Sulla Musica e i suoi Protagonisti | Kathodik WebZine

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Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Jim Fox, fondatore e direttore della Cold Blue Music

La Cold Blue Music è una casa discografica americana dedita alla musica contemporanea, che cerca di approcciarsi al variegato mondo di suoni in cui siamo immersi proponendo attraverso le sue uscite una musica definita dal fondatore Jim Fox “sensuale”, capace di stuzzicare in maniera discreta e raffinata le orecchie e la mente attraverso un approccio diretto e mai invasivo. Come per la Innova Recordings, Kathodik segue da molto tempo la label, recensendone le uscite discografiche ritenute più intriganti dalla redazione. I critici di musica contemporanea hanno individuato nel minimalismo e post-minimalismo della West Coast il target principale della Cold Blue, sebbene questa sia una caratterizzazione che, nel corso dell’intervista, sarà spesso messa in discussione dal diretto interessato. Anche questa volta in redazione, con Filippo Focosi, abbiamo pensato ad un approfondimento attraverso la forma dell’intervista a Jim Fox – fondatore e direttore artistico della label, oltreché compositore egli stesso – per farci raccontare il passato, il presente e il futuro della Cold Blue Music. A voi la lettura:

Qui trovate l’intervista in Inglese

Come è nata l’idea di fondare la Cold Blue Music negli anni ‘80?

Tornando indietro nel tempo a quando ero un teenager nei lontani anni ‘60, sono allora venuto a conoscenza di diverse etichette discografiche, in particolare quelle che a quel tempo erano specializzate nella nuova musica (ESP, Mainstream, Time, Nonesuch, Odyssey, Advance, Saturn, Impulse!, Actuel, Shandar, Delmark, e molte, molte altre), e mi sono reso conto di come le migliori di esse avessero un suono che le distingueva – un suono “curato”.

Ma nello specifico, il perché ho creato la Cold Blue non è mi è più particolarmente chiaro. Presumo che fosse semplicemente la cosa giusta da fare nei primi anni Ottanta. Ad ogni modo, avevo pochi soldi a quel tempo (lavoravo come commesso in un negozio di libri), pertanto, quando ho dato avvio alla Cold Blue, presto mi sono ritrovato a mangiare le confezioni di noodle [tagliatelle secche precotte] e i brodi giapponesi che venivano venduti per pochi centesimi a pacchetto.

Per quanto ricordo, il mio obiettivo per la Cold Blue era semplice: registrare musica che mi piaceva e che non aveva ancora raggiunto un’ampia fascia di ascoltatori. Per combinazione, questa si è rivelata essere principalmente musica della West Coast (dove avevo vissuto dalla metà degli anni Settanta), musica di compositori dei quali si può forse dire che fossero vagamente accomunati da un comune interesse per la sensualità di base della musica.

La Cold Blue non era stata concepita come una sorta di casa per una certa “scuola” di compositori, ma i critici da subito la etichettarono come tale. E chi sono io per rifiutare un pratico nomignolo? (“[La Cold Blue] è una invidiabile risorsa per quella può essere chiamata una parte della nuova ‘Scuola Californiana’… una casa discografica con un particolare punto di vista e dal gusto raffinato”, scrisse Joan La Barbara nel suo libro “High Fidelity/Musical America”. “La casa discografica [ovvero, la Cold Blue] definisce un certo ‘suono della California del Sud’, pulito, evocativo e inusuale, dai contorni emotivi malinconici”, scrisse un critico del LA Weekly).

Pertanto, nel creare la Cold Blue si andava avanti – pur tra qualche difficoltà – sempre armati di idee valide e buone intenzioni. Avevo insegnato Musica Elettronica a livello universitario, quindi avevo una conoscenza pratica delle tecniche elettroniche di produzione del suono. Il “senso degli affari” mi sembrava qualcosa che avrei potuto apprendere strada facendo. (Eppure a quanto pare ancora oggi esso mi sfugge). Anche se non sapevo praticamente nulla di industria discografica, avevo ben presente il ricordo di quando, da bambino, avevo visitato una grande fabbrica di dischi della RCA. (I suoni delle sue numerose presse per dischi, tutte insieme, erano la cosa più forte che avessi sentito a quell’età!).

L’attività della Cold Blue negli anni ‘80 è durata solo un paio d’anni. Attorno al 1985, la maggior parte dei miei principali distributori ha dichiarato bancarotta. Senza distribuzione, anche la Cold Blue è stata costretta a chiudere, proprio quando i CD stavano salendo alla ribalta. A proposito, sono stato uno degli ultimi tra i miei amici ad avere un lettore CD. Mi sembrava che i primi CD commerciali, prodotti intorno alla metà degli anni ‘80, avessero un suono aspro e poco invitante. Ma dopo qualche anno le tecniche di masterizzazione dei CD, come pure della progettazione dei convertitori digitali-analogici (DAC), degli amplificatori e dei filtri sui lettori CD, si sono perfezionate, il che ha fatto sì che anche i CD avessero un bel suono.

Perché hai deciso di rifondare la label?

Per quale motivo ho fatto ripartire la Cold Blue nel Dicembre 2000? Non è che nel frattempo avessi guadagnato così tanti soldi da sperperare. Una nuova etichetta musicale si era proposta per pubblicare alcune mie musiche, ma il contratto che mi aveva sottoposto era assurdamente penalizzante per il compositore. Esso infatti conteneva una sorta di “clausola di abbassamento”: più si vendeva, più bassa era la percentuale di royalty che mi spettava! Non erano i soldi che contavano per me; sapevo che i diritti d’autore a me spettanti sarebbero ammontati a pochi centesimi. Era il principio che, in questa situazione, mi dava fastidio. Così, con uno slancio di apertura mentale, ho chiesto ad alcuni compositori se fossero interessati ad avere la loro musica pubblicata sulla nuova Cold Blue, che sarebbe stata una reincarnazione di quella precedente, con l’aggiunta di nuove uscite e contratti più corretti e benevoli. Tutti quelli con cui ho parlato furono entusiasti dell’idea.

Così mi sono ritrovato di nuovo, sperando e riuscendo – me lo dico da solo – a pubblicare incisioni di musica di alta qualità da cui traevo godimento.

Vorrei anche ricordare che in quel momento mi interessavo sempre di più alle incisioni discografiche in quanto testimonianze musicali a sé stanti, e non come mere documentazioni di esibizioni dal vivo. Perciò mi è piaciuto lavorare su progetti discografici della Cold Blue che sarebbe stato difficile mettere insieme come pure esibizioni dal vivo; per questo mi sono dotato di un ottimo studio di processamento e montaggio, gestito da ingegneri nel cui “orecchio” ripongo molta fiducia. Uno di questi ingegneri, col quale ho lavorato alla maggior parte delle incisioni della Cold Blue dal 2000, è Scott Fraser, un collega con ottime orecchie e meravigliose intuizioni musicali.

E, mi preme precisare, personalmente credo nel pubblicare musica che sia accessibile, anziché costose edizioni limitate. Questo è importante per me, e vi dirò perché: da bambino, ho imparato molto sulla musica, in particolare sulla “nuova musica”, ascoltando i dischi, poiché il piccolo centro urbano in cui sono cresciuto, a Indianapolis (Indiana), non aveva dei luoghi per le esibizioni dal vivo di musica contemporanea, alla fine degli anni ‘60, quando ero al liceo e stava crescendo in me la passione per la nuova musica. Pochissima musica di compositori viventi trovava spazio nei palcoscenici della città in quel momento, e poche partiture e incisioni di musica contemporanea erano reperibili nelle biblioteche. Pertanto, ho frequentato assiduamente i negozi di dischi cercando musica “strana e insolita”, acquistando tutto quello che trovavo. Fare shopping nei negozi di dischi e andare alla ricerca di “nuova musica” divennero per me pressoché la stessa cosa.

Quali sono le ragioni in base alle quali hai deciso di concentrarti sulla musica classica contemporanea di marca minimalista e post-minimalista, in special modo quella proveniente dalla West Coast americana? Cosa rappresenta per te questo tipo di musica?

Odio questi termini perché – come “jazz”, “classica”, e molti altre denominazioni di generi musicali – non riescono in alcun modo ad avvicinarsi a esprimere la miriade di cose interessanti che musicisti che presumibilmente hanno certe “radici” (vale a dire, punti di partenza da cui salpare verso lidi sconosciuti) potrebbero ad oggi star facendo. Per molti anni mi sono rifiutato di usare questi termini. Ma più tardi ho cominciato ad accettare che tali parole potessero agire come una sorta di “maniglia” che certi ascoltatori possono afferrare per avvicinarsi più facilmente a musiche alle quali altrimenti probabilmente non si interesserebbero.

Piuttosto che parlare di “minimalismo” e “post-minimalismo”, preferisco pensare che la Cold Blue sia focalizzata su una musica spiccatamente sensuale – musica che stuzzica delicatamente le orecchie (magari con armonie interessanti, spesso ricche) e la mente (magari con forme avvincenti ma non sempre complicate), e lo fa senza gridare “Ehi, guarda cosa sto facendo!”

Mi piace anche pensare che ci sia, in un senso molto ampio, uno spirito percepibile di estasi (spesso un’estasi tranquilla o discreta) che attraversa la maggior parte delle proposte della Cold Blue.

A un altro livello, tendenzialmente apprezzo e desidero produrre musica il cui carattere dipenda per gran parte dal colore e dalla texture (non che questi siano necessariamente due elementi musicali separati). Mi piace anche quella musica che riserva sottili sorprese – sorprese nelle scelte delle note, sorprese nella strumentazione, sorprese nella forma, ecc.

Penso che una qualità che si potrebbe trovare/ sentire se si ascoltasse l’intero catalogo della Cold Blue sia una tendenza verso l’espressione diretta e lineare di idee musicali (il che, suppongo, potrebbe essere affibbiata, di sfuggita, ad alcune istanze di minimalismo e post-minimalismo musicale – inteso in senso ampio -, se si vuole ricorrere a etichette più abituali). Inoltre, sebbene questo non contrasti con la suddetta linearità, penso che vi sia un senso di mistero – di nuvole all’orizzonte – e forse anche di disagio o incertezza che aleggia intorno a molte produzioni della Cold Blue.

Infine, devo dire che non inizio mai chiedendomi se e in che modo una certa musica con cui vengo a contatto possa abbracciare o non abbracciare le qualità vagamente comuni che ho appena menzionato. (E certamente non inizio mai pensando a come una certa musica potrebbe o non potrebbe rientrare in determinate classificazioni). Spero di essere sempre alla ricerca di qualcosa che non sia troppo facilmente assimilabile alla restante musica della label, ma che allo stesso tempo sembri la prossima cosa più giusta da pubblicare.

Le produzioni della Cold Blue Music sono esclusivamente in formato cd e digitale. Del vinile che ne pensi? La consideri una opzione da sondare?

Sono cresciuto con il vinile. Le prime incisioni della Cold Blue, realizzate negli anni ‘80, erano vinili – EP e LP. Non sarei passato al CD se il vinile fosse stato ancora un mezzo di registrazione popolare quando ho riavviato l’azienda nel 2000. (Infatti, come ho detto nella mia risposta alla tua prima domanda, i primi CD commerciali non avevano, a mio giudizio, un suono particolarmente buono).

Mi piace anche l’idea (per quanto strana e sciocca sia) che dopo un grande sconvolgimento distopico sarebbe ancora possibile ricavare le informazioni musicali di base da una registrazione in vinile, anche una deformata, semplicemente girandola su una matita e tenendo un ago nella scanalatura, ponendovi accanto l’orecchio. Le informazioni – le onde sonore – sono state incise fisicamente nel vinile. Questo è simile all’antica ceramica greca, della quale è stato recentemente scoperto che conteneva graffi/scanalature causate dallo stilo del vasaio, che raccoglieva le vibrazioni sonore delle voci di coloro che erano [a lui] vicini nel mentre stava lavorando al tornio.

Ma, per me (per la Cold Blue), è difficile tornare al vinile in questo momento. Inoltre, penso che le registrazioni digitali più avanzate, realizzate su CD accuratamente masterizzati – come credo tutti i CD Cold Blue siano – abbiano un suono molto, molto, molto buono. E la pura e vecchia verità è che sto invecchiando, quindi portare in giro scatole pesanti di dischi in vinile sembra poco invitante. Inoltre, ad oggi, i CD Cold Blue sono confezionati solo in cartoncino (e non in contenitori di plastica) – come lo sono stati negli ultimi 10 anni – quindi ritengo che il loro impatto ambientale sia piuttosto ridotto.

Quello che mi sembra davvero un peccato per quanto riguarda i file digitali, in particolare quelli che vengono venduti e riprodotti via Internet, è che le persone li ascoltano su altoparlanti singoli a bassa fedeltà o con cuffie a bassa fedeltà. A un certo punto, nel corso degli ultimi dodici anni, molti ascoltatori hanno rinunciato ad avere un sistema stereo che producesse almeno una versione un po’ ragionevole dei suoni su di esso riprodotti. Lavorando con i miei ingegneri del suono, passo molto tempo a far sì che ogni album della Cold Blue abbia un suono eccellente in quanto registrazione stereofonica a gamma completa, pertanto mi dispiace che alcune delle persone che acquistano questi dischi non saranno in grado di sentire la bellezza del loro suono.

Cosa ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche? Si tratta di una pratica utilizzata nella musica underground e sperimentale, ma meno presente nella musica classica. Pensi che sia un’ipotesi praticabile anche per la Cold Blue Music?

Penso che sia un’idea interessante. Se arrivasse il progetto giusto, insieme a una label con cui ci si trovi in sintonia, potrei voler fare qualcosa del genere.

Come si muove la label sui social?

Non sono entrato in sintonia coi social media. Io stesso non sono una persona da social media, e dal momento che la Cold Blue è, nel bene o nel male, una propaggine diretta di me (dei miei gusti e interessi), nemmeno la label è particolarmente attiva sui social.

Avevo una pagina Facebook della Cold Blue (ancora visibile) che ho usato in modo molto semplice: davo notizia delle nuove uscite non appena diventavano disponibili, e comunicavo i concerti che la Cold Blue aveva organizzato (fino all’avvento della pandemia, la Cold Blue produceva due concerti all’anno a Los Angeles). Ma, ahimè, qualcuno si è appropriato della mia pagina personale di Facebook circa un anno fa, e quella pagina era necessaria per aggiungere o modificare informazioni alla pagina della Cold Blue. Così, la pagina Facebook della Cold Blue è rimasta ferma, senza avere aggiornamenti durante l’anno scorso. (Ho scritto più volte a Facebook, cercando di recuperare la mia pagina, ma non hanno mai risposto alle mie richieste; ho anche chiesto l’aiuto di persone che avessero contatti con quell’ambiente, ma nemmeno loro sono riuscite a risolvere il mio problema).

Come immagini il futuro della musica contemporanea?

Nessuno può rispondere a questo tipo di domande. Se ci guardiamo indietro, le dichiarazioni in merito che sono state fatte nel passato sono inevitabilmente sbagliate e spesso piuttosto sciocche. E io di certo non sono uno che vuole dire a chiunque altro come dovrebbe suonare la propria musica o come la dovrebbe realizzare.

Ma, volendo fare un puro esercizio di fantasia, mi immagino che [la musica del futuro] andrà in tutti i tipi di direzioni – sia direzioni interessanti e meravigliose che mi piacciono, sia direzioni banali o “logore” che non mi piacciono.

Quali progetti ha in cantiere la Cold Blue Music per i prossimi anni?

Questo mese (giugno 2022) pubblicherò un altro nuovo album di John Luther Adams, ‘Houses of the Wind’, un nuovo pezzo elettronico in cinque movimenti costruito con i suoni di un’arpa eolica (arpa a vento) “strimpellata” dai venti artici [N.d.R.: potete leggere la nostra recensione del cd qui: https://www.kathodik.org/2022/09/30/john-luther-adams-houses-of-the-wind/]. E la prossima primavera spero di avere pronto l’album con i bellissimi quartetti d’archi di John, eseguiti dal grande JACK Quartet. (Il JACK Quartet ha realizzato altri tre album per la Cold Blue con la musica di John: ‘Lines Made by Walking‘, ‘Everything That Rises‘ e ‘The Wind in High Places’).

Nello stesso periodo sarò in studio per alcuni giorni con un mio vecchio amico, il meraviglioso super-percussionista Willie Winant (https://williamwinant.com), per registrare un nuovo album composto principalmente da musica di Michael Byron risalente alle prime fasi della sua carriera. Sarà un album maestoso, ricco di risonanze e rintocchi possenti –si tratta infatti di musica per più marimbe, campane, vibrafoni, pianoforti, e altro ancora. (Byron ha già pubblicato diversi album con la Cold Blue).

Abbiamo anche un nuovo, intrigante album di Peter Garland in uscita questo autunno: Willie Winant che esegue una composizione di Peter per vibrafono solo, in più movimenti, che copre l’intera durata dell’album, ‘The Basketweave Elegies’ (anche Peter ha già pubblicato diversi album con la Cold Blue).

A giugno sarò in studio per qualche altro giorno anche per registrare un nuovo album contenente tre pezzi per pianoforte di Nicholas Chase: due lavori solisti e un pezzo a quattro mani. (Il precedente album di Nicholas per la Cold Blue, uscito qualche anno fa, è l’affascinante ‘Bhajan’, per violino ed elettronica interattiva).

E in futuro, non so ancora esattamente quando, registrerò un po’ dei miei piccoli (generalmente molto brevi) pezzi per pianoforte, da quelli più datati a quelli più recenti.

Infine, sto lavorando a ‘Cold Blue Three’, un’altra antologia di pezzi brevi, originali e inediti (molti dei quali sono stati scritti appositamente per l’album) di una dozzina circa di compositori. Sono particolarmente attratto da questo tipo di progetto, perché mi piace destreggiarmi con lavori diversi e scegliere l’ordine con cui saranno presentati nel CD. Nel carattere e nel “respiro” della musica, sarà simile all’album ‘Cold Blue Two’, anch’esso una raccolta di pezzi originali (la maggior parte dei quali sono stati scritti appositamente per l’occasione), uscito qualche anno fa.

Link: Cold Blue Music Home Page

Link: Cold Blue Music Bandcamp Page

16 Dicembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Jim Fox, Ceo of american records label Cold Blue Music

Cold Blue Music is an American record company which was founded in the Eighties by Jim Fox, and whose main goal is to explore the multifaceted world of contemporary music. Fox characterizes most of his releases as “sensual” music, i.e. music which is subtle, refined, direct, and a bit mysterious. As with Innova Recordings, Kathodik paid attention to the label’s activity, mainly by reviewing its challenging and intriguing releases. Cold Blue Music was recognized by many new-music critics as a label with a unique focus (particularly West Coast minimalism and post-minimalism), although such a characterization has been questioned by Fox himself, as you can read below. After having listened to, and reviewed, several Cold Blue’s CDs, I thought – along with Filippo Focosi – that it was time to have our usual “digital talk” with Could Blue Music’s founder and artistic director, the composer Jim Fox, in order to let him speak about the label, from its beginnings up to its future projects. Here it is what he told us:

Here you can find the Italian Translation

How did the idea of founding Cold Blue Music come about in the 1980s?

Dating back to when I was a teenager in the late 1960s, I have been aware of record labels, particularly those that at that time specialized in new music (ESP, Mainstream,Time, Nonesuch, Odyssey, Advance, Saturn, Impulse!, Actuel, Shandar, Delmark, and many, many others), and how the best ones had a distinctive sound—a curated sound.

But specifically why I started Cold Blue is not particularly clear to me anymore. I suppose it simply seemed like the right thing to do in the early 1980s. However, I had little money at the time (I worked then as a bookstore clerk), so as I started Cold Blue, I soon found myself on a diet of those little packets of Japanese-made dried noodles and broth that sold for just a few pennies a package.

As I recall, my Cold Blue goal was simple: release music that I enjoyed that wasn’t otherwise getting to a broad listenership. By happenstance, this turned out to be primarily music from the West Coast (where I’d lived since the mid-1970s), music by composers who were perhaps loosely united by a common interest in music’s basic sensuality.

Cold Blue wasn’t planned as the home for a “school” of composers, but critics quickly dubbed it as such. And who am I to refuse a handy moniker? (“[Cold Blue] is an invaluable resource for what might be called part of the new ‘California School’… a label with a particular viewpoint and consummate good taste,” wrote Joan La Barbara in High Fidelity/Musical America. “The [Cold Blue] label defines a certain ‘Southern California sound,’ uncluttered, evocative and unusual, with a wistful emotional edge,” wrote an LA Weekly critic).

So my founding of Cold Blue was about stumbling forward with good ideas and intentions. I had taught university-level electronic music, so I had a working knowledge of the electronics of sound reproduction. Business sense seemed like something I could pick up along the way. (Yet it apparently eludes me to this day.) Although I knew almost nothing about manufacturing records, I recalled visiting a large RCA record-pressing factory as a child. (The sounds of its many pneumatic record presses all going at once was the loudest thing I’d heard at that age!)

The 1980s incarnation of Cold Blue only lasted a few years. Around 1985, both of my primary distributors went bankrupt. Without distribution, Cold Blue closed its doors too, just as CDs were emerging. By the way, I was one of the last among my friends to get a CD player. I found the early commercial CDs, circa the mid-’80s, to be harsh-sounding, uninviting. But after a few years, the people mastering CDs, as well as the people designing the digital-to-analog converters (DACs) and output amps and filters on players, seemed to get the hang of it, and a beautiful sound became available on CD.

What prompted you to decide to re-establish the label?

Why did I restart Cold Blue in December 2000? It’s not that I had gained wealth to squander in the interim. A new music label arranged to release some of my music, but its contract was absurdly unfriendly to the composer. It actually contained a “de-escalator clause”—the more you sold, the lower your royalty percentage became! It wasn’t the money that mattered to me; I expected my royalties would amount to only a few pennies. It was the principle of the thing that bothered me. So, in a fit of high-mindedness, I asked some composers if they’d be interested in having their music issued on a new Cold Blue, a reincarnation-plus—all new releases and friendly contracts. Everyone I spoke with was delighted by the idea.

So off I stumbled again, hoping—and succeeding, if I do say so myself—to make and release high-quality recordings of music I personally enjoy.

I should also mention that at this point in time I was growing interested in recordings as their own musical statements, not merely documents of live performances. So I’ve enjoyed working on Cold Blue record projects that might be hard to put together as purely live performances and to avail myself of a good studio’s editing and processing possibilities, when handled by an engineer whose ear I highly respect. One such engineer, with whom I’ve worked on most of the Cold Blue recordings since 2000, is Scott Fraser—a fellow with excellent ears and wonderfully musical instincts.

And, I should note, I believe in putting out music that is affordable, not expensive limited editions. This is important to me, and I’ll tell you why: As a kid, I learned a lot about music, particularly “new music,” by listening to recordings, because the small city I grew up in, Indianapolis, Indiana, just didn’t have a new music scene for live performances in the late ’60s, when I was in high school and growing a passion for new music. Very little music by living composers found its way to the city’s stages at that time, and few contemporary scores and recordings found their way to its libraries. Therefore, I haunted record stores for the odd and unusual, grabbing whatever I could find. Record shopping and seeking The New became much the same activity for me.

Why did you choose to focus on West Coast minimalist and post-minimalist American music? What does this kind of music mean to you?

I hate these terms because—like “jazz” and “classical” and most other music genre descriptors—they just don’t come anywhere close to expressing the myriad interesting things musicians who may have roots (i.e., jumping-off points, off into the wild unknown) might now be doing. For many years I refused to use those terms. But I later grew to accept that such words could act as a handle that some listeners can grab onto to help them approach musics that they might otherwise shy away from.

As opposed to “minimalism” and “post-minimalism,” I prefer to think that Cold Blue specializes in particularly sensual music—music that subtly tickles the ears (perhaps with interesting, often rich, harmonies) and the mind (perhaps with compelling though not always complicated shapes), and does so without crying out, “Hey, look what I’m doing!”

I also like to think there is, in a very broad sense, a discernible spirit of ecstasy (often a quiet or understated ecstasy) running through most of Cold Blue’s offerings.

On another level, I tend to like and want to produce music that depends for much of its character on color and texture (not that these are necessarily two separate musical elements). I also like music that has subtle surprises in it—surprises in note choices, surprises in instrumentation, surprises in shape, etc.

I think that a quality one might find/hear if listening to the whole Cold Blue catalog is a tendency for direct, straightforward expression of musical ideas (which, I suppose, could possibly be said to bleed over into some very broad or passing allusions to musical minimalism and post-minimalism, if one is sorting it all into common pigeonholes). Also, though not in conflict with the aforementioned straightforwardness, I think there is a sense of mystery—of clouds on the horizon—and perhaps even of unease or uncertainty hovering around many Cold Blue releases.

Lastly, I should say that I don’t start out wondering how any given music that I encounter might embrace or fail to embrace the vaguely common qualities I’ve just mentioned. (And I most certainly do not ever start out thinking about how music might or might not fulfill certain pigeonholes.) I hope I’m always looking for something that doesn’t obviously fit too snugly with the other music on the label, yet at the same time feels like the very right next thing to release.

Cold Blue Music productions are exclusively in CD and digital format. What do you think about the vinyl? Do you think it will find some space in your label in a not too distant future?

I grew up with vinyl. Cold Blue’s first recordings, which were done in the 1980s, were vinyls—EPs and LPs. I would not have switched to CD if vinyl had still been a popular recording medium when I restarted the company in 2000. (In fact, as I mentioned in my answer to your first question, the earliest commercial CDs did not sound terribly good to me.)

I also like the idea (as strange and silly as it is) that after a great dystopian upheaval one could quite possibly glean the very basic info/music from a vinyl recording, even a warped one, simply by spinning it on a pencil and holding a needle in the groove with your ear next to it. The information—the sound waves—has been cut into the vinyl physically. This is akin to the ancient Greek pottery that was recently discovered to contain scratches/grooves caused by the potter’s stylus picking up the sound vibrations of the voices of those who were nearby when it was created on the potter’s wheel.

But, for me (for Cold Blue), it’s hard to change back to vinyl at this point. Plus, I think that state-of-the-art digital recordings, delivered on carefully mastered CDs—as I believe all Cold Blue CDs are—sound very, very, very good. And the plain old truth is that I’m getting old, so hauling around heavy boxes of vinyl LPs seems uninviting. Also, at this point in time, Cold Blue CDs are packaged only in cardboard (never plastic boxes)—as they have been for the past 10 years—so I feel that their environmental impact is fairly small.

What I do see as a shame regarding digital files, particularly those that are sold and played via the internet, is that people are listening to them on low-fidelity single speakers or low-fidelity headphones. Somewhere in the past dozen years, many listeners have given up on having a stereo system that produces at least a somewhat reasonable version of the sounds being played on it. Working with my recording engineers, I spend a lot of time making each Cold Blue album sound exquisite as a full-range stereo recording, so I’m sorry that some of the people who acquire these records will not be able to hear the beauty of their sounds.

What do you think about co-productions between record labels? Do you think it is a viable option also for Cold Blue Music?

I think that’s an interesting idea. If the right project came along, and with a simpatico co-producing label, I could see doing something like that.

How does the label act on social media?

I’ve really not gotten into social media. I’m not much of a social media person myself, and since Cold Blue is, for better or worse, a direct offshoot of me (my tastes and interests), the label is also not particularly active on social media.

I had a Cold Blue Facebook page (it’s still visible there) that I used in a most simple way: I announced new releases as they became available, and I announced concerts that Cold Blue put on (until the pandemic, the Cold Blue label had been producing two concerts a year in Los Angeles). But, alas, someone hijacked my personal Facebook page almost a year ago—and that page was needed for changing and adding information to the Cold Blue page. So, the Cold Blue Facebook page languishes, with no updates during the past year. (I’ve written repeatedly to Facebook, trying to reclaim my page, but they’ve never responded to my pleas; I’ve even had people with some thin thread of connection there try to intercede to help me, but I’ve had no luck with that, either.)

How do you imagine the future of contemporary music?

No one can answer this sort of question. Such pronouncements, as we look back on ones made in the past, are inevitably wrong and often quite silly. And I certainly am not one who wants to tell anyone else how their music should sound or how they should go about making it.

But purely as an exercise in imagination, I imagine it going in all sorts of directions—both interesting and wonderful directions that I like and trite or worn-out directions that I don’t like.

This month (June 2022) I’m releasing another new John Luther Adams album, ‘Houses of the Wind’, a new five-movement electronic piece constructed from the sounds of an aeolian harp (wind harp) “strummed” by Arctic winds. And next spring I hope to have ready the next album of John’s beautiful string quartets, as performed by the great JACK Quartet. (JACK has done three other Cold Blue albums of John’s music: ‘Lines Made by Walking‘, ‘Everything That Rises‘, and ‘The Wind in High Places’).

In June I’ll be in the studio for a number of days with my old friend the wonderful super-percussionist Willie Winant (https://williamwinant.com), recording a new album of primarily early music by Michael Byron. It’ll be a great, resonantly ringing album—music for multiple marimbas, chimes, vibes, pianos, and more. (Byron has a number of previous albums on Cold Blue.)

I’ve also got a cool new Peter Garland album coming out this fall: Willie Winant performing Peter’s album-length, multi-movement vibraphone solo, ‘The Basketweave Elegies’. (Peter has a number of previous albums on Cold Blue.)

In June I’m also in the studio for a few days to record a new album containing three of Nicholas Chase’s piano pieces: two solo works and one four-hand piece. (Nicholas’s previous Cold Blue album, which came out a few years ago, is the entrancing ‘Bhajan’, for violin and interactive electronics).

And somewhere in the future I’ll be recording a bunch of my tiny (generally very short) piano pieces, dating from long ago to quite recently.

Lastly, I’m working on a Cold Blue Three album, another anthology of original and previously unrecorded short works (many of the pieces written specifically for the album) from a dozen or more composers. I particularly enjoy this sort of project, because I enjoy juggling and sequencing an album of diverse works. In character and breadth of music it will be like the album Cold Blue Two, also a collection of original pieces (most of which were written for it), which came out some years back.

Link: Cold Blue Music Home Page

Link: Cold Blue Music Bandcamp Page

16 Dicembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Chris Campbell, fondatore e direttore della Innova Recordings

La Innova Recordings è una casa discografica americana dedita alla scoperta e alla valorizzazione della musica contemporanea, che da anni viene “attenzionata” da Kathodik attraverso le recensioni dei dischi prodotti dalla label. L’approccio della Innova è quello di dare importanza e valore agli artisti che si ingegnano per allargare i confini della musica contemporanea, stando al loro fianco, supportandoli fattivamente con la competenza e la professionalità pluridecennale, e fornendo agli artisti libertà di gestione della loro proposta artistico-sonora. Dopo tanti dischi ascoltati e recensiti, in redazione si è pensato, insieme a Filippo Focosi, che era giunta l’ora di fare le nostre consuete “quattro chiacchiere digitali” con il fondatore della Innova Chris Campbell, per farci raccontare direttamente da lui la storia e i progetti della label. Detto e fatto, a voi la lettura:

Qui trovate l’intervista in Inglese

Come è nata l’idea di fondare la Innova Recordings? Quali circostanze, anche materiali, hanno reso possibile la nascita della label?

La Innova® Recordings è nata nel 1982, quando è stata fondata dal Minnesota Composers Forum (ora American Composers Forum) in quanto strumento per dare visibilità ai vincitori della McKnight Composer Fellowship. Possiamo perciò dire che sia sorta proprio per documentare un particolare momento o periodo che si è rivelato centrale nello sviluppo della carriera di un artista. Nei suoi primi anni, la Innova ha prodotto compilation o sampler in LP con opere di diversi artisti del Minnesota, tra cui Eric Stokes, Libby Larsen, Paul Schoenfield, Steve Tibbetts e Steven Paulus. Con l’avvento del CD, la Innova ha iniziato a pubblicare brani scelti di formazioni locali (i Dale Warland Singers, la Saint Paul Chamber Orchestra, l’Alexander String Quartet e altri) che si erano esibiti in concerto nelle precedenti stagioni del Forum Concert. Venendo al 2022, ad oggi abbiamo oltre 700 titoli nel nostro catalogo e abbiamo recentemente cambiato il nostro modello gestionale al fine di adottare un approccio altamente personalizzato al lavoro di gestione di un progetto con l’artista o il gruppo, che seguiamo dall’inizio alla fine.

Le vostre proposte musicali, pur incentrate sulla cosiddetta musica classica contemporanea (di area americana), abbracciano anche il jazz, la world music e la musica elettronica. Pensi vi sia una qualche particolare affinità dei compositori americani, e più in generale contemporanei, con questi generi?

Mi piace che tu dica “cosiddetta”. Penso che questa parola metta in chiaro come vi sia una nozione spesso arbitraria alla base di tutte queste designazioni. Certo, c’è un punto di riferimento del mercato e della “facilità d’uso” che richiede di parlare di cose come i generi [musicali], ma per me la cosa più interessante è parlare in modo più dettagliato e specifico di ciò che sta accadendo. In che modo i diversi vocabolari musicali germinano, si incrociano e si influenzano vicendevolmente, prendendo in prestito l’uno dall’altro? È una situazione molto fluida e non credo che abbia molto a che fare con la nazionalità. Inquadrare le cose come “classiche” e “non classiche” è una trappola artistica di cui bisogna essere consapevoli.

Esiste, negli Stati Uniti d’America, una notevole quantità di etichette discografiche dedicate alla valorizzazione della musica contemporanea scritta principalmente (ma non esclusivamente) da compositori americani (pensiamo, ad esempio, a New World, Cantaloupe, Cold Blue, Neuma, Navona, e così via). Quale pensi sia il vostro tratto distintivo – se ce n’è uno – rispetto a queste altre etichette?

Ne abbiamo così tanti, di tratti sorprendenti e distintivi, che è difficile ridurli a uno! Scherzi a parte, il nostro lavoro è quello di servire professionisti creativi e siamo tutti piuttosto bravi a farlo. Ci piace molto collaborare e attuare la “visione” di questi professionisti. Adattiamo tutto il nostro lavoro alla persona, e siamo profondamente interessati al rapporto che stabiliamo con quella persona… non solo un tipo di approccio del tipo “ realizziamo un disco, compiamo alcune azioni meccaniche e vediamo cosa succede”, che è così comune. Vogliamo compiere un viaggio con quella persona o gruppo, e vedere quali opportunità e percorsi nuovi (che conducono a film/ videogiochi/ streaming online, nuovi concerti o residenze d’artista, ecc.) emergono lungo la strada. Questa è la differenza. Un’esperienza su misura, l’ascolto profondo della persona e del suo rapporto con la musica, e la solerzia nel seguire tutte le fasi della realizzazione e della distribuzione di un prodotto.

Tra i molti compositori e musicisti presenti nel vostro ampio catalogo, ve ne sono alcuni a cui sei particolarmente legato o che sono più rappresentativi della vostra (per così dire) missione musicale/ artistica?

Non sto nemmeno cercando di essere “politico” quando dico questo, ma ognuno offre realmente il proprio insieme di regole o modalità di funzionamento o di approccio. Prendi una pubblicazione [discografica], e puoi davvero considerarla nella tua mente come una sorta di gioiello. Diverse sfaccettature, punti di vista differenti da cui osservarla. Quello che mi appaga è questa molteplicità degli approcci. È anche soddisfacente lavorare attivamente contro le nozioni di “canone” che sono così diffuse nella musica classica occidentale. Invece di avere una nozione ossificata e pedissequa di una certa musica, perché non considerarla una realtà viva, “che respira”, e nella quale ci impegniamo attivamente e con passione? Cerchiamo di crescere e prosperare, evitando di restare bloccati dietro un vetro, a morire dentro un museo fatiscente.

Le produzioni della Innova Recordings sono digitali, in cd e in vinile. Quale tra questi formati sta riscontrando più successo?

Abbiamo centinaia di migliaia di ascoltatori ogni mese, in tutto il mondo, e il digitale ha certamente aiutato a raggiungere questo traguardo. Alla Innova guardiamo a ognuno di questi ascolti come a un potenziale perno che conduca a un coinvolgimento più profondo con un dato artista. Mi batto sempre affinché i nostri artisti ottengano il 100% dei profitti delle vendite. I nostri artisti conservano le pubblicazioni, i diritti d’autore, ecc. Quando si acquista una incisione discografica della Innova, si sostiene direttamente e personalmente l’artista.

Cosa ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche? Si tratta di una pratica utilizzata nella musica underground e sperimentale, ma meno presente nella musica classica. La ritieni un’ipotesi praticabile anche dalla Innova Recordings?

Mettere in comune le risorse, essere trasparenti con le comunicazioni e l’accessibilità, sfruttare diversi tipi di opportunità… queste sono tutte cose buone, e se un team composto da più parti può fare il lavoro di cui un artista necessita, perché no? Anche in questo caso, il nostro obbiettivo è sempre quello di realizzare le idee dell’artista nel modo più efficace. Se [la co-produzione] è d’aiuto al progetto e all’artista, va senz’altro bene!

Che cos’è l’Innova Recordings National Call?

Introducendo un cambiamento di paradigma nel modo in cui l’azienda opera, siamo entusiasti di annunciare le nostre prime Call nazionali per artisti che vogliono realizzare i loro progetti discografici. Il bando nazionale e il suo processo curatoriale forniscono un nuovo, più trasparente ed equo, processo attraverso cui artisti con background e approcci musicali differenti possono essere supportati dalla label. Il finanziamento da parte dell’Organizzazione Sorel fornisce un importante supporto aggiuntivo affinché artisti di generi [sessuali] sottorappresentati possano trovare spazio nella nostra label. La Innova Recordings si sta evolvendo. Il nuovo modello favorisce la collaborazione con gli artisti durante l’intero processo dei progetti di registrazione (discografica), dall’ideazione, alla pubblicazione, fino alla promozione. In quanto parte dell’ ACF (American Composer Forum), la Innova offre anche risorse gratuite, accesso alle reti affiliate, e una meravigliosa comunità di artisti e colleghi.

Per le vostre produzioni discografiche avete rapporti diretti con Conservatori e Università? Venite supportati in qualche forma dal governo statunitense o vi basate principalmente su finanziamenti privati?

Questo rimanda alla tua domanda sulla partnership. Abbiamo affiliazioni con molti Conservatori e Università, in quanto i nostri artisti a volte provengono da quei luoghi. La nostra rete di affiliazione si estende tuttavia anche oltre. Lavoriamo con designer, ingegneri, proprietari di studi e artisti provenienti da altri ambiti. Quando le persone sentono di poter rivestire un ruolo importante e sono in grado di contribuire con il loro punto di vista, spesso accade qualcosa di bello. Ci affidiamo alla generosità di spirito. Che si tratti di un contributo finanziario a un artista, a noi come etichetta discografica, o alla ACF, o (che si tratti) di un’intensa esperienza d’ascolto su internet o ad uno spettacolo: tutto questo è ciò che serve per continuare a funzionare.

Ritenete importante l’uso dei social per promuovere la musica contemporanea?

Certo! È uno strumento nella proverbiale cassetta degli attrezzi.

Come vedete il futuro della musica classica/contemporanea, anche dal punto di vista delle case discografiche (come la vostra) che la promuovono?

Funzionerà! La creatività va dove può e dove deve. Quell’energia non rischia di spegnersi. Detto questo, occorre prestare attenzione a ciò che sta causando danni al nostro ecosistema musicale. Scartare determinate proposte sulla base di nozioni molto antiche di “eccellenza”, un attaccamento malsano a vecchie modalità e sistemi che non servono più… queste cose devono essere portate alla luce, affrontate e sfidate. Ma alla fine l’energia creativa, per quanto possa cambiare forma o nome, porterà sempre a qualcosa di buono.

Quali progetti ha in cantiere la Innova Recordings per i prossimi anni?

Abbiamo le nostre Call nazionali che continuano ad aumentare e siamo molto entusiasti di questa nuova direzione. Alcuni progetti sorprendenti sono in vista. Tra gli artisti con cui stiamo lavorando ci sono Anne Hege, Julie Herndon, Lewis Jordan, Beth Schenck, SHENSduo, Melinda Martinez, Becker And Nicolas Lell Benavides, Lisa Mezzacappa, Alexa Dexa, Anil Çamci, Ayanna Woods, J.E. Hernández, il gruppo composto da Melanie Dyer/Todd Capp/Anna Gruman/Kurt Ralske, Music Research Strategies LLC, Shara Lunon, e thingNY (Rick Burkhardt, Gelsey Bell, Andrew Livingston, Paul Pinto, Erin Rogers, Dave Ruder, Jeffrey Young). È veramente un lavoro molto emozionante!

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28 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Label, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Chris Campbell, founder and director of Innova Recordings

Innova Recordings is an American record label devoted to the discovery and the enhancement of contemporary music; a label which for years has received a close attention by Kathodik mainly by means of reviews of several of the label’s recordings. Innova’s approach is to give emphasis to those artists who strive to expand the boundaries of contemporary music, by supporting them effectively with the help of competence and professionalism acquired over the years, and by allowing artists to freely manage their own musical offering. After having listened to, and reviewed, a large amount of Innova’s CDs, I thought – along with Filippo Focosi – that it was time to have our usual “digital talk”with Innova’s founder Chris Campbell, in order to let him speak about the label, from its beginnings up to its future projects. Here it is what he told us:

Here you can find the Italian Translation

How did the idea of founding Innova Recordings come about? What circumstances, even practical ones, made the birth of the label possible?

Innova® Recordings began in 1982, when it was founded by the Minnesota Composers Forum (now the American Composers Forum) as a way to document the McKnight Composer Fellowship winners. So it literally came into being in order to record a moment in time that was important in the development of an artist’s practice. In its early years, innova produced compilation or sampler LP’s featuring the works of several Minnesota artists, including Eric Stokes, Libby Larsen, Paul Schoenfield, Steve Tibbetts, and Steven Paulus. With the advent of the CD, innova began releasing selected highlights from local ensembles (the Dale Warland Singers, the Saint Paul Chamber Orchestra, the Alexander String Quartet, and others) that had been on the Forum concert seasons. Fast forward to 2022, We now have over 700 titles in our catalog and have recently changed our model in order to take a highly personalized approach to the work of managing a project with an artist or group and bringing it to fruition.

Your productions, while focusing on the so-called contemporary classical music (mainly from the American area), also encompass jazz, world, and electronic music. Do you think there is any particular connection between American composers – and more generally contemporary composers – and these other, non-classical musical styles?

I like that you say “so-called”. I think that points to the oftentimes arbitrary notion of all these designations. Of course, there’s a marketplace and “ease of use” reference point that requires us to talk about things like genre, but to me the more interesting thing is talking with a little more granular detail about what’s happening. How are different musical vocabularies cross-pollinating? What’s pulling from this, borrowing from that. It’s very fluid and I don’t think that has much to do with nationality. Framing things as “classical” and “non-classical” is an artistic trap to be conscious of.

There is, in the United States of America, a considerable amount of record labels dedicated to the enhancement of contemporary music written mainly (but not exclusively) by American composers (think of, e.g., New World, Cantaloupe, Cold Blue, Neuma, Navona, and so on) . What do you think is your most distinguishing trait – if there is any – with respect to these other labels?

We have so many amazing and distinguishing traits, it’s hard to boil it down to one! Kidding aside, we are in the business of serving creative practitioners and we’re quite good at it. We take a lot of joy in partnering and actualizing the vision of those practitioners. We tailor everything to the person, and we’re deeply interested in the relationship we have with that person…not just “release a record, perform some mechanical actions and see what happens” type of approach that is so common. We want to be part of a journey with that person or group and see what opportunities and new paths (licensing to film/video games/online, new gigs or residencies, etc.) emerge along the way. That’s the difference. A tailored experience, deep listening to the person and their relationship to the music, and alacrity in embracing the long tail of a release.

Among the many composers and musicians that are featured in your extensive catalog, are there some ones to whom you are particularly attached or who are most representative of your (so to say) musical/artistic mission?

I’m not even trying to be politic when I say this- but each one is really offering up its own set of rules or mode of operation or approach. Pick a release, and you really can turn it around in your mind like a jewel. Different facets, different angles of interest. What’s fulfilling to me is that multiplicity of approach. It’s also satisfying to actively work against notions of “canon” that are so prevalent in western classical music. Instead of having an ossified, pedestalized notion of some music, why not have have a living, breathing reality that we actively engage and encourage? Let’s grow and thrive, not be stuck behind glass, dead at a run-down museum.

Innova Recordings’productions are in cd, vinyl, and digital format. Which of these formats is gaining more success?

We have hundreds of thousands of listeners monthly, all over the world and digital has certainly helped that. At innova we look at each of those listens as a potential pivot from a listen to a deeper engagement with an artist. I always beat the drum that our artists get 100% of sales profit. Our artists retain publishing, copyrights etc. When you buy an Innova recording, you are directly supporting that artist—one to one.

What do you think about co-productions between record labels? Do you think it is a viable option for Innova Recordings?

Pooling resources, being transparent with communications and access, leveraging different types of opportunity…these are all good things, and if a team of multiple parties can do the job in service to the artist, why not? Again, our point of view is always what will actualize the artist’s vision most effectively. If it serves the project and the artist…sure!

What is Innova Recordings National Call?

Marking a paradigm shift in the way the business operates, we’re excited to announce our first national calls for recording artists and their projects. The national call and its curatorial process provides a new, more transparent, equitable process for artists from diverse backgrounds and musical approaches to be supported by the label. Funding from the Sorel Organization is providing important additional support for artists of underrepresented genders on the label.
innova Recordings is evolving. The new model fosters collaboration with artists throughout the entire process of recording projects, from conception, to release, to promotion. As part of ACF, innova also offers free resources, access to affiliate networks, and a wonderful community of peer artists.

Do you have some direct relations with conservatories and universities for your record productions? Have you ever being supported, in some way, by the US government, or do you rely mainly on private funding?

This points back to your question about partnering. We have affiliations with many conservatories and universities, in that our artists are sometimes coming from those places. Our affiliate network reaches beyond those places too. We work with designers, engineers, studio owners, and artists from other fields. When folks feel they have a seat at the table and are able to contribute and offer perspective, beautiful things often happen. We rely on generosity of spirit. Whether that’s a financial contribution to an artist, or to us as a label or to ACF, or whether that’s an engaged listen over the internet or at a show. All of that is what’s needed to keep this working.

Do you think that social media may help the promotion of contemporary music?

Of course! It’s a tool in the proverbial toolbox.

How do you imagine the future of contemporary music, especially from the point of view of record labels such as yours?

It’s going to work out! Creativity goes where it can and where it must. That energy is in no danger of being extinguished. That said, there must be attention paid to what is causing damage to our musical ecosystem. Boxing people out, relying on very old notions of “excellence”, unhealthy attachment to old modalities and systems that no longer serve…these things need to be opened up, addressed and engaged with. But bottom line, the creative energy may change shape or name, but it’s going to be just fine.

Could you tell us something about some of your future projects?

We have our national calls continuing to come up and we’re very enthusiastic about this new direction. Some amazing projects are on the horizon line. The artist leads are Anne Hege, Julie Herndon, Lewis Jordan, Beth Schenck, SHENSduo, Melinda Martinez, Becker And Nicolas Lell Benavides, Lisa Mezzacappa, Alexa Dexa, Anil Çamci, Ayanna Woods, J.E. Hernández, a group consisting of Melanie Dyer/Todd Capp/Anna Gruman/Kurt Ralske, Music Research Strategies LLC, Shara Lunon, and thinNY (Rick Burkhardt, Gelsey Bell, Andrew Livingston, Paul Pinto, Erin Rogers, Dave Ruder, Jeffrey Young). It’s all very exciting work.

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28 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Music Magazine, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Michael Göttert e Uwe Schneider, fondatori del blog musicale ‘African Paper’

Secondo incontro – dialogo “virtuale” con i blog di musica presenti in ogni dove sul web.Questa volta, dopo l’intervista a Phil Freeman – Burning Ambulance (qui), base Stati Uniti, andiamo a Berlino, Germania. In questo caso non è stato un fulmine a ciel sereno ma una richiesta da parte di Uwe Schneider, uno dei deus ex machina insieme a Michael Göttert del blog musicale in lingua tedesca-inglese Africa Paper. Tutto è nato dall’intervista che Kathodik, attraverso Maria Luisa Bonometti, ha fatto all’artista italiana residente a Berlino Est, Munsha (qui). Ai creatori di African Paper è piaciuta e ne hanno fatto una traduzione in lingua tedesca e in lingua inglese pubblicata sul loro blog. Ulteriori informazioni le trovate nella piacevole intervista che ho fatto loro, quindi vi consiglio di iniziare la lettura.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come è nata la rivista on line?
Uwe: Abbiamo aperto il blog African Paper circa 8 anni fa. All’epoca stavamo ancora scrivendo per un certo numero di altre riviste, ma volevamo creare il nostro sito, autonomo rispetto alle comunità musicali già esistenti.

Quali spunti ci sono stati? A quali modelli si è fatto riferimento?

Michael: Naturalmente, c’è sempre il pericolo di sembrare un po’ presuntuosi e pretenziosi, e in una certa misura questo è diventato un un cliché per sottolineare che uno non vuole essere pignolo, ma credo che sia così. C’è stato un tempo in cui il (post-)industrial (per quanto spesso usiamo quel termine) – e abbiamo sicuramente alcune delle nostre radici lì – era una sorta di termine ombrello per una pletora di “musica(e) diversa(e)”. Se si ascolta – per dire – “The Elephant Table Album” (https://www.discogs.com/de/release/102803-Various-The-Elephant-Table-Album-A-Compilation-Of-Difficult-Music) , hai questa incredibile varietà di suoni e concetti. Mentre un’estetica unificante può certamente essere importante e talvolta necessaria, può essere al contempo limitante e limitata. C’era una certa insoddisfazione per le riviste che seguivano molto da vicino un’estetica troppo aderente alle regole di certe sottoculture. Potremmo anche riassumere la(le) nostra(e) motivazione(i) piuttosto profanamente in una frase: “Abbiamo voluto scrivere di musica che ci è piaciuta molto e che abbiamo sentito aveva molto da dire e da offrire”.

Michael Göttert – photo by Marc Baruth

Perché avete scelto il nome African Paper?

Uwe: Ad essere onesti, volevamo creare un po’ di confusione con il nome. Fin dall’inizio, la nostra selezione musicale era internazionale e non rivolta a una determinata area. Le nostre radici come scrittori e appassionati di musica risalgono alle scene post-industriali degli anni ’90, e ci è piaciuto che il nome non si rimandasse facilmente a queste scene. Il nome l’abbiamo trovato in un libretto, comunque, e non ricordo nemmeno quale.

Uwe Schneider

Michael: Questo è il nostro grande mito fondante. Dopo essere andati online, ci chiedevamo da quale opuscolo arrivasse esattamente quel termine e poi si è scoperto che non riuscivamo più a trovarlo.

Nella rivista vi occupate prevalentemente di musica? Quali generi trattate?

Uwe: Gran parte, forse il 90%, dei nostri articoli tratta di musica, ma siamo aperti in tutte le direzioni possibili – le arti visive, i film e soprattutto la letteratura, vengono fuori a determinati intervalli. In linea di principio, siamo molto interessati ad altri media, e se fossimo una squadra più grande, potremmo trattare ancora più argomenti. Molta della musica di cui scriviamo è comunque in un contesto multimediale: teatro musicale, installazioni sonore, musica per film e così via.
È sempre “popolare” dire che non ci si preoccupa dei generi e in linea di principio siamo aperti a diversi tipi di musica. Di fatto, tuttavia, tu hai le tue preferenze e – forse non senza importanza per gli scrittori – cose di cui hai già esperienza e hai qualcosa da dire. Fondamentalmente, se ami la sound art, il rumore, la libera improvvisazione, la psichedelia, l’elettronica sperimentale, ma anche un po’ più di musica folk e world music avventurosa, troverai sicuramente qualcosa di interessante con noi.

Michael: Sarebbe bello scrivere più spesso di letteratura, film ecc. ma c’è il tempo a cui dedicare la scrittura che è, come tutti sappiamo, purtroppo piuttosto limitato. Quindi ci concentriamo sulla musica e siamo felici quando possiamo inserire qualcosa da un altro medium.

Oltre al sito istituzionale siete presenti nei social? Se sì quali preferite usare?

Uwe: Ad essere sinceri, siamo molto pigri e rifuggiamo i media in un – si spera simpatico – modo vecchia scuola e utilizziamo solo Facebook e Instagram come segnalazioni per i nostri articoli. Soprattutto quest’ultimo ci ha portato un po’ di attenzione, considerando il nostro programma di nicchia. Se c’è qualche lettore con esperienza nei media, che ama la nostra selezione musicale e vorrebbe curare un programma radiofonico per noi, saremmo molto felici e potremmo offrirgli un drink ogni tanto.

Vi siete fatti un’idea dei vostri lettori? Avete feedback da chi vi legge?

Michael: Questo accade di tanto in tanto ed è sempre un piacere quando qualcuno reagisce a un testo che hai scritto. Proprio di recente ho ricevuto una e-mail da qualcuno che aveva dato uno sguardo al nostro sito web ed era abbastanza entusiasta. Questi momenti sono pochi e lontani tra loro, ma ti danno almeno per un breve momento l’impressione che non stai scrivendo per e in una sorta di vuoto. Comunque, penso che entrambi continueremmo a scrivere anche se il nostro unico pubblico fosse l’altro.

Avete in progetto un’edizione cartacea della rivista?

Uwe: Qualche tempo fa, un editore di libri che conosciamo bene ha avuto l’idea di pubblicare un libro con una selezione delle nostre interviste con i musicisti. Vediamo cosa ne viene fuori, e forse dovremmo essere un po’ più insistenti al riguardo. Oltre a questo, siamo abbastanza contenti di pubblicare i nostri testi online, soprattutto in termini di ricezione.

Michael: Entrambi abbiamo iniziato a scrivere in e per le riviste stampate, e io sono ancora un grande fan del prodotto fisico – che si tratti di vinile, CD, nastri o carta stampata. Ma vediamo anche i benefici dell’editoria online.

Siete aperti a collaborazioni con altre riviste, on line/cartacee, associazioni, enti, ecc.?

Michael: In generale siamo abbastanza aperti a questo. Penso che sia spesso più una questione di (mancanza di) tempo che di una riluttanza a interagire o collaborare con gli altri. Naturalmente, se c’è qualcuno che legge questa intervista e pensa che condividiamo qualche terreno comune, sentitevi liberi di contattarci e vediamo se possiamo far qualcosa.

Uwe: Ci sono state alcune piccole collaborazioni in passato, per esempio siamo stati coinvolti nell’organizzazione del festival ‘Epicurean Escapism’, di cui abbiamo curato alcuni testi. E se questo conta, siamo stati molto felici della pubblicazione condivisa dell’intervista con la musicista berlinese Munsha, pubblicata in italiano da Kathodik (https:///www.kathodik.org/2022/03/05/una-nessuna-e-centomila-munsha-racconta-munsha/) e in tedesco e inglese da noi (http://africanpaper.com/2022/03/26/eine-keine-hunderttausend-munsha-uber-munsha/).

Progetti futuri oltre la rivista on line?

Uwe: Non ci sono progetti fissi per questo al momento, ma una compilation in più volumi con rare registrazioni di musicisti che sono spesso oggetto del nostro lavoro sarebbe certamente interessante.

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21 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Music Magazine, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Michael Göttert and Uwe Schneider, founders of the musical blog ‘African Paper’

Our second meeting is a “virtual” dialogue with music blogs present everywhere on the web. This time, after the interview with Phil Freeman – Burning Ambulance (here), based in the United States, we go to Berlin, Germany. This time it did not happen out of the blue but it was a request from Uwe Schneider, one of the deus ex machina along with Michael Göttert of the German-English music blog Africa Paper. Everything came up by the interview that Kathodik, through Maria Luisa Bonometti, did to Munsha (here), the Italian artist living in East Berlin. They are the creators of African Paper, they quite liked the interview and translated it in German and English and then published it on their blog. You can find more about the enjoyable interview I had with them, so I suggest you start reading.

Here the italian translation

How did the online magazine come about?

Uwe: We started the African Paper about 8 years ago. At that time we were still writing for a number of other magazines, but we wanted to build our own framework, independent of already existing music communities.

What ideas were there? Which models did you refer to? Where did you get the cue from?

Michael: Of course, there’s always the danger of sounding a bit conceited and pretentious, and to a certain extent it has become a bit of a cliché to point out that one doesn’t want to be pigeonholed, but I guess that is how it was. There was a time when (post-)industrial (however loose we use that term) – and we definitely have some of our roots there – , was a kind of umbrella term for a plethora of different music(s). If you listen to – say – “The Elephant Table Album” (https://www.discogs.com/de/release/102803-Various-The-Elephant-Table-Album-A-Compilation-Of-Difficult-Music), you’ve got this incredibly wide variety of sounds and concepts. While a unifying aesthetic may certainly be important and sometimes necessary, it can be limiting and limited. There was a certain dissatisfaction with magazines that followed very closely an aesthetic adhering too much to the rules of certain subcultures. We could also sum up our motivation(s) rather profanely in one sentence: we wanted to write about music which we really enjoyed and which we felt had a lot to say and offer.

Michael Göttert – photo by Marc Baruth

Why did you choose the name African Paper?

Uwe: To be honest, we wanted to create a bit of confusion with the name. From the beginning, our music selection was international and not geared to a specific region. Our roots as writers and music fans go back to the post industrial scenes of the 90s, and it appealed to us that the name didn’t fit in very well with that. We found it in a booklet, by the way, and I can’t even remember which one.

Uwe Schneider

Michael: This is our great founding myth. After we had gone online, we were wondering from what booklet that term exactly came and then it turned out, we couldn’t find it anymore.

Do you deal mainly with music in the magazine? Which genres do you cover?

Uwe: A large part, maybe 90%, of our articles deal with music, but we are open in all possible directions – visual arts, films and especially literature come up at certain intervals. In principle, we are very interested in other media, and if we were a larger team, we would certainly expand that even more. A lot of the music we write about is in a multimedia context anyway: Music theater, sound installations, music for film and so on.
It’s always popular to say that you don’t care about genres and in principle we are open to very different kinds of music. De facto, however, you have your preferences and – perhaps not unimportant for writers – things you already have experience with and have something to say about. Basically, if you love sound art, noise, free improvisation, psychedelia, experimental electronics, but also a bit more adventurous folk and world music, you will certainly find something interesting with us.

Michael: It would be great to write more often about literature, films etc. but there is the dreaded time that is, as we all know, unfortunately, rather limited. So we focus on music and are glad when we can fit in something from another medium.

Besides the institutional site you are present in social media? If so, which do you prefer to use?

Uwe: To be honest, we are very lazy and media-shy in a – hopefully sympathetic – old school way and only use Facebook and Instagram as signposts to our articles. Especially the latter has brought us quite a bit of attention, considering our niche programme. If there is any reader with media expertise, who likes our music selection and would like to curate a radio programme for us, we would be very happy and buy a drink every now and then.

Do you have an idea of who your readers are? Do you have any feedback from your readers?

Michael: That happens occasionally and it is always a pleasure when somebody reacts to a text you’ve written. Just recently I got an email from somebody who had had a look at our website and was quite enthusiastic. These moments are few and far between but they give you at least for a short moment the impression that you are not writing for and into some kind of void. Mind you, I think both of us would continue writing even if our only audience was each other.

Are you planning a printed edition of the magazine?

Uwe: Some time ago, a book publisher we know well came up with the idea of publishing a book with a selection of our interviews with musicians. Let’s see what comes of it and maybe we should be a bit more pushy in that respect. Apart from that, we are quite content to publish our texts online, especially in terms of reach.

Michael: Both of us started writing in and for printed magazines and I’m still a big fan of the physical product – be it vinyl, CDs, tapes, or printed matter. But we also see the benefits of online publishing.

Are you open to collaborations with other magazines, online/printed, associations, bodies, etc.?

Michael: In general we are quite open to that. I think it’s often more a matter of (lack of) time than of a reluctance to interact or collaborate with others. Of course, if there’s somebody reading this and feeling that we share some common ground, feel free to contact us and we see if we can figure something out.

Uwe: There have been a few smaller collaborations in the past, for example we were involved in the organisation of the ‘Epicurean Escapism’ festival, which also featured texts by us. And if that counts, we were very happy about the shared publication of the interview with Berlin based musician Munsha, which was published in Italian by Kathodik (https://www.kathodik.org/2022/03/05/una-nessuna-e-centomila-munsha-racconta-munsha/) and in German and English by us (http://africanpaper.com/2022/03/26/eine-keine-hunderttausend-munsha-uber-munsha/).

Any future projects beyond the online magazine?

Uwe: There are no firm plans for this at the moment, but a multi-part compilation with rare recordings of musicians who are often the subject of our work would certainly be interesting.

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21 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista con Drew Raison, direttore esecutivo dell’EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA

Nona puntata dedicata alla scoperta e alla conoscenza di Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme. Prima: Museo del Synt Marchigiano (qui). Seconda: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments (qui). Terza: MESS Melbourne Electronic Sound Studio (qui). Quarta: Nakatsugawa Korg Museum (qui). Quinta: Museo della Farfisa (qui). Sesta: VSM Vintage Synthesizer Museum (qui). Settima: Leonardo Gabrielli – CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII (qui). Ottava: Francesco Mulassano – SoundMit – International Synth Event (qui). Oggi è la volta di Drew Raison, Direttore Esecutivo dell’EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project, sito a Harleysville, in Pennsylvania, USA. Prima di invitarvi alla lettura vorrei ringraziare Daniela Germani per il suo aiuto nella traduzione dall’inglese all’italiano. A voi la lettura:

Qui trovate l’intervista in inglese

Perché e quando è nato lo EMEAPP Electronic Music Education and Preservation Project ?

È successo in modo davvero organico. Il curatore Vince Pupillo, Sr. aveva collezionato strumenti per molti anni con grande successo, ma poi il ‘Santo Graal’ dei sintetizzatori divenne disponibile, i prototipi Minimoog. A causa della natura della loro proprietà, non sono stati in grado di essere venduti o trasferiti sul mercato aperto, piuttosto sono dovuti andare ad una vera e propria organizzazione no-profit che ha come missione di concentrarsi su tali strumenti. Mettendo insieme tutti i pezzi, il curatore ha concepito l’EMEAPP per confermare l’acquisto e poter “instradare” questo ente innovativo.

Io sono stato chiamato agli esordi dell’EMEAPP come direttore esecutivo per iniziare a strutturare l’organizzazione. Questo è stato difficile in quanto non ci sono organizzazioni simili su cui potevamo fare riferimento. L’unica cosa che sapevamo era che potevamo raccogliere informazioni su questa collezione e farla conoscere al mondo. Quindi ci siamo tuffati a capofitto.

All’inizio eravamo un gruppo molto unito. Negli ultimi quattro anni, abbiamo ampliato il nostro team e sviluppato strette relazioni con molti individui e organizzazioni che la pensano allo stesso modo. È stato un grande sforzo per tutti portare l’EMEAPP dove si trova oggi. Non sto parlando solo della collezione, sto parlando dei programmi educativi, creati sviluppando relazioni con scuole superiori, college e università e cercando partnership strategiche con altre organizzazioni e individui.

: Amp City A

: Amp City B

: Amp City C

Qual’è stata l’ispirazione iniziale?

In poche parole, l’amore per la creazione e il divertimento della musica!

: Amp City D

: Amp City E

: Arp Instruments

Dove si trova?
L’EMEAPP si trova a Harleysville, Pennsylvania, USA. Siamo a circa 40 minuti a nord di Philadelphia. Il nostro complesso è un enorme spazio di 2.800 metri quadrati, pieno zeppo di alcuni degli ingranaggi più cool della Terra!

: Jimmy Page – The Curator, Vince Pupillo, Sr.

: Dweezil – Frank Zappa Rigs

: Steve Miller – The Curator, Vince Pupillo, Sr.

Quali strumenti contiene? Quali collezioni?

In generale, abbiamo collezioni che si concentrano su sintetizzatori, strumenti elettromeccanici (pianoforti elettrici, clavinet, ecc.), amplificatori a valvole e a stato solido, stompbox ed effetti e, più recentemente, registrazione audio vintage e apparecchiature PA.

E poi c’è l’archivio, un tesoro di documenti di design, schemi, manuali, documenti di servizio e bellissimi materiali di marketing. Abbiamo anche una massiccia collezione di dischi in vinile incentrati sulla musica elettronica e le registrazioni degli anni 1950, 1960 e 1970. Abbiamo anche una collezione di registrazioni uniche del passato.
Il nostro curatore Vince Pupillo, Sr. ha anche posto particolare enfasi sui prototipi di design ultra-rari. Queste unità raccontano una storia molto speciale sullo sviluppo e la storia di molti strumenti importanti. Il “prototipo clou” qui sarebbero i quattro prototipi Moog Minimoog; questo strumento ha davvero cambiato la traiettoria delle performance dal vivo e in studio. Ha anche aiutato a lanciare l’EMEAPP.

Ma per nominarlo, abbiamo un sacco di strumenti musicali di Keith Emerson, inclusi molti dei suoi organi Hammond. E sì, abbiamo il suo leggendario sintetizzatore modulare Moog e il suo split Minimoog. Abbiamo anche uno Yamaha GX-1, uno strumento raro che Keith amava usare sul palco e in studio.

Anche l’attrezzatura di Frank Zappa appare nell’EMEAPP, usiamo il suo tavolo da cucina nella nostra sala conferenze! I suoi amplificatori per chitarra Marshall e Vox sono tutti in mostra in Amp City insieme al suo sistema di commutazione degli effetti. In cima c’è il suo perduto (ma recentemente scoperto) Electro Wagnerian Emancipator, un armonizzatore per chitarra simile a un sintetizzatore.

Proprio dietro l’angolo della mostra di Zappa ci sono gli strumenti “regali” dalla band Yes. Le tastiere di Rick Wakeman sono tutte in mostra, incluso l’organo Hammond che ha suonato in “Fragile” e l’assolo d’organo su “Roundabout”. Anche gli amplificatori Marshall del chitarrista Steve Howe e del bassista Chris Squire sono in mostra, così come uno degli iconici bassi Rickenbacker di Squire. Gli amplificatori Fender Showman dipinti di Howe catturano la vostra attenzione e il primo delay del nastro Echoplex degli YES si trova orgogliosamente in bella vista.

Sempre all’EMEAPP, troverete il piano elettrico Fender Rhodes di Jan Hammer quando militava nella Mahavishnu Orchestra, gli strumenti a corda di Eric Johnson e di Pete Townshend e John Entwhistle della band The Who. Abbiamo anche l’organo personale Hammond B-3 di Entwhistle che è stato suonato in un tour con The Who, Tony Banks‘ (Genesis) Emulator II e il primo synth Roland dei Rainbow portato da David Rosenthal, direttore musicale di Billy Joel.

Uno dei momenti salienti di un tour all’EMEAPP include un gruppo di bellissimi amplificatori a valvole appartenuti a Eric Clapton, Walter Becker (Steely Dan), Lindsay Buckingham (Fleetwood Mac), Greg Lake (ELP), Tommy Bolin (Deep Purple, James Gang), Neil Young, Glenn Hughes (Deep Purple, Black Country Communion), Jack Bruce (Cream) e Mick Ronson (David Bowie and the Spiders From Mars).

Ma l’unico “marchingegno” che incanta tutti è in realtà abbastanza piccolo da tenere in mano, è un pedale wah-wah degli anni ’60. Perché è significativo? Perché è quello che Jimi Hendrix suonò sul palco a Woodstock nel 1969. Si trova immerso in una pletora di altri effetti di Jimi che include anche un bellissimo vecchio tronco con sopra lo stencil “J. H. Exp”.

Ma la collezione va oltre con tanti altri strumenti!

: ELP Room

: One Man ELP Setup

: Keyboard Ring

Che cos’è l’EMEAPP Institute?

L’istituto EMEAPP è stato sviluppato dal Dr. Ben Luce per facilitare la ricerca universitaria su alcuni degli oggetti della collezione. Il Dr. Luce ha guidato un progetto di ricerca multiforme sul Moog Minimoog, i cui risultati possono essere visualizzati su www.emeapp.org nella nostra sezione dedicata agli articoli. Anche il pioniere della musica elettronica, Don Slepian, sta contribuendo all’Istituto, così come Jim Scott, Tom Rhea e Tim Warneck.

: Last Hammond B3 Built

: Lobby Entrance

: Main Studio

C’è qualche aneddoto interessante intorno all’EMEAPP?

Posso dirvi che ogni giorno all’EMEAPP può essere radicalmente diverso dal successivo. Un giorno, la scorsa settimana eravamo impegnati fino al collo con un organo vintage Hammond C3, il giorno dopo abbiamo fatto un video live e riprese audio multi-traccia della band Manticore per celebrare il 50º anniversario del disco ‘Trilogy’ degli ELP (Emerson Lake & Palmer). Il giorno dopo stavamo spolverando, spazzando e pulendo, quello dopo abbiamo fatto fare un tour della struttura a un artista pop-punk britannico che ci visita regolarmente e abbiamo modificato il video per un prossimo episodio di Sonic Test Drive per emeapp.org.

Abbiamo sempre progetti unici in corso nel nostro workshop principale. In questo momento abbiamo una bella coppia di synth vintage che si sta preparando per l’accensione, un Synclavier 9600 e un Fairlight Series III. Sono posizionati proprio accanto a un organo vintage Eminent Unique 310, la fonte per i famosi strumenti e suoni “string ensemble”.

Posso anche dirvi che il ‘riutilizzo adattivo’ è una parte della nostra vita quotidiana poiché il nostro edificio principale non è stato costruito per essere un museo e un centro di apprendimento. Fu originariamente costruito per essere un mattatoio e poi rimase vuoto per un decennio. Il nostro curatore Vince Pupillo, Sr. ha messo in sicurezza l’edificio vuoto e lo ha trasformato in celle frigorifere e uffici per la sua attività di produzione alimentare. Allo stesso tempo la collezione era in crescita, così come la sua attività, così l’azienda alimentare si trasferì e la collezione è potuta nascere. Uno scenario perfetto per l’EMEAPP!

: Genesis Queen

: Zappa Rings in Shop

: Keyboard Room

Come si può vivere e visitare?

Se siete nella zona di New York/Philly/Washington, un giro personale è il la cosa migliore. Ci vigliono più o meno 2-3 ore e vi tremeranno le ginocchia! Recentemente ho iniziato a organizzare tour virtuali tramite Zoom e i partecipanti sono stati felicissimi, “fino al delirio”. Lavoro a video di tour personalizzati per ogni presentazione; la gente può fare tranquillamente qualsiasi domanda. La cosa migliore rimane venire direttamente qui.

: Moog Exhibit A

: Moog Exhibit B

: Moog Exhibit C

L’EMEAPP è aperto a collaborazioni con l’esterno?

Teniamo le orecchie sempre ben aperte! Lavoriamo regolarmente con individui e gruppi per mettere insieme progetti musicali, grafici e video unici. Gli artisti possono anche prenotare il nostro studio di registrazione per le loro uscite musicali, possiamo anche filmare gruppi dal vivo nella nostra sala principale. Sentitevi liberi di contattarci, non importa se siete del luogo!

Prevedete possibili sviluppi dello EMEAPP Electronic Music Education and Preservation Project? Ad esempio un libro o un documentario che ne racconti la storia attraverso interviste e video?

Noi facciamo regolarmente interviste, notizie, segmenti televisivi e radiofonici, webzine e blogger, basta cercare EMEAPP e vedere cosa salta fuori.

Per quanto un libro sull’EMEAPP sarebbe intrigante, è semplicemente troppo impegno per noi gestirne l’ideazione in maniera adeguata. Abbiamo assunto impegni importanti nei progetti di libri, puoi vedere il nostro lavoro fotografico in SYNTH GEMS 1 (https://bjooks.com/products/synth-gems-exploring-vintage-synthesizers) e CLASSIC KEYS (https://www.tamupress.com/book/9781574417760/classic-keys/)

: Moog Exhibit D

: Podcast and FX Room

: Wholand and Wurlies

Progetti futuri? Mostre in cantiere?

Ne abbiamo, ma non posso ancora parlarvene 😉 Ma posso dirvi che stiamo sviluppando una mostra sul fai-da-te e sui kit che racconta l’ingegno di persone che ai tempi non avevano le migliaia di dollari per acquistare nuovi sintetizzatori. Stiamo anche lavorando ad una mostra sull’Hammond Novachord del 1939, il primo synth polifonico disponibile sul mercato.

Continuiamo ad espandere le nostre capacità audio e video, ecco come l’EMEAPP è in grado di raggiungere il mondo con nuova musica. La nostra nuova sala di controllo è aperta e operativa ogni giorno, non vediamo l’ora di ascoltare tutta la grande musica che ne verrà fuori!

Vi preghiamo di visitare il sito www.emeapp.org e unirvi a noi come membri. Potete anche trovarci (e vedere i nostri progressi quotidiani) su www.facebook.com/emeapp e www.instagram.com/emeapp. Se i video sono più il vostro target, potete visitare il canale EMEAPP su www.youtube.com.

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14 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Electronic Music - Research, Interviste, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Drew Raison, Executive Director of EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project – USA

The Nineth episode dedicated to the discovery of Research Centers, Museums and Recording Studios where electronic music in all its forms is studied and practiced. First: Museo del Synt Marchigiano (here). Second: SMEM Swiss Museum for Electronic Music Instruments (here). Third: MESS Melbourne Electronic Sound Studio (here). Fouth: Nakatsugawa Korg Museum (here). Fifth: Museo della Farfisa (here). Sixth: VSM Vintage Synthesizer Museum (here). Seventh: Leonardo Gabrielli – CIM: Colloquio di Informatica Musicale XXIII (here). Eighth: Francesco Mulassano – SoundMit – International Synth Event (here). Today is the turn of Drew Raison, Executive Director of EMEAPP – Electronic Music Education and Preservation Project, located in Harleysville, Pennsylvania, USA. Before inviting you to read the interview, I would like to thank Daniela Germani for her help in the Italian English translation

Here the Italian Translation

When wasEMEAPP Electronic Music Education and Preservation Project founded and why?

It happened organically, really. The curator Vince Pupillo, Sr. had been collecting gear for many years with great success, but then the ‘Holy Grail’ of synthesizers became available, the Minimoog prototypes. Due to the nature of their ownership, they were not able to be sold or transferred on the open market, rather they had to go to a proper nonprofit that has a mission that focuses on such instruments. Putting all the pieces together, he conceived EMEAPP to accommodate the purchase and get this innovative organization on the road.

I was brought on at the very beginning of EMEAPP as Executive Director to begin structuring the organization. This was tricky as there are no similar organizations on which to base our development or direction. The one thing that we knew was that we could harvest information from this collection and bring it to the world. So we dove in headfirst.

We were a very tight-knit group in the beginning. Over the past four years, we have broadened our crew and developed close relationships with many like-minded individuals and organizations. It has been quite an effort for everyone to get EMEAPP to where it is today. I’m not just talking about the collection, I’m talking about the educational programs, developing relationships with high schools, colleges and universities as well as seeking out strategic partnerships with other organizations and individuals.

: Amp City A

: Amp City B

: Amp City C

What was the inspiration for EMEAPP?

Simply put, a love for the creation and enjoyment of music!

: Amp City D

: Amp City E

: Arp Instruments

Where is it?

EMEAPP is located in Harleysville, Pennsylvania, USA. We are about 40 minutes north of Philadelphia. Our complex is a whopping 2,800 square meters chock full of some of the coolest gear on earth!

: Jimmy Page – The Curator, Vince Pupillo, Sr.

: Dweezil – Frank Zappa Rigs

: Steve Miller – The Curator, Vince Pupillo, Sr.

What instruments and collections does the EMEAPP have?

Generally speaking, we have collections that focus on synthesizers, electromechanical instruments (electric pianos, clavinets, etc.), tube and solid state amplifiers, stompboxes and effects and most recently, vintage audio recording and PA gear.

And then there’s the archive, a treasure trove of design documents, schematics, manuals, service documents and beautiful marketing materials. We also have a massive collection of vinyl records focusing on electronic music and recordings from the 1950s, 1960s and 1970s. We also have a collection of one-of-a-kind recordings from the past.

Our curator Vince Pupillo, Sr. has also put special emphasis on ultra-rare design prototypes. These units tell a very special story about the development and history of many important instruments. The prototype highlight here would be the four Moog Minimoog prototypes, this instrument truly changed the trajectory of live and studio synth performance. They also helped launch EMEAPP.

But to name-drop, we have a lot of Keith Emerson’s gear including many of his significant Hammond organs. And yes, we have his legendary Moog modular synthesizer and his split Minimoog. We even have a Yamaha GX-1, a rare instrument that Keith loved to use on stage and in the studio.

Frank Zappa’s gear appears throughout EMEAPP as well, we use his kitchen table in our conference room! His Marshall and Vox guitar amplifiers are all on display in Amp City along with his effects switching system. Sitting on top is his long-lost (but recently discovered) Electro Wagnerian Emancipator, a guitar synth-like harmonizer.

Right around the corner from Zappa’s exhibit sits royalty from the band YES. Rick Wakeman’s keyboards are all on display including the actual Hammond organ that he played on the album “Fragile” and the organ solo on “Roundabout”. Guitarist Steve Howe and bassist Chris Squire’s Marshall amps and cabinets are also on display, as is one of Squire’s iconic Rickenbacker basses. Howe’s painted Fender Showman amps grab your attention and YES’s first Echoplex tape delay sits proudly in plain view.

Also at EMEAPP, you will find Jan Hammer’s Fender Rhodes electric piano from his time in the Mahavishnu Orchestra, stringed instruments from Eric Johnson and The Who’s Pete Townshend and John Entwhistle. We also have Entwhistle’s personal Hammond B-3 organ that toured with The Who, Tony Banks’ (Genesis) Emulator II and Rainbow’s early Roland synth brought to us by David Rosenthal, Billy Joel’s music director.

One highlight of an EMEAPP tour includes a bunch of beautiful tube amplifiers that belonged to Eric Clapton, Walter Becker (Steely Dan), Lindsay Buckingham (Fleetwood Mac), Greg Lake (ELP), Tommy Bolin (Deep Purple, James Gang), Neil Young, Glenn Hughes (Deep Purple, Black Country Communion), Jack Bruce (Cream) and Mick Ronson (David Bowie and the Spiders From Mars).

But the one things that lights everyone up is actually small enough to hold in your hand, it is a wah-wah pedal from the 1960s. Why is it significant? Because it is the one that Jimi Hendrix played on stage at Woodstock in 1969. It sits nestled into a display of other gear from Jimi that includes a beautiful old trunk stenciled “J. H. Exp”.

But the collection goes on and on beyond that!

: ELP Room

: One Man ELP Setup

: Keyboard Ring

What is the EMEAPP Institute?

The EMEAPP institute was developed by Dr. Ben Luce to facilitate university-grade research on some of the objects in the collection. He spearheaded a multifaceted research project on the Moog Minimoog, the results of which can be viewed at www.emeapp.org in our feature article section. Electronic music pioneer, Don Slepian is also contributing to the Institute, as has Jim Scott, Tom Rhea and Tim Warneck.

: Last Hammond B3 Built

: Lobby Entrance

: Main Studio

Are there any interesting stories about the EMEAPP?

I can tell you that every day at EMEAPP can be radically different from the next. One day last week we were elbows-deep into a vintage Hammond C3 organ, the next day we did a live video and multi-track audio shoot of the band Manticore to celebrate the 50th anniversary of ELP’s ‘Trilogy’ record. The day after we were dusting, sweeping and cleaning, the next we gave a tour to a British pop-punk artist who visits us regularly and we edited the video for an upcoming Sonic Test Drive episode for emeapp.org.

We always have unique projects underway in our main workshop. Right now we have a beautiful pair of vintage synths getting ready to power up, a Synclavier 9600 and a Fairlight Series III. They are sitting right next to a vintage Eminent Unique 310 organ, the source for the famous “string ensemble” instruments and sounds.

I can also tell you that ‘adaptive reuse’ is a part of our daily lives as our main building wasn’t built to be a museum and learning center. It was originally built to be an abattoir and then sat empty for a decade. Our curator Vince Pupillo, Sr. secured the empty building and converted it into cold storage and offices for his food production business. At the same time the collection was growing, so was his business, so the food company moved out and the collection took over. A perfect scenario for EMEAPP!

: Genesis Queen

: Zappa Rings in Shop

: Keyboard Room

What is the best way to experience the EMEAPP?

If you are in the New York/Philly/Washington area, a personal tour is the best. It typically takes 2-3 hours and will make your knees weak! I recently started giving virtual tours via Zoom and the attendees have been raving about it. I make custom tour videos for each presentation; people can jump in with questions. It’s the next best thing to being here.

: Moog Exhibit A

: Moog Exhibit B

: Moog Exhibit C

Is it open to external collaborations?

Our ears are wide open! We regularly work with individuals and bands to assemble unique music, graphic and video projects. Artists can also book our recording studio for musical releases, we can even shoot live bands in our main room. Feel free to reach out, it doesn’t matter if you’re local!

Do you have any possible developments in mind? For example a book or a documentary that tells its story through interviews and videos?
We regularly take on interviews, news stories, television and radio segments, webzines and bloggers, just search EMEAPP and see what pops up.

As luscious as an EMEAPP book would be, it is just too much of an undertaking for us to handle properly. We have taken major roles in book projects, you can see our photographic work in SYNTH GEMS 1(https://bjooks.com/products/synth-gems-1-exploring-vintage-synthesizers) and CLASSIC KEYS (https://www.tamupress.com/book/9781574417760/classic-keys/).

: Moog Exhibit D

: Podcast and FX Room

: Wholand and Wurlies

Do you have any projects or exhibitions in progress?

We do, but I can’t tell you about a few of them yet 😉 But I can tell you that we are developing a DIY and kit exhibit that shows the ingenuity of people that didn’t have the thousands of dollars to purchase synthesizers back in the day. We are also working on an exhibit featuring the Hammond Novachord from 1939, the first polyphonic synth available on the market.

We continue to expand our audio and video capabilities, this is how EMEAPP is able to reach the world with new music. Our new control room is open and operating every day, we look forward to all the great music that will emerge!

Please visit us at www.emeapp.org and join us as a free member. You can also find us (and watch our daily progress) at www.facebook.com/emeapp and www.instagram.com/emeapp. If videos are more your thing, find the EMEAPP channel at www.youtube.com.

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14 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Music Magazine, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Intervista a Phil Freeman, fondatore del blog musicale ‘Burning Ambulance’

Burning Ambulance l’ho scoperto tempo fa, un fulmine a ciel sereno, un blog musicale che trattava album e artisti che spaziavano dal Jazz, al Metal alla Contemporanea con approfonditi articoli e interessanti interviste. Da quella volta l’ho seguito attraverso la newsletter e sui social, per arrivare ai giorni nostri, quando mi sono deciso a cercare di saperne di più attraverso l’intervista che ho fatto al fondatore Phil Freeman. Quest’intervista, secondo le mie intenzioni, inaugura una serie di incontri che mi permetteranno di approfondire il mondo del giornalismo, prevalentemente musicale, sul web e metteranno Kathodik in dialogo “virtuale” con altre realtà nazionali e internazionali. Ho già altri nomi a cui sto pensando e con cui sono in contatto e vi consiglio di seguirmi perché ci sono molte realtà interessanti che vi voglio far conoscere. Prima di invitarvi alla lettura vorrei ringraziare Daniela Germani per il suo aiuto nella traduzione dall’inglese all’italiano:

Qui trovate l’intervista in inglese

Come è nata la rivista on line?
Burning Ambulance era originariamente una fanzine stampata. Ho fatto uscire sette numeri prima di cambiare il mio approccio e di impegnarmi totalmente sul sito web, che è on line continuativamente dal 2010.

Quali spunti ci sono stati? A quali modelli si è fatto riferimento?
Sono stato ispirato da riviste come The Wire, fanzine come Forced Exposure e Halana, e in misura minore dalla rivista Spin (come esisteva negli anni ’80) – titoli in cui il contenuto era determinato non dai budget dell’ufficio marketing dei dischi ma dalla passione dei redattori.

Perché avete scelto il nome Burning Ambulance?
Volevo un nome che non suggerisse immediatamente l’idea di un sito sulla musica (perché volevo che la sua gamma di argomenti fosse più ampia di quella della musica), ma volevo anche un’immagine che ti rimanesse impressa nella mente una volta che l’avevi vista; doveva essere qualcosa di memorabile. Il numero di persone che chiedono il perché del nome è la prova che ho fatto la scelta giusta.

Nella rivista vi occupate prevalentemente di musica? Quali generi trattate?
La maggior parte dei nostri articoli è legata alla musica, ma occasionalmente approfondiamo anche le arti visive, recensiamo libri e film e facciamo altre cose. Per quanto riguarda il genere, siamo aperti, ma le nostre principali aree musicali di interesse sono il Jazz, il Metal, la Classica Moderna e l’Avanguardia “inclassificabile”.

Oltre al sito istituzionale siete presenti nei social? Se sì quali preferite usare?
Il nostro (mio) social media principale è Twitter – http://twitter.com/burn_amb. C’è anche una newsletter Substack settimanale, e le pagine Facebook e Instagram, e un canale YouTube, ma quei canali (Facebook, Instagram, YouTube) vengono aggiornati molto raramente.

Vi siete fatti un’idea dei vostri lettori? Avete feedback da chi vi legge?
Mi aspetto che i miei lettori siano molto simili a me – di mezza età, per lo più uomini, con un interesse per la musica d’avanguardia. A volte ci sono commenti lasciati sul sito e ho conversazioni piacevoli con le persone via Twitter.

Avete in progetto un’edizione cartacea della rivista?
Come ho detto, abbiamo iniziato con la stampa, ma non abbiamo intenzione di tornarci al momento.

Siete aperti a collaborazioni con altre riviste, on line/cartacee, associazioni, enti, ecc.?
Assolutamente! Siamo aperti a collaborazioni con persone che la pensano come noi ovunque nel mondo. Mettetevi in contatto!

Come è nata l’idea della label discografica?
Ho sempre voluto avere una casa discografica. Durante la pandemia, il governo degli Stati Uniti offriva denaro alle piccole imprese, così ne presi un po’ e cominciai a pubblicare dischi.

Come scegliete gli artisti da produrre? Attingete all’archivio della rivista?
Alcuni di loro sono artisti che ho recensito – se non per Burning Ambulance, poi per The Wire o Bandcamp Daily o da qualche altra parte. Alcuni, come Matthew Shipp, sono persone che conosco da molti anni, e altri sono solo artisti che ammiro. Sono stato molto felicemente sorpreso che le persone siano disposte a lavorare con me; penso che sia perché sanno che anche se non ci sono molti soldi (e non ci sono), che lo sto facendo per amore sincero per l’arte.

Veniamo al libro ‘Ugly Beauty: Jazz in the 21th Century’. Come è nata l’idea del volume?
Scrivo una rubrica mensile di jazz per Stereogum, chiamata anche ‘Ugly Beauty’, dal 2017. In quel periodo ho osservato un’importante “ondata di energia” nella musica – giovani artisti creativi che prendevano il “jazz” e lo ridefinivano, lo espandevano, portavano nuovi suoni ed elementi e, forse più importante di tutto, conquistavano nuovi spettatori. Così ho deciso di scrivere di quello che stavo vedendo e ascoltando, scegliendo gli artisti che penso siano i più importanti, quelli che daranno forma al futuro del jazz. (Ovviamente, molti musicisti veterani sono ancora attivi in questo momento, ma non sono il futuro, come penso anche loro sarebbero disposti ad ammettere).

Progetti futuri?
Attualmente sto lavorando a un libro su Cecil Taylor che sarà pubblicato nel 2024. Il podcast di Burning Ambulance continua; l’etichetta continua; le email settimanali di Substack e il sito web continuano; e io sono su anche troppo su Twitter. Grazie a tutti coloro che leggono quello che scrivo o ascoltano quello che dico, e soprattutto a coloro che comprano i dischi!

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7 Novembre 2022/da Marco Paolucci

Interviste, Music Magazine, Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interview with Phil Freeman, founder of the music blog ‘Burning Ambulance’

I discovered Burning Ambulance a while ago by pure chance. This music blog covers albums and artists ranging from Jazz, Metal to Contemporary with in-depth articles and interesting interviews. I have been following it since then through its newsletter and on social media. Just recently I have felt the need to get to learn more about it, starting from the interview I did to the founder Phil Freeman. My intent with this intervew was to kick off a series of meetings that will allow me to deepen the world of web-based music journalism and to put Kathodik in a “virtual” dialogue with other Italian and international realities. I am also considering other names with whom I am already in touch and I recommend you to follow me as there are many interesting outfits that I would like you to know. Before inviting you to read the interview, I would like to thank Daniela Germani for her help in the Italian English translation:

Here the Italian translation

How did the online magazine come about?
Burning Ambulance was originally a print zine. I did seven issues before changing my approach and committing fully to the website, which has been running continuously now since 2010.

What ideas were there? Which models did you refer to? From where did you take the cue?
I was inspired by magazines like The Wire, zines like Forced Exposure and Halana, and to a lesser extent Spin (as it existed in the 1980s) — titles where the content was determined not by records’ marketing budgets but by the editors’ passion.

Why did you choose the name Burning Ambulance?
I wanted a name that did not immediately suggest that it was a site about music (because I wanted its range to be broader than that), but I also wanted an image that would stick in your mind once you read it; it had to be something memorable. The number of people who ask about the name is proof that I made the right choice.

Do you deal mainly with music in the magazine? Which genres do you cover?
The majority of our coverage is related to music, but we occasionally also delve into the visual arts, review books and movies, and do other things. With regard to genre, we are wide open, but our primary areas of focus are Jazz, Metal, Modern Classical, and the unclassifiable Avant-garde.

Besides the institutional site you are present in social media? If so, which do you prefer to use?
Our (my) primary social media outlet is Twitter — http://twitter.com/burn_amb. There is also a weekly Substack newsletter, and Facebook and Instagram pages, and a YouTube channel, but those (Facebook, Instagram, YouTube) are updated very infrequently.

Do you have an idea of who your readers are? Do you have any feedback from your readers?
I expect that my readers are much like myself — middle-aged, mostly male, with an interest in avant-garde music. Sometimes there are comments left on the site, and I have enjoyable conversations with people via Twitter.

Are you also planning a printed edition of the magazine?
As I said, we started out in print, but have no plans to go back to it at the moment.

Are you open to collaborations with other magazines, online/printed, associations, bodies, etc.?
Absolutely! We are open to collaborations with like-minded people anywhere in the world. Get in touch!

How did the idea of the record label come about?
I have always wanted to run a record label. During the pandemic, the US government was offering money to small businesses, so I took some and began releasing records.

How do you choose the artists to produce? Do you pick them up from the magazine’s archive?
Some of them are artists I have covered — if not for Burning Ambulance, then for The Wire or Bandcamp Daily or somewhere else. Some, like Matthew Shipp, are people I have known for many years, and others are just artists I admire. I have been very happily surprised that people are willing to work with me; I think it’s because they know that even if there’s not much money (and there isn’t), that I’m doing it out of genuine love for the art.

Let’s talk about the book ‘Ugly Beauty: Jazz in the 21th Century’. How did the idea of writing the volume come about?
I have been writing a monthly jazz column for Stereogum, also called ‘Ugly Beauty’, since 2017. In that time I have observed a major wave of energy in the music — young, creative artists taking “jazz” and redefining it, expanding it, bringing new sounds and new elements and perhaps most importantly of all, winning over new audiences. So I decided to write about what I was seeing and hearing, picking the artists I think are the most important, the ones who will shape the future of jazz. (Obviously, many veteran musicians are still active right now, but they are not the future, as I think even they would admit).

Any future projects?
I am currently working on a book about Cecil Taylor which will be published in 2024. The Burning Ambulance podcast continues; the label continues; the weekly Substack emails and the website continue; and I am on Twitter far too much. Thanks to everyone who reads what I write or listens to what I say, and especially those who buy the records!

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7 Novembre 2022/da Marco Paolucci