Ancora un fermo-immagine sonoro. Da Minneapolis l’insicurezza di essere punk!
Dopo gli esordi da formula 1 (Land speed record), gli Husker Du passando attraverso una serie di dischi importanti ( Zen Arcade, Candy Apple Grey), giungono al lavoro della definitiva maturità.
Ritmiche meno ritmiche, melodie più melodiche, chitarre meno chitarristiche, ispirazione più ispirata……nonostante alcuni fan dei primi periodi non la pensino esattamente così………., un capolavoro.
Mauro Pettinari
Testamento spirituale con tutti i santi crismi: il suono si è un pò “addolcito” ma la melodia e il cantato rimangono quelle di sempre. Peccato che sia finita così.
Marco Paolucci
Il cuore di ognuno che l’abbia acquistato all’epoca va inevitabilmente in frantumi ogni volta che la puntina torna ad accarezzare qualsiasi suo solco. Per opposte ragioni.
Emozioni, Storie, Energia, Melodie, Disperazioni, Grant Hart, Elettricità, Distorsione fanno tutti fatica a rientrare negli appositi scaffali del ‘deposito’ in questione. Ma nel rimetterli sotto l’apposita letterina alfabetica ci si accorge di qualcosa… “e l’irruenza punk?”… She Floated Away and She Floated Away…
Mauro Carassai
Non è sicuramente il loro capolavoro ma rimane comunque una pietra miliare dei tardi anni ottanta.
L’avventura Husker Du stava ormai naufragando e Warehouse rimane, dal punto di vista strettamente musicale, un dignitoso epitaffio di una storia che aveva già avuto i suoi onori.
Non mancano i momenti di intenso lirismo ma l’album risulta tuttavia prolisso e appiattito da una produzione inadeguata.
Per quanto mi riguarda il loro picco creativo è stato toccato con New Day Rising e questo loro ultimo lavoro soltanto in alcuni momenti riesce ad eguagliarne la scrittura.
Andrea Palucci
Fra vocalizzi byrdsiani al vetriolo e melodie zucchero(sugar)chitarrose un po mi annoio e un po rimpiango. Sarà nuova alba? Forse ultimo tramonto.
Luca Confusione
Per quanto riguarda me, anche scrivere tre misere righe sugli Husker Du non è impresa affatto facile. La causa principale di tutto ciò (siate clementi) è data dal fatto che: Warehouse:songs and stories è il loro primo disco che ascolto in vita mia. Con l’apertura di These Important Years mi si è sfatata all’istante l’immagine personale di gruppo duro e puro. anche Standing in the Rain merita un succoso ascolto. Aria da college.
Sergio Eletto
Non mi hanno mai proprio esaltato (de gustibus) ma sono un gruppo mitico e a ragione! Lo dimostrano anche in questo “Magazzino”, non uno dei loro lavori fondamentali, comunque: stile inimitabile, la voce di Grant Hart che é la voce di Grant Hart e qualche pezzo che al terzo/quarto ascolto ti si stampa nella mente e poi ti culla ritornando in mente durante la giornata. Massimo rispetto.
Diego Accorsi
The Miles Apart ‘Storyboard’
Nome appropiato per questa band, The Miles Apart, quelle che li separano dall’Italia, visto il booklet all’interno del cd e le foto sul sito. Facili battute a parte, i TMA sono una band emo al secondo album e dalla discreta esperienza. Insomma, le premesse per fare un album all’altezza della scena emo italiana, a livello dei May I Refuse, ci sono tutte ma evidentemente qualcosa non è andato per il verso giusto.
Alcuni pezzi suonano un po’ dilettantistici, la voce certe volte non ha la tonalità adatta alla canzone e in genere l’impressione è che l’album sia stato realizzato frettolosamente, soprattutto in episodi come Prime Mover, inserita proprio all’inizio. La struttura delle tracce è inoltre un po’ primitiva e sicuramente non colpisce. Comunque intendiamoci le idee più o meno ci sono, i testi sono di buona fattura e sia il drumming che il mix sono perfetti.
Non posso però proprio assegnare più di un misero sei a questa produzione, che sicuramente non riesce a rivaleggiare con altre uscite di questo tipo. Alla band sicuramente gioverebbe l’acquisizione di un quarto membro che aiuti a variare il sound e a renderlo più consistente e sicuro. Let’s keep our fingers crossed…
Voto: 6
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The Dandy Warhols Live Arezzo Wave 4/7/2002
Monitoraggio sull’ipercitazionismo rock. Come diventare spot di sé stessi infischiandosene dei telecomandi.
I Dandy Warhols dal vivo sono come una Diet Coke. E’ altrettanto ‘truly american’, è addirittura più nociva dell’originale, ricorda in qualche modo il sapore della sua sorellina rosso fiammante senza però imprimere sulle vostre papille un proprio marchio in fatto di gusto. Preceduti da un’esibizione al limite dell’irritante dell’ex Sperahead Michael Franti e da un certosino sound check che ha travalicato di gran lunga quel limite (senza neache riuscire a garantire poi allo show l’effetto deisderato), i quattro ragazzotti (ragazzacci? Dio che noia…) di Portland si presentano sul palco col piglio di chi ha qualcosa da sbrigare (l’uscita di scena finale di Courtney Taylor borsello in spalla avrà un certo sapore snob, purtroppo divino). Abiti casual per tutti fatta eccezione per Zia Mc Cabe in vestito bianco candidamente innocente, lo show sembra iniziare quasi per caso tra timidi feedback chitarristici conditi da sviolinata verbale di Courtney sul piacere di essere in Italia e invito ai presenti a recuperare sui pochi scambi di effusioni che gli è capitato di vedere sinora. Riusciranno mai gli americani ad oltrepassare la soglia della superficiale curiosità nei confronti delle altre culture? Bah… Non c’è tempo. Il vortice psichedelico di Be-in già inonda i presenti e gli ‘assenti’ (i concerti gratuiti sono visibilmente fatti anche di questi) mostrando fin dall’inizio la vera cifra della musica del ‘quartetto + trombettista’ statunitense: puro appeal rock psichedelicamente retrò. Le carte migliori vengono giocate quasi subito con Not if You Were the Last Junkie on Earth e Bohemian Like You purtroppo penalizzate da qualche malfunzionamento dei pedali della chitarra di Peter e da un pubblico ancora un po’ freddo per scatenarsi fisicamente (quello arriverà poi più avanti nei pochi brani tirati verso la fine dell’esibizione). Il resto delle incursioni altalenanti tra “Come Down Heavy” e “Thirteen Tales from Urban Bohemia” è puro godimento estetico più che prettamente sonoro: la coppia Zia/Courtney è uno spettacolo visivo per ambo i sessi nel loro incarnare, quasi loro malgrado, una stroboscopia di stilemi rock pluridecennale. Per lei si va dalle recentissime Solex e Olivia Block quando è alle prese con le manopole a qualsiasi icona sixties in chiave Summer of Love quando beve, fuma sul palco ed esibisce di spalle il suo fluttuante vestito in un sensuale ancheggiamento danzante, tamburello alla mano. Per lui si va da tutto a tutto: street rock style quando percuote le corde del suo strumento, ammiccamenti glamour quando canta, un pizzico (ma proprio uno) di ironia nei pochissimi scambi verbali col pubblico. Peter e Brent sono animali da palco più anonimi, riassumibili in classica fisicità ed energia a buon mercato. Inaspettatamente, almeno per chi scrive, il gruppo non concede bis lasciando fuori dalla scaletta un singolo d’eccezione come Get Off, forse dimentico del fatto che una chitarra acustica elettrificata non ha problemi di pedali e per questo magari avrebbe potuto funzionare meglio degli altri. Un po’ un peccato, ma come diceva un tipo: “il piacere perfetto è quello che lascia comunque insoddisfatti”. Per lo spettacolo estetico gli schermi ai lati del palco fanno poi il resto: tremolanti filmati in bianco e nero che seguono le sinusoidi sonore divenendo ora ieraticamente fissi nelle parti rallentate e nelle evoluzioni popedeliche, ora ricalcando il fotoshock dei frammenti di energia chitarristica di brani come Horse Pills e Boys Better. Davvero ben fatti e davvero appropriati gli screenings ci rendono in tempo reale la vera anima di ciò che dovremmo vedere sul palco: una rock band già incastonata nei futuri ascolti ‘da culto’, preda di collezionisti senza scrupoli e deprimenti revivalisti ad oltranza. D’altronde, come ha dichiarato lo stesso Taylor in una delle sue recenti interviste, la sua paura principale consiste nel rischio sempre presente di perdere la sua cosiddetta ‘channeling ability’, la capacità di fungere da catalizzatore e filtro di tutti i messaggi con cui la pop culture continua piacevolmente a sballottarci, sollazzarci, seducentemente inebetirci.
Ce lo dicono nelle interviste. Lo fanno dal vivo.
….che siano in definitiva ‘anima e core’?
Prendere o lasciare.
Nel dubbio, prendo.
Mauro Carassai
The Forcelab Edition
Eccoci di nuovo in zona Mille Plateaux – Force Inc. per segnalare questo stupendo package di remix presi dal catalogo della neonata Forcelab. A capo dell’operazione il canadese Algorithm, al secolo Jeff Milligan, che stravolge materiale messo a disposizione da noti esponenti del panorama elettronico contemporaneo cucendoci frammenti di suono ai limiti del “click” e del rumore. Di scena alva noto, Kid 606, Sutekh, Matmos, Rechenzentrum, Geoff White, Kit Clayton, Safety Schissors e altri. La produzione, manco a dirlo, è di qualità altissima e la cassa rimbalza sempre sui quarti. Jeff Milligan riesce a creare un suono d’atmosfera in grado di tirare fuori tutto il potenziale espressivo del ritmo – una techno visionaria che va ad allargare, se è possibile, le esplorazioni di casa Force Inc.. Disco rivelazione.
Voto: 8
Link correlati:Forcelab
Xinlisupreme ‘Tomorrow Never Comes’
Da tempo quelli della Fat Cat ci abituano ad ottime emissioni che vanno ad esplorare i confini sonori della microelettronica da ascolto e del noise. Centrano di nuovo il bersaglio con questo duo di nichilisti giapponesi ed il loro progetto Xinlisupreme. “Tomorrow Never Comes” è un viaggio di oltre sessanta minuti in luoghi sonici impervi fatti di feedback distorti di chitarre, spettri ritmici e frammenti di elettronica. I due creano un blend che ha le influenze del rock più maledetto e la sensibilità ambient di certa elettroacustica di ricerca. Ne viene fuori un disco molto suggestivo, adatto a chi, di tanto in tanto, avverte un intenso bisogno di proiettarsi in ascolti emozionali fuori dagli schemi, senza preconcetti.
Voto: 7
Link correlati:Fat Cat Records
Van Morrison ‘Down the road’
Torna con un disco finalmente alla Van Morrison il nostro “Belfast Cowboy”, torna splendidamente protagonista dopo le collaborazioni con Lonnie Donegan e Linda Gail Lewis, due pause per divertirsi secondo me, un tuffo ( rigenerante? ) nella sua musica come lo Skiffle, il Rock and Roll e il Country, generi che hanno accompagnato la sua giovinezza fino alla “maturazione californiana” di un trentennio fa. E si perché li è cominciato il “Morrison-style” ovvero un condensato di Jazz-Soul-Blues-Country-Irish Folk reso alla perfezione in dischi come “Moondance”, “Tupelo Honey”, “Saint Dominic Preview” solo per citarne alcuni. Pochi passi falsi nella sua corposa discografia , dovuti più che altro alla “spigolosità” del suo carattere che non alle scelte musicali , che sono sempre state portate avanti con coerenza , basti pensare anche solo agli ultimi dieci anni , ai suoi “Hymns to the Silence” il “Live in San Francisco” e “The Healing Game”, ed ora a cinque anni da quest’ultimo e soprattutto in linea con quest’ultimo ecco il nuovo “Down the Road” dove con nostro sommo piacere si riaffaccia ancora quella splendida alchimia sonora che si chiama “Morrison-style”. Molti diranno che Van Morrison ha fatto ancora lo stesso disco , ma non è così , la cosa giusta da dire è che questa volta Morrison è ancora se stesso , guai se non fosse così perché lui insieme a pochissimi altri è un punto fermo nel nostro universo musicale e deve essere immediatamente riconoscibile proprio perché ha un suo stile , proprio perché è Van Morrison e basta. Ascoltiamoci l’epicità espressa nell’iniziale Down The Road o il suo marchio di fabbrica nelle ballads What Makes And Irish Heartbeat , Steal My Heart Away o The Beauty of Days gone by oppure la sentitissima interpretazione di Georgia on My Mind senza contare poi i Jazz-Blues di Meet Me in The Indian Summer e Choppin’Wood. Ho citato solo alcuni titoli di sessantadue minuti splendidamente morrisoniani , portati avanti con una band stringata fatta semplicemente di chitarra , piano , armonica (Morrison) , basso e batteria con una dose leggera di fiati molto “Memphis Soul” e la sempre grandissima voce di Mr.Morrison. Se non ci fossero come minimo quei dieci capolavori assoluti alle spalle di questo, cinque stelle sarebbero doverose , ma quattro per esserci in questo modo vanno più che bene.
Voto: 8
Link correlati:Van on line
Autore: letitrock@tiscali.it
Disordered Systems ‘Disordered Systems’
Se un tempo la musica d’avanguardia trovava facilità espressiva attraverso l’uso dei pianoforti (preparati), strumenti a fiati, il sax sopratutto, oggigiorno sembra essere la chitarra lo strumento preferito o comunque sempre più usato per meticolose e profonde immersioni nei meandri della ricerca sonora.
L’austriaca ‘Durian’ non è nuova a produzioni del genere, dove la conduzione spetta unicamente ad un solo strumento che a sua volta assume l’aspetto di un vero e proprio ‘ensemble’
Disordered Systems è un progetto ideato e suonato da Barbara Romen e Gunter Schneider con Helmut Lachenmann solo in veste di compositore.
Sfogliando il foglio informativo non può non saltare all’occhio il modo in cui viene presentato Salut for Caudewell di Lachenmann: come uno tra i pezzi scritti per chitarra più importanti del ventesimo secolo.
Sinceramente lo trovo un tantino esagerato, senza voler togliere nulla alla composizione, abbastanza lineare e matematicamente unita nelle sue quattro parti. Credo che esistano opere più importanti o basilari per il secolo appena trascorso.
Rimangono però affascinanti i suoni tagliati e sezionati degli armonici e la voce quasi recitante incastrata chirurgicamente fra una nota e l’altra (sembra di ascoltare qualche lontano pezzo di Klaus Shultze).
Scorrendo i brani si arriva poi all’ascolto di Disordered Sistems, dove l’approccio musicale sembrerebbe cambiare di poco se non fosse che questo pezzo è stato composto per la bellezza (non dico bugie) di 13 chitarre, più che mai preparate e modificate nella propria essenza originale.
Poco meno di 23 minuti di musica liricamente minimale dove la tensione sembra non avere nessun posto. Semplice e scorrevole come un ruscello d’alta montagna dove riflessione e meditazione sono le uniche emozioni esistenti.
Né un capolavoro, né uno di quei lavori che passa sotto voce. Semplicemente una breve vignetta di tre giovani musicisti.
Voto: 7
Link correlati:Durian Records
Slight ‘Four Songs’
Gli Slight sono un’allegrotta band hardcore di Pesaro, decisi a rispondere alla domanda ‘cosa si ottiene quando si uniscono System Of A Down e roba tipo Glassjaw’? Tutto sommato la risposta sarebbe se era proprio necessario fare un mix del genere, ma in fondo perché farsi dei pregiudizi?
Ste quattro canzoni (‘‘Four Songs’’, titolo originale) però non sembrano proprio fra le migliori del repertorio della band, o se lo sono forse sarebbe il caso di rivedere un attimo lo stile. Intendiamoci, non sono poi niente di male, ma il tutto trasmette un’ombra di dilettantismo e di urlacci buttati lì per fare qualcosa. Dato che non sono proprio una band nata ieri, forse è stato il caso o l’emozione ad aver giocato agli Slight un brutto scherzo. L’armonia nel gruppo c’è, si sente nel mix fra l’urlato di Fra e il controcanto melodico di Lorenzo, però il resto non sembra proprio degno di nota, nemmeno l’intro di pianoforte mixata al contrario per dare un’idea di poesia e invece finisce solo in banalità.
Comunque voglio credere negli Slight: possono fare di meglio e sono convinto che lo faranno, per ora definiamoli una realtà in crescita che si definisce ‘emo postcore’ un po’ troppo in fretta. Ah, poi molti hanno obbiettato che 1 euro e 50 per questo promo è pure troppo… ma non esageriamo!
Voto: 6
Link correlati:Homepage Slight
Husker Du ‘Warehouse:songs and stories’
Ancora un fermo-immagine sonoro. Da Minneapolis l’insicurezza di essere punk!
Dopo gli esordi da formula 1 (Land speed record), gli Husker Du passando attraverso una serie di dischi importanti ( Zen Arcade, Candy Apple Grey), giungono al lavoro della definitiva maturità.
Ritmiche meno ritmiche, melodie più melodiche, chitarre meno chitarristiche, ispirazione più ispirata……nonostante alcuni fan dei primi periodi non la pensino esattamente così………., un capolavoro.
Mauro Pettinari
Testamento spirituale con tutti i santi crismi: il suono si è un pò “addolcito” ma la melodia e il cantato rimangono quelle di sempre. Peccato che sia finita così.
Marco Paolucci
Il cuore di ognuno che l’abbia acquistato all’epoca va inevitabilmente in frantumi ogni volta che la puntina torna ad accarezzare qualsiasi suo solco. Per opposte ragioni.
Emozioni, Storie, Energia, Melodie, Disperazioni, Grant Hart, Elettricità, Distorsione fanno tutti fatica a rientrare negli appositi scaffali del ‘deposito’ in questione. Ma nel rimetterli sotto l’apposita letterina alfabetica ci si accorge di qualcosa… “e l’irruenza punk?”… She Floated Away and She Floated Away…
Mauro Carassai
Non è sicuramente il loro capolavoro ma rimane comunque una pietra miliare dei tardi anni ottanta.
L’avventura Husker Du stava ormai naufragando e Warehouse rimane, dal punto di vista strettamente musicale, un dignitoso epitaffio di una storia che aveva già avuto i suoi onori.
Non mancano i momenti di intenso lirismo ma l’album risulta tuttavia prolisso e appiattito da una produzione inadeguata.
Per quanto mi riguarda il loro picco creativo è stato toccato con New Day Rising e questo loro ultimo lavoro soltanto in alcuni momenti riesce ad eguagliarne la scrittura.
Andrea Palucci
Fra vocalizzi byrdsiani al vetriolo e melodie zucchero(sugar)chitarrose un po mi annoio e un po rimpiango. Sarà nuova alba? Forse ultimo tramonto.
Luca Confusione
Per quanto riguarda me, anche scrivere tre misere righe sugli Husker Du non è impresa affatto facile. La causa principale di tutto ciò (siate clementi) è data dal fatto che: Warehouse:songs and stories è il loro primo disco che ascolto in vita mia. Con l’apertura di These Important Years mi si è sfatata all’istante l’immagine personale di gruppo duro e puro. anche Standing in the Rain merita un succoso ascolto. Aria da college.
Sergio Eletto
Non mi hanno mai proprio esaltato (de gustibus) ma sono un gruppo mitico e a ragione! Lo dimostrano anche in questo “Magazzino”, non uno dei loro lavori fondamentali, comunque: stile inimitabile, la voce di Grant Hart che é la voce di Grant Hart e qualche pezzo che al terzo/quarto ascolto ti si stampa nella mente e poi ti culla ritornando in mente durante la giornata. Massimo rispetto.
Diego Accorsi
Lupinaria ‘Compilation’
Lupinaria é un ensamble-insieme-aggregazione di persone-personaggi riuniti sotto un’unica direttiva… trovare una direttiva.
Con base-epicentro in quel di Recanati (ridente cittadina che diede i natali a… eh sapete chi) lupinaria ospita e viene mossa da musicisti, video-compositori, grafici e performer che decidono di adottare a tempo indeterminato, o brevissimo, il marchietto che sa tanto di licantropismo e stuzzichini d’altri tempi.
E’ passato il tempo dei Battiato in cerca di centri di gravità permanenti, qui si va tutti a spasso con accelerazioni indeterminate (e non si rotea come dervishi se non per sbaglio).
Arte, cazzeggio e chaos é il motto e infatti non é facile trovare miglior definizione di ciò che viene a trovarsi nella prima compilation Lupinaria.
Dal cut-up di ‘Attila flagello di dio’ su base techno-electro di Lago di sangue (DJ Smegma), al delirio etilico-visio-onirico-recitativo con contorno rumoristico del medley di Orchextra Spectraculo Absurdo Lupinaria, ai toni dark-esoterici di Reverie, allo psudo-core dei Bravi Ragazzi, i toni post di The Catraro Imperience gli echi nureswithwound-iani dei Fama Fraternitatis.
Cadute di tono?
Forse, ma questo significa non essersi arresi alla parte di cazzeggio oltre il gratuito contenuto nel chaos.
Chi piu’ ne ha piu’ ne metta!!
Non fosse altro che la compilation continua e altra carne al fuoco ne mette per un bel po, fin quando non cominciamo a guardare in dieci direzioni diverse contemporaneamente, indecisi se lasciarci trascinare da una noia nebbiosa o da un’incazzatura psicotica.
Mentre siamo impegnati in questo fascinoso e tuttaltro che non-cervellotico giochetto ritorniamo con la mente a quanto detto precedentemente,
Lupinaria é anche altri media e nei suoi spettacoli la congregazione fa sperimentare tutta la sua produzione.
Quindi se passano dalle vostre parti andateli a vedere e (come specificato nel retro copertina) comprate il cd e se lo pagate piu’ di 10k (vecchie) lire vi siete presi un’inculata.
Che poi é un’altra chiave di lettura: sessuale, economica, concettual-artistica e quel che cazzo volete.
Vado, che ho un sacrificio umano da sbrigare.
Ma continuate, continuate pure…
Voto: 7
Link correlati:Lupinaria
AA.VV. ‘Beyond the Sound’
Una “raccolta di nuova ambient-electronic music dall’italia” sono le parole con le quali questo cd si autodefinisce nel retro-copertina.
Elettronica e ambient.
Significanti senza significato al giorno d’oggi?
Forse.
Significati che si ridefiniscono ad ogni ascolto, ad ogni recensione. Sicuramente.
Mi piacerebbe chiarire che le abilità elettroniche dei componenti il progetto si estende fino ad autoprodursi completamente o con l’ausilio di pochi esterni.
E questo é già molto.
Questo é un punto al quale, con le possibilità offerte dallo sviluppo elettronico attuale, tutti dovrebbero arrivare.
Saltare direttamente anelli della catena produttiva.
Per arrivare… dovunque ci si prefigga di arrivare.
E una nuova (?) caratterizzazione della parola elettronica l’abbiamo sfornata.
Musica d’ambiente.
In questo caso é l’ambiente stesso che dà musica. Concetto affrontato e sviluppato già da altri, ma in contesti ben più esotici (penso ad un Alan Lamb o ad un Francisco Lopez).
Qui si sente l’aria di ambienti più familiari, ma rappesentati con un interessante sfasamento espressivo rispetto al normale oscillare dei pensieri.
Un nuovo racconto di quello che vediamo ogni giorno, o forse di quello che non vediamo.
Buone intuizioni.
Su tutte Nimh con il suo viaggio metropolitano a bassissima frequenza (campionamenti sul campo con ronzio-synth che fagocita il resto).
Kar con resonance e riverberi di materiali trattati.
Anofele con feedback di lfo su dente di sega che si stempera in campionamenti.
Il resto é contorno, a tratti piacevole, a tratti già sentito o poco mirato.
Aspettiamo la prova successiva, quando non avremo più ambient o elettronica come termini da ridefinire ma altre parole.
La connotazione, sia in musica che in altri campi é fonte di nuovi stimoli.
Preferisco non riuscire che ridefinire.
Voto: 7
Link correlati:Oltre il Suono