Incredibilmente c’è qualcuno in Italia che ha sentito parlare dei Choke, tutto sommato lo posso anche capire. Tirando le somme è decisamente la band punk canadese più famosa: i loro due album precedenti (‘‘Needless To Say’’ e ‘‘Foreword’’) hanno venduto più di 5000 copie ciascuno, risultato per il Canada, sicuramente notevole. L’unico motivo per cui non sono diventati famosi è da ricercare nella distribuzione (limitata solamente al Canada) e ai loro cinque anni di tour esclusivamente nel Nord America. Hanno suonato come band di supporto per signori come No Use For A Name, Strung Out, AFI e Bad Religion.
Questa loro ultima fatica è piuttosto attesa da fans e critici, che li hanno sempre osannati come band che guarda al futuro. Forse è veramente così, il loro suono a metà strada tra At The Drive-in e Fugazi spesso riesce a stupire e ad incantare l’ascoltatore. Soprattutto in pezzi riuscitissimi come l’iniziale ‘Far From True’ (l’intro è meravigliosa), la spezzatissima ‘Every Word’, l’impegnata ‘Fallout Leader’ …
Insomma il sound è veramente fresco e difficilmente stanca, aiutato anche da una produzione praticamente perfetta. Le uniche critiche da muovere all’album sono comunque la mancanza di qualcosa che lasci veramente coinvolto l’ascoltatore e la voce.
Ci torno spesso sulle voci nelle recensioni, ma stavolta devo dirlo: ci sono parecchi a cui il cantante Clay non piacerà, e l’ho sperimentato io stesso facendo ascoltare l’album ad altri. Io non l’ho trovata così terribile, è sicuramente particolare, ma ovviamente devo essere obiettivo e considerarlo comunque un punto di discussione. I testi poi non sono niente di esaltante, alcuni sono chiaramente ispirati agli At The Drive-in ma non raggiungono l’incomprensibilità di questi ultimi, sono come sospesi in una specie di limbo. I Choke restano comunque una band da tenere d’occhio, e questo è un album veramente ben fatto e da avere per chiunque abbia voglia di un bel po’ di emo/hardcore fresco e gustoso, che d’estate ci vuole.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/choke.jpg130130Damiano Gerlihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgDamiano Gerli2002-07-10 02:01:002023-05-02 12:51:33Choke ‘There’s A Story To This Moral’
Alex Bundry non poteva scegliere definizioni migliori sia per quanto riguarda il nome del suo autonomo progetto elettronico rispetto agli Yume Bitsu, sia per il titolo di questa sorta di sequel sonoro della sua prima opera Cdr uscita semplicemente a suo nome. Addentrarsi nell’universo sonoro di Bundry equivale infatti ad entrare in un osservatorio stellare di zone soniche già viste, acusticamente localizzate, toponomasticamente individuate. La musica di Planetarium Music più che lanciarsi in rischiosi salti digitali nell’iperspazio o addentrarsi in sintetici buchi neri senza uscita, preferisce gravitare nell’orbita già percorsa da Tangerine Dream e Klaus Schulze. Ciò che ne risulta è appunto come suggerisce ironicamente il titolo: Musica Elettronica Psichedelica Tradizionale.
In questo caso però, a differenza di tante proposte elettroniche perse in un puro autocompiacimento ‘dei tempi che furono’, le traiettorie già tracciate non si rivelano in alcun modo un limite, tutt’altro. Più che la rivisitazione e l’aggiornamento di quegli esperimenti, ciò che colpisce in quest’album è l’altissimo grado di ‘immedesimazione’ empatica con le esperienze sopracitate. Bundry sembra utilizzare cascami di suoni glitch contemporanei (come quelle di Introduction o della finale Metal) quasi suo malgrado, solo perché questo è il linguaggio elettronico che si è trovato ad apprendere nella fase di evoluzione tecnologica contingente che si è trovato ad abitare. Basterebbe l’ascolto della sola Tribute, orchestrazione armonica reiterante stordentemente malinconica, a rendere il senso di un’intima partecipazione ai misteri dell’universo digitale. I suoi intervalli tonali ci portano più lontano di qualsiasi suono alieno di marca Warp o Mille Plateaux. La sospensione impalpabile di Neighbor è allo stesso modo capace di diradare veli sintetici ormai logori e lasciar intravedere altrove elettronici indistinti. Drones frequenziali, sintetizzatori siderali, ovattati brusii di fondo e celestiali cantilene digitali formano lo scenario galattico di quest’ultima uscita per la Strange Attractors Audio House con base a Portland.
Per fortuna alcuni guardano ancora le stelle (e negli anni 70 di stelle cosmiche di indubbio valore non ce n’erano poche), provando ancora sincera meraviglia e stupore per quelle onde luminose che giungono a noi attraversando un’infinità di anni luce. Bundry è indubbiamente uno di questi. Sarebbe un peccato non gettare uno sguardo al cielo dopo un invito tanto sentito.
Alla luce del successo di “Bodily Function” (a mio avviso uno dei tanti album sopravvalutati del 2001) la !K7 si appresta a ristampare il precedente album di Matthew Herbert “Around The House”, uscito nel lontano (se teniamo in conto la velocità dei cambiamenti di gusto) 1998. Herbert è uno dei produttori più apprezzati del panorama elettronico attuale ma è nell’house che il nostro trova il terreno più fertile per esprimere a pieno tutto il suo potenziale di esplorazione e manipolazione sonora. Ciò risultò evidente in quella stupenda selezione di remix per la berlinese Tresor che fu due anni fa “Let’s All Make Mistakes”: un disco caratterizzato da un personalissimo modo di sgrossare e velocizzare i suoni delle tracce d’origine portandoli ai limiti del “click”. “Around The House” mette invece in risalto il lato più intimista e meditativo della musica di Herbert proponendo un’house morbida e sensuale veicolata da una stupenda interpretazione della vocalist Dani Siciliano. Quello che ne viene fuori è un tributo ad un artista sopra le righe e nello stesso tempo ad un genere che a distanza di più di un decennio non ha perso magia e capacità di catturare le masse nella sua immediatezza.
E’ stata lunga l’attesa per avere tra le mani questo nuovo lavoro dei milanesi Afterhours ma ne è valsa la pena. L’ultima uscita risaliva al 99; da allora sono successe tante cose: l’esperienza di reading che Agnelli portata avanti con Emidio Clementi dei neo-disciolti Massimo Volume, il viaggio in India sempre con Clementi, un live riassuntivo di 10 anni trascorsi sui palchi di tutt’Italia, e soprattutto la defezione di Xabier Iriondo Gemmi, ormai intento “solamente” a portare avanti i suoi vecchi progetti A Short Apnea e Six Minute War Madness. A questo punto rimasti in quattro, per Agnelli e co. si è trattato di rimettere tutto in discussione, e di cominciare un nuovo corso. Questo ultimo lavoro partorito, sembra essere l’opera più difficile nella sua greve drammaticità, ma anche la più completa, che consacra ormai in maniera definitiva lo status di prim’ordine che la band ha raggiunto nel panorama rock italiano. Accantonati i momenti pop e qualsiasi soluzione facile, gli Afterhours decidono di battere vie più impervie, spingendosi verso un rock disturbato, difficile, permeato di suoni alieni ma allo stesso tempo perfettamente amalgamato e equilibrato in ogni sua parte. Ciò da luogo a una musica, cupa, allucinata e estremamente intensa che sa conquistare un pò alla volta, in maniera lenta, ma altrettanto inesorabile. Tantissimi sono i momenti strappa applausi, praticamente tutti, ma non si può non citare il crescendo emotivo della title-track, che mostra come Agnelli in Italia sia un passo avanti a tutti anche nelle liriche, o l’incedere ipnotico e ammaliante di Varanasi Baby, o Ritorno a casa toccante spoken-words, mentre Sulle labbra è semplicemente la canzone più bella dei Marlene Kuntz che i Marlene Kuntz non hanno mai scritto. È avvenuta ormai quella maturazione che l’ultimo “Non è per sempre” (album ottimo ma pur sempre di transizione) lasciava presagire. Confermati a pieni voti.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/afterhours.gif150150Paolo Scortichinihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgPaolo Scortichini2002-07-09 02:01:002023-05-01 10:18:16Afterhours ‘Quello che non c’e”
A parte le diverse strade intraprese in più campi Otomo Yoshihide
incarna il deus ex machina dietro cui si cela la poderosa macchina dei Ground Zero.
Ensemble alquanto numeroso (tutti nomi poco conosciuti) e ricco di strumenti (fiati, strumentazioni arcaiche e una forte componente elettronica), si cimenta con questo Play Standards a riprendere, rimodellare, e quindi ricreare totalmente vecchi temi di telefilm giapponesi anni 70, Kung Fu movie, ammiccanti temi esotici e anche la storica Where Is The Police firmata da due colonne portanti del jazz europeo: Misha Mengelberg e Steve Beresford.
Udire l’apertura grind di El Derecho De Vivir In Paz è come ricevere un pugno sul naso da Tyson (consigliato l’ascolto in macchina a tutto volume). Those Were The Days mischia senza vergogna una musichetta charleston insieme al rumorismo più estremo e sadico. Folhas Secas sembra una samba scritta da Morricone in un momento di smisurata passione. Un semplice giro di chitarra, un’ organetto, un coro hippie, suoni estrapolati da diverse parti fa sembrare Washington Post Marchcome suonata dai Grateful Dead con l’aiuto di Merzbow.
Avanguardia col sorriso sulle labbra. Da ascoltare quando si è particolarmente sereni.
Ultima fatica discografica per il chitarrista Garrison Fewell, supportato in questa prova da gli autorevoli nomi di Tino Tracanna al sassofono tenore e soprano, George Cables al piano, Steve La Spina al basso, Jeff Williams alla batteria.
L’album, che comprende anche una bellissima versione di Naima del fu è e sarà leggendario John Coltrane, si intitola ‘City Of Dream. Ed è infatti una “città di sogno” vera e propria quella in cui l’ascoltatore cammina, resa tale grazie alla maestria e alla semplicità con cui i musicisti snocciolano i tessuti/percorsi sonori presenti nelle vie che portano il nome dei pezzi. Ognuno riesce senza apparente sforzo ad integrarsi con gli altri, segno di un feeling naturale, di un amalgama “volutamente?” cercato dal leader Fewell. Garrison lascia tranquillamente la possibilità di assoli ai musicisti integrando con sapienti tocchi, quanto mai utili, l’andatura delle varie composizioni. Salvo poi, quando il discorso musicale lo richiede, “armeggiare” con la sua chitarra producendo delicate melodie e dando prova pratica (se non bastassero i titoli conferitigli) di amore e dedizione per lo strumento. Sicuramente un’ottima prova. Ce ne fossero di più di città come questa!
Questa raccolta si presenta come il biglietto da visita della neonata etichetta discografica triestina Soul Est. Intesa come un progetto aperto sul soul, vuole diventare il punto di riferimento del genere nel nostro paese. E lo fa con questi diciotto pezzi, suonati molto ma molto bene, con arrangiamenti curati, musiche e testi che rimangono in testa e se ne vanno difficilmente.
Si passa dal languido soul di Al Castellana con la canzone Vivi, una delle promesse/conferme dell’album all’hip-hop di Basley Click feat Nesly Rice con Si Può Si Può passando per il funk solare di Trabant con Satelliti. E ancora il pulp/fusion strumentale di Soul Est Combo con Lalola, oppure lo sfumato reggae di Max Bonano con Blame It On The Sun, una delle migliori, o la delicata Lullaby di Dazz Feat Melissa Bell. La partenza risulta positiva e soddisfa ampiamente le aspettative. Non ci resta che aspettare fiduciosi le nuove uscite.
Sarebbe curioso, per certi versi scontato, osservare le facce della gente dopo aver ascoltato un intero disco di Annette Krebs . Voi che dite?
Chiariamo che la mia battuta non vuole essere presuntuosa o sopra le righe. Io per primo trovo difficoltà nell’ascoltare questa musica, nella quale tutti gli elementi originari (strumenti, persone, luoghi precisi) evaporano completamente. Annette Krebs (collaborazioni con Radu Malfatti, Andrea Neumann, Taku Sugimoto, Axel Corner) si pone sia a fianco di artisti contemporanei del calibro di N’mperign o Dacthe Musik (per il modo viscerale e ‘fisico’ di suonare), che come continuatrice di discorsi più accademici cominciati mezzo secolo fa da John Cage (vedi i continui intercalare fra rumore assordante e silenzio assoluto). Questo nuovo lavoro uscito per Fringes riesce a mostrare pienamente il pensiero sonoro della Krebs essendo un’ opera interamente solista. Spartano e spinoso già a partire dalla confezione (cartoncino bianco ) e dalla totale assenza dei titoli dei brani. Anche se diviso in sette tracce, Guitar Solo apparirà alle nostre orecchie come un’unica suite. Silenzi assoluti inghiottiti e compressi da fruscii crescenti e metallici generati tramite il solo sfregamento della chitarra. Rintocchi, armonici spezzati, note prolungate al massimo creeranno atmosfere a momenti quasi isolazioniste (sempre tutto con una sola sei corde). Scariche elettrostatiche spuntano dal nulla, stuprando e contorcendo il nostro apparato uditivo. Senza dubbio un ascolto non facile, ma vedere una persona creare tutto ciò con l’aiuto della sola chitarra alleggerirà non poco le nostre sofferenze.
Viene da chiedersi sel il Can-D, la Dickiana droga sintetica che creava intere realtà plastificate, non sia da tempo niente più che un prodotto da inalazione posto all’entrata di ogni negozio di dischi, con il premeditato effetto di catapultarci in un paese dei balocchi fatto di oggetti in celluloide. Se così è, le emanazioni di “Songs from Cydonia” (riferimento al nome della precedente etichetta personale di Ramon Rodriguez prima di approdare alla Bcore) non vi daranno certo la realtà, anche perché è una merce davvero poco richiesta dagli amanti della musica pop, ma un’illusione ancora più grande, stordente e meravigliosa. Il fascino che emana questo disco è irresistibile. Rodriguez e la sua band confezionano un album perfetto nella sua cristallina equidistanza da suggestioni emo di marca Jimmy Eat World o Mineral, dal lirismo pop più maliconico e struggente di gruppi unici come i Jack e da riferimenti elegantemente retrò stile Echo & the Bunnymen. La sognante dolcezza arpeggiata di Hide in apertura fa da contraltare agli innumerevoli momenti di angosciosa sensualità che costellano tutti i restanti episodi. La sequenza The Great Parties, Sparrow, The asteroid is Falling, Pharmoakos è un’ unica evoluzione condensata e reiterante fatta di arrangiamenti ricercati e linee vocali di rara intensità che potrebbe portare dai primi Cure rivisitati in versione ‘tres chic’ alle derive melodiche (ancora sobrie in quella fase) dei primi Radiohead. La palma d’oro va comunque a No Remorse, il brano perfetto che avrebbero potuto scivere gli U2 se il dio Mammona li avesse rifiutati dal suo pantheon. Insomma, “Songs from Cydonia” è uno di quei dischi rarissimi, di quelle prelibatezze che richiedono gesti di rito e imbanditure minuziosamente curate per poterli assaporare e gustare al meglio. In definitiva quindi, se dovete proprio ‘drogarvi’ musicalmente fatelo cercando dalle parti di Barcellona roba purissima e garantita come questa… ed evitate la robaccia sintetica iperpubblicizzata degli ‘empori’ sopramenzionati… senza contare che i luoghi chiusi poi sono così equivoci oggigiorno….
I Madee… pura meraviglia distillata…
A breve distanza dal progetto solista a nome Woven Hand, David Eugene Edwards ritorna con i 16 Horsepower, confermando come quest’ultimi dipendano dagli umori e dalle stranezze del leader.
I 16 Horsepower avevano lasciato i fan con un live, “Horse”, in cui confluiva tutto lo spettro musicale della band, dalle cavalcate a ritmi sostenuti, frammenti quasi bluegrass, canzoni elettriche dallo spirito punk ( vedasi la cover dei Gun Club, Fire Spirit), a malinconiche, evocative e malate ballad acustiche. Con il nome Woven Hands, Edwards ha dato via libera al suo lato più oscuro ed intimista, rinunciando all’elettricità ed alla velocità per prediligere il lato “dark” della sua personalità . Quindi era lecito aspettarsi dal nuovo lavoro dei 16 Horsepower il ritorno ad una varietà che caratterizzava i lavori passati della band. Come la maggior parte delle volte le aspettative non corrispondono alla realtà effettiva delle cose. Già dalla copertina e dal titolo del nuovo lavoro, “Folklore”, si respira “una certa atmosfera”, confermata dall’ascolto del cd, il lavoro più oscuro e meno immediato della band del Colorado.
Dieci tracce per una durata di trentasette minuti, in cui i 16 Horsepower rivisitano quattro traditional, una brano di Hank Williams, uno della Carter Family, e quattro a loro nome. L’atmosfera è tesa e spesso inquietante, escludendo Single girl e La robe a parasol (le più allegre del lavoro), il resto si svolge intorno a sonorità acustiche, dove la batteria compare timidamente in rare occasioni e la voce rimane in tonalità medie senza mai eccedere in enfasi o inutili virtuosismi.
Il risultato nel contesto è ottimo e vanta una omogeneità che rende difficile citare una canzone rispetto ad un’altra, in cui le quattro canzoni originali firmate Edwards/16 Horsepower si inseriscono nei traditional in maniera perfetta, rendendo difficile la distinzione senza le note in copertina……., questo non è poco….., c’è un po’ di nostalgia per il lato più energico ed istintivo ma…….Edwards ed i sui amici sapranno sorprenderci ancora.
Choke ‘There’s A Story To This Moral’
Incredibilmente c’è qualcuno in Italia che ha sentito parlare dei Choke, tutto sommato lo posso anche capire. Tirando le somme è decisamente la band punk canadese più famosa: i loro due album precedenti (‘‘Needless To Say’’ e ‘‘Foreword’’) hanno venduto più di 5000 copie ciascuno, risultato per il Canada, sicuramente notevole. L’unico motivo per cui non sono diventati famosi è da ricercare nella distribuzione (limitata solamente al Canada) e ai loro cinque anni di tour esclusivamente nel Nord America. Hanno suonato come band di supporto per signori come No Use For A Name, Strung Out, AFI e Bad Religion.
Questa loro ultima fatica è piuttosto attesa da fans e critici, che li hanno sempre osannati come band che guarda al futuro. Forse è veramente così, il loro suono a metà strada tra At The Drive-in e Fugazi spesso riesce a stupire e ad incantare l’ascoltatore. Soprattutto in pezzi riuscitissimi come l’iniziale ‘Far From True’ (l’intro è meravigliosa), la spezzatissima ‘Every Word’, l’impegnata ‘Fallout Leader’ …
Insomma il sound è veramente fresco e difficilmente stanca, aiutato anche da una produzione praticamente perfetta. Le uniche critiche da muovere all’album sono comunque la mancanza di qualcosa che lasci veramente coinvolto l’ascoltatore e la voce.
Ci torno spesso sulle voci nelle recensioni, ma stavolta devo dirlo: ci sono parecchi a cui il cantante Clay non piacerà, e l’ho sperimentato io stesso facendo ascoltare l’album ad altri. Io non l’ho trovata così terribile, è sicuramente particolare, ma ovviamente devo essere obiettivo e considerarlo comunque un punto di discussione. I testi poi non sono niente di esaltante, alcuni sono chiaramente ispirati agli At The Drive-in ma non raggiungono l’incomprensibilità di questi ultimi, sono come sospesi in una specie di limbo. I Choke restano comunque una band da tenere d’occhio, e questo è un album veramente ben fatto e da avere per chiunque abbia voglia di un bel po’ di emo/hardcore fresco e gustoso, che d’estate ci vuole.
Voto: 9
Link correlati:
Planetarium Music ‘Traditional Psychedelic Electronic Music (Planet 2)’
Alex Bundry non poteva scegliere definizioni migliori sia per quanto riguarda il nome del suo autonomo progetto elettronico rispetto agli Yume Bitsu, sia per il titolo di questa sorta di sequel sonoro della sua prima opera Cdr uscita semplicemente a suo nome. Addentrarsi nell’universo sonoro di Bundry equivale infatti ad entrare in un osservatorio stellare di zone soniche già viste, acusticamente localizzate, toponomasticamente individuate. La musica di Planetarium Music più che lanciarsi in rischiosi salti digitali nell’iperspazio o addentrarsi in sintetici buchi neri senza uscita, preferisce gravitare nell’orbita già percorsa da Tangerine Dream e Klaus Schulze. Ciò che ne risulta è appunto come suggerisce ironicamente il titolo: Musica Elettronica Psichedelica Tradizionale.
In questo caso però, a differenza di tante proposte elettroniche perse in un puro autocompiacimento ‘dei tempi che furono’, le traiettorie già tracciate non si rivelano in alcun modo un limite, tutt’altro. Più che la rivisitazione e l’aggiornamento di quegli esperimenti, ciò che colpisce in quest’album è l’altissimo grado di ‘immedesimazione’ empatica con le esperienze sopracitate. Bundry sembra utilizzare cascami di suoni glitch contemporanei (come quelle di Introduction o della finale Metal) quasi suo malgrado, solo perché questo è il linguaggio elettronico che si è trovato ad apprendere nella fase di evoluzione tecnologica contingente che si è trovato ad abitare. Basterebbe l’ascolto della sola Tribute, orchestrazione armonica reiterante stordentemente malinconica, a rendere il senso di un’intima partecipazione ai misteri dell’universo digitale. I suoi intervalli tonali ci portano più lontano di qualsiasi suono alieno di marca Warp o Mille Plateaux. La sospensione impalpabile di Neighbor è allo stesso modo capace di diradare veli sintetici ormai logori e lasciar intravedere altrove elettronici indistinti. Drones frequenziali, sintetizzatori siderali, ovattati brusii di fondo e celestiali cantilene digitali formano lo scenario galattico di quest’ultima uscita per la Strange Attractors Audio House con base a Portland.
Per fortuna alcuni guardano ancora le stelle (e negli anni 70 di stelle cosmiche di indubbio valore non ce n’erano poche), provando ancora sincera meraviglia e stupore per quelle onde luminose che giungono a noi attraversando un’infinità di anni luce. Bundry è indubbiamente uno di questi. Sarebbe un peccato non gettare uno sguardo al cielo dopo un invito tanto sentito.
Voto: 8
Link correlati:Strange Attractors Page
Herbert ‘Around the House’
Alla luce del successo di “Bodily Function” (a mio avviso uno dei tanti album sopravvalutati del 2001) la !K7 si appresta a ristampare il precedente album di Matthew Herbert “Around The House”, uscito nel lontano (se teniamo in conto la velocità dei cambiamenti di gusto) 1998. Herbert è uno dei produttori più apprezzati del panorama elettronico attuale ma è nell’house che il nostro trova il terreno più fertile per esprimere a pieno tutto il suo potenziale di esplorazione e manipolazione sonora. Ciò risultò evidente in quella stupenda selezione di remix per la berlinese Tresor che fu due anni fa “Let’s All Make Mistakes”: un disco caratterizzato da un personalissimo modo di sgrossare e velocizzare i suoni delle tracce d’origine portandoli ai limiti del “click”. “Around The House” mette invece in risalto il lato più intimista e meditativo della musica di Herbert proponendo un’house morbida e sensuale veicolata da una stupenda interpretazione della vocalist Dani Siciliano. Quello che ne viene fuori è un tributo ad un artista sopra le righe e nello stesso tempo ad un genere che a distanza di più di un decennio non ha perso magia e capacità di catturare le masse nella sua immediatezza.
Voto: 7
Link correlati:!K7
Afterhours ‘Quello che non c’e”
E’ stata lunga l’attesa per avere tra le mani questo nuovo lavoro dei milanesi Afterhours ma ne è valsa la pena. L’ultima uscita risaliva al 99; da allora sono successe tante cose: l’esperienza di reading che Agnelli portata avanti con Emidio Clementi dei neo-disciolti Massimo Volume, il viaggio in India sempre con Clementi, un live riassuntivo di 10 anni trascorsi sui palchi di tutt’Italia, e soprattutto la defezione di Xabier Iriondo Gemmi, ormai intento “solamente” a portare avanti i suoi vecchi progetti A Short Apnea e Six Minute War Madness. A questo punto rimasti in quattro, per Agnelli e co. si è trattato di rimettere tutto in discussione, e di cominciare un nuovo corso. Questo ultimo lavoro partorito, sembra essere l’opera più difficile nella sua greve drammaticità, ma anche la più completa, che consacra ormai in maniera definitiva lo status di prim’ordine che la band ha raggiunto nel panorama rock italiano. Accantonati i momenti pop e qualsiasi soluzione facile, gli Afterhours decidono di battere vie più impervie, spingendosi verso un rock disturbato, difficile, permeato di suoni alieni ma allo stesso tempo perfettamente amalgamato e equilibrato in ogni sua parte. Ciò da luogo a una musica, cupa, allucinata e estremamente intensa che sa conquistare un pò alla volta, in maniera lenta, ma altrettanto inesorabile. Tantissimi sono i momenti strappa applausi, praticamente tutti, ma non si può non citare il crescendo emotivo della title-track, che mostra come Agnelli in Italia sia un passo avanti a tutti anche nelle liriche, o l’incedere ipnotico e ammaliante di Varanasi Baby, o Ritorno a casa toccante spoken-words, mentre Sulle labbra è semplicemente la canzone più bella dei Marlene Kuntz che i Marlene Kuntz non hanno mai scritto. È avvenuta ormai quella maturazione che l’ultimo “Non è per sempre” (album ottimo ma pur sempre di transizione) lasciava presagire. Confermati a pieni voti.
Voto: 10
Link correlati:afterhours sito ufficiale
Ground Zero ‘Plays Standard’
A parte le diverse strade intraprese in più campi Otomo Yoshihide
incarna il deus ex machina dietro cui si cela la poderosa macchina dei Ground Zero.
Ensemble alquanto numeroso (tutti nomi poco conosciuti) e ricco di strumenti (fiati, strumentazioni arcaiche e una forte componente elettronica), si cimenta con questo Play Standards a riprendere, rimodellare, e quindi ricreare totalmente vecchi temi di telefilm giapponesi anni 70, Kung Fu movie, ammiccanti temi esotici e anche la storica Where Is The Police firmata da due colonne portanti del jazz europeo: Misha Mengelberg e Steve Beresford.
Udire l’apertura grind di El Derecho De Vivir In Paz è come ricevere un pugno sul naso da Tyson (consigliato l’ascolto in macchina a tutto volume).
Those Were The Days mischia senza vergogna una musichetta charleston insieme al rumorismo più estremo e sadico. Folhas Secas sembra una samba scritta da Morricone in un momento di smisurata passione. Un semplice giro di chitarra, un’ organetto, un coro hippie, suoni estrapolati da diverse parti fa sembrare Washington Post Marchcome suonata dai Grateful Dead con l’aiuto di Merzbow.
Avanguardia col sorriso sulle labbra. Da ascoltare quando si è particolarmente sereni.
Voto: 7
Link correlati:ReR records
Garrison Fewell ‘City Of Dreams’
(Splash(H) Records 2002)
Ultima fatica discografica per il chitarrista Garrison Fewell, supportato in questa prova da gli autorevoli nomi di Tino Tracanna al sassofono tenore e soprano, George Cables al piano, Steve La Spina al basso, Jeff Williams alla batteria.
L’album, che comprende anche una bellissima versione di Naima del fu è e sarà leggendario John Coltrane, si intitola ‘City Of Dream. Ed è infatti una “città di sogno” vera e propria quella in cui l’ascoltatore cammina, resa tale grazie alla maestria e alla semplicità con cui i musicisti snocciolano i tessuti/percorsi sonori presenti nelle vie che portano il nome dei pezzi. Ognuno riesce senza apparente sforzo ad integrarsi con gli altri, segno di un feeling naturale, di un amalgama “volutamente?” cercato dal leader Fewell. Garrison lascia tranquillamente la possibilità di assoli ai musicisti integrando con sapienti tocchi, quanto mai utili, l’andatura delle varie composizioni. Salvo poi, quando il discorso musicale lo richiede, “armeggiare” con la sua chitarra producendo delicate melodie e dando prova pratica (se non bastassero i titoli conferitigli) di amore e dedizione per lo strumento. Sicuramente un’ottima prova. Ce ne fossero di più di città come questa!
Voto: 8
Link correlati:Splash(H) Records
AA. VV. ‘Soul Est 01’
(Pianetazero 2002)
Questa raccolta si presenta come il biglietto da visita della neonata etichetta discografica triestina Soul Est. Intesa come un progetto aperto sul soul, vuole diventare il punto di riferimento del genere nel nostro paese. E lo fa con questi diciotto pezzi, suonati molto ma molto bene, con arrangiamenti curati, musiche e testi che rimangono in testa e se ne vanno difficilmente.
Si passa dal languido soul di Al Castellana con la canzone Vivi, una delle promesse/conferme dell’album all’hip-hop di Basley Click feat Nesly Rice con Si Può Si Può passando per il funk solare di Trabant con Satelliti. E ancora il pulp/fusion strumentale di Soul Est Combo con Lalola, oppure lo sfumato reggae di Max Bonano con Blame It On The Sun, una delle migliori, o la delicata Lullaby di Dazz Feat Melissa Bell. La partenza risulta positiva e soddisfa ampiamente le aspettative. Non ci resta che aspettare fiduciosi le nuove uscite.
Voto: 8
Link correlati:Pianetazero
Annette Krebs ‘Guitar Solo’
Sarebbe curioso, per certi versi scontato, osservare le facce della gente dopo aver ascoltato un intero disco di Annette Krebs . Voi che dite?
Chiariamo che la mia battuta non vuole essere presuntuosa o sopra le righe. Io per primo trovo difficoltà nell’ascoltare questa musica, nella quale tutti gli elementi originari (strumenti, persone, luoghi precisi) evaporano completamente. Annette Krebs (collaborazioni con Radu Malfatti, Andrea Neumann, Taku Sugimoto, Axel Corner) si pone sia a fianco di artisti contemporanei del calibro di N’mperign o Dacthe Musik (per il modo viscerale e ‘fisico’ di suonare), che come continuatrice di discorsi più accademici cominciati mezzo secolo fa da John Cage (vedi i continui intercalare fra rumore assordante e silenzio assoluto). Questo nuovo lavoro uscito per Fringes riesce a mostrare pienamente il pensiero sonoro della Krebs essendo un’ opera interamente solista. Spartano e spinoso già a partire dalla confezione (cartoncino bianco ) e dalla totale assenza dei titoli dei brani. Anche se diviso in sette tracce, Guitar Solo apparirà alle nostre orecchie come un’unica suite. Silenzi assoluti inghiottiti e compressi da fruscii crescenti e metallici generati tramite il solo sfregamento della chitarra. Rintocchi, armonici spezzati, note prolungate al massimo creeranno atmosfere a momenti quasi isolazioniste (sempre tutto con una sola sei corde). Scariche elettrostatiche spuntano dal nulla, stuprando e contorcendo il nostro apparato uditivo. Senza dubbio un ascolto non facile, ma vedere una persona creare tutto ciò con l’aiuto della sola chitarra alleggerirà non poco le nostre sofferenze.
Voto: 8
Link correlati:Fringesrecordigs
Autore: SergioEletto@kathodik.it
Madee ‘Songs from Cydonia
(Bcore 2001)
Viene da chiedersi sel il Can-D, la Dickiana droga sintetica che creava intere realtà plastificate, non sia da tempo niente più che un prodotto da inalazione posto all’entrata di ogni negozio di dischi, con il premeditato effetto di catapultarci in un paese dei balocchi fatto di oggetti in celluloide. Se così è, le emanazioni di “Songs from Cydonia” (riferimento al nome della precedente etichetta personale di Ramon Rodriguez prima di approdare alla Bcore) non vi daranno certo la realtà, anche perché è una merce davvero poco richiesta dagli amanti della musica pop, ma un’illusione ancora più grande, stordente e meravigliosa. Il fascino che emana questo disco è irresistibile. Rodriguez e la sua band confezionano un album perfetto nella sua cristallina equidistanza da suggestioni emo di marca Jimmy Eat World o Mineral, dal lirismo pop più maliconico e struggente di gruppi unici come i Jack e da riferimenti elegantemente retrò stile Echo & the Bunnymen. La sognante dolcezza arpeggiata di Hide in apertura fa da contraltare agli innumerevoli momenti di angosciosa sensualità che costellano tutti i restanti episodi. La sequenza The Great Parties, Sparrow, The asteroid is Falling, Pharmoakos è un’ unica evoluzione condensata e reiterante fatta di arrangiamenti ricercati e linee vocali di rara intensità che potrebbe portare dai primi Cure rivisitati in versione ‘tres chic’ alle derive melodiche (ancora sobrie in quella fase) dei primi Radiohead. La palma d’oro va comunque a No Remorse, il brano perfetto che avrebbero potuto scivere gli U2 se il dio Mammona li avesse rifiutati dal suo pantheon. Insomma, “Songs from Cydonia” è uno di quei dischi rarissimi, di quelle prelibatezze che richiedono gesti di rito e imbanditure minuziosamente curate per poterli assaporare e gustare al meglio. In definitiva quindi, se dovete proprio ‘drogarvi’ musicalmente fatelo cercando dalle parti di Barcellona roba purissima e garantita come questa… ed evitate la robaccia sintetica iperpubblicizzata degli ‘empori’ sopramenzionati… senza contare che i luoghi chiusi poi sono così equivoci oggigiorno….
I Madee… pura meraviglia distillata…
Voto: 10
Link correlati:Bcore Page
Sixteen Horsepower ‘Folklore’
A breve distanza dal progetto solista a nome Woven Hand, David Eugene Edwards ritorna con i 16 Horsepower, confermando come quest’ultimi dipendano dagli umori e dalle stranezze del leader.
I 16 Horsepower avevano lasciato i fan con un live, “Horse”, in cui confluiva tutto lo spettro musicale della band, dalle cavalcate a ritmi sostenuti, frammenti quasi bluegrass, canzoni elettriche dallo spirito punk ( vedasi la cover dei Gun Club, Fire Spirit), a malinconiche, evocative e malate ballad acustiche. Con il nome Woven Hands, Edwards ha dato via libera al suo lato più oscuro ed intimista, rinunciando all’elettricità ed alla velocità per prediligere il lato “dark” della sua personalità . Quindi era lecito aspettarsi dal nuovo lavoro dei 16 Horsepower il ritorno ad una varietà che caratterizzava i lavori passati della band. Come la maggior parte delle volte le aspettative non corrispondono alla realtà effettiva delle cose. Già dalla copertina e dal titolo del nuovo lavoro, “Folklore”, si respira “una certa atmosfera”, confermata dall’ascolto del cd, il lavoro più oscuro e meno immediato della band del Colorado.
Dieci tracce per una durata di trentasette minuti, in cui i 16 Horsepower rivisitano quattro traditional, una brano di Hank Williams, uno della Carter Family, e quattro a loro nome. L’atmosfera è tesa e spesso inquietante, escludendo Single girl e La robe a parasol (le più allegre del lavoro), il resto si svolge intorno a sonorità acustiche, dove la batteria compare timidamente in rare occasioni e la voce rimane in tonalità medie senza mai eccedere in enfasi o inutili virtuosismi.
Il risultato nel contesto è ottimo e vanta una omogeneità che rende difficile citare una canzone rispetto ad un’altra, in cui le quattro canzoni originali firmate Edwards/16 Horsepower si inseriscono nei traditional in maniera perfetta, rendendo difficile la distinzione senza le note in copertina……., questo non è poco….., c’è un po’ di nostalgia per il lato più energico ed istintivo ma…….Edwards ed i sui amici sapranno sorprenderci ancora.
Voto: 8
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