Archivio per categoria: Visioni

Mattew Barney Al Festival Del Cinema Di Venezia.

Di Michele Massetani

cattivo@infinito.it

DRAWING RESTRAINT 9
di Matthew Barney
U.S.A. 2005

Giovedì pomeriggio ore 14.00, Palagalileo, 300 spettatori circa, uno spritz e un panino a pranzo, versione originale giapponese, sottotitoli it./ingl.

Il regista e Bjork si sposano su una baleniera. E poi si trasformano in balene e nuotano nell’oceano.
(Da un commento fuori dalla sala: “Bjork è diventata ‘na balena, e c’hanno fatto il film” riferito però ai suoi fianchi ormai non più longilinei come un tempo)

“Il cinema è l’arte del visibile” (G. Canova)
Partiamo da questa citazione perché altrimenti risulterebbe difficile comunicare come un film di 150 minuti, di una lentezza a volte esasperante (in apparenza) e con cinque minuti di dialoghi in tutta la pellicola riesca ad affascinare e coinvolgere in questo modo uno spettatore ormai abituato al cinema attuale, dominato da film “concentrati” o sull’azione o sulla parola. Matthew Barney non è un regista. E’ un artista. Questo è la sua prima opera realizzata in forma cinematografica. E come Pasolini, da “dilettante” in questo settore, riesce a rivitalizzare l’essenza di questa arte, quell’essenza sepolta sotto più di cento anni di incrostazioni.
Il suo film è una muraglia cinese di splendide immagini, una ritmata sequenza di “gesti” che si dispiegano davanti ai nostri occhi e che danno sollievo alle nostri sinapsi sovraeccitate. Punto. Da qui ci potremmo incamminare per tanti sentieri fatti di parole, seguire molti percorsi interpretativi. Dalla riflessione sul rapporto uomo-natura, ai rimandi simbolici alla cultura dell’estremo oriente… ai video di Bjork.. Ma quello che conta veramente è l’IMMAGINE. Per una volta fermiamoci alle soglie del visibile. Non addentriamoci nei labirinti dell’interpretazione; i commenti spiazzati o esasperati degli spettatori del festival sono un sintomo dell’errore.
E dopo la VISIONE di questo film vi accorgerete di come le immagini possono avere un potere fortissimo sulla vostra mente.
I vostri occhi saranno depurati.
I vostri sensi svuotati.
E potrete ricominciare di nuovo a riempire la vostra mente di cinema!
Uno dei film più belli visti a Venezia quest’anno, insieme all’imperdibile “Sympathy for Lady Vengeance” di Chan-wook Park. A chi avrà la possibilità di vederli entrambi non sfuggirà l’evidente contrasto (ma siete così sicuri? Rifletteteci bene!)

Sguardi Di Un Artista A 360°

Di Alessandro Gentili

alealeale82@yahoo.it

Buffalo anni Novanta: un giovane innocente appena uscito di galera cerca di reinserirsi nella vita quotidiana trovandosi finalmente una ragazza, visitando i genitori ignari del suo recente passato e incontrando i soliti vecchi amici. Con tutte le difficoltà del caso.

Scritto, sceneggiato, diretto e recitato da Vincent Gallo, all’ esordio alla regia, Buffalo ’66 è stupefacente: una comicità alienata giusto a metà strada tra un “Pulp Fiction” e un “Grande Lebowski” per una storia d’amore e di disperazione urbana moderna; perfetti i personaggi, primo tra tutti il protagonista Billy – Gallo, arrogante e presuntuoso ma allo stesso tempo insicuro e vittima degli eventi; Christina Ricci (Layla) spettacolare, ripresa proprio sulla linea d’ombra tra l’adolescenza e l’età adulta.

Bravissimi anche i surreali genitori di Billy, il sempre monumentale Ben Gazzara, ex cantante di seconda categoria ossessionato dalla paura che il figlio voglia ucciderlo, e la pazza Anjelica Huston, la più grande tifosa dei Buffalo Bills sulla faccia della terra e incapace a volte di ricordarsi di avere un figlio: insomma, la tipica famiglia americana.

Molte le scene indimenticabili, a partire dall’ “incontro” tra Billy e Layla, senza tralasciare la cena a casa dei genitori di Billy e il finale, che non vi racconto sennò mi linciate; veri capolavori nella loro essenzialità le inquadrature, capaci di soffermarsi per un minuto intero sul volto della Ricci intenta a seguire i dettami del protagonista, o di riprendere una scena in sequenza dalle varie angolazioni, davanti, dietro, destra, sinistra (la scena nell’auto e quella intorno al tavolo di casa Brown); azzeccati anche gli inserti pseudo-musical, con Gazzara nella parte di un Sinatra in canottiera e calzoncini e con la Ricci intenta in un tip-tap sguaiato e malinconico; tutti assaggini prima di arrivare al finale (tranquilli, non ve lo racconto), non ve le scorderete le scene dello strip bar e dell’albergo, e non vi dico altro.

Film forse debitore, oltre ai sopracitati, anche a certo cinema degli anni ’70: è possibile trovare qualche punto di contatto con un capolavoro come “Taxi Driver”, e non solo per la scelta della grana della pellicola che influenza fortemente i colori, prevalentemente scuri e poco vivi, ma soprattutto per il tema trattato che è quello dell’impossibilità di comunicare nella società odierna, specie per i diversi, che siano l’insonne De Niro o l’ex carcerato Gallo, privi o quasi di amici e insicuri col sesso opposto: esplicita la scena del pianto disperato di Billy nel bagno del bar, un solo istante in cento minuti di proiezione in cui la tragicità da latente diventa esplicita, scopre le carte.

Un grande esordio da burattinaio per un grande ed eclettico artista quale Vincent Gallo, fino ad oggi unico film da lui diretto in una carriera che l’ha visto attore, sceneggiatore ma anche pittore, modello e infine, non in ordine di tempo, musicista (oltre alla colonna sonora del film ricordiamo “When”, uscito per la Warp nel 2001), in ogni situazione capace di dare il meglio di sè: un grande sguardo sulla contemporaneità capace di far sorridere e allo stesso tempo di farci capire che forse qualcosa non va.

La gioia nel vedere questo film si ferma alle prime scene purtroppo, dopo è tutto un fiorire artificioso di duelli volanti e melensi dialoghi. Peccato.

Di Lucio Carbonelli

lucio.carbonelli@aliceposta.it

La Cina è vicina eh sì, niente in contrario. Ma non sentivamo certo il bisogno di un balletto in versione Matrix: passi di danza coreografati in bullett-time, difficile immaginare un qualcosa di più kitsch…
Scherziamo naturalmente, che non si adombrino gli appassionati di cinema orientale, sappiamo benissimo che semmai è Matrix ad aver rubato al cinema orientale, e per quanto riguarda la danza che avviene in apertura, beh, è proprio la cosa migliore del film. Vedere la meravigliosa Zhang Ziyi danzare leggera, quasi piegarsi contro le leggi della fisica, fino ad arrivare a volare, poter guardare quegli occhi che non possono vedere e quel viso bello e deciso, tutto questo sullo sfondo di colori pastello, ma allo stesso tempo sgargianti, è un vero piacere, una gioia per gli occhi.
Ma purtroppo la gioia nel vedere questo film si ferma a queste prime impressioni, dopo è tutto un fiorire artificioso di duelli volanti e melensi dialoghi. Peccato.
Certo è il genere si dirà, nella fattispecie il genere wuxiapian, che ha delle regole ben precise da rispettare (ci devono essere cavalieri erranti e lotte patriottiche/politiche) e dei luoghi comuni visivi ben codificati (lo scontro nella foresta di bambù e i duelli con la spada), ma a chi non è abituato a questo tipo di film il tutto può risultare pesante e indigesto: un film che aspira ad essere internazionale dovrebbe riuscire ad appassionare al di là del genere di appartenenza e del paese di provenienza, e questo film, così come il precedente Hero, non ci riesce proprio perché troppo “chiuso”, forse addirittura dogmatico. Pareri personali, s’intende.
Cioè, aborriamo profondamente le soap opera americane e nostrane, adesso perché mai dovremmo appassionarci a una storia che fa uso di dialoghi (senza parlare del doppiaggio) che dire mielosi è poco? Perché, sì, la storia è sempre quella: una donna e due uomini che se la contendono. Ma c’è modo e modo per raccontarla, questa storia. Il tutto avviene sullo sfondo dello scontro dei ribelli contro l’imperatore, ma questa cornice politica è solo un (superfluo) pretesto: e infatti, appena conclusa la storia d’amore, ribelli e soldati imperiali vengono subito dimenticati, lasciando sospesa la guerra e, peggio ancora, incompleto il racconto.
Per quanto riguarda l’altro aspetto principale del film, ovvero i duelli, belli sì, e forse qui c’è anche un’apertura del film: i duelli hanno subito una cura post-Matrix, risultando quindi più occidentalizzati? Ma, come si diceva prima, è arduo dire chi ha rubato a chi o, per essere politicamente corretti, chi cita chi: confessiamo la nostra ignoranza in materia, e quindi restiamo interdetti.
Certo è che spesso questi duelli sfiorano il ridicolo, soprattutto nelle espressioni facciali e in certi movimenti, e neanche la bellezza delle coreografie e dei paesaggi naturali riesce a frenare una risatina o, peggio, uno sbadiglio; e poi com’è possibile che in un’unica scena si passi attraverso tutte e quattro le stagioni? La poesia di voler portare l’amato al di là del tempo e dello spazio, per rendergli la libertà? Sinceramente propenderemmo, ancora una volta, più per aggettivi come “ridicolo” e “artificioso”. Tutto sembra così… finto.
In conclusione, diciamoci la verità, se tutti questi duelli, e anche questa storia d’amore va, l’avessimo visti in un film di Tarantino o, appunto, in un film come Matrix, ci saremmo esaltati come non mai: è perché lì scatta il gioco del cinefilo ossessivo che cerca rimandi e citazioni, ma, cosa ancor più importante, nella versione occidentale di questi generi orientali c’è un grande uso dell’ironia. È un gioco, appunto.
In Oriente, invece, film come questi sembrano prendersi troppo sul serio; sarà il genere, sì, certo, che è proprio così, okay. A quanto pare non il genere più adatto a noi allora?

http://www.bimfilm.com/laforestadeipugnalivolanti/

Il doppio intento del progetto, un trittico che declinasse l’eros attraverso lo sguardo di Michelangelo, sembra essere andato fallito ed è un peccato.

Di Lucio Carbonelli

lucio.carbonelli@aliceposta.it

Strano film questo, che a fine visione lascia interdetti e anche un po’ delusi ad essere sinceri. Cioè, leggi sulla locandina tre maestri del cinema raccontano l’erotismo, e già la cosa ti attira, poi più in basso leggi i nomi dei registi (Kar-Wai, Soderbergh, Antonioni) e allora veramente ti aspetti un qualcosa di grande… e invece. Qualcosa di bello c’è in queste immagini, intendiamoci, ma il problema è che è troppo poco; il doppio intento del progetto, un trittico che declinasse l’eros attraverso lo sguardo di Michelangelo, sembra essere andato fallito ed è un peccato. Ma prima di andare a parlare dei vari corti separatamente, una cosa va comunque detta: i disegni di Lorenzo Mattotti sono mirabili, la canzone di Caetano Veloso è sublime.

Il primo episodio è quello di Michelangelo Antonioni, si chiama “Il filo pericoloso delle cose” e vede protagonisti una coppia di amanti più una ragazza molto libera, il luogo è la Toscana odierna. L’eros qui messo in scena è un eros in crisi, la coppia discute fin dalla prima inquadratura, i due decidono di andare a fare una gita, salgono in macchina e prendono una strada poi fanno marcia indietro (una metafora? e di cosa?) e si ritrovano in un posto strano e sognante, bello, dove ragazze nude sono al bagno. “Perché non siamo mai venuti qui?”, si chiedono i due amanti; “Forse perché non siamo mai stati abbastanza curiosi”, si rispondono all’unisono. Un’altra metafora?

Ecco, il problema di questo corto sono i dialoghi: al di là del pessimo doppiaggio non in sincrono, non si sa se definirli artefatti, retorici o semplicemente brutti. Qui viene detto quanto di più scontato possa esserci sull’amore e, anche se certe movimenti registici e certe inquadrature sono veramente belle, certo con dei dialoghi così sarebbe stato preferibile il silenzio; inoltre la visione si fa ancora più faticosa lì dove gli attori paiono più disorientati e spinti dalla macchina da presa che, appunto, attori. Anche l’incontro con la ragazza libera, senza farci domande sulla plausibilità o meno della cosa, pare alquanto artefatto: Antonioni ha dovuto tagliare ben tre minuti della scena del “monologo” femminile, ma a noi è bastato un minuto per renderci conto di quanto quella scena fosse imbarazzante al di là della sicura sensualità dell’attrice. Anche la fine è piuttosto imbarazzante, e non certo per la materia trattata.

Il secondo episodio è quello di Steven Soderbergh, si chiama “Equilibrium” e vede protagonisti un uomo (e forse sua moglie) e il suo psichiatra, il luogo è l’America della metà degli anni ’50. L’eros qui è un qualcosa di sfuggente, il protagonista sogna ogni notte la stessa donna ma non si ricorda chi è, un qualcosa che non vediamo o, semplicemente, non ricordiamo di conoscere.

Questo episodio è ancora più difficile da giudicare perché sembra brillante, umoristico, quasi divertente, ma poi dopo un po’ ci si stufa a sentire parlare dei problemi di un pubblicitario in crisi mentre il suo psicanalista cerca l’oggetto del suo desiderio altrove, scadendo spesso e volentieri nel ridicolo. Questo è l’unico episodio in cui non c’è eros vissuto ma, piuttosto, sublimato nelle parole: poteva essere altrimenti? C’è la psicanalisi di mezzo. Anche qui tuttavia abbondante uso di metafore (?!): la realtà è in bianco e nero e il sogno è blu, e si scappa via dalla grigia realtà con l’aiuto di un aeroplanino di carta.

Il terzo episodio è quello di Wong Kar-Wai, si chiama “La mano” e vede protagonisti una prostituta d’alto bordo poi in rovina ed un giovane sarto, il luogo è la Shangai dell’inizio degli anni ’60. L’eros visto dall’Oriente è struggimento, sofferenza, nostalgia per qualcosa che c’è stato e non s’è mai più ripetuto.

Un giovane sarto, un giorno, va a prendere le misure ad una bellissima donna che di mestiere fa la prostituta e questa, con la crudeltà che sa essere solo donna, lo legherà a sé per sempre, con l’ausilio di una severa carezza; egli, qualcosa di più di un amico, rimarrà devoto a lei fino alla fine dei suoi giorni quando, ormai in disgrazia, non (si) potrà fare altro che rimpiangere l’amore non vissuto. In questo episodio, sicuramente il migliore, non c’è esibizione di corpi, eppure Kar-Wai, mantenendo un suo stile preciso che si spera non diventi cliché, riesce a narrarci una storia ricca di un eros  delicato ma anche torrido, e a parlarci del vero amore, quell’amore così forte che fa perdere ogni dignità: il dramma del giovane sarto sta proprio nel rendere la sua amata sempre più bella ma solo per gli altri, poter toccare il suo corpo ma dover trattenere il desiderio, non poterla avere mentre l’hanno avuta tutti semplicemente pagando.

Una fantastica avventura con tutti i crismi: c’è un cattivo, c’è una minaccia, c’è un eroe e la sua bella che lo combattono con l’aiuto di uno scienziato geniale e di un’altra eroina nonché rivale d’amore della bella.

Di Lucio Carbonelli

lucio.carbonelli@aliceposta.it

“È solo un film”, dice Polly (Gwyneth Paltrow) al suo preoccupato capo mentre si avvia ad un appuntamento segreto per avere certe informazioni riguardo a determinate misteriose sparizioni di famosi scienziati. E infatti la dolce, ma intrepida, Polly proprio un film va a vedere: “Il mago di Oz”, pare di capire, dove per mezzo di un tornado che porta via la casa della protagonista la realtà viene sovvertita dal sogno e la suddetta protagonista si ritrova a vivere in un altro mondo e nel frattempo si ritrova a scoprire qualcosa su sé stessa: in pratica una metafora del cinema stesso.
Se ci va un adulto, a vedere questo film, pensa “Una storia semplice, un bel film”; ma se ci va un ragazzino molto probabilmente a fine film, gli occhi che brillano, urlerà “Che fantastica avventura!”, e chiederà al genitore di turno, maschere permettendo, di restare in sala, per vederlo un’altra volta.
E infatti proprio di questo si tratta, una fantastica avventura, fantastica avventura con tutti i crismi: c’è un cattivo, c’è una minaccia, c’è un eroe e la sua bella che lo combattono con l’aiuto di uno scienziato geniale e di un’altra eroina nonché rivale d’amore della bella.
Il malvagio Totenkopf (Lawrence Olivier?!) ha preso a rapire tutti i più famosi scienziati del mondo, per un suo segreto progetto, e per far questo invade saltuariamente parti della Terra con giganteschi robot ai suoi ordini che, inutile dirlo, provocano spaventosi sfaceli ovunque posino piede; è per questo che deve intervenire necessariamente Sky Captain (Jude Law), aviatore fuori dal comune, a difendere la Terra e, purtroppo per lui, deve portarsi dietro pure l’ex-fidanzata Polly, intraprendente giornalista, ma sbadata fotografa; quelli che li aiuteranno a sventare la minaccia saranno il capitano Frankie (Angelina Jolie), donna di ferro col monocolo, e Dex (Giovanni Ribisi), inventore e risolutore di problemi impossibili.
Una storia veramente semplice come si può vedere, ma che storia! I nostri si troveranno a viaggiare in terre bellissime e nascoste, a combattere robot e traditori, a salvare la Terra dallo scienziato pazzo Totenkopf; una storia semplice come si legge nei fumetti, ma chi dice che i fumetti non raccontano storie belle? Non a caso Dex  pure lui legge fumetti, e si vede l’ottima riuscita intellettuale che ha fatto!
Questo film è la realizzazione di un sogno probabilmente, il sogno di un ragazzino chiuso in camera a leggere fumetti e inventarsi storie fantastiche, appunto, un ragazzino poi cresciuto e che ha cercato di capire poi come fare a girare un film che raccontasse una di quelle storie che tanto lo divertivano da piccolo.
Già, come fare a rendere le sue fantasie realtà? Oggi abbiamo i computer!
È questa la particolarità del film, è tutto girato al computer, solo gli attori sono reali (e nemmeno!), ma tutto il resto è tutto finto, inesistente… creato!
La cosa buffa, e bellissima, è che questo film, pur essendo di fantascienza e contenendo la parola tomorrow nel titolo, in realtà è un film del passato, un passato neanche tanto recente, questo è un film sci-fi, ma retrò, tecnologico, ma virato in seppia e ricoperto da una patina polverosa, eppur, alla fine, moderno e futuristico nella concezione e nella realizzazione: che cavolo di corto circuito!

http://www.skycaptain.com/