Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
, ,

Intervista con Markus Müller, autore del volume ‘Free Music Production FMP: The Living Music’

“La FMP Free Music Production è stata una delle più importanti etichette discografiche nel campo della musica Free Jazz europea. Nato a Berlino dalla volontà dei musicisti tedeschi Peter Brötzmann e Jost Gebers di avere il completo controllo artistico delle proprie opere, inizia nel 1969 con la produzione di artisti che hanno contribuito a definire il linguaggio della musica improvvisata contemporanea (vedi Derek Bailey, Han Bennink, Evan Parker, Enrico Rava). Così facendo la casa discografica ha creato una rete molto fertile di collegamenti tra Germania, Inghilterra, Belgio, Olanda, Italia, e ha prodotto una serie di opere qualitativamente importanti fino al 2010.” Per saperne di più, leggetevi tutta l’intervista con Markus Müller, autore del bellissimo libro ‘Free Music Production FMP: The Living Music’. Una miniera di informazioni! E leggete anche la mia recensione! Ringrazio Moira Bernardoni per avermi aiutato nella traduzione dall’inglese all’italiano.

Qui trovate l’intervista in Inglese

Come è nata l’idea del libro?

Avevo scritto molto della FMP e avevo anche intervistato parecchi dei protagonisti principali. Intorno al 2010 ho deciso di chiedere a Jost Gebers e ho iniziato a intervistare gente allo scopo di mettere insieme un libro. Come puoi vedere ci sono voluti più di dieci anni per finirlo.

Quali ricerche hai svolto e dove?

Ho passato molto tempo a Borken, in Westfalia, dove Jost Geber aveva trasferito l’archivio della FMP nel 2003 dopo essersene andato da Berlino. E poi al Jazz-Institut a Darmstadt, dove c’è delle proprietà della FMP. Inoltre ho provato a parlare con quante più persone possibili legate alla FMP. In particolar modo con Nele Hertling, dell’Accademia dell’Arte di Berlino, che è stato estremamente importante per la FMP fin dal 1969.

Cecil Tayor è stato un personaggio fondamentale per la FMP, ma secondo me sono stati importantissimi l’uno per l’altra. Che ne pensi di questa interpretazione? Hai avuto modo di parlare di questo speciale rapporto con Cecil Taylor quando scrivevi il libro?

Certo, sono assolutamente d’accordo. Cecil Taylor e la FMP erano come vasi comunicanti. Lui era già una star quando arrivò a Berlino per la prima volta, non nel senso Pop del termine ma per quanto riguarda l’eredità della Free Music. E nel 1988 la FMP gli diede l’incredibile opportunità di diventare una superstar, specialmente dopo la pubblicazione del box ‘Cecil Taylor in Berlin’. E questo a sua volta ha reso la FMP un “primus inter pares” tra tutte le etichette dedicate alla Free Music. La FMP acquisì fama mondiale, divenne un fenomeno internazionale grazie agli sforzi di Jost Gebers. E ancora oggi non c’è pubblicazione che possa essere comparata al box di Cecil Taylor, nessuna.

Il libro è composto da bellissime foto di artisti e artiste, di svariate locandine. Come è stato “navigare in quel mare magnum” di informazioni e immagini?

Si trattava di scegliere cosa lasciar fuori dal libro. Ho lavorato per lo più con negativi originali e ci sono migliaia e migliaia di incredibili, fantastiche immagini scattate da Dagmar Gebers e altri. E questi negativi dovevano essere digitalizzati e puliti ecc. Ci sono voluti anni e, nonostante questo, proprio alla fine abbiamo trovato immagini che io non avevo mai visto prima, che dovevamo assolutamente prepararci a poter includere nel libro. È stata una totale gioia, ma è stato anche tanto stress. Uno tende a svegliarsi la mattina e a pensare: “avrò fatto le scelte giuste? Sono davvero queste le immagini che dovrebbero starci?”. Quindi, per chiunque fosse interessato: ce ne di più, molto di più.

Alla fine del libro ci sono le immagini delle mostre di Monaco e Berlino. Secondo te una mostra così è pensabile per l’esportazione? O ha una matrice prettamente nazionale? Non so se mi sono spiegato, ma fammi sapere.

Sì, penso che sia assolutamente possibile far viaggiare la mostra. Costerebbe un sacco di soldi e, realisticamente parlando, dovrebbe essere adattata a uno spazio adeguato. Nel libro puoi vedere che Berlino e Monaco erano già molto diverse l’una dall’altra. A Berlino ce n’era una di stanza “contro” le quattro di Monaco. E in qualsiasi modo, il tutto dovrebbe essere di altissimo livello.

Pensi che una label come la FMP sia possibile in questo momento storico? Con la sua cura, con la sua capacità di allacciare relazioni senza barriere né confini? Oppure è stata un’esperienza irripetibile?

Spero proprio di sì. Per ragioni storiche, beh, “non puoi ci entrare due volte nello stesso fiume, perché altre sono le acque che ci scorrono continuamente”. Le cose sono diverse oggi e avresti bisogno di gente realmente disposta a sacrificarsi assai. Ma io ci credo nelle persone, quindi sì.

Hai altri libri come questo in programma per il futuro?

Sto progettando un libro su Documenta11, la mostra d’arte tenutasi a Kassel nel 2002, quindi qualcosa di molto diverso. Dopo ECM e FMP credo di aver dato la mia parte di musica per ora.

Link: Monheim Triennale Markus Müller

Link: wolke verlag book on music: Markus Müller

/da
Marco Paolucci
, ,

Interview with Markus Müller, autor of the book ‘Free Music Production FMP: The Living Music’

“The FMP Free Music Production was one of the most important record labels in the field of Free Jazz European music. Born in Berlin from the will of German musicians Peter Brötzmann and Jost Gebers to have complete artistic control of their works, it started in 1969 with the production of artists who helped define the language of contemporary improvised music (see Derek Bailey, Han Bennink, Evan Parker, Enrico Rava). In doing so, the record label created a very fertile network of connections between Germany, England, Belgium, Holland, Italy, and produced a number of qualitatively important works until 2010.” To know more about it, read the whole interview with Markus Müller, author of the beautiful book ‘Free Music Production FMP: The Living Music’. A mine of information! And read my review, too! I’d like to thank also Moira Bernardoni for her help with the translation from English to Italian.

Here the Italian Translation

How did the idea of the book come about?

I had written extensively about FMP and also interviewed quite a few of the main protagonists. About 2010 I decided to ask Jost Gebers and began to interview people for the purpose of putting a book together. As you can see it took more than ten years to finis hit…

What research did you do? And where did you do it?

I spend a lot of time in Borken, Westphalia, where Jost Gebers had moved the FMP-Archive to in 2003 after leaving Berlin. And then at the Jazz-Institut in Darmstadt, where parts of the FMP-Estate are. Plus I tried to speak with as many people related to FMP as possible. Especially with Nele Hertling, from the Akademie der Künste in Berlin, who was extremely important for FMP, beginning in 1969.

Cecil Tayor was a key figure for the FMP but – in my opinion – they played a vital role for each other. What do you think about this interpretation? Did you get to talk about this special relationship with him when you were working on the book?

Yes, I absolutely agree. Cecil Taylor and FMP were like communicating tubes. He was a star already when he first came to Berlin, not in a Pop-sense but in terms of the legacy of Free Music. And FMP build this incredible opportunity for him in 1988 that turned him into a superstar, especially after the release of the ‘Cecil Taylor in Berlin’88’-Box. And that in turn made FMP a primus inter pares among all the labels dedicated to Free Music. FMP became world reknown, it became an international phenomenon thanks to the efforts of Jost Gebers. And till today there is no publication that can compare to the Taylor-Box, none.

The book features plenty of beautiful photographs of artists and various posters. How would you describe the experience of sailing across such a vast sea of information and images?

It was all about what to leave out of book. I mostly worked with the original negatives and there are thousands and thousands of incredibly fantastic images from Dagmar Gebers, among others. And these negatives had to be digitized and cleaned etc. etc. It took years and still, at the very end we found images that I had never seen before that we really had to get ready to be able to include them into the book. It was a lot of utter joy, but it was a lot of stress, one tends to wake up in the morning thinking: “did I make the right choices, are these really the images that should go in?”.
So for anybody interested: there is more, much more.

At the end of the book, there are pictures of exhibitions in Munich and Berlin. Do you think it could be possible to make it land in other shores? Or do you think that the matrix is too local to export it? (Should my question not be clear, please let me know).

Yes, I think it is absolutely possible to travel such an exhibition. It would cost a lot of money and realistically it would have to be adjusted to the space available. You can see in the book that Berlin and Munich were quite different from each other already. There was one room in Berlin “against” four in Munich. And whichever way, everything would have to be of the highest standard.

In the current historical conjuncture, can you imagine a label able to take care of relationships beyond barriers and borders like FMP was able to do? Or do you rather think that its experience was unique?

I really hope so. For historical reasons, well “Non si può entrare due volte nello stesso fiume, perché altre acque scorrono continuamente”. “You cannot step into the same river twice, for other waters are continually flowing on.” So, things are different today and you would need people to really, really sacrifice a lot. But I believe in peoples, so yes.

Are you planning to work on similar books in the future?

I am planning a book about Documenta11, the art exhibition in Kassel in 2002, so something very different. After ECM and FMP I believe I did my share of music for now.

Link: Monheim Triennale Markus Müller

Link: wolke verlag books on music: Markus Müller

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista a Rolando Giambelli direttore del Beatles Museum di Brescia

Dopo aver ricercato e intervistato alcuni direttori di Centri di ricerca, Musei e Studi di registrazione dedicati alla musica elettronica (qui trovate l’ultima, per ora, a Claudio Capponi e a cascata tutte le altre), ora mi dedico a cercare e intervistare direttori, gestori, collezionisti di musei del “caro e vecchio” Pop Rock’n’Roll. Inizio questa nuova serie intervistando Rolando Giambelli, creatore e direttore del Beatles Museum di Brescia. Persona simpaticissima e disponibile a scambiare con me le consuete quattro chiacchiere digitali, appena l’ho contattato per avere informazioni. P. s. l’argomento lo conoscono anche i sassi, quindi basta cappello introduttivo e godetevi l’intervista. Ultima cosa, ringrazio Antonio Bacciocchi per avermi fornito il contatto.

Perché e quando è nato il Beatles Museum di Brescia?
Il Beatles Museum (il primo ed unico museo italiano ed il secondo nel mondo, dopo la chiusura di quello di Tokyo) è gemellato con quello di Liverpool a Mathew Street, è stato inaugurato il 14 febbraio 2001 a Brescia in via Trieste ed è nato dalla grande passione per i Beatles di Rolando Giambelli, che in precedenza, il 5 Ottobre 1992, fondò l’associazione Beatlesiani d’Italia Associati.

Qual è stata l’ispirazione iniziale?
Il Beatles Museum è stato concepito per celebrare il fenomeno musicale e di costume che ha cambiato il mondo giovanile negli anni ’60, ma anche per le nuove successive generazioni a livello planetario. Vi si svolgono eventi musicali ed incontri per presentare libri e dischi nuovi, ma soprattutto eventi dedicati al mondo del collezionismo, con proiezioni di video, e dibattiti, in seguito a seminari sulla musica dei Beatles svolti da ospiti e docenti di fama nazionale.

Dove si trova?
Dopo un periodo iniziale in centro città e 13 anni di presenza al Museo della Mille Miglia la storica corsa automobilistica nata a Brescia, attualmente il Beatles Museum è ospitato presso l’Antica Birreria Wuhrer, un’altra storica realtà dal 1829 a Brescia, in Viale Bornata 46.

Quali oggetti contiene?
Nel Beatles Museum sono esposti oltre a innumerevoli “memorabilia” dell’associazione, anche oggetti e dischi rarissimi dei Beatles prestati da tanti generosi collezionisti, libri, foto, posters, documenti autografi ed oggetti vari di grande pregio e di notevole interesse. Il Beatles Museum è quindi un valore aggiunto anche per quanto riguarda le tradizionali proposte di svago culturale per il Tempo libero per gli abitanti, e per i visitatori della città di Brescia.

C’è qualche aneddoto interessante intorno al Museo?
Ricordiamo innanzitutto che il ‘Beatles Day’ (Marchio Depositato) che per scelta del suo ideatore si tiene a Brescia da 33 anni ai primi di giugno, per celebrare ogni anno lo storico incontro fra i Beatles e il loro produttore George Martin, è la manifestazione musicale riconosciuta ormai a livello internazionale, che porta alla città da ben 33 anni tantissimi musicisti, collezionisti ed ospiti importanti, e turisti a migliaia, visitatori appassionati, non solo del Beatles Museum, ma dell’intera città. Il Beatles Museum è pertanto noto, fin dall’inizio, a livello internazionale tanto da essere citato da Hunter Davies, il biografo ufficiale dei Beatles, nella terza edizione del suo libro “The Beatles” che tutti gli appassionati al mondo conoscono. Anche grazie a ciò, e poiché le immagini degli ambienti espositivi del Beatles Museum sono ancora visibili nel nostro sito: Beatlesiani d’Italia Associati, molte sono tuttora le richieste da ogni parte del globo, di informazioni sul museo e come poterlo visitare.
Del Beatles Museum era stato messo a conoscenza direttamente dal fondatore Rolando Gianbelli anche Paul McCartney nel corso della conferenza di presentazione di ‘Wingspan’ a Milano nel 2001. The Beatles Museum è stato dedicato a George Harrison, il grande musicista dei Beatles appassionato di corse e di automobili, durante i 13 anni di collocazione presso il Museo della Mille Miglia!

Come si può vivere e visitare il museo?
Ci si può recare al Beatles Museum durante gli orari di apertura di ogni Sabato dalle 16 alle 19; oppure previa prenotazione telefonando allo 030 306919 alla sede dei Beatlesiani.
In ogni caso, il modo migliore per visitare il Beatles Museum è quello di andarci in occasione di tutti gli eventi beatlesiani che vi sono organizzati e comunicati tempestivamente dai media e soprattutto daI “Beatlesiani d’Italia Associati” attraverso il sito: Beatlesiani d’Italia Associati, che cartaceo con il bollettino ‘B.D.I.A. NEWS’.

Il museo è aperto a collaborazioni con l’esterno?
Numerosi incontri beatlesiani, con mostre, concerti e convegni a tema si svolgono al Beatles Museum, nel corso degli anni successivi, con la partecipazione di appassionati collezionisti e musicisti provenienti da tutto il mondo… e non solo Beatles, ma anche tutto ciò che dal mitico Quartetto di Liverpool è derivato… Come per esempio i Rolling Stones, ma anche Jimi Hendrix, Miles Davis…. Beethoven, Chuck Berry, ecc.
Anche Freda Kelly, la segretaria dei Beatles, Eddie Clein, nel 2000 sindaco di Liverpool, The Quarrymen di John Lennon, il rocker Tony Sheridan che suonò anche con i Beatles, il sosia di John Lennon, Gary Gibson e tanti altri… sono stati tra i visitatori del Beatles Museum.

Prevedete possibili sviluppi del Beatles Museum? Ad esempio un libro o un documentario che ne racconti la storia attraverso interviste e video?
Stiamo da tempo pensando di fare un libro guida e catalogo, magari di tutto quanto esposto al Beatles Museum.

Progetti futuri?
Tanti e belli… ancora in testa!

Link: Beatles Museum

/da
Giacomo Fronzi
, ,

Intervista ad Anna Danielli dell’Associazione Culturale ‘Circolo di Ave’ – Palazzo Brancadoro di Fermo

Il panorama culturale del nostro Paese è estremamente diversificato. Talvolta, lo è così tanto da risultare frammentato e, si sa, in un contesto frammentato è difficile orientarsi. Ecco, allora, che alcune realtà virtuose, culturalmente interessanti e musicalmente rilevanti, rischiano di non essere adeguatamente conosciute. Tra queste, figura senza dubbio lo splendido Palazzo Brancadoro di Fermo, da qualche anno palcoscenico delle attività del “Circolo di Ave”, associazione culturale che, tra le altre cose, organizza rassegne di musica da camera che si svolgono, appunto, all’interno delle sale affrescate di questa meravigliosa dimora storica. Scopriamone di più con Anna Danielli, componente della famiglia che, dall’inizio del Novecento, è proprietaria del Palazzo e animatrice principale del “Circolo di Ave”.

Dottoressa Danielli, ci vuole raccontare in poche battute la storia di Palazzo Brancadoro?
Palazzo Brancadoro sorge tra le vie medievali del centro storico di Fermo, risale alla fine del XVII secolo e fu fatto edificare da una delle più antiche famiglie patrizie della città.
Dall’Elenco Nobiliare Ufficiale delle Marche risulta che “all’antichissima famiglia Brancadoro sono assegnati i titoli di Marchese, Conte, Patrizio di Fermo, Nobile di Fano e Nobile di Orvieto. Il loro stemma di famiglia è di rosso a due branche di leone d’oro poste a croce di Sant’Andrea”.
Questa antica casata non aveva origine papalina, come la maggior parte delle famiglie del luogo, ma risaliva all’imperatore Sigismondo, che il 12 aprile 1433 aveva conferito il titolo di conte palatino del Sacro Romano Impero a Giovanni Brancadoro. Tra i personaggi illustri della famiglia spicca il cardinale Cesare Brancadoro (1755-1837), protagonista di importanti vicende fermane, elegante letterato e oratore.
Il cardinale risiedette nel palazzo fermano per gran parte della sua vita e il piano nobile fu il suo appartamento di rappresentanza.
Intorno agli anni Trenta del secolo scorso, nostro nonno, Aroldo Danielli, acquistò il piano nobile, il secondo piano, le soffitte e le cantine e, da allora, la nostra famiglia continua a risiedervi.
Nel 1997 sono stati eseguiti alcuni interventi di restauro per preservarne il pregio storico e artistico. Uno dei luoghi più suggestivi della dimora è la sala da ballo, luogo ricco di affreschi, specchi e decori che oggi è palcoscenico di rassegne musicali, prevalentemente di musica da camera, de “Il Circolo di Ave”, associazione culturale che ha sede nella dimora. Il Palazzo, inoltre, fa parte da più di tre anni del circuito delle Dimore del Quartetto, rete virtuosa che valorizza giovani quartetti d’archi e le dimore storiche europee in un’economia circolare. Palazzo Brancadoro collabora anche con il FAI- Fondo Ambiente Italiano e, recentemente, è entrato a far parte della prestigiosa famiglia A.D.S.I., Associazione Dimore Storiche Italiane.

Come e quando è nata l’idea di aprire il Palazzo al pubblico, invitandolo a partecipare a iniziative culturali? E, solitamente, come sono strutturati gli appuntamenti che organizzate?
L’idea di aprire il Palazzo al pubblico ha origini lontane: l’amore profondo per questo luogo ci accompagna da sempre e il desiderio di renderlo importante non solo per noi della famiglia ma anche per gli altri, è cresciuto sempre di più nel corso degli anni. Dopo la scomparsa, nel 2017, di nostro padre, il desiderio mio e di mia sorella di aprire le porte di un luogo così intimo e prezioso, renderlo un po’ “pubblico” e “donarlo” anche agli altri è diventata una costante aspirazione e, oggi, un progetto di vita che trova ispirazione nei valori di generosità, disponibilità e condivisione.
Palazzo Brancadoro ha accolto in pochi anni prestigiose iniziative culturali ed eccellenze del territorio fermano, nazionale e internazionale, ha promosso musicisti e artisti emergenti, ha collaborato con alcune importanti realtà nell’ambito del panorama musicale e artistico non solamente italiano.
La rassegna musicale, giunta alla IV edizione nel 2022, propone generalmente sei concerti all’anno. Ogni concerto è ospitato nella sala della musica e, prima di ogni esibizione, grazie alla collaborazione con Karussell – associazione d’arte contemporanea – offriamo al pubblico un assaggio di arte contemporanea presentato da Matilde Galletti (curatrice e docente dell’Accademia delle Belle Arti di Brera). Al termine di ogni concerto, viene offerto un aperitivo diffuso nelle sale affrescate della dimora, momento conviviale in cui gli ospiti possono intrattenersi con i musicisti, occasione solitamente non di facile realizzazione nei luoghi di musica più tradizionali. Le serate culturali de “Il Circolo di Ave” hanno il desiderio di ricreare i salotti musicali di epoche lontane e atmosfere di altri tempi in cui gli ospiti amano immergersi.
Inoltre, durante l’anno, il Palazzo apre le proprie porte anche a iniziative d’arte contemporanea, con mostre e installazioni, prodotte e promosse dall’associazione Karussell e, a cadenza mensile, la dimora è visitabile attraverso il circuito delle Dimore Storiche di Fermo.

In pochi anni, Palazzo Brancadoro è stato palcoscenico di performance musicali che hanno visto impegnate formazioni cameristiche e solisti di alto livello, come il Quartetto di Cremona o il pianista Lorenzo Di Bella. Ci dica qualcosa sui musicisti che finora si sono avvicendati nelle vostre sale.
Avere ospitato il Quartetto di Cremona l’8 gennaio 2022 per il concerto inaugurale della IV stagione della rassegna, è stato per noi un’emozione indescrivibile. Ammirare questi grandi musicisti esibirsi nella nostra casa rimarrà uno dei ricordi più emozionanti della storia delle iniziative culturali dell’Associazione. Ascoltare la grande musica a Palazzo Brancadoro regala sensazioni speciali e quel luogo prezioso torna ad avere la sua giusta atmosfera e identità. Anche l’ultimo concerto con il M° Lorenzo Di Bella insieme all’Ensemble d’Archi Brancadoro ha emozionato e incantato il pubblico presente in sala. Con alcuni dei musicisti, ospitati per la rassegna, nascono anche interessanti collaborazioni: aspetto molto importante per creare rete tra realtà eccellenti e virtuose.

Recentemente, Palazzo Brancadoro è entrato a far parte della rete delle Dimore storiche italiane. Cosa può significare per voi?
Sì, Palazzo Brancadoro recentemente è entrato a far parte di questa importante famiglia: l’A.D.S.I. Associazione Dimore Storiche Italiane – il museo diffuso più grande d’Italia. Rappresenta un riconoscimento importantissimo a dimostrazione del fatto che, oltre al prestigio che la dimora fermana custodisce da sempre, la grande dedizione e l’infinita passione unite al desiderio di condividere questo luogo prezioso con chi ne abbia desiderio, risultano essere sempre più apprezzati.

Non solo musica, ma anche arte. Ci dica qualcosa anche su questa vincente combinazione.
Come accennato sopra, la dimora dal 2020 ha aperto le sue porte anche all’arte contemporanea avvalendosi della preziosa collaborazione dell’associazione Karussell (arte contemporanea) che produce e promuove le varie mostre presentate a Palazzo Brancadoro. L’anno scorso, ad esempio, la dimora ha ospitato, tra le altre, una personale di un grande duo artistico del panorama nazionale e internazionale dell’arte contemporanea: Vedovamazzei.
Il binomio tra dimora storica e arte contemporanea produce vibrazioni molto interessanti e rende entrambi i protagonisti ancora più potenti. Sembra che l’uno abbia bisogno dell’altro per incantare ancora di più.
L’arte contemporanea, inoltre, accompagna ogni concerto della rassegna musicale attraverso il progetto ideato dal Circolo di Ave e da Karussell denominato “Bocconcini”, assaggi d’arte contemporanea per stuzzicare l’appetito di cultura.
La dimora, infine, ospita una collezione d’arte contemporanea che può essere ammirata durante le giornate di apertura del Circuito delle Dimore Storiche di Fermo

Quali progetti avete in mente di realizzare?
Il Circolo di Ave percorrerà sempre la strada della bellezza e della sua condivisione. Questo riguarda sia la programmazione musicale che quella dell’arte contemporanea. È già in fase di definizione la prossima stagione della rassegna musicale (2023) che ospiterà grandi musicisti e anche giovani artisti emergenti che sapranno regalare, a tutti coloro che vorranno partecipare, intense emozioni e serate indimenticabili in un’atmosfera d’altri tempi.

Link: Il Circolo di Ave Facebook Page

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista a Roberto Paci Dalò, fondatore di Usmaradio – Centro di Ricerca per la Radiofonia

Ho conosciuto il nome Usmaradio seguendo gli aggiornamenti della ricerca portata avanti dalla studiosa e musicista Johann Merrich. Quando l’ho intervistata qui, una domanda ha riguardato infatti il centro Usmaradio, e da quel momento ho ritenuto necessario approfondire ulteriormente la conoscenza di questo Centro di ricerca per la Radiofonia. Come al solito mi sono attivato e ho scambiato le mie consuete quattro chiacchiere digitali con il fondatore Roberto Paci Dalò, che si è mostrato disponibile a raccontare come è nata e che cosa fa nello specifico Usmaradio. A voi la lettura:

Come nasce il progetto Usmaradio?
Usmaradio nasce nel 2017 da una proposta di Corrado Petrocelli, rettore dell’Università degli Studi della Repubblica di San Marino. Fondata e diretta da Roberto Paci Dalò e guidata insieme ad Alessandro Renzi con la partecipazione di studenti e docenti. Sulla base di un lavoro all’interno della radiofonia nato alla fine degli anni Ottanta a Vienna, Usmaradio fin dalla sua nascita ha fatto tesoro si questa storia e dell’ampia rete di collaborazioni da vari luoghi nel mondo. (foto RobertoPaciDalo@ArchiveGiardiniPensili)

Dove si trova?
Gli studi si trovano    in cima al monte di San Marino all’interno dell’Antico Monastero Santa Chiara (1608) che attualmente ospita i corsi di Design di Unirsm. A questi spazi si affianca lo studio di Giardini Pensili sulle colline di Rimini e host che lavorano con micro studi radiofonici ospitati da smartphone e tablet dislocati in giro per il mondo.

KIN 2021 (foto SF Claudia Borgia, Lisa Capasso)

Perché un centro dedicato alla ricerca radiofonica?
La radio, differentemente dalla televisione che è un elettrodomestico al pari di lavatrici e lavastoviglie, è un medium e una tecnologia. Il nostro presente è completamente radiofonico come anche le connessioni dei dispositivi che usiamo nel quotidiano. Non esistevano fino ad ora Centri di ricerca universitari interamente dedicati alla radiofonia ed è per questo che il progetto è de facto pionieristico. Ogni giorno scopriamo qualcosa di nuovo.

Come funziona il centro? Quali attività vi vengono svolte?
Il Centro è uno dei nodi di un sistema tripartito che abbiamo sviluppato in questi anni. Abbiamo qundi l’Emittente (produzione), la Scuola di Radiofonia (didattica) e il Centro di ricerca per la radiofonia CRIR (ricerca). Le attività sono strettamente intrecciate in modo tale da creare approfondimenti reciproci tra i vari settori. La programmazione della radio presenta un palinsesto 24/7 fatto di musica, podcast, programmi realizzati appositamente internamente, e diffusione di progetti di tante altre radio. Non presentiamo musiche mainstream semplicemente perché lo fanno, e molto bene, tante altre radio. Vogliamo invece presentare tutte quelle musiche e quei suoni che sfuggono dai palinsesti generalisti, senza preclusione di generi o formati. Un’attenzione particolare è data alla produzione di performance radiofoniche con artisti dislocati in luoghi diversi che lavorano insieme attraverso interfacce che abbiamo sviluppato o implementato (cfr. il progetto Crown). Un riferimento principe di Usmaradio è quello degli studi di musica elettronica che tra gli anni Cinquanta e Ottanta hanno permesso lo sviluppo di progettualità e opere straordinarie.

Come è possibile esperire il Centro Usmaradio? Vengono organizzate visite guidate, workshop?
Usmaradio è uno spazio aperto a visite e proposte. È ovviamente possibile collaborare anche in remoto grazie all’utilizzo di varie piattaforme che permettono di creare programmi di buona qualità indipendentemente da dove ci si trova. È la Scuola di Radiofonia che fa da guida alle realizzazioni di workshop e momenti di apprendimento che realizziamo in sede e altrove volutamente in maniera nomade. L’ultimo progetto in esterni si è svolto pochi mesi fa all’Arena del Sole di Bologna all’interno del corso di Drammaturgia promosso da ERT Emilia Romagna Teatro. L’ abbiamo lavorato con un folto gruppo di drammaturghi e registi al progetto Senta, Pasolini.

Come si pone la ricerca che viene portata avanti al Centro con la cultura popolare contemporanea? In particolare con la Cultura digitale?
Fin dalla sua nascita abbiamo avviato rapporti con varie aziende a laboratori per contribuire allo sviluppo di tecnologie e nostro avviso utili in ambito radiofonico e sonoro. Il nostro mondo, la nostra attività quotidiana, è strettamente intrecciata agli sviluppi della scena elettronica di varia natura che potremmo definire cultura popolare contemporanea. Usmaradio è anche uno spazio espositivo dove vengono regolarmente presentate mostre che lavorano sul suono in collaborazione con strutture locali e internazionali. Riteniamo fondamentale portare avanti una riflessione sulla parità di genere ed è per questo che una parte della progettazione è dedicata alle protagoniste della scene della musica elettronica dagli albori ai giorni nostri.

Radio-Residenza-day 3-7

Siete aperti a collaborazioni?
Sempre e con le Radio Residenze abbiamo una Open Call permanente.

Prevedete possibili sviluppi futuri del Centro Usmaradio? Ad esempio produzioni discografiche, video, documentari?
Abbiamo recentemente avviato il progetto di Radio Residenze  con la presenza degli artisti Katatonic Silentio e Demetrio Cecchitelli che, al termine di un periodo di residenza, hanno presentato una performance radiofonica in diretta. Questa registrazione inaugurerà la futura etichetta Usma Dischi dedicata interamente alla produzione e distribuzione di opere nate nella e per la radiofonia. Le Radio Residenze si svolgono in spazi sicuri e inclusivi, che ad esempio offrono la possibilità di ospitare bambini, piccoli nuclei familiari, accompagnatori, animali domestici. Le residenze artistiche permettono a chi si occupa di arte e ricerca di concentrarsi nell’ideazione, nella creazione e nello sviluppo di un nuovo lavoro dedicato al mondo della radiofonia in luoghi attrezzati e altamente contaminanti: spazi, relazioni e tempo sono gli ingredienti imprescindibili del supporto alla creazione. Sin dagli anni Cinquanta, gli studi radiofonici e di musica elettronica delle radio nazionali hanno creato occasioni di incontro, collaborazione e sperimentazione: attraverso tecnologie e pensieri di oggi, le Radio Residenze ribadiscono la cruciale importanza di questi spazi fisici che molto hanno lavorato sul rapporto tra sperimentazione sonora e radiofonia. Le Radio Residenze non sono solo un momento adatto alla fioritura di nuove opere ma accolgono anche la germinazione di attività di studio e ricerca dedicate alla radiofonia. Radio Residenze è un programma di residenze artistiche offerto da Usmaradio – Centro di Ricerca per la Radiofonia in collaborazione con Giardini Pensili (Rimini) e con il sostegno di Transcultures (Bruxelles) insieme a una rete di partner in Italia e all’estero.

Link: Usmaradio Home Page

Link. Usmaradio Facebook Page

Link: Usmaradio Instagram Profile

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con Daniel Paris-Clavel, editore della fanzine francese ‘Chéribibi’

Ho scoperto la fanzine francese ‘Chéribibi’ seguendo il profilo facebook della studiosa, discografica, musicista americana Miriam Linna. Ho fatto una ricerca sul sito della fanzine, mi sono piaciuti subito la grafica, gli articoli sulla musica, e ho pensato di contattare la redazione per capirne di più. Così ho potuto scambiare le mie consuete quattro chiacchiere digitali con l’editore Daniel Paris-Clavel e farmi raccontare la storia di ‘Chéeribibi’. Prima di lasciarvi all’intervista ringrazio Erica Minnetti per il suo aiuto nella traduzione.

Qui trovate l’intervista in francese

Come è nata l’idea della rivista?

La fanzine è nata nel 1991, quando ero al liceo. Con alcuni amici ci è venuta la semplicissima idea di creare un piccolo giornale per divertirci e far ridere gli amici. Poi, naturalmente, si è evoluto con il suo autore principale. Nel 2007, dopo una quindicina di numeri, è uscito il numero 1 della “nuova formula”, stampato in offset, con una chiara linea editoriale: parlare di cultura popolare (che viene dal popolo, per il popolo) nei suoi aspetti più diversi (cinema, musica, letteratura, sport…). Questo, senza mai tralasciare il contesto sociale di produzione delle opere. Al ritmo di circa un numero all’anno, stampato in 2000 copie e distribuito in librerie, negozi di dischi, negozi di tatuaggi, ecc., l’avventura continua ancora più bella!

Ogni numero ha una sua caratteristica. Come avete scelto in questi anni quali articoli mettere nel giornale?

Si tratta proprio di desideri, curiosità e incontri! Voglio intervistare le persone che mi piacciono, quindi quando le vedo, tiro fuori il microfono! E quando vedo un film, un romanzo, un disco il cui tema mi piace, parto alla ricerca finché non ne trovo altri sullo stesso tema. Che si tratti di pirati, «giovani delinquenti», pionieri del rock’n’roll, del soul o del reggae… Posso lavorare su certi argomenti per anni, poi riverso tutto nelle fanzine, e voilà. Alla fine, c’è una varietà di contenuti che riflette sia i miei gusti che questa curiosità assoluta. Ad esempio, per quanto riguarda le culture popolari italiane, ho intervistato il collettivo di attivisti scrittori Wu Ming e gruppi musicali come Nabat (che per inciso includeva uno dei membri dei Wu Ming), Klasse Kriminale o Banda Bassotti. E ho potuto parlare tanto dell’aspetto politico del western italiano (per esempio attraverso uno sceneggiatore come Franco Solinas o il magnifico ‘Quién sabe?’ di Damiano Damiani con Gian Maria Volonté) quanto dei film di Lina Wertmüller o dei fumetti neri di Magnus e Max Bunker, il primo a presentare una (terribile) protagonista femminile con Gesebel! Vorrei anche fare un giorno un articolo sui tre superbi western di Sergio Sollima oltre che sul fumettista Andrea Pazienza, ingiustamente mai pubblicato in Francia!

Vi ho conosciuti grazie a Miriam Linna, musicista, storica della letteratura pulp, discografica con la Northon Records. Come vi è venuta l’idea di intervistarla?

Conoscevo il suo lavoro con la Norton Records e, ovviamente, il suo coinvolgimento negli esordi della band The Cramps, ma soprattutto le sue fanzine, tra cui ‘Bad Seed’ che è stata la prima a parlare di tutta quella cultura del “juvenile delinquent” degli anni ’50. Dato che avevo preparato un approfondimento sul tema, l’occasione era perfetta per contattarla. Parlando per due ore con lei, abbiamo pubblicato la prima parte – dedicata alla delinquenza giovanile – nell’ultimo numero e pubblicheremo il seguito – dove parla della sua carriera e dei suoi incontri – nel prossimo.
Il piacere è tutto nel farsi la stampa da soli, liberi dai dettami del commercio, per poter parlare di ciò che ci piace nel modo in cui ci piace! E quando si intervistano persone a cui la stampa commerciale non presta molta attenzione, si tratta sempre di grandi incontri. Umani.

Photo de Fran Pelzman

Come vedete la cultura musicale in Francia dal vostro punto di vista? Spazi per suonare, label, locali, aiuti ai musicisti durante la Pandemia?

Personalmente sono cresciuto con quello che veniva chiamato “rock alternativo” alla fine degli anni ’80: il punk-rock i cui dischi, concerti, canali di distribuzione erano in mano agli stessi protagonisti di questa cultura. Quindi, anche se ascolto molti altri stili musicali, è in questo spirito che mi riconosco sempre. In Francia, come altrove credo, ci sono ancora scene alternative in stili diversi (punk, reggae, hip-hop, musica elettronica…) ma purtroppo sono meno forti di prima. In primo luogo, l’industria musicale ha integrato molto bene i codici “ribelli” per trarne profitto. E ahimè, molti musicisti ed etichette cosiddetti “indipendenti” aspirano solo a imitare lo star system, sperando di guadagnare qualche briciola a costo di compromessi mercantili… In termini di concerti, francamente, vado quasi esclusivamente in piccoli locali dei sobborghi e in provincia oltre che nei bar. Lo stesso vale per i negozi di dischi. Si tratta di realtà piccolissime ma che sopravvivono grazie a una rete di solidarietà, purtroppo troppo compartimentata tra diversi “stili”. Quanto alla pandemia, al di là della sua tragica realtà, è servita soprattutto ad arricchire ulteriormente i più ricchi (quindi ad impoverire il resto del mondo) e a mettere in atto misure di sicurezza draconiane. Dal momento in cui i nostri governi se ne sono fregati, non si sono preoccupati di salvare gli ospedali pubblici e gli operatori sanitari, perché dovrebbero prendersi cura dei musicisti?
È un’illusione credere che la borghesia si prenderà cura delle classi popolari se non per spremerci come limoni. Quindi, è fondamentale creare e sviluppare le nostre strutture di classe, che si tratti di un sindacato autogestito, di una cooperativa, di un collettivo, di una stazione radiofonica o di una fanzine che parli nel rispetto delle nostre culture e di ciò che viviamo in un ogni giorno, qui o altrove.

Siete attivi anche sui social, sul web, oltre alla rivista?

No. Abbiamo un blog molto semplice, www.cheribibi.net, aggiornato qualche volta l’anno, dove indichiamo dove trovare il ‘Chéribibi’ e i vari eventi a cui partecipiamo (concerti, proiezioni di film, incontri di fanzine, ecc.) , ma non ho alcuna affinità con gli “asocial network” come Facebook, Twitter, Instagram e tutte quelle droghe pesanti egocentriche di cui nessuno sembra più poter fare a meno. Per incontrare persone preferisco uscire di casa e alzare lo sguardo dallo smartphone. Potrò essere un coglione all’antica ma so ancora ritrovare la mia strada per le vie e nella vita quando il mio telefono non ha più batteria.

Un’anticipazione del prossimo numero di Chéribibi?

Bene… spero di pubblicarlo almeno all’inizio del 2023, ma ho molti altri progetti che mi portano via un tempo folle. E poi di giorno sono al lavoro… quindi faccio la fanzine solo di notte. Ma a volte devi dormire bene. Ed esci! Quello che posso dire senza sbagliarmi è che in questo prossimo numero ci sarà quindi il proseguimento dell’intervista a Miriam Linna, oltre alla cantante giamaicana Stranger Cole, al gruppo di psychobilly inglese Long Tall Texans, al cineasta spagnolo Alex de la Iglesia, una stuntman francese, un dossier sugli amerindi contemporanei visti attraverso la letteratura e il cinema, un articolo sul cinema “quinqui” raffigurante “giovani delinquenti” spagnoli (come Deprisa deprisa di Carlos Saura), un servizio su una sala cinematrografica pornografica belga… e tutto quello che potrà essere aggiunto in 132 pagine ben confezionate.. Ad ogni modo, ho già, in magazzino, abbastanza per riempire molti numeri, se dovessi passare i prossimi decenni sepolto in fondo a un rifugio antiatomico… E le genti che passeranno mi diranno “Che bel fior”.

Link: Chéribibi Home Page

/da
Marco Paolucci
, ,

Entretien avec Daniel Paris-Clavel, l’éditeur du le fanzine française ‘Chéribibi’

J’ai découvert le fanzine française ‘Chéribibi’ en suivant le profil facebook de la chercheuse, discographique, musicienne américaine Miriam Linna. J’ai fait une recherche sur le site du fanzine, j’ai tout de suite aimé les graphismes, les articles sur la musique, et j’ai pensé contacter la rédaction pour en savoir plus. J’ai, donc, pu échanger mes «conversations numériques» habituelles avec l’éditeur Daniel Paris-Clavel et me faire raconter l’histoire de ‘Chéeribibi’. Avant de vous laisser à l’interview, je remercie Erica Minnetti pour son aide dans la traduction.

Voici l’interview en Italien

Comment est née l’idée du magazine ?

Le fanzine est né en 1991, alors que j’étais au lycée. Avec quelques copains, on a eu l’idée toute simple de bricoler un petit journal pour nous amuser et faire rire les amis. Puis, naturellement, il a évolué avec son principal auteur. En 2007, au bout d’une quinzaine de numéros, est sorti le n°1 de la «nouvelle formule», imprimé en offset, avec désormais une ligne éditoriale claire: parler de culture populaire (qui vient du peuple, pour le peuple) sous ses aspects les plus divers (cinéma, musique, littérature, sport…). Ce, sans jamais omettre le contexte social de production des œuvres.
À raison d’environ un numéro par an, tirés à 2000 exemplaires et diffusés dans des librairies, disquaires, tatoueurs, etc., l’aventure continue de plus belle!

Chaque numéro du magazine a sa propre caractéristique. Comment avez-vous choisi ces dernières années quels articles mettre dans le journal?

C’est vraiment en grè des envies, des curiosités et des rencontres! J’ai envie d’interviewer des gens que j’apprécie, donc quand je les croise, je sors mon microphone! Et quand je vois un film, un roman, un disque dont la thématique me plaît, je déroule la pelote de laine jusqu’à en trouver d’autres sur les mêmes thèmes. Que ce soient les femmes pirates, les «jdélinquants juvéniles», les pionnières et pionniers du rock’n’roll, de la soul ou du reggae… Je peux travailler certains sujets durant des années, puis je régurgite tout ça dans le fanzine, et voilà.
À l’arrivée, il y a une diversité des contenus qui reflète autant mes goûts que cette curiosité tous azimuts. Par exemple, pour ce qui est des cultures populaires italiennes, j’ai aussi bien interviewé le collectif d’activistes écrivains Wu Ming que des groupes musicaux comme Nabat (dont faisant d’ailleurs partie l’un des membres de Wu Ming), Klasse Kriminale ou Banda Bassotti. Et j’ai autant pu causer de l’aspect politique du western italien (par exemple à travers un scénariste tel Franco Solinas ou le magnifique ‘El Chuncho’ de Damiano Damiani avec Gian Maria Volonté) que des films de Lina Wertmüller ou des fumetti neri de Magnus & Max Bunker, les premiers à mettre en avant un (redoutable) personnage principal féminin avec Gesebel!
J’aimerais d’ailleurs beaucoup faire un jour un article sur les trois superbes westerns de Sergio Sollima ainsi que sur le dessinateur Andrea Pazienza, injustement jamais publié en France!

Je vous ai rencontrés grâce à Miriam Linna, musicienne, historienne de la littérature pulp, discographique. Comment avez-vous eu l’idée de l’interviewer ?

Je connaissais son travail avec Norton Records ainsi évidemment que son implication dans les débuts des Cramps, mais surtout ses fanzines, dont Bad Seed qui fut le premier à parler de toute cette culture «juvenile delinquent» des années 50. Donc étant donné que l’on préparait un sujet là-dessus, l’occasion était parfaite pour la contacter. Comme on a parlé deux heures avec elle, on a publié la première partie – consacrée à la «délinquance juvénile» – dans le dernier numéro et on publiera la suite –où elle évoque sa carrière et ses rencontres – dans le prochain.
C’est tout le plaisir de faire sa propre presse soi-même, hors des diktats du commerce, que de pouvoir parler de ce qui nous plaît de la façon qu’il nous plaît! Et quand on interview des gens dont la presse commerciale ne s’occupe guère, ce sont toujours de belles rencontres. Humaines.

Photo de Fran Pelzman

Comment voyez-vous la culture musicale en France de votre point de vue? Des espaces pour jouer, des labels, des clubs, aider les musiciens pendant la pandémie ?

Personnellement, j’ai grandi avec ce que l’on a appelé ici le «rock alternatif» à la fin des années 80: du punk-rock dont les disques, les concerts, les réseaux étaient pris en main par les acteurs même de cette culture. Donc même si j’écoute beaucoup d’autres styles musicaux, c’est cet esprit dans lequel je me reconnais toujours. En France, comme ailleurs je pense, il y a encore des scènes alternatives dans différents styles (punk, reggae, hip-hop, musiques électroniques…) mais elles sont hélas moins fortes qu’avant. D’abord, l’industrie musicale a très bien intégré les codes «rebelles» pour en tirer du profit. Et hélas, nombre de musiciens et labels soi-disant «indépendants» n’aspirent qu’à imiter le star-system en espérant gratter quelques miettes au prix de compromissions mercantiles…
Au niveau des concerts, franchement je ne fréquente quasi exclusivement que les petites salles de banlieue et de province ainsi que les bars. De même pour les disquaires. Ce sont des scènes très réduites mais qui survivent grâce à un réseau de solidarités, hélas trop compartimenté entre différents «styles». Quant à la pandémie, au-delà de sa tragique réalité, elle a surtout servi à enrichir davantage les plus riches (donc à appauvrir le reste du monde) et à mettre en place des mesures sécuritaires liberticides. Déjà que nos gouvernements ne sont pas fichus de sauver l’hôpital public et les travailleurs de la santé, alors pourquoi prendraient-ils soin des musiciens ? C’est une illusion de croire que la bourgeoisie va s’occuper des classes populaires autrement que pour nous presser comme des citrons. Du coup, il s’avère vital de créer et développer nos propres structures de classe, que ce soit un syndicat autogéré, une coopérative, un collectif, une radio ou un fanzine qui parle avec respect de nos cultures et de ce que l’on vit au quotidien, ici ou ailleurs.

Êtes vous actifs sur les réseaux sociaux, sur le web, en plus du magazine?

Non. On a un blog tout simple, www.cheribibi.net, alimenté quelques fois dans l’année, où l’on indique où trouver le Chéribibi ainsi que les différents évènements auxquels on participe (concerts, projections de films, rencontres de fanzines…), mais je n’ai aucune affinité avec les «réseaux asociaux» comme Facebook, Twitter, Instagram et toutes ces drogues dures égocentriques dont plus personne ne semble pouvoir se passer. Pour rencontrer les gens, je préfère sortir de chez moi et lever le nez du smartphone. Je suis peut-être un vieux con «à l’ancienne», mais je sais encore trouver mon chemin dans les rues et dans la vie quand mon téléphone n’a plus de batterie.

Un avant-goût du prochain numéro de Chéribibi ?

Eh bien… J’espère le sortir au moins début 2023 mais j’ai beaucoup d’autres projets qui me prennent un temps fou. Et puis la journée, je suis au travail… donc je ne fabrique le fanzine que la nuit. Or, parfois, il faut bien dormir. Et sortir! Ce que je peux dire sans trop me tromper, c’est que dans ce prochain numéro, il y aura donc la suite de l’interview de Miriam Linna, ainsi que le chanteur jamaïcain Stranger Cole, le groupe de psychobilly anglais Long Tall Texans, le cinéaste espagnol Alex de la Iglesia, une cascadeuse française, un dossier sur les Amérindiens contemporains vus par la littérature et le cinéma, un article sur le cinéma «quinqui» dépeignant les «délinquants juvéniles» espagnols (tel Deprisa deprisa de Carlos Saura), un reportage sur une salle de cinéma pornographique belge… et tout ce qu’on pourra rajouter dans 132 pages bien tassées. De toute façon, j’ai déjà en stock de quoi remplir de nombreux numéros si je devais passer les prochaines décennies enterré au fond d’un abri anti-atomique… E le genti che passeranno mi dirano «Che bel fior».

Link: Chéribibi Home Page

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista con la musicista, ricercatrice, storica della musica elettronica Johann Merrich

Johann Merrich è una musicista e studiosa della musica elettronica che seguo con Kathodik dagli esordi della sua ricerca artistica e musicologica. Dal primo contatto avuto con il volume ‘Le pioniere della Musica elettronica’, mi sono documentato sui suoi lavori e studi portati avanti in tutti questi anni. Ho anche avuto il piacere di presentare sia ‘Le pioniere’ sia ‘Breve Storia della Musica elettronica e delle sue protagoniste’ in varie occasioni, tra festival ed eventi tematici. Ma un approfondimento, via quattro chiacchiere digitali, non lo avevo mai fatto e ho ritenuto necessario fare il punto con l’artista su tutti i progetti in cui è stata ed è coinvolta. Ne è venuta fuori una chiacchierata interessantissima e piena zeppa di spunti: metaforicamente parlando potete vedere l’intervista come un “albero digitale” da cui fioriscono molteplici “idee” da approfondire. A voi la lettura:

Iniziamo l’intervista con un collegamento: raccontami come è nata l’idea del libro ‘Breve storia della Musica Elettronica e delle sue protagoniste’. Il testo si pone come la prosecuzione di un discorso iniziato con il tuo primo libro ‘Le pioniere della Musica elettronica’, argomento di cui discutemmo tempo fa (qui). Perché hai ritenuto necessario continuare la ricerca e l’approfondimento del tema? (nella foto Johann Merrich@Bar Lento – CC Gabriele Nastro)

‘Breve Storia’ rappresenta una tappa evolutiva delle mie ricerche; il mio primo libro, ‘Le Pioniere della Musica Elettronica’, ha preso vita nel 2012 e dalla quella data i miei studi non si sono mai fermati. In questi dieci anni, ho iniziato a sviluppare nuove visioni e consapevolezze etico-critiche. ‘Le Pioniere’ estraeva storie di donne dal loro contesto naturale – ovvero: dalla più ampia storia della musica, dava ancora spazio al concetto del primato e si limitava a un numero molto esiguo di contributi e di Paesi. Con ‘Breve Storia’ ho voluto cercare un cammino diverso, storicamente e criticamente più sensato: non volevo raccontare delle vite eccezionali, ma ricostruire la storia di un’espressione artistica reintegrando le figure omesse dalla narrazione storica tradizionale. Le omissioni inferte dagli storici del passato non riguardato solo le identità di genere, ma anche la geopolitica: interi Stati e continenti sono stati lasciati in disparte. Capita davvero di rado di incontrare nei libri gli accadimenti della storia dell’elettronica sudamericana, russa o in indiana… ‘Breve Storia’ è solo un’altra tappa di un percorso di ricerca: al suo interno mancano ancora tante altre grandi esperienze, come il contributo degli afro-discendenti nella storia di questo genere negli Stati Uniti e molti altri fenomeni avvenuti, ad esempio, in Grecia o in Serbia… Ho cercato di recuperare alcune lacune aggiungendo due capitoli nell’edizione inglese, ma temo che la mia ricerca sia realisticamente infinita. Chi desidera seguire i progressi di questo nuovo racconto della storia della musica elettronica può leggere la mia rubrica “Brevi Storie” accolta da musicaelettronica.it o ascoltare l’omonimo podcast via USMARADIO. In questo periodo mi sto occupando degli studi di musica elettronica sorti in paesi poco riconosciuti dalla storia ufficiale.

Raccontami del duo sperimentale che hai formato con l’artista visivo Eeviac, l’Impero della Luce, e di cui ho recensito l’uscita discografica ‘Il mare di Dirac’ qui. Se posso azzardare una riflessione, la vostra ricerca sonora mi rimanda agli scritti di Teresa Rampazzi, che ho letto nel 1° numero della rivista Musica/Tecnologia (liberamente scaricabile qui). In estrema sintesi, Teresa Rampazzi compie le sue ricerche nel Centro di Sonologia Computazionale di Padova (ne ho parlato con la ricercatrice musicologa Laura Zattra qui), ricerche che si concentrano sull’’oggetto sonoro’, ricavabile da ascolti del “suono quotidiano”, se si può dire. Ritrovo lo stesso spirito di ricerca, di comprensione nell’attenzione particolare che ponente al nel vostro lavoro al “suono” prodotto dagli apparecchi di uso quotidiano, come televisori, radio, apparecchi che sono parte essenziale delle vostre esibizioni live. Che ne pensi? Condividi quest’impressione?

Certamente, le ricerche di Rampazzi sono un pezzo di coscienza musicale che portiamo con noi, ma il nostro modo di ascoltare il mondo non può prescindere dalle grandi lezioni di Cage sul silenzio e sull’estetica del suono, tanto meno possiamo trascurare l’opera di Christina Kubisch, tra le pioniere che hanno inaugurato con coraggio il nostro campo di espressione; proseguiamo infatti nella divulgazione delle sue electrical walks, grazie a una collaborazione con il brand russo di dispositivi per la sperimentazione SOMA electronics, partnership che abbiamo avviato nel 2020. C’è poi Pauline Oliveros con il suo Deep Listening, che è un altro ingrediente essenziale della nostra pratica musicale. Ci piace imparare dagli altri e sfruttare al meglio le riflessioni che risuonano con il nostro modo di intendere la musica e il suono.

foto: Lorenzo Ferraro http://www.lorenzoferraro.com

Se mi permetti ti “uso” come fonte di informazione: raccontami l’esperienza de L’Impero della Luce che si è esibito live al Tallin Music Week, grazie al network europeo Keychange, che ho intervistato qui.

Abbiamo avuto l’onore di essere parte dell’edizione 2021 di KeyChange, programma europeo dedicato al raggiungimento della parità di genere nell’industria musicale, e questo ci ha dato l’opportunità di esibirci in uno showcase alla Tallinn Music Week. L’esperienza è stata davvero nutriente: la TMW è una settimana intensa di incontri tra etichette musicali, manager, festival internazionali, agenzie di booking, artisti… ed è costellata di concerti accolti in posti elettrizzanti, come lo Sveta. A Tallinn abbiamo collaborato alla stesura di un Manifesto che sarà portato al Parlamento Europeo l’anno prossimo e incontrato molti attori dell’industria discografica. Più in generale, durante l’anno della nostra partecipazione a KeyChange – partecipando a workshop, meeting e sessioni di lavoro a Stoccolma, a Tallinn e a Milano – abbiamo potuto conoscere molte persone che in tutto il mondo si impegnano quotidianamente per costruire un’industria musicale più etica e sana. Il progetto europeo per noi ora è formalmente concluso, ma continuiamo a far parte della rete e siamo attivi nel gruppo di lavoro di KeyChange Italia con il quale ci incontriamo virtualmente a cadenza mensile per portare avanti altre azioni per il cambiamento.

Ritorniamo al libro ‘Breve storia della musica elettronica e delle sue protagoniste’: grazie al network She Said So Italy, costola italiana di She Said So, hai avuto la possibilità di tradurlo in inglese. Come è nato il progetto?

Grazie a KeyChange ho avuto l’opportunità di entrare in contatto con il network di She.Said.So. International. È una rete di mutuo soccorso dove musiciste e lavoratrici del mondo della musica possono chiedere o offrire lavoro, suggerimenti, collaborazioni… Quando ho deciso di tradurre ‘Breve Storia della Musica Elettronica’ in lingua inglese ero alla disperata ricerca di una traduttrice che fosse però anche a conoscenza della storia della musica elettronica e dei suoi termini tecnici e che si rendesse conto di come dovrebbe funzionare l’uso delle parole in una narrazione gender neutral; così ho pensato di chiedere aiuto al network ed è nata così la connessione con Barbara Beatrice Lavitola e Mattia Brundo, che – grazie al supporto economico di Mariann Steegmann Foundation e alla partnership con Heroines of Sound – hanno potuto fare l’eccellente lavoro di traduzione attraverso l’agenzia BBL Translation.

Hai contribuito alla creazione del network Nuova Musica, intervistato qui. Da quella volta dell’intervista come si è evoluto il progetto?

In realtà no, non ho contribuito alla creazione del network Nuova Musica, ho semplicemente preso parte alle attività del gruppo grazie a una conversazione e a un invito esteso da Laura Agnusdei. Attualmente il progetto è in stasi: stiamo cercando tutti di concentrarci sulla faticosa ricostruzione delle nostre vite musicali… L’urgenza di combattere per migliorare le cose nel nostro settore professionale però c’è sempre.

Veniamo alle tue manifestazioni sulla “matrice”: parlami del Blog Breve Storia della Musica elettronica e delle sue protagoniste.

Il Blog Breve Storia della Musica Elettronica è l’erede della mia omonima mail del sabato, una sorta di newsletter dedicata alla divulgazione della storia della musica elettronica che ho inviato ai miei lettori per quasi un quinquennio. Era un appuntamento fisso che mi dava l’opportunità di tenere viva la ricerca e di creare un nuovo linguaggio per parlare di musica contemporanea e sperimentazione. La pandemia purtroppo ha portato con sé un grande cambio di vita e ho dovuto ricalibrare i miei impegni: ogni Breve Storia del sabato richiedeva almeno un paio di giornate di lavoro a settimana, tempo che la situazione pandemica ha completamente divorato. Ho dovuto comprimere i miei sforzi e i miei tempi per cercare una via alternativa alla musica dal vivo per sopravvivere, e di conseguenza ho dovuto interrompere a malincuore gli appuntamenti epistolari. Mi riservo dello spazio per la divulgazione nel mio blog, che raccoglie una selezione delle mail del sabato degli anni appena trascorsi, nella speranza di ritrovare serenità e più tempo per poter riprendere la redazione delle mail del sabato in futuro.

Dal tuo punto di vista di ricercatrice secondo te è cambiato qualcosa nel gender Gap nella ricerca musicale? C’è stata e continua ad esserci una voglia di riscoperta di valide artiste che non sono state capite e apprezzate al loro tempo?

Noto con grande piacere un continuo rinnovo in tal senso: molte ragazze e giovani donne mi scrivono per raccontarmi delle loro ricerche e delle loro iniziative o per condividere appuntamenti di divulgazione. Vedo sempre più forze impegnate in questa riscoperta, tantissimo impegno e lavoro; nonostante questa meravigliosa fioritura di coscienze e intelletti, lo Stato italiano si dimostra ancora una volta fuori tempo massimo, così come le istituzioni preposte all’educazione o allo stanziamento di fondi per la ricerca e la divulgazione: nessuno, nel concreto, sta muovendo un dito – o meglio un euro – per cambiare le cose. L’inclusione è un processo a lungo termine che deve essere sostenuto, per realizzarsi. L’impegno dei volontari, da solo, non basta.

Raccontami la tua esperienza con il Soundmit, l’International Sound Summit. Cosa “hai dato” e che cosa “hai potuto ap-prendere”?

SoundMit è una bellissima esperienza che sono contenta di aver finalmente incontrato di persona, se così si può dire, due edizioni fa. Nel 2020 Francesco Mulassano, che è ideatore e curatore di SoundMit, mi ha gentilmente invitato a condurre due interviste, una a Suzanne Ciani, l’altra a Dena Perlman, e a partecipare a una piccola talk sul gender gap con Luisa Santacesaria e Valentina Bertolani, ricercatrici a capo del progetto Curatingdiversity. SoundMit è un’ottima occasione per imparare e conoscere molte tecnologie ed esperienze del suono elettronico: l’edizione 2021, con il Museo del Synth Marchigiano e Italiano (intervistato qui) è stata meravigliosa. Serviva davvero un ponte per collegare passato e futuro e per far riscoprire la storia del synth italiano, che in pochi purtroppo conoscono.

Raccontami la tua esperienza con il Centro di Ricerca per la Radiofonia Usmaradio.

Seguo USMARADIO da quando l’ho conosciuta, nel 2019, grazie alla celebrazione dell’anniversario de ‘Il Treno di John Cage’. Stimo moltissimo Roberto Paci Dalò e le iniziative che sta facendo, assieme a valorosi partner, collaboratori e collaboratrici, per la radiofonia e la divulgazione dell’arte radiofonica, un unicum al mondo. CRIR nasce come ovvia prosecuzione del grande lavoro che ruota attorno a USMARADIO; mi è stato chiesto di entrare a far parte del suo comitato scientifico, assieme a molte altre persone esperte e brillanti. Dall’anno scorso ho iniziato a trasformare le mie Brevi Storie in una serie di podcast, appuntamenti che introducono piccoli frammenti di storia della musica elettronica del passato e del presente.

Raccontami la tua esperienza con il festival berlinese Heroines of Sound

Ho sempre guardato con interesse le attività del festival che ogni anno richiamava a Berlino protagoniste della musica elettronica come Beatriz Ferreyra e Annea Lockwood. Ho pensato di contattare Bettina Wackernagel – direttore artistico del festival e fondatrice – per conoscerla e chiederle una mano durante la ricerca dei fondi necessari alla traduzione in lingua inglese di ‘Breve Storia della Musica Elettronica’. Da uno scambio di mail è nata una profonda collaborazione e una partnership che hanno portato all’aggiudicazione di un finanziamento elargito dalla Fondazione Mariann Steegmann. A Bettina devo veramente molto. È grazie a lei e a Heroines of Sound se il mio libro è oggi edito anche in inglese. Per questo motivo, la presentazione mondiale del volume è accaduta proprio durante la scorsa edizione del festival.

Chiudiamo l’intervista con la consueta domanda finale: progetti per il futuro?

Dal 2021 preferisco non fare più progetti, mi pare che i tempi non siano propizi e questi giorni orribili confermano la necessità di prudenza. Ho da poco avviato Poltergeist, la mia attività di copywriting e ghostwriting dedicata a quanti lavorano nell’industria musicale, un insieme di servizi di scrittura pensati per aiutare gli artisti a comunicare meglio le loro opere e i loro obiettivi professionali. Nell’ambito della ricerca, mi sto occupando della storia di alcuni studi per la musica elettronica in Serbia, Grecia e Turchia. Sto scrivendo il mio terzo libro sulla storia dell’elettronica, questa volta affrontata in senso multiculturale e lentamente, sto iniziando a fissare qualche data con L’Impero della Luce, ma ancora non posso rivelare dettagli in merito…

Link: electronicmusic-shorthistory.com/
Link: johannmerrich.bandcamp.com/album/es
Link: soundcloud.com/johann-merrich
Link: soundcloud.com/impero_della_luce

/da
Marco Paolucci
, ,

Intervista agli organizzatori del network europeo Keychange

Ho letto del network europeo Keychange seguendo il profilo della musicista Johann Merrich. Come band Impero della Luce si era potuta esibire nel 2021 al Tallin Music Week, a Tallin, in Estonia. Volevo saperne di più e ho contattato i referenti del progetto per scambiarci quattro chiacchiere digitali. Detto, fatto in un attimo sono arrivate le risposte. A voi la lettura:

Qui trovate l’intervista in inglese

Come e perché è nato il movimento Keychange?

Keychange è un progetto di Europa Creativa, finanziato per 4 anni, che mira ad accelerare il cambiamento e a creare una migliore, più inclusiva industria musicale per le presenti e future generazioni. Noi stiamo facendo questo attraverso un programma di sviluppo di carriera per i talenti sottorappresentati, un impegno a favore dell’equilibrio di genere per le organizzazioni musicali e un Manifesto che possa influenzare la politica.

Keychange Artist anaiis at Reeperbahn 2021 c. Lidija Delovska

Keychange è nato dalla constatazione della cruda realtà presentata dalle statistiche disponibili che mostrano una grave sottorappresentazione delle donne e delle minoranze di genere nel mondo della musica. Crediamo che ciò non sia dovuto alla mancanza di talento, ma alla mancanza di opportunità, così come alle barriere strutturali per questi generi nella nostra società. Keychange vuole abbattere queste barriere e offrire opportunità di talento in modo che tutti noi possiamo godere di un panorama musicale più versatile e vivace in futuro.

Keychange è stato avviato da Vanessa Reed, ex CEO di PRS Foundation nel 2015. Insieme ai partner iniziali: Musikcentrum Öst (Svezia), Reeperbahn Festival (Germania), BIME (Spagna), Tallinn Music Week (Estonia) e Iceland Airwaves (Islanda), il progetto è stato sviluppato fino al suo lancio ufficiale nel 2017. Da allora, MUTEK a Montréal, Canada, ha collaborato come partner internazionale – una testimonianza dell’interesse suscitato e dell’urgenza del progetto. Al lancio del 2019, i partner di Keychange sono aumentati e il network ha anche incorporato: Oslo World in Norvegia, Linecheck in Italia, SACEM in Francia, Ireland Music Week in Irlanda e Break Out West in Canada. I partner associati al progetto sono Way Out West in Svezia, Liverpool Sound City nel Regno Unito, Mama Festival in Francia e Different Sounds in Polonia.

Il Keychange Pledge è stato proposto dai partner originali del festival di Keychange, che volevano dimostrare la serietà nel loro impegno per la parità di genere, oltre ad offrire opportunità di vetrina per i talenti sottorappresentati. Keychange si è – dal suo primo programma di sviluppo professionale – trasformato in un movimento globale per una profonda trasformazione dell’industria musicale.

Keychange Artist NOVAA at Reeperbahn 2021 c. Christian Hedel

A cascata, chi o cosa vi ha fornito l’ispirazione?

Vanessa Reed, CEO della PRS Foundation nel 2015, aveva lavorato con un progetto della PRS Foundation chiamato Women Make Music – e questa è stata l’ispirazione dietro il progetto Keychange, più focalizzato a livello globale. I partner di Keychange rappresentano vari settori dell’industria musicale, e hanno visto la necessità di rafforzare i talenti sottorappresentati a diversi livelli – attraverso il programma individuale per artisti e professionisti, il Keychange Gender Equality Pledge per l’industria e il Keychange Manifesto, rivolto a politici e organi decisionali.

Keychange Artist SYLK at TMW 2021 c. Anni Betti Noorma

In quali ambiti dell’industria musicale opera?

Il programma individuale che supporta 74 talenti ogni anno è mirato a promuoverli nei nostri festival partner e nei loro generi. Il Keychange Pledge è accessibile a tutti i settori dell’industria musicale e abbiamo oltre 500 organizzazioni che si sono unite e si impegnano per la causa.

Keychange Innovator Morstaq Ali at Linecheck 2021 c. Aysha Hussain

Quali servizi fornisce l’organizzazione?

Siamo un progetto finanziato dall’UE con un programma prestabilito – nelle nostre attività pianificate offriamo un programma di supporto per lo sviluppo delle capacità per i talenti selezionati per Keychange dai partner di Keychange. Offriamo anche la possibilità di segnarsi al Keychange Pledge e ottenere aiuto e sostegno come organizzazione che lavora per la parità di genere. Il Keychange Manifesto ha sessioni in ciascuno dei nostri festival partner e offre la possibilità alle parti interessate di far sentire la loro voce nella nostra reciproca difesa della parità di genere. Il Keychange Manifesto sarà presentato alle Istituzioni Europee entro il 2024.

Keychange Manifesto Session at BIME 2021 c. Aysha Hussain

Su quali social si muove per promuovere l’attività dell’organizzazione?

Facebook, Instagram, Twitter, LinkedIn

Keychange è aperta a collaborazioni, progetti?

Come progetto con un’agenda fissa e un budget stabilito, siamo un po’ limitati e non possiamo andare oltre il quadro specifico del nostro progetto. Detto questo – siamo ovviamente aperti a chiunque voglia sostenere o interagire con noi nel lavoro per la parità di genere nella musica in tutto il mondo. Offriamo conoscenza, ma siamo anche desiderosi di imparare e diffondere grandi idee. Le precedenti collaborazioni, ad esempio, sono state con TuneCore, la Campagna di Azione per gli Obiettivi di Sviluppo Sostenibile delle Nazioni Unite o Ted Baker.

Keychange Panel at TMW 2021 c. Vivian Avent

Qual è la ricezione del progetto da parte della cittadinanza? Ad esempio nella Comunità Europea?

Keychange è stato accolto molto bene sia dal pubblico che dall’UE. La versione 50/50 dell’impegno Keychange è stata criticata per non aver riconosciuto generi diversi dall’uomo/ donna. Nel 2020 abbiamo eliminato questo aspetto dalla nostra comunicazione e ora stiamo parlando di equilibrio di genere e di generi sottorappresentati. L’UE ha espresso un forte apprezzamento per il progetto e nel 2021, Keychange è stato nominato, per esempio, uno dei migliori progetti culturali del continente dalla Culture EU Funding Guide.

Keychange Panel with Talent at TMW 2021 c. Aron Urb

Inevitabile domanda finale: che progetti ci sono in cantiere per il futuro?

C’è stato un grande interesse nel modello Keychange, per trasformare il business della musica, e anche se siamo concentrati sulla realizzazione del nostro progetto attuale per il momento, il progetto Keychange vivrà in un modo o nell’altro. L’idea di lavorare a vari livelli e collaborare è sorprendente e fa appello al mondo – e il movimento continua a diffondersi nel mondo.

Link: Keychange Home Page

Link: Keychange Twitter Page

Link: Keychhange Facebook Page

Link: Keychange Instagram Page

 

/da