(Come Tarantino sta impazzendo completamente).
Di Alberto Maroni
In attesa della metà orrorifica e zombi di GRIND HOUSE, diretta Robert Rodriguez, qui nella nostra penisoletta abbiamo almeno avuto l’onore di visionare la metà Tarantiniana.
Già, perché ormai Tarantino non è più un essere umano, una persona, un soggetto, è diventato un aggettivo!
Tarantino è diventato un aggettivo perché tutto quello che crea nel suo schermo, anche se citato o copiato da miliardi di film insieme, è personale, ha un suo stile, una sua poetica, una sua estetica cinematografica e narrativa.
Insomma, tutto quello che tocca diventa Tarantiniano.
E direi proprio che quest’ultimo divertissement che ha messo in atto (A PROVA DI MORTE!!!) non è altro che prendere un filmetto di corse d’auto qualsiasi della cinematografia americana serie b anni 70 e sovraccaricarlo, direi quasi esageratamente di TARANTINISMI.
Tutto è strabordante in “a prova di morte”, dalla fotografia smaccatamente e volutamente anni 70, il montaggio che salta e ripete le parole, la sceneggiatura volgare e logorroica, le citazioni e le autocitazioni (il telefonino con la suoneria di ‘Kill Bill’, lo sceriffo con il figlio N.1 anch’essi di ‘Kill Bill’, le solite sigarette Apple, il fast food di ‘Pulp Fiction’ sono le più vistose), le continue inquadrature di culi e piedi, la violenza.
La storia praticamente non esiste. Uno stuntmen sfigato e maniaco sessuale (un eccezionale Kurt Russel da non so quanto sullo schermo con una parte così adatta per lui) si diverte a scegliere ragazze da uccidere con la sua macchina rinforzata, tamarra e orrorifica, a prova di morte. Nella prima parte del film attua il suo piano e le uccide, nella seconda parte con altre ragazze ci riprova e fallisce, venendo ucciso dalle suddette (tra l’alto frignando come Scarface nel finale dell’originale di Howard Hawks.).
Quindi come potete vedere la trama è semplice e quasi banale a confronto con le trame tarantiniane a cui siamo tutti abituati, ed è presentata in ordine cronologico.
Il fatto che questo film sia comunque un buon film, divertente e a tratti agghiacciante, lo deve tutto all’ipersovraccarico di tarantinismi.
I tempi morti, che compongono quasi tre quarti del film,
sono dilatati come la sceneggiatura, e contengono al loro interno numerose gag e intrecci vari, a livello visivo e verbale. Le scene di azione poi sono semplicemente fenomenali, su tutte la morte di Kurt Russel, massacrato di botte da tre splendide fanciulle.
Non il migliore Tarantino, ma un divertissement ben riuscito e con personalità, forse troppa.
Attendiamo prossime novità.
Voto: 7
quali ‘Ghost in the Shell’ e ‘Akira’, senza dimenticare di citare i classici della fantascienza (Blade Runner) o il debito nei confronto delle opere di Moebius, Enki Bilal o Frank Miler (Sin City). L’intera pellicola, ad eccezione di un solo disegno, si sviluppa in bianco e nero, in un contrasto estremo che non prevede l’intermediazione della scala di grigi, e che ritaglia oggetti e personaggi in cornici artificiose e drammatiche; la stessa drammaticità pervade le strade contorte di una Parigi reinventata da un sofisticato sistema di condotti e piazze che soverchia gli antichi monumenti, una metropoli tagliente in cui- afferma il regista- i contatti umani si diradano. Volckam tuttavia, ci fornisce una via di fuga proprio attraverso l’uso della motion capture che, ritraendone le movenze e le emozioni , consente il recupero della dimensione umana e anima gli sguardi dei personaggi di una vitalità del tutto innovativa.
The girl who laept trough time (Giappone/2006) del regista Hosoda Mamoru è una delle opere più interessanti del cinema d’animazione giapponese degli ultimi anni. Esilarante e poetico al tempo stesso, il film si avvale tra gli altri del contributo prezioso di Nizo Yamamato, art director per molte opere dello Studio Ghibli ( La principessa Mononoke, Una tomba per le lucciole) e dei disegni di Yoshiyuki Sadamoto ( già noto per Neon Genesis Evangelion). La storia è tratta da un racconto di Tsutui Yasutaka , già portata sullo schermo nel 1983 da Obayashi Nobuhiko (Girl of time) regista dello spettacolare Hausu; il film di Mamoru narra le vicissitudini della diciassettenne Makoto, nipote della protagonista originale del racconto, che acquista improvvisamente la capacità di viaggiare indietro nel tempo; tale dono le permetterà di risolvere le più svariate situazioni e nello stesso tempo di riflettere sull’unicità di ogni istante dell’ esistenza e delle relazioni umane. Lo sfondo è quello di un mondo adolescenziale dotato di purezza e onirismo che, pur nella sua solidità e pur con i suoi stereotipi ( i primi amori, le regole scolastiche, la pratica del football con sport nazionale nipponico) contiene in sé le potenzialità di molteplici universi e di esilaranti variazioni spazio-temporali; degno di nota il montaggio, ritmato, vorticoso , 
frantumato, capace di trascinare lo spettatore nella più visionaria delle avventure di animazione degli ultimi anni. Non a caso Mamoru era stato scelto inizialmente dallo studio Ghibli per la regia di Il castello errante di Howl, prima che Miyazaki decidesse di interessarsi al progetto; Momura inoltre è autore dello splendido filmato pubblicitario girato per la casa di moda Louis Vuitton ( Superflat Monogram del 2003) in cui una bambina precipita in una dimensione caleidoscopica (dentro ad un gigantesco panda!! ) popolata dai personaggi dell’artista pop Murakami Takashi : guardatelo in rete e fatevi un’idea del talento raffinato di questo regista, forse ancora sconosciuto in Italia, ma già pluripremiato, con tutti i meriti, a livello internazionale.
abbracciare esperienze multimediali complete. La compagnia teatrale Nicole Mossoux/Patrick Bonté è attiva da più di venti anni con spettacoli che sono stati portati in giro un po’ ovunque, dalla Corea all’Australia passando per gran parte del territorio europeo. A dispetto però della lunga esperienza alle spalle, “Light!” è il primo lavoro a godere del privilegio di essere fissato per sempre su un supporto fisico, grazie anche al contributo del regista Patrick Lemy. Un lavoro molto particolare che unisce in maniera onirica danza, teatro 
e musica. A quest’ultima non è stato affatto riservato minor cura rispetto alla controparte visiva dell’opera e gode di una sua precisa dignità, essendo tra l’altro curata da Christian Genet, già membro del gruppo “rock in opposition” Univers Zero. Bene, partiamo proprio da questa, un’enorme vortice che inghiotte e rigurgita umori industrial-elettronici, cupissimi ed asfissianti, una cappa nera che avvolge tutto il palcoscenico e che lascia filtrare pochi sprazzi di luce. Dopo una parte iniziale caratterizzata
da un malsano ronzio che sembra di stare dentro Eraserhead, si assiste ad un susseguirsi di situazioni quanto mai variegate: ambient d’oltretomba, Aphex Twin in vesti goth, distillato di Autechre, tribalismi digitali, beats che arrancano sottopelle. Buio, luce, e i loro figli le ombre gli ingredienti, che similmente alla musica, formano gran parte dell’aspetto propriamente visivo. Sul palco, in perfetta solitudine l’ottima Nicole Mossoux, un essere umano alle prese con incubi che sfuggono alla logica e al raziocinio, rappresentati ricorrendo a spettacolari giochi di luce che partoriscono ombre. Ombre che sembrano scaturire da dentro l’attrice, si attaccano voraci al corpo, tentano di inghiottirlo, di dominarlo, di frenarne i movimenti e sottometterlo come fossero dei grandi “puppet masters”. Ombre che ingigantiscono l’assurdità della paura e mutano in forme mostruose e non decifrabili, che spingono la psiche nei meandri della follia. Tuttavia in alcuni casi l’essere umano qui in scena sembra avere la meglio, riuscendo ad 
invertire i ruoli ed a plasmare a proprio piacimento e con stupore i compagni inalienabili del cammino della nostra esistenza. In alcune sequenze i giochi di luce si fanno più astratti, forgiano forme e visioni sfumate e sfocate, dicono di messaggi alieni impiantati direttamente sulla retina e forieri di nuove angosce. Altrove invece il corpo umano viene come ritagliato nel buio per generare nuove e sconosciute morfologie organiche e la loro progenie. Le note riportano “sembra facile, 
avrei potuto farlo anch’io se solo ci avessi pensato”, ma a dire il vero non è esattamente la prima cosa che mi è venuta in mente durante la visione.
Shadow e’ un serial killer che sta per essere giustiziato, ma poco prima di essere portato dinanzi al boia, effettua un rito demoniaco nella sua cella di isolamento. Nel momento in cui l’iniezione letale fà effetto, (in modo dirompente reagendo con le carni del detenuto e di fatto facendolo esplodere!!!) il sangue di Shadow infetta gli altri reclusi trasformandoli in belve assetate di sangue ed inscenando una rivolta sedata a fatica dalle guardie carcerarie le quali poi provvedono a seppellire i cadaveri in una fossa comune all’interno delle mura del penitenziario…Vent’anni dopo, la struttura e’ divenuta una prigione per detenute che partecipano ad un particolare programma di recupero. L’ultima arrivata in questa singolare struttura è Solitarie, una strana e taciturna ragazza che avvertirà subito che qualche cosa di strano si agita in quei luoghi; qualche cosa di malvagio che stà aspettando di risvegliarsi e che è in qualche modo legato proprio a lei….
E sì perchè indubbiamente la pellicola è affetta da diversi problemi che ne minano di molto l’effetto ed il risultato. Lo script dell’editor di “Fangoria” (storica rivista americana dedicata all’horror), Michael Gingold, (da una storia del produttore associato Richard Fleischer che ha contribuito in parte anche alla sceneggiatura), è pieno di buchi narrativi e di non sense. Alcuni esempi assolutamente evidenti: Solitarie finisce in carcere ma per tutta la durata del film non ci viene mai spiegato il motivo della sua incarcerazione nè del perchè sembra essere così temuta. Il dottore tiene (per iniettarlo per sperimentazione alle pazienti), il sangue di Shadow, ottenuto vent’anni prima in una semplice teca non refrigerata etc..etc..…Il buon Michael è caduto nella trappola in cui si imbattono tutti i giornalisti esperti di horror, ovvero il voler cannibalizzare per poi replicare quanto visto ed apprezzato in altre pellicole!!!! Le linee della trama non sono altro che un rimescolare nel calderone, idee tratte dalle più svariate pellicole di genere: si va da ‘La notte dei morti viventi’ ,a ‘Reanimator’, (il dottore della prigione che sperimenta sulle detenute); da ‘Baby killer’, (il simpatico nascituro della compagna di cella di Solitarie!!!!); dalla cinematografia erotico/orrorifica degli anni 70/80 spagnola, (Jess franco su tutti), fino ad arrivare ai vari film dedicati ad ‘Ilsa la belva delle SS’, ‘Greta’ etc…, (i famigerati women prison camp film, dove le protagoniste, proprio come nel nostro caso, recitavano spesso nude ed erano oggetto di attenzioni particolari dai loro aguzzini carcerieri) e a condire il tutto una spruzzatina di Troma (alcuni effetti gore, alcune battute e situazioni al limite ed oltre il ridicolo ). E dire che comunque l’incipit iniziale poteva far sperare in qualche cosa di diverso, anche perchè, e pensandoci bene la cosa ha dell’incredibile, questa pellicola e’ una delle poche in cui viene utilizzata una prigione come set per uno zombie movie.(.L’unico altro esempio per altro molto recente che mi viene in mente è ‘Dead Men walking’ dell’Asylum Production). Persino l’idea di impiegare le arti marziali per combattere gli zombie poteva essere interessante, (seppur non nuova basti vedere i vari ‘Shaolin Kung Fu vs evil dead’ oppure in parte anche il recente ‘All souls day’), pero’ purtroppo il seppur buon lavoro dell’action coreographer Tony Leung Su-hung (di grande esperienza avendo lavorato in tantissime pellicole di jackie Chan) non basta per non far naufragare la pellicola. Sugli effetti speciali (curati dalla troupe responsabile anche degli sfx per ‘La terra dei morti viventi’, ‘Wrong turn’ etc…) va effettuato un discorso a parte: mentre infatti la CGI è a livelli così bassi da risultare assolutamente inguardabile, (probabilmente a causa del basso budget anche se spesso con pochi mezzi economici si riesce comunque ad ottenere un risultato superiore a quello mostrato nella pellicola), il make up dei morti viventi e gli effetti gore (e ve ne sono di veramente buoni e truculenti) sono molto ben realizzati eccezion fatta per il simpatico ”bebe’”….