Inedite retro-conversazioni con Amaury Cambuzat su sfondo partenopeo.
Ulan Bator, formazione transalpina, trio, basso (Olivier Manchion) , batteria (Frank Lantignac, da Ego:Echo in poi sostituito da Matteo Dainese), chitarra voce (Amaury Cambuzat). Nel 1995 arriva il primo episodio ulan bator targato Les Disques du Soleil et de L’acier; un anno dopo esce il mini 2 Degree. La ristampa italiana di questi due lavori, altrimenti poco reperibili, arriva nella raccolta Polaire, selezione arbitraria e poco convincete nella progressione numerica dei brani di questi primi due lavori per l’allora C.P.I., oggi Sonica. Il 1997 vede Vegetale, uscito con copertine differenti per le due etichette, ma identico nel missaggio e nell’ordine. Suonano a lungo in Tour con i Faust. Gli Ulan Bator sono tra i gruppi meglio definibili in giro: infiniti rimandi armonici mai completamente chiusi protratti per tutto il brano e stirati in modo ipnotico, coltre psichedelica di contorsionismi rumoristici, frammentazione ritmica, dilatazioni sospese attraverso spirali di nervosismo tagliente. Ulan bator è un disco molto interessante, certamente nella ristampa italiana ne risulta alquanto distorto dal preciso intento iniziale (per l’assenza di tre brani molto indicativi) , che era quello di misurarsi con una certa musica no wave spigolosamente dolorante, erede soprattutto dei primi Swans. Così le scariche raggelanti di elettricità stop & go di piano mecanik, la no wave distorta di art 18-A,e gli scampoli percussivi di Feu! Fire! Feuer!, cioè gli episodi più sperimentali, scartati in Polaire, conferiscono quel tono dismesso, proto-industriale, che rimane a dir poco confuso. Di 2 Degree, Haupstadt è quasi la sintesi del loro suono: intro con tablas che poi crea dissonanze aritmiche con la batteria, avanzamenti di feedback dissonante che sotterraneamente rumoreggiano incontrollati fino ad una esplosione finale non molto distante da ciò che si può ascoltare nei passaggi migliori dei Gravitar. Sicuramente questo mini possiede delle qualità più mature, maggiore concettualità, toni leggermente ambientali tra un’interludio di scariche anemiche di chitarra e linee scolpite da un basso di fuoco. Si ha l’impressione di una lunga implosione orgasmica: i brani in modo cerebrale affogano in un continuo sfogo ipnotico. Vegetale non fa che riconfermare queste impressioni. Innanzitutto l’apparato vocale opta per un cantato francese, stavolta più scandito e comprensibile rispetto quei rari momenti di canto (in inglese) dei precedenti. I testi tutti di raro astrattismo impressionista (lumiere blanche, embarquemente) conferiscono maggiore crudeltà all’asprezza. Anche in questo capitolo la strutturazione del brano è una scatola cinese, germogliano inattese fascinazioni isolazioniste, durano pochi istanti, poi nuovamente la violenza dello sfacelo. I passaggi esoterici conferiscono impenetrabilità, dolorosamente ombrosi, vagamente industriali, screziano impavidi senza lasciare pace. Ego – Echo, è la sintesi del loro suono: un più meticoloso impegno sui particolari (molto curati nel missaggio di Gira), aperto da dimensioni proteiformi, non si esaurisce mai immediatamente proprio per la differenza quasi totale di ogni brano. E’ soprattutto un disco per stratificazioni. Inevitabilmente risente di tutto il lavoro del produttore, che dona al materiale, altrimenti grezzo e poco smussato, equilibri e compattezza altrimenti irraggiungibili. È inoltre un disco minimalista questo, fatto di figure reiterate continuamente riprodotte e con leggere dissomiglianze: lavoro che è avvertibile in altre produzioni di Gira, che con questo disco, potremmo dire che diventa estemporaneamente quarto membro aggiuntivo.
La storia di questa intervista è irrequieta e dolente. Inizialmente progettata e accettata con previo consenso da Blow Up e poi rifiutata senza preavviso all’ultimo momento, è rimasta finora inedita. Realizzata più di un anno fa, doveva uscire all’indomani di Echo:Ego. Amoury all’epoca viveva a Napoli. L’intervista la facemmo a casa sua, in un giorno piovoso e freddo di Dicembre. Dal suo balcone si tagliava con lo sguardo tutta Napoli, sul tavolo c’erano tazze di caffè e foto del ranch dei Peron dei Faust, sul fuoco dei fornelli un riso indonesiano che cuoceva. Dopo avemmo avuto modo di riparlarne insieme, e nel tempo divenimmo buoni amici. Quel che segue fu il resoconto di quel tempo…
Quali sono le differenze sostanziali del suono degli Ulan Bator dall’origine ad oggi?
Abbiamo iniziato a lavorare nel ’94 e costruito il nostro studio nella periferia di Parigi dentro una caverna di tufo. Il primo disco è molto influenzato dalla scena newyorkese fine anni settanta tipo No Wave, perché io ed Olivier abbiamo ascoltato (troppo) gruppi tipo DNA, Swans, Teenage Jesus, ma anche la scena giapponese, (molto i Boredomes). Volevo fare un disco diretto e violento. 2 degree è stato registrato in una settimana e missato in due giorni. È un disco più intimo. Da lì abbiamo ascoltato maggiormente Kraut tipo Popol Voh, Faust, primi Kraftwerk. È un disco più intimo, ambientale, secondo me un grande disco. Vegetale è nato dalla frustrazione di essere scritto in modo da portare la voce come strumento. Io non volevo essere un gruppo francese che canta in inglese, ma un gruppo con una voce musicale a consonanze un po’ inglesi. Non ero pronto per scrivere in francese prima di Vegetale. Certo non è un album perfetto, è più una prova per l’ultimo disco. Grazie a Vegetale abbiamo girato in Italia, Germania, Svizzera, Danimarca, Svezia, perché era innovativo ascoltare una musica così strana con una voce in francese diversa dai gruppi americani che sono alla fine un po’ tutti uguali.
Quali sono i vantaggi nel passare da un’etichetta più ostica, avanguardistica come Les Disques du Soleil et de l’Arcier ad una maggiormente distribuita, commerciale come la Sonica?
Con Les Disques du Soleil ci siamo trovati abbastanza bene. Per il quarto disco con Olivier avevamo deciso di voler fare una produzione artistica con Micheal Gira. Ci hanno detto: “non abbiamo i soldi per farlo”, però è una bellissima idea e anche una cosa giusta per la carriera degli Ulan Bator. Nello stesso tempo abbiamo incontrato l’agente della Sonica. Lui ci hanno detto “siamo pronti per far uscire un disco e se deve venire bene perché c’è Micheal Gira siamo pronti anche per far venire Micheal Gira”. Alla fine è sempre una storia di soldi. Non una storia di soldi per noi, cioè soldi in tasca, perché alla fine non ne facciamo molti. Era solo trovare un’etichetta capace di pagare questa produzione del nuovo Ego-Echo, che significava un disco in studio abbastanza grosso e pagare biglietti d’aereo ed un cachet per Micheal Gira. La storia ha voluto che loro aiutassero Ulan Bator. Era importante “salire un cielo sopra” e questo era impossibile con una piccola etichetta, la Sonica è stata capace di fare questo.
Gli Ulan Bator hanno un suono abbastanza distinguibile con particolari elementi che lo rendono particolare. Mi chiedevo se questo fosse stato dettato da un processo cerebrale, da un ragionamento sullo stato del suono oggi, o da qualcosa che aveva a che fare con l’istinto, dato che quando suoni sicuramente ti sentirai impedito pensando che c’è già qualcuno prima di te che ha creato questo passaggio. Come te la vivi quest’esperienza paralizzante?
Sì l’istinto c’è. Io penso che un disco dovrebbe essere molto chiaro, mi piacciono cose rumorose, ma io volevo avere una lucidità del suono anche se sono alla fine sporchi questi suoni. Alla fine si deve sentire tutto anche quando vuoi far sentire un suono sporco.
Come Ulan Bator dobbiamo dire che abbiamo una cultura musicale. Abbiamo lavorato io e Olivier in un negozio di dischi, io come distributore. Quando stiamo facendo qualcosa che abbiamo già sentito ci fermiamo. Però sai, ogni grande progetto è un’alchimia tra persone, non è che c’è un genio in questi gruppi, c’è alchimia in un’ambiente causata da un certo periodo e da certe dinamiche.
C’è un nuovo batterista vero? In quest’ultimo lavoro suona in modo effettivamente diverso, consegna maggiore incisività creativa alla musica che non è più avviluppata in un ritmo definito, viene fuori anche una ricerca timbrica differente….
Abbiamo cambiato batterista. Il nuovo si chiama Matteo, è più giovane, ha 23 anni. Ha lavorato con i Meathead, che è un gruppo più metallico, ed oggi suona con gli Here. È sempre interessante, lavorare con persone che non fanno un genere di musica. Per me la cosa più pallosa è lavorare con un musicista che dice d’essere della scena post-rock, perché alla fine viene una merda. Un batterista funky è meglio di uno post-rock, perché non è del mio mondo e dunque mi interessa di più da conoscere.
Perché Ulan Bator? Ti riferisci alla capitale della Mongolia o ad altro?
Certo suona bene come capitale della Mongolia, ma Ulan Bator era anche il nome di un’associazione in Francia, di circa 10 anni fa, un collettivo che organizzava un sacco di cose sul cinema sperimentale, musica improvvisata. Ulan Bator era una po’ una leggenda, proprio perché relegata, misconosciuta.
Parliamo un po’ dei Sister Iodine e dei Bastard?
Allora, questi “bastardi” oggi si sono sciolti. Per me è l’unico gruppo francese che rispetto. Eric Aldea aveva 18 anni quando ha firmato con dei tipi a Torino La Bande A Bono. I Bastard sono i primi a fare qualcosa davvero d’indipendente. I Sister Iodine erano un gruppo di Parigi con un tipo di Lyon. Facevano musica improvvisata molto interessante, molto influenzata dalla scena di New York, ma nel modo migliore. Nel primo disco c’erano due chitarre e una batteria. Gli Starfuckers mi piacciono perché mi ricordano un po’ loro, però Sister Iodine nel primo disco sono due tipi di 19 anni che creano un suono ancora più strano che Starfuckers, bellissimo. Il secondo disco Pause è più influenzato per il peggio da Brise glace, troppo direi.
E per la scena legata ai Prohibition ti senti vicino?
No assolutamente no. Prohibition sono dei clowns di altri gruppi americani, noi abbiamo sempre voluto fare la nostra musica. Ci sono gruppi a Parigi che hanno imitato Fugazi o Teenage Jesus. Anche se sono persone simpatiche si deve essere un po’ selettivi, non è una musica che aggiunge qualcosa in più.
Negli ultimi mesi ho notato che si stanno cominciando a sentire dei segni di stanchezza di quella che era stata definita scena post-rock: parte di questa scena è già in una fase di storicizzazione, già si sentono segni di scomparsa. Lo stesso vostro ultimo disco, mi sembra attraversare una dimensione di ulteriorità, fuori da questo termine e anche oltre questo, è un disco che sicuramente tiene conto di queste contaminazioni in atto. Come la vedi la cosa?
Post-rock, se prendi queste due parole significano dopo il rock. Certo è la cosa che stiamo facendo: l’attitudine non è quella dei Rolling Stones, non vogliamo ragazzine sotto il pacco (scoppiamo a ridere, ndi). Mi dispiace vedere Ulan Bator come gruppo post-rock, è fastidioso, anche se i giornalisti hanno bisogno di mettere etichette, ma è una cosa peggiorativa. Mi piace tanto Gainsborg e Laddio Bolocko nonostante facciano cose differenti. Quando metti un nome ad una scena è finita. Quando abbiamo chiamato il punk punk era già finito. Non si deve assolutamente capire quello che succede, quando la gente se ne accorge devi cambiare , perché vuole dire che non va bene. Ulan Bator era all’inizio più industriale che post rock, era anche kraut – rock.
Sì, ho notato in certi passaggi certi legami anche con l’isolazionismo?
Mi è sempre piaciuta anche la musica ambient, o Loren Mazzacane Connors. Anche se quello che voglio fare è fuori da questo contesto.
Mi parli dell’esperienza con i Faust
Il primo Faust è un capolavoro. Poi è uscito Rien, ho pensato “è splendido”. Ho chiamato Olivier ed ho detto è la prima volta che si sente la lingua francese in brani del genere e devo parlare un po’ con loro. Chiamiamo Jean-Hervé Peron , che è una delle persone che ha creato i Faust nei settanta, e mi ha detto voglio fare qualcosa con voi, dovete mandarmi i dischi e vediamo. Li abbiamo mandati e ci ha detto: “i miei tre gruppi preferiti sono: Incredible String Man, Stereolab e Ulan Bator”. Abbiamo fatto due giorni di prova e siamo andati in un festival francese che si chiama Music Volant ed abbiamo fatto questo concerto fuori di testa, un’esperienza bellissima. Con i Faust non prepariamo i brani. Prima del concerto ci scriviamo un foglio dove mettiamo degli ambienti che abbiamo in testa tipo il mare, un terremoto. E dobbiamo seguire questa pagina, facendo qualcosa di organico che la gente può ascoltare. È stato splendido, nonostante mi si sia rotta la bocca cadendo dal palco.
Come è stato lavorare con Micheal Gira per questo disco?
Esperienza bellissima, persona molto interessante per diversi aspetti. Abbiamo imparato molto. Se vuoi crescere con la tua musica devi essere aperto e lavorare con altre persone, devi lavorare con qualcuno che fa uscire il meglio di quello che sei in grado di fare. I primi giorni è stato un inferno perché lui è molto duro, ma io già ero prevenuto per questo inconveniente perché era un rumore che girava già prima che cominciasse questa storia. Ero deciso a lavorare con lui. Lui ha voluto assolutamente che la cosa venisse bene. Soundtrack for the blind è bellissimo, ha sempre saputo come far suonare le chitarre e la voce, cosa per me molto importante.
Parlami del nuovo disco, sei contento?
Ho lavorato insieme a Olivier un’anno. Dura 65 minuti ed è completo, abbiamo scartato molto materiale perché siamo stati molto esigenti. Io suono un sacco di pianoforte, strumenti molto particolari, ci sono molte sorprese. Abbiamo realizzato tutti i nostri sogni che avevamo dentro ed è un disco molto completo. Per me è il migliore insieme a 2 degree. C’è Micheal che ci canta sopra, Jean-Harvé (dei Faust) ci ha suonato la tromba. Era facile chiamare anche altri amici tipo Liebezeit dei Can, ma il progetto non era questo. Era farlo con le persone giuste e sentirlo nostro, non di fare un meeting per altri. Abbiamo usato suoni molto puliti, chiari. Anche se fai musica più industriale, tipo Merzbow devi comunque renderla pulita. Nel missaggio siamo concentrati. La cosa importante è che lo stesso disco ti porti ad esperienze diverse. La musica quando è drogata è buona. Quando sto missando un brano mi dico sempre se mi fa l’effetto di essere sotto eroina, un effetto allucinato, significa che è buono. Ci sarà un giro di Ulan Bator in Italia a Febbraio. Il disco dovrebbe uscire per la Young God in America e dunque anche lì ci sarà in tour. Stavolta abbiamo un’ottima distribuzione. Adesso Olivier sta lavorando con un gruppo che si chiama Osaka Bondage a Parigi, io sto lavorando con Paolo dei Silken Barb, un progetto più acustico che sarà usato come sfondo per un film sperimentale.
In che condizione scrivi i testi?
È un’esperienza violenta. La persona che ciò dentro mi indica, quello che ho dentro lo metto sulla carta ed è violento tutto questo processo. Con Ulan Bator facciamo prima la musica, inizio a scrivere quando mi viene qualcosa. Io sono molto esigente, non voglio cantare delle cazzate, voglio cantare cose mie, poetiche, oniriche, però semplici, non voglio fare un lavoro intellettuale, ma una cosa spontanea. La stessa cosa per la musica: non è che voglio complicare le cose, siamo complicati già ed a volte sembra inaccessibile la nostra musica, ma io voglio comunque qualcosa di accessibile.
Hai idea del fatto che questi pezzi sull’ascoltatore comunicano un’esperienza allucinata, dolorosa. È questo quello che vi siete proposti di comunicare con la vostra musica?
Penso comunque che c’è una cosa pesantissima nella nostra musica. Magari quello che abbiamo vissuto nella nostra vita, nella vita che facciamo, siamo molto complicati. Mi piacerebbe fare cose più dolci e zuccherate, ma non ci riusciamo perché alla fine c’è sempre qualcosa di angosciato, di pesante fra le nostre cose.
Quali sono le differenze nel fare musica in Francia e in Italia, dato che la tua nuova residenza ti sta informando di tutta una serie di realtà?
In Italia ci sono un sacco di gruppi interessanti: il più grosso per me sono i Massimo Volume, il fatto che cantino in Italiano per me è molto importante, poi hanno un chitarrista bravissimo. Poi ci sono gruppi tipo A short Apnea. I Larsen, Daniele Brusaschetto (anche se un po’ dark), gli Starfuckers, mi piacciono molto perché parlano in Italiano: è come quando c’è la tua faccia su una foto, indipendentemente dal fatto che non ti piaci, alla fine è la tua faccia, per la musica è lo stesso; rispetto i gruppi che cantano in Italiano, poi è solo una storia di lavoro, devi lavorare per far emergere la tua lingua bene. In Francia è lo stesso problema, perché siamo abituati ad ascoltare la musica Americana ed Inglese, sarebbe interessante un gruppo Noise che parla in dialetto
Vai d’accordo con tuo cugino Francois Cambuzat?
Sì tantissimo, voglio contraccambiare una puntualizzazione dato che lui in un’intervista per Blow up ha detto che io non sarei interessato alla politica (risate generali, ndi). Io dico semplicemente che la politica mi interessa perché vivo nella società: pago l’affitto, compro le sigarette, vado al supermercato, vivo in questa società, non è che ne sono fuori. Per me fare musica e cantare testi onirici, è una cosa che mi piace tanto, indipendetemente dal fatto che non siano politicizzati, perché anche questo fare è politica. Esser liberi, fare quello che voglio fare, è anche un modo di dire che io sono libero, che non me ne frega niente chi è il presidente della Francia o un altro, dato che le cose non cambieranno mai. Mio cugino è fissato con la politica, ma è una cosa sua che io rispetto ampiamente. Poi Francois Cambuzat et les Enfant Rouges ci hanno sempre sostenuti, sono stati i primi ad organizzarci concerti, fanno una musica diversa da noi ma ugualmente rispettabile.
Salvatore Borrelli
Hank Williams III ‘Lovesick broke and driftin’
Qualcuno afferma che all’interno della Country-music ci sia racchiusa l’essenza del Rock and Roll. Certo se si pensa che la musica country (soprattutto un buon tre quarti di quella che si produce a Nashville) rappresenta un mondo chiuso, conservatore e moralistico, viene da pensare che niente sia più falso e sbagliato; ma se però ci si riferisce ad un personaggio in particolare, e se questo personaggio è Hank Williams III penso proprio che questo qualcuno abbia ragione. Hank III è il nipote di Hank Williams Sr, il padre della musica country, colui che ha dato il via negli atteggiamenti e nel modo di vivere e di morire ad una filosofia tutta rock che noi ben conosciamo. Questo “Lovesick Broke&Driftin’ “ è il suo secondo album e a cominciare dalla copertina è un vero e proprio tuffo al cuore, e infatti questa immagine di west crepuscolare potrebbe benissimo essere la premessa della musica o meglio del sound che ci aspettiamo: un country che finalmente recupera quello che è o quello che realmente dovrebbe essere, e cioè folk music allo stato puro, musica popolare vera, sincera, ma soprattutto finalmente priva di quei falsi orpelli e stucchevolezze che purtroppo l’hanno relegata in un piccolo universo per vecchi tromboni fascistoidi. Boccata d’aria fresca dicevo, pochi strumenti, honky tonk a mille all’ora come nell’iniziale 7 Months, 39 Days oppure accenni jodel nella splendida One Horse Town con tanto di steel-guitar super protagonista, o southern-rock in Trashville che merita un discorso a parte: infatti è bene sottolineare che se vi sembra di stare ascoltando gli ZZ Top periodo “Tres Hombres”, l’assolo di chitarra è proprio di Billy Gibbons, e questo è quello che si dice Rock’n Country, serva da esempio. Niente è fuori posto, tutto il disco profuma di spontaneità e immediatezza, Hank III ci ha messo veramente il cuore nel regalarci questo gioiellino incontaminato. Ah dimenticavo: c’è anche una rilettura country di Atlantic City di Springsteen che potrebbe essere l’ideale colonna sonora al “Furore” di Steinbeck. Da inserire nella lista delle migliori cover di sempre. Se RL Burnside ha rivitalizzato il blues, Hank Williams III ha resuscitato il country, finalmente. Hank Williams Sr da qualche parte se la ride di gusto. Cinque stelle alla grande.
Voto: 10
Link correlati:Hank III on line
Autore: letitrock@tiscali.it
Charles Atlas ‘Felt Cover’
Assolutamente delizioso l’ascolto di Felt Cover del progetto Charles Atlas, essemble composto dal chitarrista, ex Piano Magic, Charles Wyatt, dal tastierista Matt Greenberg e da Alexander Kort che interviene in alcuni brani arricchendoli con suggestivi interventi di violoncello.
Felt Cover è il loro terzo lavoro dopo Two More Hours e Play The Spaces ed è la prima importante uscita per la promettente Static Caravan.
Miniature Lifeboat apre il disco con irruenti abrasioni in sottofondo mentre un minimale gingle di piano si ripete con circolarità; tuttavia il disco prosegue su binari differenti rivelandosi alquanto fluido, rilassato e non meno intenso.
La materia sonora proposta è frutto di un armamentario strumentale vario ma usato con assoluta esiguità.
Fluide melodie di organo, sporadici interventi di tromba, minimali fraseggi di chitarra creano brani dall’elevato grado emozionale che scivolano leggeri come nuvole sospinte dal vento, soffici come batuffoli di cotone eppure così incisivi e intensi da lasciare un profondo segno nell’ascoltatore.
Come se i PanAmerican azzerassero le loro pulsioni dub e dessero spazio ad un feeling più jazz, onirico e crepuscolare, che in alcuni momenti sembra avvicinarsi incredibilmente all’Angelo Badalamenti di Twin Picks (Hinged and Still, Valdivia).
Un mood decisamente malinconico, intimista che ammicca ai suoni di stampo 4AD (gli stessi Piano Magic attualmente sono sotto contratto con la suddetta) ma che comunque riesce a mantenersi ben alto dal pessimismo più bieco o dalla più piatta catatonia.
Un lavoro altamente suggestivo, quasi cinematografico per la sua capacità di creare immagini e ridestare ricordi assopiti, sul quale sembra aleggiare un sottile e piacevole senso di leggerezza e disincanto.
Assolutamente delizioso.
Voto: 8
Link correlati:charles atlas site
Yeah Yeah Yeahs ‘Yeah Yeah Yeahs EP’
Benchè originari di New York gli Yeah Yeah Yeahs sembrano avere trovato il successo in Gran Bretagna dove hanno ricevuto ovazioni unanimi da gran parte della stampa (includendo nomi quali NME e John Peel). Non è certo un buon segno. Se pensiamo inoltre che la loro discografia ufficiale si compone solamente delle cinque canzoni di questo EP e che la critica sembra interessarsi più all’indole ribelle della cantante Karen O (la quale si descrive come il corrispettivo femminile del giovane Iggy Pop) saremmo tentati di non ascoltarli nemmeno.
Tuttavia gli Yeah Yeah Yeahs incarnano un complesso di sensazioni di cui molti sentono il bisogno. In un panorama dominato da elettronica minimale che si ripete ab nauseam, artisti concettuali che registrano dischi a ripetizione senza nemmeno riascoltarli, lunghe suite strumentali che fanno il verso all’avanguardia sinfonica, ciò di cui si sente veramente il bisogno non può essere che un sano, semplice, veloce, essenziale, frizzante, rock and roll.
Che è poi quello che propongono gli Yeah Yeah Yeahs, anche se a onor del vero le loro influenze sembrano molto più varie. Il brano d’apertura, Bang!, è chiaramente ispirato dal punk-soul-blues nostalgico di band quali Make Up e Boss Hog. Del resto il percorso degli YYY guarda indietro protraendosi a ripescare un passato remoto attraverso uno più prossimo. In altre parole sembra di ascoltare uno dei tanti gruppi new wave fine settanta inizio ottanta dediti al revival. Gruppi come Cramps (Mistery Girl) o Gun Club (Miles Away). Non manca comunque la parentisi rumorista con le esplosioni hardcore di Art Star che inframmezzano una linea vocale petulante e sbarazzina. L’ultimo brano, Our Time, si segnala invece per l’anelito romantico che riporta alla memoria l’impeto rivoluzionario di Patti Smith.
Insomma, sarà anche solo un EP di 13 minuti, sarà anche un hype gonfiato ad arte dai media britannici, ma è probabilmente uno dei dischi più godibili di questo periodo. Le vere “Next Big Thing” arriveranno poi.
Voto: 8
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Autore: maxosini@hotmail.com
Ulan Bator
Inedite retro-conversazioni con Amaury Cambuzat su sfondo partenopeo.
Ulan Bator, formazione transalpina, trio, basso (Olivier Manchion) , batteria (Frank Lantignac, da Ego:Echo in poi sostituito da Matteo Dainese), chitarra voce (Amaury Cambuzat). Nel 1995 arriva il primo episodio ulan bator targato Les Disques du Soleil et de L’acier; un anno dopo esce il mini 2 Degree. La ristampa italiana di questi due lavori, altrimenti poco reperibili, arriva nella raccolta Polaire, selezione arbitraria e poco convincete nella progressione numerica dei brani di questi primi due lavori per l’allora C.P.I., oggi Sonica. Il 1997 vede Vegetale, uscito con copertine differenti per le due etichette, ma identico nel missaggio e nell’ordine. Suonano a lungo in Tour con i Faust. Gli Ulan Bator sono tra i gruppi meglio definibili in giro: infiniti rimandi armonici mai completamente chiusi protratti per tutto il brano e stirati in modo ipnotico, coltre psichedelica di contorsionismi rumoristici, frammentazione ritmica, dilatazioni sospese attraverso spirali di nervosismo tagliente. Ulan bator è un disco molto interessante, certamente nella ristampa italiana ne risulta alquanto distorto dal preciso intento iniziale (per l’assenza di tre brani molto indicativi) , che era quello di misurarsi con una certa musica no wave spigolosamente dolorante, erede soprattutto dei primi Swans. Così le scariche raggelanti di elettricità stop & go di piano mecanik, la no wave distorta di art 18-A,e gli scampoli percussivi di Feu! Fire! Feuer!, cioè gli episodi più sperimentali, scartati in Polaire, conferiscono quel tono dismesso, proto-industriale, che rimane a dir poco confuso. Di 2 Degree, Haupstadt è quasi la sintesi del loro suono: intro con tablas che poi crea dissonanze aritmiche con la batteria, avanzamenti di feedback dissonante che sotterraneamente rumoreggiano incontrollati fino ad una esplosione finale non molto distante da ciò che si può ascoltare nei passaggi migliori dei Gravitar. Sicuramente questo mini possiede delle qualità più mature, maggiore concettualità, toni leggermente ambientali tra un’interludio di scariche anemiche di chitarra e linee scolpite da un basso di fuoco. Si ha l’impressione di una lunga implosione orgasmica: i brani in modo cerebrale affogano in un continuo sfogo ipnotico. Vegetale non fa che riconfermare queste impressioni. Innanzitutto l’apparato vocale opta per un cantato francese, stavolta più scandito e comprensibile rispetto quei rari momenti di canto (in inglese) dei precedenti. I testi tutti di raro astrattismo impressionista (lumiere blanche, embarquemente) conferiscono maggiore crudeltà all’asprezza. Anche in questo capitolo la strutturazione del brano è una scatola cinese, germogliano inattese fascinazioni isolazioniste, durano pochi istanti, poi nuovamente la violenza dello sfacelo. I passaggi esoterici conferiscono impenetrabilità, dolorosamente ombrosi, vagamente industriali, screziano impavidi senza lasciare pace. Ego – Echo, è la sintesi del loro suono: un più meticoloso impegno sui particolari (molto curati nel missaggio di Gira), aperto da dimensioni proteiformi, non si esaurisce mai immediatamente proprio per la differenza quasi totale di ogni brano. E’ soprattutto un disco per stratificazioni. Inevitabilmente risente di tutto il lavoro del produttore, che dona al materiale, altrimenti grezzo e poco smussato, equilibri e compattezza altrimenti irraggiungibili. È inoltre un disco minimalista questo, fatto di figure reiterate continuamente riprodotte e con leggere dissomiglianze: lavoro che è avvertibile in altre produzioni di Gira, che con questo disco, potremmo dire che diventa estemporaneamente quarto membro aggiuntivo.
La storia di questa intervista è irrequieta e dolente. Inizialmente progettata e accettata con previo consenso da Blow Up e poi rifiutata senza preavviso all’ultimo momento, è rimasta finora inedita. Realizzata più di un anno fa, doveva uscire all’indomani di Echo:Ego. Amoury all’epoca viveva a Napoli. L’intervista la facemmo a casa sua, in un giorno piovoso e freddo di Dicembre. Dal suo balcone si tagliava con lo sguardo tutta Napoli, sul tavolo c’erano tazze di caffè e foto del ranch dei Peron dei Faust, sul fuoco dei fornelli un riso indonesiano che cuoceva. Dopo avemmo avuto modo di riparlarne insieme, e nel tempo divenimmo buoni amici. Quel che segue fu il resoconto di quel tempo…
Quali sono le differenze sostanziali del suono degli Ulan Bator dall’origine ad oggi?
Abbiamo iniziato a lavorare nel ’94 e costruito il nostro studio nella periferia di Parigi dentro una caverna di tufo. Il primo disco è molto influenzato dalla scena newyorkese fine anni settanta tipo No Wave, perché io ed Olivier abbiamo ascoltato (troppo) gruppi tipo DNA, Swans, Teenage Jesus, ma anche la scena giapponese, (molto i Boredomes). Volevo fare un disco diretto e violento. 2 degree è stato registrato in una settimana e missato in due giorni. È un disco più intimo. Da lì abbiamo ascoltato maggiormente Kraut tipo Popol Voh, Faust, primi Kraftwerk. È un disco più intimo, ambientale, secondo me un grande disco. Vegetale è nato dalla frustrazione di essere scritto in modo da portare la voce come strumento. Io non volevo essere un gruppo francese che canta in inglese, ma un gruppo con una voce musicale a consonanze un po’ inglesi. Non ero pronto per scrivere in francese prima di Vegetale. Certo non è un album perfetto, è più una prova per l’ultimo disco. Grazie a Vegetale abbiamo girato in Italia, Germania, Svizzera, Danimarca, Svezia, perché era innovativo ascoltare una musica così strana con una voce in francese diversa dai gruppi americani che sono alla fine un po’ tutti uguali.
Quali sono i vantaggi nel passare da un’etichetta più ostica, avanguardistica come Les Disques du Soleil et de l’Arcier ad una maggiormente distribuita, commerciale come la Sonica?
Con Les Disques du Soleil ci siamo trovati abbastanza bene. Per il quarto disco con Olivier avevamo deciso di voler fare una produzione artistica con Micheal Gira. Ci hanno detto: “non abbiamo i soldi per farlo”, però è una bellissima idea e anche una cosa giusta per la carriera degli Ulan Bator. Nello stesso tempo abbiamo incontrato l’agente della Sonica. Lui ci hanno detto “siamo pronti per far uscire un disco e se deve venire bene perché c’è Micheal Gira siamo pronti anche per far venire Micheal Gira”. Alla fine è sempre una storia di soldi. Non una storia di soldi per noi, cioè soldi in tasca, perché alla fine non ne facciamo molti. Era solo trovare un’etichetta capace di pagare questa produzione del nuovo Ego-Echo, che significava un disco in studio abbastanza grosso e pagare biglietti d’aereo ed un cachet per Micheal Gira. La storia ha voluto che loro aiutassero Ulan Bator. Era importante “salire un cielo sopra” e questo era impossibile con una piccola etichetta, la Sonica è stata capace di fare questo.
Gli Ulan Bator hanno un suono abbastanza distinguibile con particolari elementi che lo rendono particolare. Mi chiedevo se questo fosse stato dettato da un processo cerebrale, da un ragionamento sullo stato del suono oggi, o da qualcosa che aveva a che fare con l’istinto, dato che quando suoni sicuramente ti sentirai impedito pensando che c’è già qualcuno prima di te che ha creato questo passaggio. Come te la vivi quest’esperienza paralizzante?
Sì l’istinto c’è. Io penso che un disco dovrebbe essere molto chiaro, mi piacciono cose rumorose, ma io volevo avere una lucidità del suono anche se sono alla fine sporchi questi suoni. Alla fine si deve sentire tutto anche quando vuoi far sentire un suono sporco.
Come Ulan Bator dobbiamo dire che abbiamo una cultura musicale. Abbiamo lavorato io e Olivier in un negozio di dischi, io come distributore. Quando stiamo facendo qualcosa che abbiamo già sentito ci fermiamo. Però sai, ogni grande progetto è un’alchimia tra persone, non è che c’è un genio in questi gruppi, c’è alchimia in un’ambiente causata da un certo periodo e da certe dinamiche.
C’è un nuovo batterista vero? In quest’ultimo lavoro suona in modo effettivamente diverso, consegna maggiore incisività creativa alla musica che non è più avviluppata in un ritmo definito, viene fuori anche una ricerca timbrica differente….
Abbiamo cambiato batterista. Il nuovo si chiama Matteo, è più giovane, ha 23 anni. Ha lavorato con i Meathead, che è un gruppo più metallico, ed oggi suona con gli Here. È sempre interessante, lavorare con persone che non fanno un genere di musica. Per me la cosa più pallosa è lavorare con un musicista che dice d’essere della scena post-rock, perché alla fine viene una merda. Un batterista funky è meglio di uno post-rock, perché non è del mio mondo e dunque mi interessa di più da conoscere.
Perché Ulan Bator? Ti riferisci alla capitale della Mongolia o ad altro?
Certo suona bene come capitale della Mongolia, ma Ulan Bator era anche il nome di un’associazione in Francia, di circa 10 anni fa, un collettivo che organizzava un sacco di cose sul cinema sperimentale, musica improvvisata. Ulan Bator era una po’ una leggenda, proprio perché relegata, misconosciuta.
Parliamo un po’ dei Sister Iodine e dei Bastard?
Allora, questi “bastardi” oggi si sono sciolti. Per me è l’unico gruppo francese che rispetto. Eric Aldea aveva 18 anni quando ha firmato con dei tipi a Torino La Bande A Bono. I Bastard sono i primi a fare qualcosa davvero d’indipendente. I Sister Iodine erano un gruppo di Parigi con un tipo di Lyon. Facevano musica improvvisata molto interessante, molto influenzata dalla scena di New York, ma nel modo migliore. Nel primo disco c’erano due chitarre e una batteria. Gli Starfuckers mi piacciono perché mi ricordano un po’ loro, però Sister Iodine nel primo disco sono due tipi di 19 anni che creano un suono ancora più strano che Starfuckers, bellissimo. Il secondo disco Pause è più influenzato per il peggio da Brise glace, troppo direi.
E per la scena legata ai Prohibition ti senti vicino?
No assolutamente no. Prohibition sono dei clowns di altri gruppi americani, noi abbiamo sempre voluto fare la nostra musica. Ci sono gruppi a Parigi che hanno imitato Fugazi o Teenage Jesus. Anche se sono persone simpatiche si deve essere un po’ selettivi, non è una musica che aggiunge qualcosa in più.
Negli ultimi mesi ho notato che si stanno cominciando a sentire dei segni di stanchezza di quella che era stata definita scena post-rock: parte di questa scena è già in una fase di storicizzazione, già si sentono segni di scomparsa. Lo stesso vostro ultimo disco, mi sembra attraversare una dimensione di ulteriorità, fuori da questo termine e anche oltre questo, è un disco che sicuramente tiene conto di queste contaminazioni in atto. Come la vedi la cosa?
Post-rock, se prendi queste due parole significano dopo il rock. Certo è la cosa che stiamo facendo: l’attitudine non è quella dei Rolling Stones, non vogliamo ragazzine sotto il pacco (scoppiamo a ridere, ndi). Mi dispiace vedere Ulan Bator come gruppo post-rock, è fastidioso, anche se i giornalisti hanno bisogno di mettere etichette, ma è una cosa peggiorativa. Mi piace tanto Gainsborg e Laddio Bolocko nonostante facciano cose differenti. Quando metti un nome ad una scena è finita. Quando abbiamo chiamato il punk punk era già finito. Non si deve assolutamente capire quello che succede, quando la gente se ne accorge devi cambiare , perché vuole dire che non va bene. Ulan Bator era all’inizio più industriale che post rock, era anche kraut – rock.
Sì, ho notato in certi passaggi certi legami anche con l’isolazionismo?
Mi è sempre piaciuta anche la musica ambient, o Loren Mazzacane Connors. Anche se quello che voglio fare è fuori da questo contesto.
Mi parli dell’esperienza con i Faust
Il primo Faust è un capolavoro. Poi è uscito Rien, ho pensato “è splendido”. Ho chiamato Olivier ed ho detto è la prima volta che si sente la lingua francese in brani del genere e devo parlare un po’ con loro. Chiamiamo Jean-Hervé Peron , che è una delle persone che ha creato i Faust nei settanta, e mi ha detto voglio fare qualcosa con voi, dovete mandarmi i dischi e vediamo. Li abbiamo mandati e ci ha detto: “i miei tre gruppi preferiti sono: Incredible String Man, Stereolab e Ulan Bator”. Abbiamo fatto due giorni di prova e siamo andati in un festival francese che si chiama Music Volant ed abbiamo fatto questo concerto fuori di testa, un’esperienza bellissima. Con i Faust non prepariamo i brani. Prima del concerto ci scriviamo un foglio dove mettiamo degli ambienti che abbiamo in testa tipo il mare, un terremoto. E dobbiamo seguire questa pagina, facendo qualcosa di organico che la gente può ascoltare. È stato splendido, nonostante mi si sia rotta la bocca cadendo dal palco.
Come è stato lavorare con Micheal Gira per questo disco?
Esperienza bellissima, persona molto interessante per diversi aspetti. Abbiamo imparato molto. Se vuoi crescere con la tua musica devi essere aperto e lavorare con altre persone, devi lavorare con qualcuno che fa uscire il meglio di quello che sei in grado di fare. I primi giorni è stato un inferno perché lui è molto duro, ma io già ero prevenuto per questo inconveniente perché era un rumore che girava già prima che cominciasse questa storia. Ero deciso a lavorare con lui. Lui ha voluto assolutamente che la cosa venisse bene. Soundtrack for the blind è bellissimo, ha sempre saputo come far suonare le chitarre e la voce, cosa per me molto importante.
Parlami del nuovo disco, sei contento?
Ho lavorato insieme a Olivier un’anno. Dura 65 minuti ed è completo, abbiamo scartato molto materiale perché siamo stati molto esigenti. Io suono un sacco di pianoforte, strumenti molto particolari, ci sono molte sorprese. Abbiamo realizzato tutti i nostri sogni che avevamo dentro ed è un disco molto completo. Per me è il migliore insieme a 2 degree. C’è Micheal che ci canta sopra, Jean-Harvé (dei Faust) ci ha suonato la tromba. Era facile chiamare anche altri amici tipo Liebezeit dei Can, ma il progetto non era questo. Era farlo con le persone giuste e sentirlo nostro, non di fare un meeting per altri. Abbiamo usato suoni molto puliti, chiari. Anche se fai musica più industriale, tipo Merzbow devi comunque renderla pulita. Nel missaggio siamo concentrati. La cosa importante è che lo stesso disco ti porti ad esperienze diverse. La musica quando è drogata è buona. Quando sto missando un brano mi dico sempre se mi fa l’effetto di essere sotto eroina, un effetto allucinato, significa che è buono. Ci sarà un giro di Ulan Bator in Italia a Febbraio. Il disco dovrebbe uscire per la Young God in America e dunque anche lì ci sarà in tour. Stavolta abbiamo un’ottima distribuzione. Adesso Olivier sta lavorando con un gruppo che si chiama Osaka Bondage a Parigi, io sto lavorando con Paolo dei Silken Barb, un progetto più acustico che sarà usato come sfondo per un film sperimentale.
In che condizione scrivi i testi?
È un’esperienza violenta. La persona che ciò dentro mi indica, quello che ho dentro lo metto sulla carta ed è violento tutto questo processo. Con Ulan Bator facciamo prima la musica, inizio a scrivere quando mi viene qualcosa. Io sono molto esigente, non voglio cantare delle cazzate, voglio cantare cose mie, poetiche, oniriche, però semplici, non voglio fare un lavoro intellettuale, ma una cosa spontanea. La stessa cosa per la musica: non è che voglio complicare le cose, siamo complicati già ed a volte sembra inaccessibile la nostra musica, ma io voglio comunque qualcosa di accessibile.
Hai idea del fatto che questi pezzi sull’ascoltatore comunicano un’esperienza allucinata, dolorosa. È questo quello che vi siete proposti di comunicare con la vostra musica?
Penso comunque che c’è una cosa pesantissima nella nostra musica. Magari quello che abbiamo vissuto nella nostra vita, nella vita che facciamo, siamo molto complicati. Mi piacerebbe fare cose più dolci e zuccherate, ma non ci riusciamo perché alla fine c’è sempre qualcosa di angosciato, di pesante fra le nostre cose.
Quali sono le differenze nel fare musica in Francia e in Italia, dato che la tua nuova residenza ti sta informando di tutta una serie di realtà?
In Italia ci sono un sacco di gruppi interessanti: il più grosso per me sono i Massimo Volume, il fatto che cantino in Italiano per me è molto importante, poi hanno un chitarrista bravissimo. Poi ci sono gruppi tipo A short Apnea. I Larsen, Daniele Brusaschetto (anche se un po’ dark), gli Starfuckers, mi piacciono molto perché parlano in Italiano: è come quando c’è la tua faccia su una foto, indipendentemente dal fatto che non ti piaci, alla fine è la tua faccia, per la musica è lo stesso; rispetto i gruppi che cantano in Italiano, poi è solo una storia di lavoro, devi lavorare per far emergere la tua lingua bene. In Francia è lo stesso problema, perché siamo abituati ad ascoltare la musica Americana ed Inglese, sarebbe interessante un gruppo Noise che parla in dialetto
Vai d’accordo con tuo cugino Francois Cambuzat?
Sì tantissimo, voglio contraccambiare una puntualizzazione dato che lui in un’intervista per Blow up ha detto che io non sarei interessato alla politica (risate generali, ndi). Io dico semplicemente che la politica mi interessa perché vivo nella società: pago l’affitto, compro le sigarette, vado al supermercato, vivo in questa società, non è che ne sono fuori. Per me fare musica e cantare testi onirici, è una cosa che mi piace tanto, indipendetemente dal fatto che non siano politicizzati, perché anche questo fare è politica. Esser liberi, fare quello che voglio fare, è anche un modo di dire che io sono libero, che non me ne frega niente chi è il presidente della Francia o un altro, dato che le cose non cambieranno mai. Mio cugino è fissato con la politica, ma è una cosa sua che io rispetto ampiamente. Poi Francois Cambuzat et les Enfant Rouges ci hanno sempre sostenuti, sono stati i primi ad organizzarci concerti, fanno una musica diversa da noi ma ugualmente rispettabile.
Salvatore Borrelli
Uscite Video Giugno
Efferatezze magnetiche per cultori del completismo video.
ALASKA SFIDA TRA I GHIACCI Evviva. Cominciamo subito. Ineditaccio della CVC (e di chi sennò?) con Tora Birch. Non *****.
AMORE A PRIMA SVISTA Urrà, Gwyneth Paltrow che si gonfia, si risgonfia e si riaffina. Io la gonfierei di schiaffi se non si finisse la pastasciutta, secca com’è. Però c’è a chi piace, la Gwyneth. Lei si, ma il film lasciatelo stare.
AMORES PERROS Ce l’abbiamo fatta! Dopo due anni esce in videocassetta! Messicanata di quasi due ore e mezza, crudo e violento come piacciono a me, maldistribuito nelle sale dall’Italnoleggio. Grazie alla Eagle, potete e potrò vederlo comodamente seduto sul mio divano di chiodi. Non perdetevelo!
BELLA DA MORIRE Ah si, è uscito anche al cinema. Con Kirsten Dunst, la bionda bona del Giardino delle Vergini (?) suicide. Ma vaffanculo.
BIRTHDAY GIRL Come perdere la Kidman nuda di schiena? Si, la si vede anche in Eyes wide shut, ma questo film è più brutto. Non tra i peggiori.
BRUCIO NEL VENTO Il buon Soldini ricaccia un altro piccolo capolavoro dopo Pane e tulipani. Questo parla di immigrati e di delitti. Non diamo tutto il merito a Soldini, che è un mezzo poverone, ma al libro di Kristof che si intitola “Ieri”.
IL COLPO Che je pija a Danny De Vito e alla Warner che fanno sti film del menga. Arivaffanculo.
CRIMINE D’AMORE Prima o poi fallirà la Columbia distribuendo ste cazzate! C’è Sissy “Carrie” Spacek, ma anche Peter Coyote. Inedito.
D’ARTAGNAN Berlusconata mascherata sotto la casa Mediafilm per eludere le tasse della Medusa. Da evitare accuratamente anche se il cast potrebbe attirare: c’è “je suis Catherine Deneuve” e anche la nanetta bona di American Beauty (e delle varie torte americane) Mena Suvari.
D-TOX Il grande Stallone italo-americano stavolta combatte contro i suoi problemi psichiatrici perché viene rinchiuso in manicomio perché ha svalvolato dopo aver assistito ad un efferato crimine. Stallone: rinchiudetelo veramente assieme ai suoi (pochi) fans.
EDEN Ebreata che tratta di due ebrei americani che tornano in Ebrelandia per edificare la Terra Promessa. Un film da camera. A gas. Uscito anche al cinema di Birkenau.
LA FOLLIA DI QUICKSILVER Strainedito con Vincent Ventresca. Che sia lo stesso Ventresca di Febbre da cavallo?
HIJOS Finalmente. L’unico film bono che Cecchi Gori ha distribuito nell’ultimo lustro. Parla dei figli dei desaparecidos, sorta di seguito del bel “Garage Olimpo” dello stesso regista. Da non perdere.
INCANTESIMO NAPOLETANO La trama è simpatica: cosa succede in una famiglia napoletana se l’ultima nata parla milanese. Lo vedrei, senza audio e sottotitolato. Per appassionati del sud.
INVASION Con quel che resta di Mickey Rourke e per chi lo riconosce. Qui l’ex bel tenebroso combatte una masnada di scarafaggi incazzati. Inedito. Invedibile.
MAGIC NUMBERS John Travolta (premiato con il Razzie, l’oscar dell’interpretazione peggiore proprio per questo film) tenta di fare il napoletano truffando la lotteria. E truffando anche gli spettatori che pagano il biglietto del cinema o il noleggio della vhs.
IL MIO AMICO VAMPIRO Se fosse un porno lo noleggerei subito. Ma così non è. E’ un film per ragazzi (idioti) che è uscito due ore anche al cinema.
PAULINE E PAULETTE Pauline (o Paulette) è una ragazza mezza scema che alla morte di tutta la famiglia non sa più dove cazzo andare. Allora Paulette (o Pauline) corre in suo aiuto. E gli dà fuoco. Per anime nobili. PAZ! La storia del fumettista tossico Andrea Pazienza. C’è a chi è piaciuto. Da vedere, per giudicare. Invidiamo il regista però solo per essere il marito di Isabella Ferrari.
PROTECTION Mafiata inedita con Stephen Baldwin, che è uno dei tre fratelli Baldwin ma non so quale.
RUSHMORE Inedito col grande Bill Murray, ma lo eviterei.
SPY GAME Wow, Robert Redford e il figazzone acido Brad Pitt. C’è chi si è fatto due coglioni come due cocomeri. Uno è il bigliettaio del cinema che non vedeva anima viva, l’altro è l’amico che me lo ha commentato. Lasciate assolutamente perdere. Parla di un agente della Cia che salva l’amico imprigionato in Cina.
LA STRADA PER L’INFERNO Ossia, la Salaria nel dicembre scorso, tratto Rieti-Ascoli Piceno. Inedito con Lou Diamond Phillips, il capellone meticcio famoso per Young Guns. Famoso….
STRAIGHT SHOOTER Inedito con Dennis Hopper che lotta contro il nucleare. Il listino di Cecchi Gori si arricchisce sempre più.
TAKEN Al kazzen. Inediten sempre di Cekkigoren. Ma quando la iscrive la Fiorentina in B con questi blockbusters?
IL TEMPO DEI CAVALLI UBRIACHI L’infernale vita di tre fratellini che vivono nel Kurdistan, ossia tra Iran e Iraq. Io avrei la soluzione per lenire le loro sofferenze… Premio Camera d’oro a Cannes nel 2000, ma non basta per convincermi a vederlo.
I TENENBAUM Film agrodolce della Buena Vista uscito al cinema nell’aprile scorso. C’è chi lo ha apprezzato. Attenzione: c’è Gene Hackman, Ben Stiller e ancora lei, Gwyneth.
TOSCA Francesata sull’opera di Puccini uscito al cinema per 7 minuti distribuito dalla Keyfilms. Per chi soffre d’insonnia.
TU CHE FARESTI PER AMORE? Io darei fuoco a tutto il quartiere dove si trova il mio posto di lavoro. Mi amerebbero in tanti. Attenzione, non sembra, ma non è un inedito. C’è anche il grande attore buñueliano Francisco Rabal, che pochi mesi dopo morirà per un infarto durante un viaggio in aereo (vero). Colpa del bocchino che gli ha fatto l’hostess o della precarietà dei pace-makers?
VANILLA SKY “Apri gli occhi” era un filmone, questo che ne è una sorta di remake, no. C’è si Tom Cruise e l’interprete del film originale poi diventata sua mignottella personale, Penelope Cruz, ma i commenti ricevuti all’uscita delle sale non erano proprio dei complimenti. Un premio al dialoghista: la Cruz si incazza con Cruise e dice: “Mi tratti così dopo averti appena ingoiato lo sperma?”. Brava Penelope, continua a ingoiare così fai meno film.
UNA VERGINE TRA I MORTI VIVENTI Signori, questo è Jess Franco. Il maestro di serie Z del cinema spagnolo! La CVC ci regala questo gioiellino dell’insulso in cui Christine Von Blanc (bona) torna in un castello dove sono tutti zombi. Non è un inedito e non è nemmeno una rarità per collezionisti: è una ristampa e conoscendo la CVC ci sarà anche da giurare che sia tagliato. Ma lode per l’inverdimento delle memorie riguardo questo genere e questo regista. Ah, di vergine, la Von Blanc, non ha nemmeno l’olio d’oliva.
I VIOLENTATORI DELLA NOTTE La CVC ci prende gusto. Filmaccio recente sempre di Jess Franco uscito in Patria (Spagna) nel 1988. C’è Helmut Berger, ma non è sufficiente. Inedito.
LE CHICCHE SOLO IN VENDITA…
MARK IL POLIZIOTTO dvd della Cecchi Gori che ricaccia questo piccolo capolavoro del poliziottesco diretto da Stelvio Massi. I collezionisti sono accontentati, i profani debbono riscoprirlo. Il bel Mark era l’attore di fotoromanzi Franco Gasparri che, all’apice del successo (questo film e due sèguiti) si schiantò con la motocicletta sul Raccordo Anulare lasciandoci la spina dorsale e non solo. E’ morto un paio d’anni fa dopo 20 anni di vita vegetale. Comunque, da vedere e da avere.
A TUTTA VELOCITA’ Film di culto francese che parla di quattro storie parallele di adolescenti francesi. Con la bona Elodie Bouchez, vista nel “La vita sognata degli angeli”.
THE FALLS Di Peter Greenaway. Cortometraggio. Non ne so un cazzo.
BOY ON THE BICYCLE / BURNING Dei Stephen Frears. Aricortometraggio. Arinon nen so un cazzo.
GRATEFUL DAWG Uscito al cinema il 31 maggio. Traetene voi le conclusioni. Documentario della Columbia sui Grateful Dead. Pensa tu….
SOLARIS In dvd. Capolavoro di Tarkovsky con i 40 minuti iniziali in russo poiché erano stati tagliati dalla versione italiana. Speriamo siano almeno sottotitolati, sennò chi cazzo lo capisce il russo? Da vedere, sotto droga.
G. N. Milian
David Stackenas ‘The Guitar’
Nonostante la sua giovane età lo svedese David Stackenas nel giro di pochi anni è riuscito a raccogliere diverse collaborazioni sia nel proprio paese che all’esterno.
Oltre che essere legato da profonda amicizia a Mats Gustafsson ha partecipato in pianta stabile nel suo Mats Gustafsson’s Nu Ensamble in tour sia in Svezia che per tutta Europa.
La sua discografia, quattro album tutti a proprio nome, lo aveva sempre visto in compagnia di altri musicisti, quindi il recente The Guitar uscito per Hapna ci regala per la prima volta un assaggio totalmente solistico dello svedese alla chitarra.
Le carte poste in tavola delineano all’istante un lavoro ‘preciso’ e mai troppo sopra le righe, insomma di non difficile ascolto.
Stackenas prova ad entrare nei meandri del proprio strumento per estrapolarne la vena più malinconica ( forse per questo la scelta acustica) dividendosi fra arpeggi veloci e dalle tinte volutamente metalliche, violentemente interrotti per cedere il passo al silenzio più assoluto .
Colpisce il sapiente uso dei pizzicati in plect-plucked, il lento scontrarsi degli armonici di once around, l’intimismo quasi erotico di the guitar.
Lavoro discreto e suonato con cuore, anche se a tratti ripetitivo e un po’ stancante; da accostare al Marc Ducret di “Dètail” e perché no? lo storico “guitar solo” di Fred Frith.
Voto: 7
Link correlati:Hapna Records
Michael Gira – Dan Matz ‘What We Did’
Nato dall’unione di due autori estremamente diversi tra loro, “What We Did” è un disco che si inserisce in quel filone “retro-acustico” sgorgato dal post-rock dei vari David Grubbs e Lambchop che si configura come un aggiornamento della tradizione americana (country e folk) attraverso l’utilizzo di una strumentazione contemporanea, un approccio orchestrale e un’esecuzione raffinata. Non stupisce tanto il nome di Dan Matz, che già con i suoi Windsor for the Derby è solito cimentarsi in simili esercizi filologici, quanto quello di Micheal Gira, già leader degli Swans, con alle spalle una ventennale carriera all’insegna del nichilismo più pessimista.
Il risultato di questa collaborazione a quattro mani non poteva non essere che travagliato e composito. A prevalere sono i momenti puramente acustici, il tenue e ossessivo riff di Pacing the Locks, la ballata floydiana Cold Creeping, il country convenzionale di Lines, nei quali i molti strumenti che arricchiscono l’arrangiamento (piano, sinth, effetti elettronici…) si perdono in lontananza. Altrettanto quiete e sommesse sono Brown Eyes e Waiting Beside Virago degne del repertorio dei Palace. Le eccezioni sono rappresentate dal mantra elettronico di 17 Hours, e dall’allucinata nenia minimalista di Sunflower brani nei quali finalmente prendono il sopravvento gli strati di elettronica.
Tutto sommato l’album soffre di un eccesso di pacatezza e seriosità che si vorrebbero profonde o intellettuali, ma che alla fine risultano essere un paravento per mascherare i propri debiti verso i primi anni settanta (Matz) o una senilità creativa incipiente (Gira). Alla fine il disco si salva solo per la classe innata dei suoi autori, ma non supera di molto la sufficienza.
Voto: 6
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Autore: maxosini@hotmail.com
StRide Frammenti e schegge dal proprio lettore
StRide sono un duo il cui omonimo esordio su Snowdonia-Mizmaze bisognerebbe celebrare piu’ di quanto non sia stato fatto. Uomi (lavoro del solo Maurizio Gusmerini) ci arriva in anteprima e ci dà l’opportunità per porgere qualche domanda a questa entità sonora ,strano a dirsi, italiana.
StRide é un progetto nato in qualche modo, o é sempre esistito? St. è la silenziosa espropriazione dell’uomo da se stesso nel confronto con la tecnica. St. esiste da quando questa ha preso il sopravvento, ed esisterà dopo avere espulso i propri membri .
Parlare di canzoni ha senso? O identificare i suoni come tracks (tracce) su un cd é abbastanza? E’ importante il legame fra quanto é musicale o quanto extra-musicale per il progetto? Cerchiamo di arrivare ad una forma/struttura che si espliciti tramite il lavoro di studio a partire dalle idee di base:suoni, performances, registrazioni radio, vinili, puntine, graffi su CD, campionamenti, manipolazioni di nastri, registrazioni live, senza necessariamente occultare certi “errori” e casualità. Comunque sappiamo apprezzare chi sa scrivere canzoni. Il lato musicale è la diretta conseguenza del nostro interagire con il mondo, ma non rappresenta niente altro da sé. Si deve bastare.
Interagire con le macchine é abbastanza o l’intervento umano é comunque determinantefondante? Bisognerebbe definire il concetto di macchina, perché lo è ogni strumento nel momento in cui è usato per uno scopo ( in questo caso produrre suoni ). Per St. non c’è differenza tra una pietra e un Pc se entrambi possono contribuire al risultato finale. Le apparecchiature di studio, comunque, ci permettono di lavorare sul suono in profondità.
Cosa vi rimane in genere dell’ascolto di un cd? Un’idea, una sensazione o… Noia, stupore, perplessità, curiosità, illuminazione, sconforto, abbandono, commozione.
Facendo operazione di ingegneria inversa: questa può essere una lettura del progetto StRide o ascoltare é diverso dal produrre (musica)? La lettura è una questione personale anche se è nostro compito rendere le intenzioni intelligibili. La ns estetica sarà sempre più chiara con il progredire del lavoro. Comunque ascoltare è tutt’altra cosa dal fare, e il fare cambia il modo di ascoltare.
Cosa ascolta StRide(recentemente, spesso, …)? you fantastic, cage, destiny’s child, negativeland, africa bambaata, public image, henry cow, daft punk, fall, elvis, panasonic-ikeda-oval, cannibal ox, on u sound, sakamoto, storm&stress, prince, le onde corte, i rumori dei miei gatti.
L’elettronica é il rock adesso? Pc = chitarra elettrica?? Forse l’elettronica dance è più simile al rock per l’attidudine a catalizzare stili di consumo, anche se poi l’elettronica è dappertutto, anche dove non sembra. Alla chitarra elettrica assimilerei di più il giradischi e lo schratching.Il pc ha più a che fare con lo studio di registrazione.
Ha senso parlare di rock o di qualsiasi altra etichetta? Se si, quale? Etichettare è una esigenza di marketing a cui sfuggono solo i grandi, oppure che sta ai margini del mercato. Etichettarsi può anche essere una scelta o una strategia.
Mattioli (‘squeak the mouse’) é un’influenza o background acquisito per stride? Cos’altro di visivo? Mattioli, tamburini e tutto frigidaire sono fissati nel mio immaginario, come de chirico, sironi, bacon, fuzz tv, l’installazione di eno a brera
Una parola da associare a ‘futuro’?
????
Grazie!
…And You Will Know Us By The Trails Of Dead
In fondo i texani sono famosi per delle performances live veramente incendiarie, con rottura di strumenti, finte risse e quanto di più goliardico ci possa essere per creare un’esperienza che loro definiscono catartica. Ed ora, dopo aver avuto bisogno di tre giorni per riprendermi, non posso che essere d’accordo con questa definizione, abbiamo avuto una vera purificazione quella sera. Simpatici anche i Vue, gruppo spalla: garage rock che deve più ai Led Zeppelin che non ai Fugazi, con il loro sound blues e il look anni ’70 hanno egregiamente scaldato il pubblico per i Trail Of Dead. C’è da dire che il concerto si svolgeva in una minuscola cantina ed io ero proprio in prima fila, a due passi dalla band che non si è naturalmente rifiutata di interagire con il pubblico. I texani hanno fatto uno show in gran parte di sola musica con pezzi hard da pogo sfrenato e melodie dolci gradevolmente arpeggiate, tutto di un livello tecnico decisamente all’altezza. Naturalmente c’è stata anche la consueta distruzione degli strumenti dopo la conclusiva Richter Scale Madness, in ultimo la batteria a cui ho partecipato allegramente anche io e qualche altro salito sul palco.
L’unico rimprovero che si potrebbe fare è forse di aver dato troppo spazio all’ultimo album oscurando gli ottimi precedenti, però i bis hanno soddisfatto anche la mia voglia di pezzi più vecchi (con Ounce of Prevention e Prince With A Thousand Enemies). Alla fine ci siamo fatti firmare il cd e abbiamo stretto la mano a tutti i componenti della band che ci hanno ringraziato per la presenza e che sperano di tornare presto. Non mi resta quindi che mandare “many thanks to the Trail Of Dead for the great show” e un bel “***** off to their crew” per non averci dato le bacchette della batteria, che ci siamo dovuti prendere con la forza. Un grazie anche ad Alessandro che ha allegramente partecipato e s’è pure preso l’influenza per questo concerto.
Damiano Gerli
Che Chapter 127 ‘ Profit Prophet ‘
In questo momento in cui le Major producono decine di bands “Nu Metal”, ognuna clone di se stessa e delle altre, infonde fiducia ascoltare gruppi come i Che Chapter 127.
Loro tengono a precisare che nascono come veicolo di espressione delle istanze politiche radicali. E nella loro musica vedono un mezzo efficace per “lottare contro il Nuovo Ordine Mondiale”.
Il suono è originale ed energico e queste sono le due linee guida essenziali del disco.
Molto incisiva la voce di Meegan che rende estremamente dinamiche le canzoni costituite da una base ritmica tutt’altro che timida e da chitarre dai riffs decisi e taglienti. Ascoltandoli sembra quasi di vederli suonare in concerto; risulta facile immaginare mentre si agitano sul palco, con la cantante che salta da tutte le parti!
Il loro suono condivide qualcosa con gruppi come Sparkmarker, che loro citano e ringraziano, nonché con altri gruppi dell’”ala creativa” della Revelation Record. Non bisogna certo nascondere che in più di un’occasione si avvertono cupe atmosfere alla Deftones.
Nove canzoni dai testi tutt’altro che futili, dal suono ora melodico (Conquistadores) ora duro e graffiante che sale d’intensità spesso anche durante la singola canzone come in One minute of silence.
Ben curata anche la parte grafica, con i disegni-collages all’interno del CD che richiamano lontanamente le immagini care all’ala politicizzata del punk-HC americano degli anni ’80.
Il gruppo in definitiva appare ben inquadrato, e il fatto che lo sia anche politicamente non può fare che piacere vista l’opposta tendenza odierna.
Conscio che nessuno è libero da contraddizioni, resta però un dubbio: come mai un combo così orientato, che lancia slogan rivoluzionari a tutto spiano, fa uso del Copyright?
Voto: 7
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Autore: michelepan@katamail.com