioni con diversi musicisti underground quali: Lidya Lunch, Arto Linsday, e Pascal Comelade . Il secondo, invece fa parte della corrente, a me nuova, denominata ‘movida’ nata nei primi anni 90 a Barcellona. Il suo passato, lo ha visto impegnato, come Mark, in collaborazioni con Pascal Comelade e nel fondare l’etichetta indipendente: “G3G”. “Body Loops” prende vita da una performance intrapresa insieme all’artista multimediale Josep Maria Jordana: ‘Body Tapes’ incentrata sul tema del corpo umano nell’aspetto più estetico e anatomico del termine. I due, che tra l’altro hanno preso parte al Sonar 99, fondono con gran classe sonorità acustiche e digitali, non eccessivamente colte, ma profondamente atmosferiche e cristalline. Musica sospirata e in grado di concedere a chi ascolta non poche emozioni. Un lento battito (sarà umano?) sovrasta su micro-fruscii elettromagnetici, i quali scandiscono per intero l’iniziale: Motion and Rest; la traccia sicuramente più introspettiva di tutto l’album. In Gravity il suono seducente della tromba si posa adagio su lievi tessiture elettroniche, rimembrando il Miles Davis più visionario. Un inaspettato senso d’oppressione ci sorprende alle spalle in Spinal Curves: drone magnetico e circolare. All’interno di The Thinking Body convivono innocenti rumorismi generati dal basso e minimalismi funky. Paesaggi gitani fuoriescono dalla cornetta di Mark in Chemical Balance, parallelamente ad un crescente e vorticoso suono noise. Spetta al jazz ermetico di Kinesthesia chiudere un piacevole percorso, mai troppo impervio e forse proprio per questo più che discreto. Consigliato l’ascolto contro lo stress quotidiano.
Voto: 7
Link correlati:amanitarecords
Electro-Magnetic Trans-Personal Orchestra ‘S.T.’
(Pax Recordings 2002)
L’ensemble, diretto da Aaron Burnet, performer e compositore d’avanguardia dell’area californiana produce questo nuovo lavoro articolato in quattro pieces intitolate con le prime quattro lettere dell’alfabeto.
Fornito di una partitura per musica improvvisata si distingue nel far confondere l’ascoltatore con prizzi, lazzi, frizzi, trilli e altro ancora concedendo molto spazio alla cacofonia sonica. Ma il dolce e malinconico suono di un violino (da Danubio blu)riporta alla realtà il travaglio dell’Es, accompagnato da un bordone di contrabbasso in andatura da valzer. C’é spazio anche per un pò di tromba jazz nell’ultima lettera, che per sfortuna é solo la B. Coleman ha fatto scuola, dopo tutto.
Voto finale: discreto come a scuola.
Voto: 7
Link correlati:Pax Recordings
Andrew Duke ‘Sprung’
Il canadese Andrew Duke non è certamente nuovo ad escursioni in ambito elettronico visto che dal 1987 si occupa e preoccupa di diffondere il verbo techno nelle sue più disparate accezioni. La sua musica è un ibrido di stili tanto da essere stata paragonata a quella di una miriade di artisti della nu-electronica ma ciononostante non è etichettabile in alcuna maniera. Non sarà quindi impresa facile neanche quella di collocare la musica che troverete in quest’ultimo album per la francese Bip-Hop dove gia da subito Duke esprime la volontà di spiazzare l’ascoltatore con un coacervo di ritmi e umori che vanno dall’electro più eighties, alla techno più ipnotica e allucinata, a quella più minimale e microsonica, unico comun denominatore è il clima sinistro che aleggia su tutto l’album. Buona la scelta dei suoni e comunque l’idea di creare atmosfere di matrice prevalentemente ritmica ma se non siete amanti del genere o quantomeno di mente abbastanza aperta lasciate perdere tutto. Un disco troppo cervellotico per finire nei cuori ma troppo suggestivo per essere ignorato.
Voto: 6
Link correlati:Bip-Hop
Placebo ‘Black Market Music’
Ormai considerati fra i maggiori rappresentanti del pop triste del terzo millennio, i Placebo si preparano ad invadere ancora una volta le nostre orecchie con un nuovo album. Capitanati da Mr Brian Molko, il trio inglese ha prima rilasciato il singolo “Taste In Men”, accompagnato da un video stile telenovela maliziosa. Dopo il successo di ‘‘Without You I’m Nothing’’, sia fan che critica si aspettano un’altra buona prova da parte di Molko e compagni. Dalle numerose interviste rilasciate nei mesi precedenti all’uscita dell’album, si capiva che ‘‘Black Market Music’’ sarebbe stato un album molto rock e con meno pezzi lenti (e tristi) rispetto al passato. Ma sinceramente, questo non mi sembra sia avvenuto.
Al primo ascolto ‘‘Black Market’’ suona piuttosto monotono e poco innovativo, inoltre i vari riff (sia di chitarra che di pianoforte) vengono ripetuti moltissime volte (come in Passive Agressive) e tendono alla noia. Eppure dopo qualche dubbioso ascolto, ci si rende conto che il lavoro dietro questo album non è stato affatto poco. Quindi il tanto pubblicizzato “addio alla malinconia” non c’è stato, visto che i testi sono molto più tristi del passato, con numerosi riferimenti a droghe, perdita di fede e morte. C’è sicuramente qualche pezzo di rock tirato, ma rispetto agli altri album adesso gli arrangiamenti son pensati meglio e sembrano meno a caso.
Non si possono non citare le canzoni più belle come Peeping Tom dove Molko ci parla di un triste guardone e Narcoleptic dove l’amore non riesce a trovare un posto per crescere in pace.
A canzoni stile Placebo si uniscono inoltre esperimenti veramente gradevoli come Spite And Malice dove Molko duetta con il rapper Justin Warfield o Black Eyed dove i tre si divertono con l’elettronica. Insomma dopo averlo ascoltato numerose volte, non ho potuto far altro che promuovere questo album come un mezzo esperimento dei Placebo. I tre sono riusciti a fare ottima musica con pochissimo sforzo ma tanta passione, un passo in più per somigliare a mostri sacri del pop come il tanto osannato David Bowie e il vituperato Robert Smith.
Voto: 8
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On ‘On’
Epic Records/Sony 2000
Gli On non sono un vero e proprio gruppo nel senso comune del termine, bensì il nuovo progetto musicale della laboriosa mente di Ken Andrews. Chi è costui? Presto detto, l’ex frontman dei Failure, ottima band indie rock che potete ascoltare al suo meglio in ‘‘Fantastic Planet’’ e che si è resa discretamente famosa quando la sua stella era ormai tramontata con la cover di Enjoy The Silence dei Depeche Mode.
Quest’album a detta dello stesso Andrews è una raccolta delle sue emozioni durante i sei mesi di lavorazione al disco. Il musicista americano suona sintetizzatore, batteria, chitarra e basso in questo disco, fungendo ovvero da vera e propria one man band. Lo stile è sicuramente molto particolare, si potrebbe definire un pop moderno, con alcune sferzate di hard-rock vecchio stile.
Si parte da C’mon Collapse , dove la chitarra la fa da padrone per poi cedere al sintetizzatore che vola su note decisamente particolari. Mentre Slingshot è essenziale e brevissima, Soluble Words è lunga e molto laboriosa, con diversi cambi di ritmo. Passando per la stupenda Shifting Skin , l’album scorre veramente tranquillo fino ad arrivare all’incredibile Pick Up. Andrews dà il meglio di sé in una canzone alla Depeche Mode (appunto); il testo veramente poco interessante, viene compensato dalla musica quasi perfetta.
Non è sicuro se il progetto On verrà continuato da Ken Andrews, o se quest’ultimo preferirà accontentarsi del suo lavoro di produttore (ha lavorato con Blinker The Star, Creeper Lagoon, ecc.). Rimane comunque il fatto che quest’album è veramente interessante e, ovviamente, introvabile in Italia. Perciò non posso che raccomandarvi il sito NON ufficiale degli On che è www.shiftingskin.cjb.net dove troverete i testi dell’album e qualche morceau di canzone oltre ad una biografia veramente completa di Ken Andrews. Insomma un album forse un po’ retrò, ma veramente ben fatto.
Voto: 8
Link correlati:
AA.VV. ‘Melodic: a Room of Tuneful’
La Melodic nasce nel 1998 a Manchester per mano di David Cooper, che dopo aver visto uno showcase della Twisted Nerve, in cui suonavano D.O.T., Mum & Dad e Badly Drawn Boy, decise di fondare una propria etichetta, dedicata alle nuove leve del suono inglese. Ascoltando ora la prima cd compilation della label, “A room full of tuneful”, il debito alla Twisted Nerve di Damon Gough (in arte Badly Drawn Boy) e Andy Votel è evidente, dato che le band qui presenti si dedicano quasi interamente a un’elettronica dal volto umano giocosa e piacevole, dai contorni analogici e lo-fi e che flirta continuamente con suoni neo-acustici. Un ottimo esempio di quanto detto può essere Locked out di Topo Gigio, come d’altro canto i due pezzi di Pedro, artista di punta dell’etichetta, già noto per collaborazioni a compilation come la recente “You don’t need darkness to do what you think is right” della Geographic, e che qui si distingue con il remix di Lay down mega man e soprattutto con l’ottima Seven eight, delizioso divertissment costituito da beat, pianola e voci campionate. Altro fiore all’occhiello della label di Cooper è Lucky Pierre, nient’altro che Aidan Moffat degli Arab Strap in versione solista e elettronica, qui presente con Dawn, burst & tired, brano che non sarà invece reperibile su “Hypnogogia”, debutto sulla lunga distanza di Aidan, previsto sempre su Melodic per la prima metà di settembre. Sempre a settembre è in uscita il nuovo ep dei Minoutar Shock: lascia ben presagire a questo proposito Lady came from baltic wharf, suadente downtempo presente nella compilation. A un primo ascolto sembrano interessanti anche Empire State e Baikonour, altri due gruppi made in Melodic con buone intuizioni da sfruttare, mentre più maturi sono gli ospiti Chessie, appartenenti al roster della label amica Plug Research, che con Daylight tentano un improbabile incrocio fra l’elettronica di etichette come Audio Dregs e Tomlab e suoni postrock. La compilation è poi completata dai migliori pezzi ricevuti negli uffici della Melodic e non ancora pubblicati, ad opera di Tex La Homa, Bronze Age Fox, Noakes Pressure e Dreams of Tall Buildings.
Voto: 7
Link correlati:Il sito della Melodic
Toshiya Tsunoda ‘Extracts From Field Recordings #3; Solid Vibration’
Non appena finito di parlare dell’esperienza solista affrontata da Annette Krebs su Fringes Records (eletto da Kathodik promo del mese di giugno), l’irrefrenabile Giuseppe Ielasi torna alla carica col proporci un nuovo interessantissimo ascolto. Unite le forze per l’occasione insieme con la newyorkese Intransitive, nasce il terzo volume (i primi due usciti rispettivamente per la Wrk e la svedese Hapna) delle registrazioni a vasto raggio effettuate dal nipponico Toshiya Tsunoda.
Tsunoda da diversi anni sonda, anche insieme al collettivo Wrk, le diverse possibilità uditive offerte dallo spazio che ci circonda.
Descrivere le tecniche utilizzate da Tsunoda nel costruire la propria musica non è una cosa semplice o da esaurire in poche parole (e da questo punto di vista la spiegazione minuziosa dell’autore all’interno del libretto sui metodi e strumenti adoperati per l’occasione assolve al gravoso compito). L’eclettismo del musicista giapponese in fatto di sperimentazioni acustiche è infatti sorprendente (famose ad esempio le sue installazioni: come quella in cui permise ai visitatori di un museo di ascoltare tramite l’uso delle cuffie i rumori della stanza stessa cui si svolgeva l’evento).
Nel caso di “Extracts From…” il modus operandi di Tsunoda si fonda principalmente sull’applicazione di microfoni, sensori e microdispositivi piezoelettrici in ogni oggetto e luogo a noi comune: bottiglie, cavi, tunnel, motori, condotti, banchine portuali….insomma ovunque. E l’incredibile risultato sono pieces costituite unicamente da vibrazioni (interne od esterne) per niente prive di una propria liricità e di un proprio magnetico trasporto.
Un consiglio?
Meglio lasciare completamente da parte la teoria ed abbandonarsi come una valanga in discesa alla poesia sonora di ogni brano di “Extracts From …”. In fondo non sono le sensazioni provate in ogni istante di immersione auditiva quelle che contano?
Buon ascolto micro-sismicamente emozionale.
Voto: 8
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Weevil S.T.
(Wiaiwya 2001)
Sei pezzi per 39 minuti di musica costituiscono il debutto sulla lunga distanza degli inglesi Weevil, pubblicato dalla Where it’s at is where you are, conosciuta anche con la più sbrigativa sigla Wiaiwya. Etichetta attiva soprattutto in ambito retro-pop (interessanti a questo proposito la compilation natalizia “50,000,000 Elves fans can’t be wrong – Transatlantic pop christimas volume 1” e il cd degli Sportique “Modern museums”), ma che con questi Weevil devia dal suo abituale ambito, regalandoci un disco che miscela elementi di ascendenza new wave, armonie vocali gustosamente pop e un uso dell’elettronica semplice ma efficace. Procedimento che risulta chiaro sin dall’iniziale Pins of Light, scandita dalla chitarra acustica e dal suggestivo uso della voce, cui si aggiungono rumorini e campionamenti di sottofondo: come se i Kings of Convenience avessero incontrato gli Hood. Foam complica il tutto con un bel riff che sarebbe squisitamente pop se non fosse martoriato al computer e continuamente interrotto. La successiva Papercut introduce poi una dimensione più ambientale e d’atmosfera. Si tratta infatti di un pezzo dilatato, con basso e batteria che dialogano dando vita a un tappeto dub, su cui cala la voce filtrata del cantante. Gran pezzo davvero, che purtroppo ha l’unico difetto di assomigliare eccessivamente agli ultimi Hood, band che insieme ai Movietone e agli altri gruppi dell’altra Bristol è sicuramente un’importante influenza per i Weevil. Dopo l’intermezzo di Tapping Bird, melodia circolare segnata dalle percussioni e dai minimali accordi di chitarra, il disco si chiude con due lunghi pezzi elettronici e dilatati. Si tratta di Still, brano già presente sul singolo di esordio della band, qui presentato in versione remix, e della conclusiva e lunghissima Dogsneeze, sinfonia per chitarre e campionatori, in cui il rumore diventa melodia, come solo i migliori gruppi sanno fare. Se i Weevil sapranno scrollarsi di dosso le inevitabili ed eccessive influenze degli esordi potranno diventare un grandissimo gruppo. Intanto, per ascoltare questo bel disco, potete mandare una mail a wiaiwya@bigfoot.com.
Voto: 8
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Swayzak ‘Dirty Dancing’
Dopo quel prezioso pacchetto di remix regalato alla serie Groovetechnology, si rifanno vivi i londinesi Swayzak con un full length a tutto tondo – il terzo per l’esattezza – a spaziare ancora una volta fra un immenso bagaglio di influenze stilistiche. Il gioco di parole non stupisca, con “Dirty Dancing” il duo rinnova l’oramai nota, sebbene discutibile, stima per l’attore Patrick Swayze (dal quale anche il nome) e, volendo dare un significato più profondo al tutto, il totale disprezzo verso tutto ciò che di scontato inquina purtroppo molta dance di oggigiorno. Non è di fatto la disinvoltura di movimento fra contrasti stilistici a colpire stavolta ma bensì l’inventiva, la personalità nonchè il gusto e la cura maniacale profusa in ogni singolo episodio. Dieci tracce in totale, di cui due solamente strumentali e le restanti arricchite da collaborazioni con produttori e vocalists d’eccezione – su tutti il contributo dei canadesi Headgear su In The Car Crash e del duo Adult direttamente da Detroit su I Dance Alone. Cinquantuno minuti per perdersi tra suggestioni tech-house, asperità cyber-electro, attitudini techno e oscillazioni dub e in più una perla: Buffalo Seven, con il cantato dell’emergente Klaus Kotai (del quale un album solista per la berlinese WMF) – giusto per non lasciare a bocca asciutta i dancefloors più esigenti quest’inverno. Questo terzo album degli Swayzak si rivela in definitiva complesso per diversità di intenti ma non eccessivamente ermetico come gran parte delle produzioni di questo tipo e indicherà una volta per tutte James Taylor e Dave Brown tra i technoheadz più accreditati per poter essere proposti alla grande massa. Senza perdere di vista il buon gusto.
Voto: 7
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