Archivio per categoria: Sulla Musica e i suoi Protagonisti

Interviste a Musicisti, Associazioni, Network e tutto quanto ruota intorno e dentro la musica

Marco Paolucci
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Intervista con le ricercatrici Luisa Santacesaria e Giulia Sarno, redattrici del blog musicale musicaelettronica.it

Quinto incontro – dialogo “virtuale” con i blog di musica presenti in ogni dove sul web. Questa volta, dopo l’intervista a Phil Freeman – Burning Ambulance (qui), base Stati Uniti, Uwe Schneider e Michael Göttert – African Paper (qui), base Germania, Mario Biserni – Sands-Zine (qui), base Italia, Sergio Piccirilli – El Intruso (qui), base Argentina, ritorno in Italia per scambiare le mie consuete quattro chiacchiere digitali con le ricercatrici Luisa Santacesaria e Giulia Sarno, redattrici del blog musicaelettronica.it. A loro e al blog sono arrivato leggendo gli articoli della musicologa Laura Zattra, che poi ho intervistato (qui), e a musicaelettronica.it ho pensato quando stilavo la lista di nomi papabili per questo filone di interviste che sto portando avanti. Luisa e Giulia si sono subito mostrate disponibili a raccontare la storia di questo interessante blog dedicato alla musica elettronica. Per l’occasione segnalo l’intervista a Johann Merrich, compositrice, ricercatrice e collaboratrice del blog (qui), e a cascata vi rimando alle altre interviste che ho fatto ad alcuni Centri di ricerca, Musei, Studi di registrazione, Fiere di settore, dove si studia e si pratica la musica elettronica in tutte le sue forme (qui trovate l’ultima e a ritroso tutte le altre).

Come è nata la rivista on line?

La storia di musicaelettronica.it si divide in due parti: il sito nasce nel 2010 su iniziativa di Tempo Reale e viene curato, fino al 2014, da musicisti provenienti dalle classi di musica elettronica del Conservatorio di Bologna, tra cui Riccardo Castagnola e Luigi Mastandrea. Il portale è stato poi riaperto nel 2016 con un nuovo layout e una nuova redazione, ed è curato da noi due.

Quali spunti ci sono stati? A quali modelli si è fatto riferimento?

Abbiamo cercato fin dall’inizio di riempire uno spazio che non c’era nella divulgazione di musica elettronica e sperimentale in Italia. Ci sono stati dei modelli di riferimento, soprattutto cartacei (come The Wire o il compianto De:Bug) per quanto riguarda gli argomenti trattati, ma abbiamo cercato da subito di trovare la nostra strada. Nonostante un sito web non ponga limiti alla lunghezza dei testi pubblicati, al contrario dei supporti cartacei, abbiamo sempre optato per contributi non lunghi, di carattere divulgativo, seppur sempre di alto profilo scientifico. Abbiamo ospitato negli anni rubriche di studiosi, compositori, divulgatori, offrendo loro un luogo dove pubblicare le loro riflessioni in una forma più libera e diretta rispetto a una pubblicazione scientifica. Tra questi, Valentina Bertolani, Federica Bressan, Johann Merrich, Andrea Valle, Laura Zattra. Ci piace pensare che musicaelettronica.it possa essere una casa per idee che sono ancora in cerca di una forma consolidata – come un testo scientifico – ma sufficientemente forti e mature per essere pubblicate.

Rubrica Brevi Storie: Teresa Rampazzi. A cura di Johann Merrich e disegno di Eeviac

Perché avete scelto il nome musicaelettronica.it?

Non l’abbiamo scelto noi ma è stato ideato da Francesco Giomi, direttore di Tempo Reale.

Nella rivista vi occupate prevalentemente di musica? Quali generi trattate?

Come un po’ si intuisce dal nome stesso, ci occupiamo prevalentemente di musica elettronica nelle sue varie sfaccettature, di musica sperimentale, di musica contemporanea.

Oltre al sito istituzionale siete presenti nei social? Se sì quali preferite usare?

Insieme alla riapertura del sito nel 2016 abbiamo inaugurato anche una pagina Facebook (https://www.facebook.com/Musicaelettronica.it) e, da marzo 2023, abbiamo aperto anche un account Instagram (https://www.instagram.com/musicaelettronica.it/). Usiamo questi due spazi, da un lato, per riverberare i contributi che pubblichiamo sul nostro sito, dall’altro per trovare nuove forme di interazione con i nostri utenti. Facebook è ormai un canale consolidato ma a volte può risultare un po’ statico, mentre siamo curiose di capire come riusciremo a usare Instagram, che abbiamo aperto grazie al supporto di Davide Parolin, nuovo social media manager di Tempo Reale.

Vi siete fatti un’idea dei vostri lettori? Avete feedback da chi vi legge?

I feedback principali, oltre che dalle reazioni e commenti sui social, ci arrivano quando pubblichiamo i nostri Call for works tematici, a cui partecipano normalmente numerosi musicisti da tutta Italia e dall’estero. Questo ci fa piacere e ci conferma che le nostre idee girano anche attraverso canali che non ci aspetteremmo. I nostri lettori sono prevalentemente musicisti elettronici, studiosi, ma anche persone genericamente interessate agli argomenti che pubblichiamo.

Avete in progetto un’edizione cartacea della rivista?

Per l’anniversario dei dieci anni di musicaelettronica.it, che cadeva nel 2020, abbiamo immaginato una versione cartacea con gli articoli più interessanti pubblicati negli anni, progetto che poi abbiamo dovuto archiviare per i vari ritardi legati alla pandemia. Per adesso siamo felici di abitare solamente il mondo della rete ma non sappiamo ancora cosa decideremo di fare in futuro!

Siete aperti a collaborazioni con altre riviste, on line/cartacee, associazioni, enti, ecc.?

Sì, siamo sempre aperti a collaborazioni con realtà che seguiamo e stimiamo. Prima della pandemia avevamo iniziato a curare il podcast ‘Telepass’ con Fango Radio (www.fangoradio.com), che era dedicato ai concerti della rassegna ‘Aundici’, a cura di Tempo Reale e in collaborazione con varie realtà musicali del territorio toscano. Abbiamo ospitato la rubrica finestresonore~ di Elettronica Collettiva Bologna~, realtà collaborativa nata nella Scuola di Musica Elettronica del Conservatorio G.B. Martini di Bologna. Da marzo 2023 abbiamo poi inaugurato la rubrica Label! Label!, curata da Marco Baldini, che è un focus sulle etichette discografiche di musica sperimentale, a partire da quelle italiane, dove abbiamo coinvolto i vari fondatori/curatori attraverso interviste sulla loro visione curatoriale e sulle loro uscite più significative. Ci piacerebbe comunque espandere la nostra rete e collaborare con altre realtà nei prossimi mesi.

Centenario Pietro Grossi

Progetti futuri oltre la rivista on line?

A settembre 2017, per il ‘Tempo Reale Festival’ di quell’anno, avevamo curato un evento all’interno del Museo Novecento di Firenze dal titolo PLAY900, che prevedeva una visita del museo con indosso un paio di cuffie wi-fi da cui ascoltare tre diverse playlist curate da musicaelettronica.it (una con le opere vincitrici dei nostri Call for Works, una con composizioni già presenti in un’installazione sonora all’interno del museo che era stata ideata da Tempo Reale, e una dedicata al compositore elettronico Pietro Grossi, di cui quell’anno ricorreva il centenario). Ci piacerebbe organizzare altri eventi simili in futuro, così da uscire dalla dimensione online e avere la possibilità di incontrare dal vivo chi ci segue.

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Marco Paolucci
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Intervista con la musicista, compositrice e ricercatrice Marianna D’Ama

La mia conoscenza con la musicista Marianna D’Ama viene dalla collaborazione, attualmente in corso, per il festival ‘Oh-No! Songwriters’. Una sua idea, una rassegna dedicata al cantautorato femminile, che è si sposata perfettamente con l’idea che Kathodik, L’Osservatorio Di Genere di Macerata e La Soms, aka La Società Operaia di Mutuo Soccorso di Corridonia in provincia di Macerata, stavano rimuginando-progettando da tempo. Quindi è venuto naturale unire le forze per lavorare a questa rassegna che ha portato e porterà sul palco de La Soms: Sara Ardizzoni in arte Dagger Moth, la stessa Marianna D’Ama, e come ultimo appuntamento la musicista Elli De Mon con il suo nuovo disco. Da cosa nasce cosa e così ho pensato di scambiare le mie consuete quattro chiacchiere digitali con Marianna D’Ama, che ha accettato con piacere, per approfondire la conoscenza e la poetica di questa interessante artista. Come sempre a voi la chiacchierata.

Quali sono i tuoi natali musicali? In particolare come è nata l’idea di suonare la chitarra? E la Farfisa? Perché hai scelto questi strumenti?

(foto in home di Paolo Ceritano) Ora che mi ci fai riflettere, non credo di aver mai scelto davvero gli strumenti che mi fanno compagnia in camera, in studio e sul palco. Dopo svariati acquisti e amori folli con strumenti che non avrei mai potuto “domare” da autodidatta, una naturale selezione ha voluto che rimanessero con me la Farfisa (la prima acquistata per caso per sostituire un pianoforte ingestibile) e le chitarre (la mia prima è stata un valido sostituito a quel maledettissimo flauto che ci propinavano alle scuole medie).

Foto di Paolo Ceritano

Come nascono i tuoi brani?

Non saprei descrivere precisamente l’origine delle mie idee che poi saranno le fondamenta di ciò che forse diventerà un brano o semplicemente un ricordo.
Gli stimoli sono infiniti, ma lo sviluppo di essi è spesso limitato dalla mancanza di tempo, in questa vita che mi sfugge di mano tra lavoro e una serie infinita di priorità e distrazioni.
Ci sono idee che sono diventate brani in 5 minuti, altre che sperano ancora di vedere la luce, o forse nel rispetto della loro origine, magari rimarranno solo a risuonare nella mia stanzetta.
Non ho in mano il decalogo della cantautrice, la mia unica costante è l’ispirazione. Quell’ispirazione molto più Indie-pendente di me, intransigente molto più me, senza regole, difficile da gestire… Credo di non averti risposto 😉

A chi ti inspiri quando componi?

Mi lascio liberamente “contaminare”, nonostante io sia molto attenta a non cedere troppo all’imitazione delle mie influenze.
Il blues, il jazz e il soul mi hanno sicuramente indirizzato verso una rotta più definita. Più passano gli anni, più istintivamente vado a ritroso con gli ascolti inseguendo quell’attitudine e quell’autenticità che purtroppo non si insegna e che difficilmente oggi riesco a ritrovare nel bel mezzo di questa giungla musicale piena di animali in cattività.
Quando ascolto Billie Holiday o Nina Simone mi sembra di non aver bisogno di nient’altro. Quella miscela essenziale di purezza, verità, coraggio e una attitudine convincente diventa inevitabilmente una grande fonte di ispirazione.
Sono comunque curiosa di sapere chi secondo voi mi ispira quando compongo.

Foto di Paolo Ceritano

Dal tuo punto di vista di musicista, cosa pensi della percezione del Gender Gap nella musica? Nello specifico come vivi il tuo essere musicista in rapporto all’attuale Industria musicale?

Il Gender Gap nell’Industria musicale non è opinione ma indubbiamente un dato di fatto. C’è ancora moltissimo da lavorare, è una questione culturale, ci vorrà tempo e una grande lavoro su noi stesse, sulla consapevolezza delle nostre capacità senza mai dimenticare che in una cultura patriarcale come quella in cui viviamo, il nostro impegno e quello dei nostri “colleghi” deve viaggiare velocemente sullo stesso binario.

Dopo aver letto questa domanda, ho fatto di nuovo una breve ricerca per vedere come il Web reagisse a questo fenomeno.
E’ interessante leggere articoli sul Gender Gap nell’industria musicale, è lodevole che ci siano professioniste che continuino a far emergere questa criticità.
La cosa che mi delude di più però è che tutti i dati che emergono, soprattutto nelle webzine più vendute, sono solo tarati sugli stream di Spotify, sui dati delle major, sui followers dei social e le classifiche di Billboard. Un quartetto a mio avviso brutale.

E’ scontato ribadire che se faccio della mia sregolatezza un baluardo, della mia ispirazione un timer che scandisce le mie produzioni a sorpresa, di certo io non possa appartenere a nessun tipo di mercato discografico, men che meno a qualsiasi cosa che si avvicini al contesto a cui rimanda la lista di cui sopra. Quindi, una volta analizzati i numeri di un sistema del quale non faccio parte (e che secondo me non fa altro che incrementare il Gender Gap in quanto totalmente legato al mercato e a nessun tipo di valore), mi è sempre più chiaro che chi occupa posizioni strategiche e di potere condizioni i modelli di riferimento e detti gli standard, perché siamo noi che continuiamo a concederlo. Perché?
Abbiamo davvero bisogno della classifica di Billboard per capire quanto il Gender Gap oramai sia in ogni contesto sociale che viviamo? Perché gli stessi mezzi che ci tirano fuori dall’industria musicale devono diventare il parametro stesso per ribadirci una esclusione femminile annunciata? Questo approccio mi confonde.
Se davvero vogliamo trovare la forza per combattere “il sistema” (non solo del patriarcato) nella musica e nella vita dovremmo probabilmente tutt* ripartire dalle basi con grande saggezza, cultura e intelligenza.
Nel panorama indipendente, l’unico che frequento, credo ci sia una attenzione diversa e un ambiente molto più inclusivo. Quel Gap viene in gran parte riassorbito da quello che sento un intento comune, dare importanza alle persone, alla musica, alle cose belle, alla rete di connessioni umane che viene generata dalla musica stessa. La parola “industria musicale” nei contesti che vivo, non è mai stata più lontana.
Sarà per questo che certi tipi di “divari” non trovano terreno fertile?
Continuo a risponderti a suon di domande 😉

Il tuo punto di vista sulla scena italiana attuale sia a livello di locali, spazi, situazioni in cui suonare, sia a livello di artisti che incroci nei tuoi viaggi. Come vedi questa scena a livello di rapporti umani e professionali?

Torno sempre a parlare della dimensione che vivo personalmente, per rimanere coerente con quello che scrivo. In Italia non vedo una vera e propria “scena”. Quelle meravigliose sottoculture che hanno fatto la storia ormai non esistono più, o è bianco o è nero. Nessuna sfumatura. O ci sei o non ci sei. O riempi il locale di gente o non suoni.
Questa domanda mi porta a riflettere sull’origine di ‘Oh-No! Songwriters’ e rubare qualche riga per descriverla meglio.
Questa rassegna è stata fortemente voluta perché abbiamo sentito che mancavano proprio quegli spazi di cui parli. Era un atto dovuto per tutti quegli artisti e artiste meravigliosi e meravigliose, un pubblico speciale che c’è e come, per tutti quei contesti dove è ancora possibile esistere a modo nostro. Esistiamo anche se lontano dai grandi numeri e siamo in grado di connettere così tanto che ce ne rendiamo conto solo quando si spengono le luci dei piccoli concerti che cerchiamo di organizzare.
Io da questa parte cerco di fare il massimo per ri-creare quella scena dove musiciste e musicisti come me possano esprimersi e connettersi musicalmente, professionalmente e soprattutto umanamente, senza troppi fronzoli. Sentirsi a casa, in un posto sicuro, è quello che conta in fondo.

Foto di Paolo Ceritano

Come è nata la collaborazione con l’artista italoamericano Joseph Martone?

Molte casualità, su Instagram sono entrata in contatto con uno dei miei artisti preferiti, Timber Timbre, che aveva appena concluso la produzione del disco di Joseph, che vi consiglio vivamente di ascoltare, “Honeybirds”. È stato lui il tramite di questa collaborazione che ormai va avanti da quasi 4 anni.

Foto di Lorenzo Malloni

Con chi ti piacerebbe collaborare?

Una domanda difficilissima. Potrebbe essere un elenco infinito.

Classica domanda finale: progetti in cantiere?

Il primo dischetto in italiano.

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Marco Paolucci
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Intervista con Marco Russo, responsabile comunicazione della label musicale col legno

La col legno è una label musicale austriaca che ha incrociato negli anni i lidi kathodici con le sue raffinate produzioni, dedite alla musica contemporanea nelle sue varie declinazioni, anche più sperimentali. Ma, come per le altre label discografiche che hanno deliziato i padiglioni auricolari dei redattori della webzine, non c’era stato un approfondimento di conoscenza della politica e della filosofia della label, cosa che ho ritenuto di colmare scambiando quattro chiacchiere digitali con Marco Russo, responsabile della comunicazione della col legno. A voi come sempre la chiaccchierata.

Quali sono le origini della label col legno? Come è nata l’idea? Quali ispirazioni ci sono state? A quali modelli, se ci sono stati, si è fatto riferimento?

Col legno è stata fondata nei primi anni ’80 in Germania da Wulf Weinmann come etichetta che si dedica esclusivamente alla musica classica contemporanea della seconda metà del XX secolo. Attorno all’anno 2000 è stata comprata da imprenditori e amanti della musica Austriaci, i quali hanno portato l’etichetta prima a Salisburgo e poi a Vienna. Nel 2005 il musicista e compositore Andreas Schett è stato nominato direttore artistico e dal 2015 fino ad oggi è proprietario della col legno.

Diciamo che dal 2015 inizia una nuova fase della col legno: la label si apre ad altri stili musicali come ad esempio il Jazz, la musica Folk ma anche la musica elettronica-sperimentale e da qui in poi col legno si presenta con tre edizioni: la “Prime Colors Edition”, la “Bright Colors Edition” e la “III Edition”. Queste tre edizioni si distinguono attraverso le copertine ma anche attraverso i contenuti. La “Prime Colors Edition” è l’edizione classica ed inconfondibile di col legno, ovvero il CD con booklet, la copertina in serigrafia monocromatica e contenuti musicali che si dedicano tutt’ora a quello che viene definita come musica d’avanguardia o come “Musica Classica Contemporanea”. La “Bright Colors” invece si dedica soprattutto a progetti giovani che vengono curati direttamente da col legno. In questo caso l’edizione non è collegata ad uno stile musicale predefinito. La “III Edition” invece è il prodotto “semplice” (CD con digipack). In questo caso però la semplicità del prodotto non rispecchia il contenuto: qui troviamo progetti jazz, elettronici e d’improvvisazione. In poche parole: col legno è interessata a qualsiasi tipo di musica che non è immediatamente identificabile e si “snoda” giocosamente attraverso gli stili.

Dove si trova la label?

A Vienna ed a Innsbruck.

Come vengono scelte le produzioni?

Alcune produzioni sono frutto di collaborazioni che durano ormai da molti anni, come ad esempio con la Musicbanda Franui, Wolfgang Mitterer, Lukas Lauermann, Emily Stewart o l’Institute for Computer Music and Sound Technology di Zurigo. Altre produzioni invece le “scopriamo” noi ma in generale tutti possono richiedere la collaborazione – basta che sia un progetto creativo e speciale.

Clara Frühstück, Oliver Welter (c) Ingo Pertramer

Le produzioni della label col legno sono esclusivamente, almeno a mia conoscenza, in formato cd. Del vinile che ne pensate? La considerate una opzione da sondare? Del digitale?

Col legno crede che la musica è un’avventura a 360 gradi ovvero un’avventura sensuale, cioè qualcosa per l’udito, per il tatto, per la vista e per l’olfatto. Per questo motivo produciamo tutt’ora prodotti fisici. In prima linea produciamo CD perché nel nostro contesto sono tutt’ora richiesti. Il vinile invece non è richiestissimo – dal 2015 abbiamo pubblicato due LP, “Nodding Terms” di Ketan Bhatti e “Hofknicks” di Paul Frick – ma per questo ed il prossimo anno ho già un paio di richieste per il vinile. Tutti i nostri prodotti attuali ma anche quelli storici (come ad esempio compositori come Luigi Nono, Luciano Berio, John Cage, Morton Feldman, ecc.) sono disponibili anche in versione digitale, cioè in versione download o streaming.

Che ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Ben vengano!

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica contemporanea? La col legno è attiva sui social?

I social sono un’ottima piattaforma per presentare e comunicare nuovi progetti. Siamo presenti su Facebook, Instagram, Twitter e di recente TikTok.

Matthias Jakisic, (c) Raffael Stiborek

Come vedete la scena musicale contemporanea nazionale e internazionale?

La musica classica contemporanea e d’avanguardia si vede tutt’ora confrontata con il pregiudizio secondo me infondato di essere musica per una certa élite. Conosco persone che sono apertissime per la musica elettronica sperimentale, tipo noise, drone, industrial, glitch ecc., ma non appena sentono o vedono delle performance nelle quali vengono usati, anche se in maniera non proprio convenzionale, strumenti come la tromba, il violino o il violoncello alzano gli occhi al cielo e magari gli viene anche la pelle d’oca. In questo caso vedono in questo specifico genere musicale che è la musica classica contemporanea una forma di bigottismo – anche se alla fin fine sono proprio loro i veri bigotti e conservatori.

Secondo me l’elemento fondamentale di questa musica è la trasgressione. Non intendo la trasgressione nel senso della sola provocazione ma la trasgressione come forma di sperimentazione. La parola italiana viene usata soprattutto in un contesto giuridico, ovvero quello di trasgredire le norme legislative o quelle di costume. La parola latina “transgressio” invece sottolinea il momento transitivo, ovvero quel momento secondo me fondamentale per ogni forma di creatività: quello di riuscire ad oltrepassare una forma espressiva per raggiungere un’altra – sostanzialmente e qualitativamente diversa e nuova. Lo strumento nel vero senso della parola per raggiungere questo fine è l’esperimento.

Questo è, da un punto di vista teorico, l’aspetto fondamentale della musica contemporanea in generale e lo vedo attuare in diverse maniere. Ad esempio, quando degli interpreti partono dalla notazione della “Winterreise” di Schubert per darle una veste “al di là del Pop”, mescolando elementi ispirati a David Lynch o Nick Cave; oppure quando un vocal ensemble intitola il primo album esplicitamente “Ex Utero” per sottolineare la dimensione femminista e contrapponendo vespri mariani del ‘700 a pezzi contemporanei.

Quali progetti avete in cantiere come label col legno?

Oggi ho appena finito di lavorare a “ORGANO/LOGICS”, un album con musica per organo da chiesa composto da Karlheinz Essl e interpretato da Wolfgang Kogert, con elementi elettronici ma anche ispirati a opere teoriche barocche come quella di Athanasius Kircher. Poi il sopra menzionato progetto “Ex Utero” con The Present di Berlino, ma anche due progetti italiani o con riferimenti italiani, ovvero “The smell of blue electricity” di Vittorio Montalti e Blow up Percussion e il progetto “La Strada” di Christian Muthspiel, il quale presenterà un album con la sua Orjazztra Vienna ispirato all’omonimo classico di Fellini.

m o s, da sinistra a destra: Alexander Kranabetter, Johannes Wakolbinger, Ivo Fina ©Jana Perusich

Abbiamo molti altri progetti in cantiere ma la cosa più semplice è quelle di seguirci sui nostri social 😉

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Marco Paolucci
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Intervista con Martin Archer, fondatore e direttore della label Discus Music

La Discus Music è una label musicale britannica che è ben presente da anni nei meandri digitali di Kathodik. Le sue produzioni, che spaziano dal Free Jazz al Progressive Rock, destano sempre interesse in redazione e trovano appassionati redattori che si ascoltano i dischi e ne parlano sulla webzine. Anche questa volta, come per le altre interviste, mi sono reso conto che era arrivata l’ora di un approfondimento di conoscenza della label e della filosofia che la anima e ho scambiato le mie consuete quattro chiacchiere digitali con Martin Archer, fondatore e direttore della Discus Music. Come sempre a voi la lettura.

Qui trovate la traduzione in Inglese

Quali sono le origini dell’etichetta discografica? Come è nata l’idea? Quali ispirazioni ci sono state? A quali modelli, se ci sono stati, si è fatto riferimento?

Mentre iniziavo a conoscere la musica e come fare musica negli anni ’70 c’erano tre importanti etichette discografiche britanniche da prendere ad esempio – Incus Records, Ogun Records e Cadillac Records. Tutte queste etichette discografiche hanno mostrato come fosse possibile per i musicisti registrare e pubblicare la propria musica senza interferenze. Questo mi piacque molto, e intorno ai vent’anni stavo già cominciando a capire che registrare piuttosto che suonare era per me la cosa principale. A quel punto avevamo avuto il Punk, e le piccole etichette indipendenti erano diventate comuni. Quindi i mezzi di produzione sono stati resi più accessibili. In un primo momento – infatti fino a circa 10 anni fa – Discus esisteva davvero solo per le mie produzioni personali. Ma poi, per fare un passo avanti, ho iniziato ad aggiungere dischi che non erano mie registrazioni – in un primo momento da musicisti della mia cerchia più vicina, ma ora piuttosto ampia. Sono indeciso se volere questa responsabilità, ma credo che ormai sia troppo tardi.

Dove si trova la label?
Sheffield UK

Come scegliete le produzioni?

La mia musica passa dall’improvvisazione attraverso il free jazz al progressive rock e la forma estesa della canzone. Faccio quello di cui ho voglia! Quindi, ho inizialmente voluto che la label pubblicasse musica che fosse altrettanto varia, un vero e proprio miscuglio. Come scelgo le produzioni? Devo solo amare la musica e sentire che in qualche modo si riferisce all’etica Discus di spingere i confini un po’ più in là.

Julie T and Martin Archer

Perché la maggior parte delle uscite è in cd?

Beh, si tratta di 60% CD e 40% DL, che è rimasta invariata per alcuni anni. In questa nicchia di musica molte persone vogliono ancora un supporto fisico, e coloro che non lo vogliono possono comprare un DL. Per me questa combinazione è il veicolo ideale, molto pratico per le persone il cui interesse principale è la musica e non il mezzo. Il mezzo non è, e non è mai stato, il messaggio.

Avete in programma in futuro uscite in vinile?

No, non mi piace il vinile. Troppo costoso da fare, troppo lungo il tempo di produzione, troppo costoso da inviare, non passerà attraverso la vostra cassetta delle lettere, troppo ingombrante da conservare, di durata troppo limitata. Non mi piace niente del vinile, che liberazione.

Che ne pensate delle coproduzioni tra le label? Pensate che sia una buona opzione per le label?

No, non ci vedo alcun vantaggio. Mi chiedo perché le etichette vorrebbero farlo. Non mi risulta che questo avvenga. Preferisco mantenere il controllo!

Orchestra Of The Upper Atmosphere

Pensate che sia importante l’uso dei social media per promuovere la musica improvvisata?

È di vitale importanza! Senza un reparto promozionale della casa discografica su cui contare, i musicisti devono promuoversi da soli, e il modo migliore per farlo è di rivolgersi a determinati gruppi di interesse tramite i social media e i commentatori online. Penso che aiuti avere un contatto diretto con gli ascoltatori. Come far parte di una comunità mondiale. Ottenere recensioni nelle riviste è gratificante per l’ego, ma non sono sicuro che faccia molta differenza per le vendite.

Come vedete la scena nazionale e internazionale a livello di musica improvvisata?

Penso che in generale ci sia ora molta più musica interessante, da vedere e sentire, di prima. Ci sono molti bravi giovani musicisti in arrivo, e non mi stanco mai di sentire cose nuove da persone nuove. I concerti nel Regno Unito non vanno bene per suoni più sperimentali – non ci sono mai stati abbastanza posti per suonare, ed è ancora così. Ma per me che sono principalmente un musicista di studio va bene – vendo CD in tutto il mondo, principalmente UK/ EU/ US e questo è positivo.

Potete dirmi qualcosa su futuri progetti della label?

Bene, Discus pubblicherà 18 nuovi CD/DL nel 2023, alcuni dei miei dischi, alcuni nuovi nomi e alcuni nomi affermati. Ci saranno 2 uscite di Paul Dunmall nel 2023 e sono soddisfatto di entrambe. Ho i dischi dei miei gruppi rock fuori dagli schemi Orchestra Of The Upper Atmosphere e Das Rad. E ho un triplo CD live con gli Anthropology Band che mi entusiasma. Qualche sorpresa la scoprirete a tempo debito. Voglio che tutti continuino ad interessarsi alla Discus, e che si domandino: che cosa ha in mente di far uscire adesso?

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Marco Paolucci
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Interview with Martin Archer, founder and director of the label Discus Music

Discus Music is a British music label that has been present for years in the digital maze of Kathodik. His productions, ranging from Free Jazz to Progressive Rock, always arouse interest in the editorial staff and find passionate editors who listen to records and talk about them on the webzine. Also this time, as for the other interviews, I realized that it was time for a deepening of knowledge of the label and the philosophy that animates it and I exchanged my usual digital chat with Martin Archer, founder and director of Discus Music. As always to you reading.

Here you can find the Italian translation

What are the origins of the Discus Music label? How did the idea come about? What were your inspirations? What models, if any, have you referred to?

While I was starting to learn about music and how to do music in the 1970s there were three very important British labels to take a role models – Incus, Ogun and Cadillac. All of these showed how it was possible for musicians to record and release their own music without interference. This appealed to me greatly, and by the time I’d reached my early 20s I was already starting to realise that recording rather than gigging was to be my main thing. And by then we’d had punk, and small independent labels had become common. So the means of production was opened up. At first – in fact until around 10 years ago – Discus really existed only for my personal releases. But then to take it to the next level I began to add releases which weren’t personal to me – at first by musicians in my own immediate circle, but now rather wider. I’m in two minds about whether I really want that responsibility, but I guess it is too late now.

Where are the labels based?

Sheffield UK

How do you choose the releases?

My own music goes between improvisation thru free jazz to progressive rock and extended songform. I do whatever I feel like! So, I deliberately wanted the label to issue music which was similarly varied, a real mixed bag. How do I choose? I just have to love the music and feel that somehow it relates to the Discus ethos of pushing the boundaries a little bit.

Julie T and Martin Archer

Why is it mostly Cd releases?

Well it is 60% CD and 40% DL, which has not really changed for a few years. In this niche area of music lots of people still want a physical product, and for those who don’t they can buy a DL. For me this combination is the ideal carrying method, very practical for people who’s main interest is the music and not the medium. The medium isn’t, and never was, the message.

Do you plan for future vinyl releases?

No, I don’t like vinyl. Too expensive to make, too long a production time, too expensive to post, it won’t go through your letter box, too bulky to store, too limited in length. There is nothing about it that I like, good riddance.

What do you think about co-productions between record labels? Do you think it is a viable option for your labels?

No, I can’t see any advantage in that. Why would labels wish to do that I wonder? I’m not even aware this happens. I prefer to stay in control!

Orchestra Of The Upper Atmosphere

Do you think it is important to use social media to promote improvised music?

It’s vital! Without a record company promotional department to fall back on, musicians have to do their own promotion, and the best way to do that is direct to special interest groups via social media and online commentators. I feel it helps you to have this very direct personal contact with listeners. It feels like a worldwide community. Getting magazine reviews is lovely for the ego, but I’m not sure they make much difference to sales.

How do you see the national and international improvised music scene?

Well I think generally there is now more great music to see and hear than ever before. There are a great many really good younger musicians coming through, and I never get tired of hearing new things from new people. Gigs in the UK are not great for more experimental sounds – there have never been enough places to play, and it’s like that still. But for me as primarily a recording musician it is fine – I sell CDs all over the world, mainly UK / EU / US and that feels good.

Could you tell us something about some of your future projects?

Well Discus will be releasing 18 new CD/DLs during 2023, some of my music, some new names, and some established names. There will be 2 Paul Dunmall releases in 2023 and I’m delighted with both of them. I have releases due from my leftfield rock groups Orchestra Of The Upper Atmosphere and Das Rad. And I have a triple live CD with Anthropology Band which I’m excited about. A few surprises too which you’ll find out about in due course. I just want to keep everyone guessing and interested in what comes out on Discus – what is he up to now?

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Link: Discus Music Facebook Page

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Marco Paolucci
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Intervista con Gianni Mimmo della label Amirani Records

Gianni Mimmo con la sua Amirani Records è una presenza costante da parecchi anni nelle pagine digitali di Kathodik. Proposte sempre di altissimo livello che trovano orecchie attente da parte dei collaboratori di Kathodik, e così l’intento di far conoscere musica “sperimentalmente interessante” viene portato a compimento. Ho pensato di approfondire la conoscenza della label attraverso le mie consuete quattro chiacchiere digitali con Gianni Mimmo che ha accolto con piacere l’idea della chiacchierata esplicativa. Come sempre vi invito alla lettura di quello che è venuto fuori dalla chiacchierata.

Come è nata l’idea di fondare la Amirani Records?

Ciò che ero andato costruendo musicalmente aveva preso una certa consistenza, solidità. La mia formazione è molto trasversale e molte cose si agitano ai margini così ho pensato che forse un lavoro, se non altro, di documentazione fosse buona cosa, in parte necessario. Il rapporto tra la spinta progettuale e il processo fruitivo è uno dei passaggi fondamentali del percorso comunicativo… Credo volessi indirizzare, testimoniare dal punto di vista concettuale e editoriale. Un luogo ordinato nel quale ascoltare cose “intere”, possibilmente coerenti. Amirani è un luogo, credo avessi bisogno di un luogo.
Ne è nata un’esperienza bellissima e faticosissima che mi ha anche riservato fragranti sorprese. Mi sembra che Amirani abbia ora un suo carattere, ha un catalogo internazionale di lavori sinceri e in non pochi casi eccellenti. Avverto tuttavia una certa compiutezza, sono tempi opachi e la fruizione è enormemente cambiata.

Quali sono le ragioni in base alle quali hai deciso di concentrare le produzioni sulla musica jazz/sperimentale?

Due ragioni: la prima è che io vengo da quel mondo e in particolare il rapporto con il testo, l’immagine, le arti in genere ha informato la mia musica con sentieri trasversali, dove le cose più interessanti stimolanti generalmente avvengono.
La seconda è che necessitava una direzione, una dislocazione espositiva di questi margini sovente relegati in categorie minime e disordinate. L’esperienza che tu chiami “jazz/sperimentale” contiene moltissime sfaccettature, intersezioni artisticamente molto fertili totalmente ignorate e molto disperse. Ho voluto raccoglierne alcune luci, direi.

Foto di Uli Templin

In questi anni hai mai pensato a produrre album di altri generi musicali?

L’ho fatto aprendo la collana Amirani Contemporary. Sono volumetti molto curati, progetti monografici su compositori contemporanei. Inoltre, nel catalogo Records sono presenti alcune edizioni che non definirei né jazz né sperimentali.

Le produzioni della Amirani Records sono esclusivamente, almeno a mia conoscenza, in formato cd. Del vinile che ne pensi? La consideri una opzione da sondare? Del digitale?

Adoro il vinile e ho pubblicato quattro LP vinile 180gr. in edizione limitata e numerata a mano e mi sto avviando alla quinta pubblicazione. Il vinile pone questioni interessanti: il tempo di un vinile è differente, sia dal punto di vista creativo che da quello editoriale, da quello di un CD ed enormemente distante da quello tipico della fruizione digitale. Sono categorie totalmente differenti. La fruizione rimane per me un sistema molto complesso che ha assunto negli ultimi anni accelerazioni e spiccata pluralità. Il vinile rappresenta un respiro, un rituale.
Amirani è sulle piattaforme digitali, si può acchiappare qualcosa anche da lì…

Cosa ne pensi delle coproduzioni tra label discografiche?

Nonostante un pervicace individualismo, ne ho fatte diverse. Ho sempre incontrato buone collaborazioni e anche la possibilità di intersecare altre derivazioni. Ne sono nati ulteriori progetti.

Foto di Valentina Zanzi

Che ne pensi dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica jazz/sperimentale? La Amirani Records è attiva sui social?

Vorrei poterti rispondere con precisione, ma non sono in grado di farlo. In generale non credo che i social consentano un ascolto accettabile, tutto ha durate effimere. Forse è possibile lanciare segnali, anche se diffido di questo tempo molto emittente e poco ricevente. Ma promuovere la conoscenza necessita di un approfondimento non molto in voga sui social. Sì, diciamo che Amirani è presente sui social, blandamente attiva.

Come vedi la scena jazz/sperimentale italiana contemporanea? Come vedi la scena jazz/sperimentale internazionale contemporanea?

Per me è molto difficile definire oggi “scena”. La situazione è molto variegata e lavora in entità piuttosto piccole qui in Europa, tuttavia le intersezioni fra le varie derivazioni stilistiche molto attive. Vedo molte scintille ma non un fuoco. Credo si fatichi un pochino ad uscire da una certa autoreferenzialità, da una ricerca di legittimazione piuttosto diffusa. In quest’ultimo anno ho avuto modo di suonare in diversi festival europei e devo dire che le cose più interessanti sono quelle che intuiscono la necessità di ritrovare una via comunicativa più fresca.
Tuttavia, non sembra esserci il tempo per una coagulazione, per una durata dei progetti. Non è neanche una questione di luogo, nazionale e internazionale sono categorie complessivamente relative. È proprio raro che i progetti durino nel tempo, questo è anche un limite. La molteplicità delle produzioni non aiuta ad avere una chiara visuale, non credo sia possibile parlare di “scena”. Ambiti, forse. E spesso con confini labili. Molte stratificazioni e compenetrazioni fra stili e provenienze. Molto diverso da solo 20/30 anni fa.

Come vedi il futuro della musica sperimentale?

È forse questa una categoria insufficiente ormai per qualsiasi definizione.
Vi sono composizioni di cento anni fa che fanno impallidire ciò che viene definito sperimentale oggi. Credo che un approccio disincantato ma consapevole di un artista oggi sia l’unica risposta possibile. Credo inoltre sia necessario, per un artista, tornare a studiare, a prendersi cura della costruzione di una solidità ispirativa, ad esercitare una curiosità attenta e non calligrafica. C’è una predominanza del fare rispetto a una maggiore necessità di considerare. Ma comprendo quanto sia difficile dedicarsi all’approfondimento mentre si è costantemente esposti alle sollecitazioni di questo tempo.

Quali progetti ha in cantiere la Amirani Records per i prossimi anni?

Posso dirti quelli di quest’anno: cinque release in arrivo per il 2023, una delle quali in vinile.
Nicola Guazzaloca – Gianni Mimmo ‘HERBSTREISE’ cd
Hughes-Mimmo-Schlechta-Volquartz ‘CADENZA DEL CREPUSCOLO’ cd
Walter Prati ‘LULLABIES AND OTHER STORIES’ Lp&cd
Gianni Mimmo – Harri Sjöström ‘WELLS’ cd
Sestetto Internazionale ‘DUE MUTABILI’ cd

Link: Amirani Records Home Page

Link: Amirani Records Facebook Page

Link: Gianni Mimmo Home Page

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Marco Paolucci
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Intervista con la musicista, compositrice e ricercatrice Dagger Moth

Sara Ardizzoni, in arte Dagger Moth, è un’artista eclettica che da tempo si è incamminata in una sua personale ricerca poetica, dedicandosi all’arte della composizione musicale con la sua fida chitarra sia sui palchi che in studio. Nel suo percorso discografico, contaminato dall’elettronica, ha collaborato con tantissimi grandi artisti, come Giorgio Canali, Joe Lalli dei Fugazi, Marc Ribot, Mike Watt, Hugo Race, e attualmente suona la chitarra con i Massimo Volume e con Cesare Basile e i Camminanti. Kathodik ha incrociato la sua strada grazie alla recensione, a cura di Vittorio Lannutti, del suo ultimo album ‘The Sun is a Violent Place’ (qui). Il passaggio dalla recensione a voler scambiare le mie consuete quattro chiacchiere digitali è avvenuto in men che non si dica, grazie anche alla disponibilità di Dagger Moth a rispondere alle mie domande. A voi l’intervista e buona lettura!

Quali sono i tuoi natali musicali? In particolare come è nata l’idea di suonare la chitarra? Perché hai scelto questo strumento?

(Foto in home di Davide Pedriali: WOOD) Eh… lunga storia! Mio padre suonava per hobby la chitarra, sia classica che elettrica, quindi gli strumenti erano sempre in giro per casa. Ma pur essendo un’ascoltatrice vorace e appassionata fin da bambina, mi rifiutavo di imparare a suonare. Appena il babbo ha desistito dal convincermi ho iniziato a prendere lezioni (perché il mio miglior amico si era iscritto a un corso di chitarra blues…) ma ero già più che adolescente. Ovviamente rimpiango di non aver iniziato da piccolissima… anche perché più invecchio più crescono amore e curiosità nei confronti delle sei corde.

Come nascono i tuoi brani?

Non ho un metodo di lavoro, le uniche componenti fondamentali sono avere le idee e il tempo. Raramente però un brano intero nasce di getto in tutte le sue parti, tendenzialmente se individuo una strada da seguire poi ci lavoro piuttosto meticolosamente.

Medusa – foto di Davide Pedriali

A chi ti inspiri quando componi?

Onestamente a nessuno in particolare! Non ho mai dei riferimenti precisi, al limite mi capita, più o meno consapevolmente, di rimescolare tutto quello che ho ascoltato dall’infanzia ad oggi… ma le intuizioni possono nascere da qualsiasi cosa, dal preset di un effetto, da un esercizio, uno stato emotivo persistente, un libro, una passeggiata…

Come è nato il tuo ultimo disco ’The Sun Is A Violent Place’ in “isolamento” (recensito qui)? Come lo hai pensato? Come una forma di “resistenza” alla pandemia che imperversava in ogni dove?

Più che una resistenza alla pandemia, una resistenza a me stessa, al lasciarsi andare un po’ alla deriva. In generale davanti agli ostacoli provo a far di necessità virtù , quindi nei tempi dilatati di quel periodo ho intravisto un’occasione per metter mano alle molte bozze accumulate negli anni e nella solitudine forzata l’occasione per imparare a registrare tutto da sola, dedicandomi, più che in passato, a premix e produzione.

Dal tuo punto di vista di musicista, cosa pensi che la percezione del Gender Gap nella musica? Nello specifico come vivi il tuo essere musicista in rapporto all’attuale Industria musicale?

Beh per il tipo di musicista che sono direi che mi piazzo ben al di fuori dell'”industria musicale”, entità che ha dei confini alquanto vaghi di questi tempi… Quel che faccio e come lo faccio temo sia un po’ slegato dagli standard attuali del mercato. Ma fare un certo tipo di percorso è una scelta personale e di base credo che non esista una formula che possa funzionare per tutti.
Per quel che concerne il Gender Gap, ovviamente come in tutti gli ambiti professionali anche nel settore musicale c’è sicuramente da lavorare per migliorare la situazione e, in quanto donna, negli anni ho ovviamente collezionato una ricca e variopinta aneddotica. Tuttavia non credo che sia stato questo l’ostacolo maggiore incontrato nella mia personale esperienza, gli impedimenti son stati ben altri e ben più generalizzati… visioni stereotipate, conformismo, ottusità, arroganza, ipocrisia, mancanza di coraggio. Non sono nemmeno così favorevole all'”autoghettizzazione al femminile “, da musicista quello che mi interessa è essere libera e suonare al meglio delle mie possibilità, in contesti stimolanti e con persone da cui imparare, a prescindere da sesso, età o altri tratti distintivi.

Il tuo punto di vista sulla scena italiana attuale sia a livello di locali, spazi, situazioni in cui suonare, sia a livello di artisti che incroci nei tuoi viaggi. Come vedi questa scena a livello di rapporti umani e professionali?

Dal mio punto di vista in tutta sincerità non vedo “una” scena, se intendi un panorama coeso… è frammentato, frastagliato, anche nell’ambito “alternativo”. Ma direi che è normale, il territorio è vasto. Purtroppo questi ultimi due anni hanno indebolito una nicchia che già prima si nutriva di poche forze, prima di tutto della passione di chi ci lavorava. E hanno ulteriormente sminuito la musica come attività professionale.
Molti piccoli locali hanno chiuso e a livello di trattamento economico temo che la forbice mainstream/alternative al mainstream si sia ulteriormente allargata.
In generale mi pare manchi anche un po’ il senso di comunità e, per quanto io sia un cane sciolto, mi piace fare rete quando mi imbatto in realtà che sento affini e trovo intellettualmente oneste.
Poi c’è un mix di fattori che mi pare stia dando sempre di più il colpo di grazia alle realtà che proponevano contenuti non omologati ai trend del momento o che riuscivano a fidelizzare un pubblico sul lungo periodo… Un gioco al ribasso, generalizzando, che a livello di proposte artistiche raccoglie la complicità di varie categorie, musicisti, promoter, addetti al settore. L’inseguimento del risultato a breve termine. La capacità di ascolto in calo, perché messa sempre più a dura prova dal fatto che la musica come forma d’arte o di intrattenimento ha ormai una marea di alternative concorrenti. La confusione creata da anni spacciando per musica indipendente progetti che di indipendente non hanno assolutamente nulla. Ecc… ecc… Solo alcuni tasselli di una situazione piuttosto allo sbando.

Riprendo letteralmente la domanda precedente e la estendo alla scena europea. Quali realtà secondo te stanno reagendo meglio alla difficile ripartenza post-covid?

Purtroppo non conosco altre scene europee, bisognerebbe chiedere a chi le vive sulla propria pelle.

Con chi ti piacerebbe collaborare?

Lasciando da parte una lunga lista di musicisti che stimo (tipo dream team irraggiungibile…) da tempo mi piacerebbe inciampare nell’opportunità di lavorare a una colonna sonora o creare le musiche per una coreografia.

Classica domanda finale: progetti in cantiere?

Visto che il mio solo set è molto strutturato, soprattutto live, si fa abbastanza pressante la voglia di attivarmi con un progetto più libero e meno arrangiato, magari in duo…vedremo… 😉

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Marco Paolucci
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Intervista con Sergio Piccirilli, cofondatore e codirettore del blog musicale ‘El Intruso’

Quarto incontro – dialogo “virtuale” con i blog di musica presenti in ogni dove sul web.Questa volta, dopo l’intervista a Phil Freeman – Burning Ambulance (qui), base Stati Uniti, Uwe Schneider e Michael Göttert – African Paper (qui), base Germania, Mario Biserni – Sands-Zine (qui), base Italia, mi dirigo in Argentina per scambiare quattro chiacchiere digitali con Sergio Piccirilli, fondatore del blog musicale in lingua spagnola, dedicato alla musica jazz e sperimentale, El Intruso. Il sottoscritto da anni ha il piacere di partecipare per Kathodik all’Encuesta Periodistas Internacionales, appuntamento annuale promosso dal magazine, che coinvolge giornalisti e studiosi di Musica da tutto il mondo, invitati ad esprimere la loro classifica sugli artisti, gruppi, e altro dell’anno passato (qui quella del 2022). Chiaramente quando ho stilato la lista di blog da contattare, El Intruso è risultato tra i primi di cui volevo approfondire la storia. Sergio me l’ha raccontata con piacere, e io la giro a voi e vi invito a leggerla.

Qui trovate l’intervista in inglese

Come è nata la rivista on line?

La nostra rivista nasce come estensione di un programma radiofonico eccezionale, condotto dal mio collega e caro amico Marcelo Morales. L’idea originale era di trasferire lo spirito ed i concetti contenuti in quel programma nel formato on line. Questo nuovo progetto ha cominciato a concretizzarsi all’inizio del 2005 e a quel tempo ho avuto l’onore di unirmi al team di scrittura. Nel corso del tempo, la rivista ha ottenuto una visibilità internazionale inaspettata e la mia partecipazione è aumentata fino a diventare il direttore di El Intruso.

Quali spunti ci sono stati? A quali modelli si è fatto riferimento?

Non abbiamo mai avuto un modello da copiare o imitare, ma l’idea di cercare di diffondere e sostenere la creatività musicale in tutte le sue forme era sempre presente. Sottolineando, in particolare, quelle manifestazioni che per ragioni e cause diverse, non hanno avuto effetti o non sono state considerate dai media tradizionali. Forse questo spiega perché lo slogan originale della nostra rivista è stato (e lo è ancora): “l’altra musica”.

Perché avete scelto il nome ‘El Intruso’?

La spiegazione è abbastanza semplice. Il programma radiofonico che ha dato origine alla rivista è stato chiamato, appunto, ‘El Intruso’.

Nella rivista vi occupate prevalentemente di musica? Quali generi trattate?

La musica è sempre stata il tema principale nei nostri contenuti, tuttavia, nei primi giorni della rivista avevamo anche sezioni dedicate ad altri argomenti come la letteratura, per esempio. Oggi la musica occupa tutte le nostre pubblicazioni, ma i nostri lettori sanno che nei testi e nelle recensioni musicali che pubblichiamo possono trovare molteplici riferimenti ad altre discipline artistiche (cinema, pittura, letteratura, ecc.) o riferimenti ad argomenti essenziali per l’essere umano come la filosofia, la psicologia, la politica e la sociologia, tra gli altri. In altre parole: siamo appassionati di musica perché siamo appassionati di vita, quindi non ci può essere separazione tra l’arte del nostro tempo, il mondo che ci circonda e gli aspetti centrali della condizione umana.

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Oltre al sito istituzionale siete presenti nei social? Se sì quali preferite usare?

Attualmente è difficile concepire lo sviluppo del lavoro giornalistico senza l’uso dei social network, ma non possiamo ignorare l’incidenza che la post-verità ha avuto nel campo della comunicazione e del giornalismo, così come nel campo della tecnologia correlata all’informazione. In questo contesto, oggi la verità sembra aver perso il suo valore, la qualità è stata sostituita dalla quantità, e il pensiero critico non ha molto spazio per svilupparsi. Tuttavia, tenendo conto di questi rischi e tenendo conto delle precauzioni necessarie, si può fare un uso appropriato delle reti e incorporarle come strumento per facilitare la divulgazione. In ‘El Intruso’, sulla base delle premesse di cui sopra, utilizziamo Facebook e Twitter da diversi anni e non escludiamo di incorporare altre piattaforme in futuro.

Vi siete fatti un’idea dei vostri lettori? Avete feedback da chi vi legge?

La caratteristica principale dei nostri lettori è la diversità. Diversità socioculturale, generazionale e persino linguistica. Infatti, sappiamo dell’esistenza di molti lettori che non parlano spagnolo e si prendono la briga di tradurre i nostri testi e pubblicazioni.

Avete in progetto un’edizione cartacea della rivista?

No, di sicuro no. Tuttavia, e in relazione alla mia precedente risposta, stiamo considerando la possibilità che ad un certo punto El Intruso avrà un’edizione multilingue.

Siete aperti a collaborazioni con altre riviste, on line/cartacee, associazioni, enti, ecc.?

L’idea di collaborare con altri media è sempre presente, ma la mancanza di tempo ne impedisce lo sviluppo. Negli ultimi anni ho ricevuto molti inviti, principalmente da musicisti che mi hanno invitato a fare “note di copertina” per alcuni dei loro album. E anche se l’ho fatto in casi specifici -come per l’album di Mary Halvorson ‘Meltframe’, per citare un esempio- vedo come improbabile la possibilità di dedicare del tempo a compiti estranei a El Intruso.

Progetti futuri oltre la rivista on line?

Simoen Kondev una volta disse: “Sento che ogni progetto su cui lavoro è un progetto da sogno, finché sto imparando”. In questo senso, per il mio futuro personale aspiro solo a poter continuare a sognare e ad imparare.

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Marco Paolucci
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Interview with Sergio Piccirilli, cofounder and codirector of the musical blog ‘El Intruso’

Fourth meeting – “virtual” dialogue with music blogs present everywhere on the web. This time, after the interview with Phil Freeman – Burning Ambulance (here), based in the United States, Uwe Schneider and Michael Göttert – African Paper (here), based in Germany, Mario Biserni – Sands-Zine (here), based in Italy, we go to Argentina to exchange a few digital chats with Sergio Piccirilli, founder of the Spanish language music blog, dedicated to jazz and experimental music, El Intruso. The undersigned has the pleasure to participate for Kathodik at the ‘Encuesta Periodistas Internacionales’, an annual event promoted by the magazine, which involves journalists and music scholars from around the world, invited to express their ranking on artists, groups, and more of the past year (here that of 2022). Clearly when I drew up the list of blogs to contact, El Intruso was among the first I wanted to deepen the story. Sergio told me with pleasure, and I turn it to you and invite you to read it.

Here you can find the Italian translation

How did the online magazine come about?

Our magazine arose as an extension of an outstanding radio program hosted by my colleague and dear friend Marcelo Morales. The original idea was to transfer the spirit and concepts contained in that program to the online format. This new project began to materialize at the beginning of 2005 and at that time I had the honor of joining the writing team. Over time, the magazine achieved an unexpected international projection and my participation increased to the point of becoming the director of El Intruso.

What ideas were there? Which models did you refer to? Where did you get the cue from?

We never had a model to copy or imitate, but the idea of ​​trying to spread and support musical creativity in all its forms was always present. Emphasizing, especially, those manifestations that for different reasons and causes, were not reflected or considered by the traditional media. Perhaps that explains why the original slogan of our magazine has been (and still is): “the other music”.

Why did you choose the name El Intruso?

The explanation is quite simple. The radio program that gave rise to the magazine was called, precisely, ‘El Intruso’.

Do you deal mainly with music in the magazine? Which genres do you cover?

Music was always the main theme in our content, however, in the early days of the magazine we also had sections dedicated to other topics such as literature, for example. Today music occupies all of our publications, but our readers know that in the texts and musical reviews that we publish they can find multiple references to other artistic disciplines (cinema, painting, literature, etc.) or allusions to essential topics for the human being such as philosophy, psychology, politics and sociology, among others. In other words: we are passionate about music because we are passionate about life, therefore, there can be no separation between the art of our time, the world around us and the central aspects of the human condition.

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Besides the institutional site you are present in social media? If so, which do you prefer to use?

At present it is difficult to conceive of the development of journalistic work without the use of social networks, but we cannot ignore the incidence that post-truth has had in the field of communication and journalism, as well as in the field of related technology at the information. In this context, today the truth seems to have lost its value, quality has been replaced by quantity, and critical thinking does not have much space to develop. However, taking these risks into account and taking the necessary precautions, appropriate use of the networks can be made and incorporated as a tool to facilitate disclosure. At El Intruso, based on the premises mentioned above, we have been using Facebook and Twitter for several years and we do not rule out incorporating other platforms in the future.

Do you have an idea of who your readers are? Do you have any feedback from your readers?

The main characteristic of our readers is diversity. Sociocultural, generational, and even language diversity. In fact, we know of the existence of many readers who do not speak Spanish and take the trouble to translate our texts and publications.

Are you planning a printed edition of the magazine?

No, definitely not. However, and related to my previous answer, we are considering the possibility that at some point El Intruso will have a multilingual edition.

Are you open to collaborations with other magazines, online/printed, associations, bodies, etc.?

The idea of collaborating with other media is always present, but the lack of time prevents its development. In recent years I have received many invitations, mainly from musicians inviting me to make “liner notes” for some of their albums. And although I did it in specific cases -such as for Mary Halvorson‘s ‘Meltframe’ album, to cite an example- I see it as unlikely that I would immediately be able to dedicate time to tasks unrelated to El Intruso.

Any future projects beyond the online magazine?

Simoen Kondev once said: “I feel that every project I work on is a dream project, as long as I am learning.” In this sense, for my personal future I only aspire to be able to continue dreaming and learning.

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Marco Paolucci
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Intervista con Davide Lorenzon della label Aut Records

La Aut Records è una di quelle label, cuore italiano, quotidianità germanica, che ha condiviso in questi anni le sue avventure soniche con Kathodik, la label produttrice e Kathodik recensore di alcune delle sue interessanti uscite di musica Jazz, sia di autori italiani che stranieri. Quest’anno mi è sembrato giusto approfondire la conoscenza della label scambiando le mie consuete quattro chiacchiere digitali con Davide Lorenzon, fondatore e deus ex machina della Aut Records. A voi la lettura.

Come è nata l’idea di fondare la Aut Records?

Per un’esigenza di auto-produzione.
Nel 2008 suonavo con il trio Kongrosian (allora era ancora un quartetto), e dopo aver registrato il nostro primo album mi venne l’idea di farlo uscire con un’etichetta “nostra”. L’intento all’inizio era quello di pubblicare la nostra musica e quella di altre persone a noi vicine. Poi le cose mi sono sfuggite di mano e il cerchio di amici e di amiche si è allargato.

Kongrosian

Quali sono le ragioni in base alle quali si è deciso di concentrare le produzioni sulla musica jazz/sperimentale?

Senza dubbio la causa è da ricercare nel mio percorso personale.
Ho sempre avuto una propensione per le produzioni culturali che stanno ai margini, prima la fascinazione per l’hip-hop nella prima metà degli anni ‘90, poi il punk-hardcore nella seconda metà.
Allo stesso tempo dai 9 ai 15 anni ho preso lezioni di clarinetto e sassofono classici nella scuola di musica di Vittorio Veneto, dove sono cresciuto. Dopo una pausa di alcuni anni, sono ritornato su questi strumenti, ma con un approccio diverso, avendo scoperto nel frattempo il jazz e l’improvvisazione. Da lì si è aperto un lungo cammino, fatto di grandi scoperte e di nuove passioni. Con l’Improvvirusoundexperience prima e i Kongrosian poi, la passione è diventata più concreta fino a portarmi a quel primo disco che ha dato il via ad Aut.

Davide Lorenzon

In questi anni avete pensato a produrre album di altri generi musicali?

Fin dall’inizio ho pensato ad Aut come un’etichetta che cerca di andare al di là dei “generi musicali”. E’ vero che il legame più evidente dell’etichetta è con il jazz creativo, ma con l’accento posto più sull’aggettivo che sul sostantivo.
Non ho preclusioni verso nessun tipo di musica, ma di fatto ci sono territori, come quello jazz, che sono per loro natura più propensi a superare sé stessi e altri meno. Una volta fuori dai confini tracciati, il territorio da esplorare è infinito.

Le produzioni della Aut Records sono esclusivamente, almeno a mia conoscenza, in formato cd. Del vinile che ne pensate? La considerate una opzione da sondare? Del digitale?

Le uscite in vinile sono poche ma ci sono. Per ora in catalogo ce ne sono tre: Raccoglimento Parziale “Homoheterogeneity”, Kongrosian “Green Ideas Sleep Furiously” e Anatrofobia “Canto Fermo”. Altri tre vinili usciranno la prossima primavera: la ristampa in vinile di “Ornettiana” di Monica Agosti ShapeX, e due quartetti al debutto: quello di Blaž Švagan e il Vortex Four di Grgur Savic.
Ci sono anche delle uscite esclusivamente in digitale, “Aut to lunch” e “Cosa c’è lì non c’è” dei Crisco 3.
Abbiamo appena fatto uscire un disco in digitale, “Recoil” del trio Henkel Duston Hall, però disponibile anche su una cartolina con il codice per il download. Fino ad ora l’unico formato che non abbiamo trattato sono le cassette.
Non ho una preferenza per alcun supporto in particolare, ogni tipologia presenta dei pregi e dei limiti e di conseguenza non ho mai pensato di fare di uno di questi supporti un tratto caratterizzante della label.

Cosa ne pensate delle coproduzioni tra label discografiche?

Penso possa essere un buon mezzo per dare luce a delle produzioni particolari. La sinergia che si viene a creare aiuta sicuramente. Il vinile di Anatrofobia è proprio un esempio in questo senso, essendo una collaborazione tra Wallace, Aut, Adn, Lizard e Neon Paralleli.
Un altro disco che abbiamo fatto uscire in coproduzione è ‘Anasyrma’ dei Tell No Lies, uscito in collaborazione con Fonterossa.

Che ne pensate dei social per promuovere la conoscenza e l’ascolto della musica jazz/sperimentale? Siete attivi sui social?

Siamo attivi principalmente su Facebook e Instagram.
I social, salvo pochi casi di viralità “dal basso”, amplificano ciò che è già iper-visibile altrove oppure, quando non è così, sono altri i tipi di contenuto che funzionano di più. Per questo penso sia difficile bucare la bolla in cui siamo confinati dagli algoritmi, e per provarci, non dico riuscirci, ci vogliono energie che preferisco dirottare verso altro o che banalmente non ho. Detto questo, un po’ di seguito lo abbiamo e per questo ha un senso continuare a condividere i nostri contenuti anche su queste piattaforme.

Foto collettiva del primo Aut Fest del 2014

La label è localizzata in Germania, a Berlino. Differenze-similitudini tra la scena musicale italiana e quella tedesca.

Della scena tedesca in senso ampio non so molto, e anche da quella italiana manco da troppo tempo per fare un confronto, ma ti parlo volentieri di come vedo la scena berlinese.
Credo che ormai in molti sappiano che a Berlino c’è una tra le scene musicali più vive d’Europa. Forse anche qui la pandemia ha fatto un po’ di danni da questo punto di vista ma ci sono stati cospicui aiuti per far fronte alla situazione e fare in modo che anche le realtà dedicate a musiche di nicchia sopravvivessero. Rimane quindi tuttora uno dei posti più vitali con diversi locali dove ogni sera è possibile andare a sentire qualcosa di interessante. Basta dare un’occhiata al calendario Echtzeitmusik.de e in questo fine settimana ci sono ben 24 concerti della scena “di ricerca”. Non credo ci siano paragoni con altre capitali europee da questo punto di vista.
Tutto questo aiuta anche dal punto di vista delle collaborazioni musicali, che possono iniziare come avventure di una serata e poi continuare come relazioni più stabili, in una sorta di laboratorio in perenne attività.

Come vedete il futuro della musica sperimentale?

E’ una domanda enorme a cui è difficile rispondere senza dire delle banalità.
Guardando la mole di musica di questo tipo che ogni giorno ci arriva da ogni angolo del mondo mi sembra che ci siano sufficienti ragioni per essere ottimisti. La nostra società, anche se barcollante, sembra andare in una direzione di una sempre maggior connessione e gli scambi e le relazioni che ne conseguiranno potranno essere terreno fertile anche in campo musicale. Questo è un dato principalmente quantitativo che, se per definizione non ci dice molto della qualità della musica, sta comunque a testimoniarne la vitalità.
L’uso della tecnologia continuerà probabilmente a svolgere un ruolo significativo nella creazione e nella diffusione della musica sperimentale, penso ad esempio al ruolo che potranno svolgere la realtà virtuale e l’intelligenza artificiale nel processo creativo per creare nuove forme di musica interattiva e generativa, con tutti i lati oscuri del caso. Dal punto di vista del contenuto, l’attenuazione dei confini tra i generi e la fine della separazione netta tra ciò che viene percepito come “alto” e “basso”, “colto” e “popolare”, già in atto da diverso tempo, spero si intensifichi diventando uno tra gli elementi più interessante e forieri di nuove possibilità compositive. Nel nostro piccolo cerchiamo di essere parte di questa tendenza.

Particolare dal secondo Aut Fest del 2015

Quali progetti ha in cantiere la Aut Records per i prossimi anni?

Negli ultimi anni ci siamo impegnati a dare un contenuto video alle nostre uscite e vorrei sviluppare questo aspetto, migliorando l’aspetto dell’editing e incominciando a girare materiale originale da usare per questo scopo.
Oltre a questo voglio continuare a produrre ottima musica di musiciste e musicisti, diversificando maggiormente la loro provenienza e arrivare a breve alla centesima produzione, magari festeggiando con la quarta edizione dell’Aut Fest.

Link: Aut Records Home Page

Link: Aut Records Facebook Page

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