Quattro chiacchiere (o forse cinque) con uno dei gruppi più interessanti della nuova scena tedesca
Ascoltando questo album, e come scritto nella recensione, sembra che vi stiate dirigendo verso lidi più vocali, più cantautorato classico e vi state allontanando dall’elettronica. E’ un’impressione o, una scelta dovuta?
Tutta la musica dei Tarwater viene composta durante un processo di registrazione in studio quindi direi che lo studio è uno degli strumenti più importanti. Non scriviamo la nostra musica con strumenti tradizionali per poi aggiungere decorazioni elettroniche successivamente. Spesso partiamo dai suoni o dalle sequenze. E’ come se la canzone stesse già sonnecchiando nella macchina per citare Blixa Bargeld. Usiamo una gran varietà di strumenti… dai mezzi generati col computer a roba acustica e analogica, ma tutti questi non sono altro che dispositivi per pervenire a determinati risultati. Qualsiasi cosa faccia un buon lavoro per noi è la benvenuta. Ciò che speriamo in definitiva è che la contraddizione tra l’uomo e la macchina resti al di là degli interessi dell’ascoltatore.
– Le varie collaborazioni, dalle composizioni di colonne sonore alla musica d’accompagnamento per readings di poesia a pieces teatrali, dalla pittura, etc…, come influiscono sulla vostra capacità compositiva? Vi aiutano o vi distraggono?
Collaboriamo con un sacco di persone, non solo con musicisti ma anche con registi, poeti, ballerini a performers di ogni tipo. Da una parte pensiamo che questo sia effettivamente qualcosa che ci allontana dal discorso della “band” perché si deve reagire a qualcosa e devi in qualche modo soddisfare certe richieste. Dall’altra parte però può rivelarsi una fonte di ispirazione molto importante. Quando abbiamo registrato “Dwellers on the Threshold” stavamo lavorando a due colonne sonore contemporaneamente. Questo ci ha dato molte idee sia per la strumentazione da usare che per la struttura delle tracce/canzoni.
– Vi sentite parte di questo movimento propriamente tedesco (Notwist, Lali Puna etc..) che vanta illustri progenitori (Kraftwerk) oppure tutto ciò vi pesa e volete essere conosciuti per un vostro discorso musicale originale?
Il TW Studio non è certo una torre d’avorio, è certamente interessante essere circondati da artisti che producono musica eccitante come quella delle bands che hai menzionato. Anche se molte persone appartenenti a quella scena sembrano lavorare sulle stesse tematiche (ossia la line adi confine tra cantautorato ed elettronica) alla fine essi giungono a risultati molto differenti. Non crediamo che il cosiddetto ‘German Movement’ sia tutta questa cosa monolitica. Ha più a che fare con città che hanno background differenti e che producono stili differenti vagamente connessi l’uno con l’altro.
– Le tracce dell’album sono più brevi: Ritornando alla prima domanda vi serve molto tempo o siete tipi di poche parole in musica?
I Tarwater sono sempre stati interessati alla ‘canzone’, amiamo sempre i tipici brani da 3 minuti e dieci, ma non scriviamo canzoni in modo classico. Quando lavoriamo in studio cerchiamo sempre di creare prima di tutto un’atmosfera sonora, c’è molta improvvisazione all’inizio. Non sappiamo mai se qualcosa finirà per diventare una canzone o uno strumentale. Abbiamo riscoperto la forma breve del brano attraverso il nostro lavoro sulla musica da film.
– Com’è la scena indipendente tedesca? Progetti per il futuro?
Negli ultimi tempi c’erano un paio di buoni dischi tipo Marz-love streems su Karaoke, Kalk, Kreidler –eve future su Wonder, Komeit su Monika che avevano mostrato che c’era ancora qualcosa di nuovo e fresco in corso, al fianco agli standards della produzione elettronica. E ci sono anche un sacco di relazioni interpersonali (gudrun gut monika rec.. Stefan Betke-Pole, Tikiman, Static, Contriva , Rechenzentrum ecc.. è solo una lista incompleta…).
In questo preciso momento stiamo lavorando con Rob Tyler da Coloma e Sarah Marrs da Kyborg su cinque canzoni per un’opera teatrale.
Marco Paolucci
Marcos Fernandes ‘Hybrid Vigor’
(Accretions 2002)
Dalla quotidianità di un giorno qualsiasi in un posto qualsiasi, chiacchiericci inclusi, si viene sospinti progressivamente in un viaggio trance psichedelico per palati fini. Il tutto in questo nuovo lavoro del percussionista Marcos Fernandes intitolato ‘Hybrid Vigor’ e uscito per l’etichetta di San Diego Accretions. Un mantra in loop nel secondo pezzo intitolato Science Boy viene fastidiosamente distorto e manipolato infilzandovi frequenze “altre” rispetto alla prassi,ma tutto ciò non stona, caso raro. Il terzo pezzo intitolato Undercurrents insiste sulla stessa lunghezza d’onda ma aggiunge svisate davisiane di tromba lunare senza perdere il ritmo andante in sottofondo. Le sorprese non finiscono qui con l’ulteriore prova musicale chiamata Converge dove diversi colpi ripetuti ad intervalli periodici, si intrecciano sinuosamente con flauto e percussioni orientaleggianti, segno della poliedricità del musicista e della sua voglia di esprimerla. Continuare l’ascolto non stanca ma intriga, per un piacevole album da salotto.
Voto: 7
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Marcelo Radulovich ‘Hello’
(Accretions 2002)
Uno guarda la copertina, bianca, inquadratura di una mano che regge un bastone a mò di bastone pastorale, e pensa chissà cosa. Ascolta il disco e capisce il perché della copertina o ne da una sua interpretazione.
L’autore (tentiamone una dotta) vuole dare una rappresentazione della società come un cinico evento liturgico, sacrale, mistico, sincretico, tale da incunearsi negli antri del etc…Basta così, viene ora l’interpretazione volgare: l’album è una registrazione in presa diretta di vita metropolitana, compiuta da un’antropologo culturale di chissà quale città. Il tutto remissato, aggiunto e tagliato con acuto lavoro di cesello e azzeccate intrusioni di sampler e campionamenti vari. I pezzi così “trattati” vanno a comporre un interessante e divertente mosaico pasticciato al punto giusto ma “comprensibile” e godibilissimo all’ascolto. Per chiarirci viene fatto loro di tutto: deframmentata la logica minima della massa sonora e ricomposta venti chilometri dopo; ripresa a forza e girata in salsa industrial; e ancora, schiacciata sulle basse frequenze e rimodulata in chiave hip-hop. Ogni tanto voci di gente, sembra il mercato, un treno, bambini che giocano. Un puzzle caleidoscopico di suoni e di odori con un pizzico di funky che non guasta mai. Il cuoco consiglia: per palati goderecci.
Voto: 8
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Interpol ‘Turn On the Bright Lights’
Poteva una indie attenta e intelligente come la Matador lasciarsi sfuggire la risposta americana ai Doves, e cioè il folgorante esordio degli Interpol? La risposta ovviamente è no. E infatti cosi non è stato, perchè “Turn on the bright lights”, preceduto giusto da qualche ep, è di fatto un grande esordio, di quelli che lasciano il segno e che durano nel tempo. La band prende le mosse da una solida base new-wawe, cogliendo e metabolizzando le espressioni migliori di quel periodo per poi dar luogo a una propria musica densa e affascinate che mostra si legami col passato, ma che manifesta in ultima analisi la propria personalità e soprattutto statura.
La bravura degli Interpol risiede soprattutto nelle capacità non comuni di combinare toni evocativi con un’abiltà compositiva di gran livello.
L’influenza più notevole nel suono stratificato è senz’altro quella dei Joy Division , tanto nella propensione nel creare atmosfere cupe e malinconiche, ma anche e soprattutto nel cantato: impressionante quanto il timbro vocale sia vicino a quello spettrale di Ian Curtis. Ma è facile riconoscere le chitarre (senza virtuosismi però!) dei Television, le dilatazioni care a piccole leggende come Feelies (qualche buon’anima se li ricorda?) e a grandi maestri iper-influenti come Velvet Underground (potevano mancare?). Il tutto molto spesso mediato dal lirismo romantico e decadente degli Smiths. Insomma un bel miscuglio perfettamente equilibrato sopra al quale si ergono canzoni dall’alto peso specifico, che crescono ascolto dopo ascolto e che come si diceva all’inizio sono qui per restare.
Interpol, ricordatevi questo nome.
Voto: 8
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Ernesto Diaz-Infante & Chris Forsyth ‘March’
La mia estetica musicale comprende diversi generi sorti durante tutto il XX° secolo: classica, avant jazz, musica minimalista, ma sopra ogni cosa la mia musica per raggiungere buoni risultati, deve racchiudere in se una forte e trascendente enfasi improvvisativa… racchiudermi all’interno di un solo luogo (San Francisco) per creare nuovi progetti lo trovo un’ enorme limite… la mia prospettiva di osservare le cose va oltre, il desiderio di confrontarmi con gente nuova è più forte di me…e comunque la strada rimane una fonte d’ispirazione ineguagliabile…viaggiare e ‘perdersi’ ininterrottamente è un’ottima medicina per la mente.
Ernesto Diaz-Infante.
Sentire certi discorsi pronunciati da Infante, non so voi, ma a me catapulta indietro di diversi anni. Più precisamente intorno la fine degl’anni 60 quando diversi musicisti jazz (Don Cherry, il primo Charlie Haden) sentivano l’incombente bisogno di entrare in contatto fisico, psichico e morale con culture radicalmente opposte dalla loro. Altri invece dichiaravono che al posto di un Parker o di un Monk preferivano come maestri ed ispiratori gli articolati ingegneri dodecafonici del primo novecento. Esempio palese: i pezzi dedicati in “For Alto” di Antonhy Braxton al sofisticato Cage ed al gelido Stockhousen. Ora, ai nosti giorni qualcosa giustamente è cambiato, ma lo spirito nomade, la voglia di registrare e testimoniare anche una piccola senzazione sono rimaste, per fortuna, immutate. Dall’ “A.A.C.M” di Chicago alla “Pax Recordings” di San Francisco. Da Sunny Murray & Arthur Doyle ad Ernesto Diaz-Infante & Chris Forsyth. “March”, la nuova creatura, è la pagina numero tre del loro intimo diario (vedi recensione: “Wires And Wooden Boxes”); questa volta registrato durante il recentissimo tuor europeo. Chi li ha visti, sentiti di persona, spero provi quello che io appena percepisco dal mio lettore. Suoni che tralasciano alle proprie spalle tensioni e frustazioni, per abbandonarsi ‘innocentemente’ ad intermittenze sospese tra piccole melodie e voci sussurrate (la marchiata teatralità dela voce di Infante). Via titoli, via lunghe suitè, l’istante per sua natura è difficile, meglio impossibile, da descrivere in parole.
Voto: 8
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Tom Waits ‘Bone Machine’
Sono i dischi a cambiare le epoche o le epoche a cambiare il valore dei primi? Cristallina istantanea scattata per un ‘modello’ d’eccezione.
Sicuramente uno dei suoi pezzi migliori.
Basterebbe Going Out to West.
Un hard rock (diciamo così) che solo lui sarebbe stato capace di partorire.
Micidiale, ipnotico, animale.
Il resto, poi, non è da meno, quindi……
Andrea Palucci
La tradizione musicale rivista e proposta da uno scheletro dalle ossa “scricchiolanti” ritornato in vita da chi sà quale epoca……..un’esperienza UNICA ?, RARA?, IMPERDIBILE?……, fate voi…….dopo averlo ascoltato…….VISSUTO?….è troppo per chiunque…..
Mauro Pettinari
Le ossa del blues suonate ae fuori tempo per il nostrosuo piacere, organetti con crisantemi, fiati down e chitarrine lucenti jangle avant-gard, ritmi spezzati slow-funk-epilettici, nenie per manhitù, voce da crooner rancido sofferente schizzata sopra.
Tom Waits al suo massimo splendore, poi tutto sembrerà già detto e già fatto.
Such a Scream, All Stripped Down e Goin’ Out To West sono bellissime confezioni modernizzate per catrame, nebbia metropolitana e sabbia di un deserto che pubblicizzano come selvaggio.
Per cuori che sanguinano whiskey Jesus Gonna Be Here.
Murder In RedBurn é una passeggiata in biancoenero con le mani in tasca aspettando che qualcuno ci strappi la giacca di dosso. Cosa siete di pietra per non averlo ancora messo su?
Luca Confusione
Saro’ sincero non avevo mai ascoltato un album di Tom Waits. Oddio il personaggio gia’ lo conoscevo (e chi non lo conosce): qualche video-clips in tv, qualche brano alla radio, qualche film (ricordo bene ‘Daunbailo’’ con Benigni e John Lurie) ma femati li’. Non so se questo “Bone Machine” sia considerato tra i migliori o peggiori suoi albums, so solo che e’ una raccolta di 16 canzoni in cui il gospel, il soul, il blues (ovvero la musica che “ e’ ” gli Stati Uniti D’America) vengono riportate alle loro origini con scarnezza semi-primitiva. Amo i musicisti che hanno: infinita ispirazione, straripante vena creativa, stile originale, riconoscibile dopo 5 secondi d’ascolto. E poi quel vocione vissuto, impastato di alcool e tabacco. Un artista vero, completo.
Diego Accorsi
Giocattolo che si riaccende sinistramente in soffitta e rantola (r)umori di un inconscio blues dimenticato, rauche disperanti grida metropolitane sopite, sferragliamenti di un’anima deviata e pulsante che reclama ciò che è suo. Mi giunge alle orecchie attraverso i muri, mi sveglia nel cuore della notte… l’immagine di Tom Waits davanti agli occhi con tre tintinnanti bottiglie infilate nelle dita come nel film di Walter Hill… un sornione ghigno demoniaco e poche semplici parole tra gli irritanti vitrei rintocchi… “… giochiamo a fare musica?…”
Mauro Carassai
Boh!
Me Pare Fico!
O No?
Marco Paolucci
Visionario come una novella di Blake, rabbiosamente blues come un canto di protesta dell’America del più profondo sud, satanico come la chitarra di Robert Johnson, onirico e beffardo come un film dei fratelli Cohen, teatrale e circense come un’opera teatrale di Kurt Weil, sperimentale come una composizione solistica di John Wall, velato e notturno come una tela di Hopper, scarno e informale come un romanzo di Bukowski, anticonformista per eccellenza come Tom Waits. Bone Machine.
Sergio Eletto
AA.VV. Komet +/- vs. Bovine Life ‘Reciprocess 01’
Ennesimo colpo messo a segno dalla label francese Bip-Hop che in collaborazione con la tedesca Fallt inaugura una collana destinata a fare il punto della situazione su certa elettronica contemporanea di ricerca. Nel primo prezioso numero della serie si “fronteggiano” due tra gli elettronauti più invischiati nella materia calda del suono digitale di limite: Frank Bretschneider nelle vesti di Komet e Chris Dooks, ex filmaker inglese che col suo progetto Bovine Life vanta un ottimo concept album alle spalle, a testimonianza di una creatività viva e vitale nonostante una terribile neuropatia lo costringa tra le mura della sua casa di Edimburgo gia da qualche anno. Si inizia con i due che si remixano a vicenda in una congestione di dissonanze e incongruenze strutturali, poi prendono il largo i clicks di Komet con quattro tracce fatte di micropunteggiature ritmiche, suoni ultrararefatti e la solita tendenza alla loopizzazione distintiva della cifra stilistica del rimissatore tedesco. Si prosegue di nuovo con un fraseggio tra i due, glitch e dilatazioni subtonali ad alto tasso emozionale, un botta e risposta in quattro fasi, ottima l’intesa. Chiude Bovine Life con un pacchetto di ben sette tracce fatte di visionarie atmosfere cangianti dall’andamento fortemente irregolare dove traspare tutta l’urgenza espressiva del neo compositore inglese preso in eredità dal mondo della celluloide. Stupisce questo primo appuntamento della serie “Reciprocess” sia per la qualità intrinseca del prodotto sia per aver creato un concetto di interazione estremamente funzionale, che mette in evidenza sfaccettature diverse di artisti diversi in situazioni diverse, c’è solo da sperare che le prossime controparti siano all’altezza delle due appena citate.
Voto: 8
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The Funky Lowlives ‘Cartouche’
Se nell’ultraafollato universo nu-jazz non sapete da che parte dirigervi ma soprattutto se non volete avere brutte sorprese, affidatevi ciecamente alle mani della Stereo Deluxe, nota per le sue ponderate e preziose emissioni. Stavolta l’etichetta tedesca sforna il terzo full length dei due dj londinesi Funky Lowlives, appena incontrati nella raccolta di remix per Tosca e attivi assieme dal 1998 con due ottimi album di cui uno di soli remix uscito nemmeno un anno fa. Musica senza confini quella inscenata dal duo che in questo “Cartouche” sfoggia un nutrito campionario di influenze e stili, amalgamati con maestria, cura estrema per i dettagli e soprattutto un’ invidiabile sensibilità funk. Una miscela di suoni che sapranno intrattenervi sia a casa che in qualsiasi altra parte del pianeta dove ci sia qualcuno disposto a staccare la spina del cervello e divertirsi. I molteplici rimandi a sonorità latine non ostacolano morbidezze soul e nemmeno qualche leggerezza pop e non sarà una sorpresa incontrare chicche come Saturn Return, I Want To Know U, Games We Play e soprattutto la splendida Irreplaceable in circolazione tra i club e le frequenze più cool del globo. Un disco estremamente versatile che metterà definitivamente John Whitehouse e Gary Danks tra i nomi più in vista del panorama nu-jazz.
Voto: 7
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Coh ‘Mask Of Birth’
Il vivace disegno dell’albero, che compare sulla copertina di “Mask Of Birth”, credo rappresenti un significato più vasto e profondo e non un semplice rimando alle terre nordiche da cui proviene Ivan Pavlov (per gli amici: Coh). Mi diverte immagginare che stia ad indicare una sorta di mappa cronologica, dove ogni evento che accade è sempre legato sia con il passato che con il futuro. Forse tutto ciò sembra assurdo, ma nell’incidere le mie orecchie in questa musica (primo lavoro dell’artista in mio possesso), l’impressione che le 11 traccie partorite dalla mano di Coh siano concatenate fra di loro da una strana forma di cordone ombellicale, diventa una certezza inafferrabile. Messe da parte le varie divagazioni, cominciamo col dire che Ivan Pavlov, di origine russa, vive da sempre in Svezia ‘collabborando con’ ed ‘ispirandosi a’ diversi artisti, che come lui fanno parte della scena ‘chirurgic reation’. I nomi da tirare in ballo sono molteplici, si va dai finnici Pan Sonic rifinitori per antonomasia del suono nella sua veste più nuda e innocente, ai freddi paesaggi elettronici di Biosphere e Vladislav Delay, fino alle eiaculazioni futuristiche nate dai Deus Ex Machina dell’elettronica: i Kraftewerk (che a mio modo di vedere costituiscono l’imput dominante nel sistema celebrale di Coh). Il disco in questione era uscito originariamente (solo in lp) per un’altra etichetta, pioniera nel campo ‘digitale’, la “Raster Noton”, per poi subito andare fuori catalogo. Quindi quale migliore occasione se non questa offertaci dall’austriaca “Mego” di conoscere meglio da vicino una delle figure ‘minori’ dell’oculato ambiente glitch? L’apparente ostruzionismo che confonde le idee con l’inizio di Supernature, i suoni architettati in maniera parallela nella semi-rumorista Hurt Later, il percussionismo sintetico che vaga senza meta nela poli-cromatica Terra Beyond, la ‘voluta’ (vedi il titolo) impossibilità di espodere liberamente che si manifesta in Utopia-Me tod, sono permeate da quel sottile sapore acido così caratteristico dell’elettronica Berlinese degl’ultimi anni. Para-improvvisazioni, ritmi sussurati, frequenze accarezzate, improvvise espolsioni elettrostatiche, fluttuano geometricamente l’una nell’altra in Boog. In Spaces Between sembra chiudere il percorso ponendoci un’imperiosa domanda: data l’infinità di operazioni nel genere, è il caso d’addentrarsi ‘per l’ennessima volta’ nell’ascolto di simili sonorità? Non so… dico solo che avolte… un po di ‘sintetismo elettronico’ mi rigenera con soddisfacenti risultati per la psiche e l’umore. Spero lo stesso capiti anche a qualcuno di voi.
Voto: 7
Link correlati:mego.at
Tarwater
Quattro chiacchiere (o forse cinque) con uno dei gruppi più interessanti della nuova scena tedesca
Ascoltando questo album, e come scritto nella recensione, sembra che vi stiate dirigendo verso lidi più vocali, più cantautorato classico e vi state allontanando dall’elettronica. E’ un’impressione o, una scelta dovuta?
Tutta la musica dei Tarwater viene composta durante un processo di registrazione in studio quindi direi che lo studio è uno degli strumenti più importanti. Non scriviamo la nostra musica con strumenti tradizionali per poi aggiungere decorazioni elettroniche successivamente. Spesso partiamo dai suoni o dalle sequenze. E’ come se la canzone stesse già sonnecchiando nella macchina per citare Blixa Bargeld. Usiamo una gran varietà di strumenti… dai mezzi generati col computer a roba acustica e analogica, ma tutti questi non sono altro che dispositivi per pervenire a determinati risultati. Qualsiasi cosa faccia un buon lavoro per noi è la benvenuta. Ciò che speriamo in definitiva è che la contraddizione tra l’uomo e la macchina resti al di là degli interessi dell’ascoltatore.
– Le varie collaborazioni, dalle composizioni di colonne sonore alla musica d’accompagnamento per readings di poesia a pieces teatrali, dalla pittura, etc…, come influiscono sulla vostra capacità compositiva? Vi aiutano o vi distraggono?
Collaboriamo con un sacco di persone, non solo con musicisti ma anche con registi, poeti, ballerini a performers di ogni tipo. Da una parte pensiamo che questo sia effettivamente qualcosa che ci allontana dal discorso della “band” perché si deve reagire a qualcosa e devi in qualche modo soddisfare certe richieste. Dall’altra parte però può rivelarsi una fonte di ispirazione molto importante. Quando abbiamo registrato “Dwellers on the Threshold” stavamo lavorando a due colonne sonore contemporaneamente. Questo ci ha dato molte idee sia per la strumentazione da usare che per la struttura delle tracce/canzoni.
– Vi sentite parte di questo movimento propriamente tedesco (Notwist, Lali Puna etc..) che vanta illustri progenitori (Kraftwerk) oppure tutto ciò vi pesa e volete essere conosciuti per un vostro discorso musicale originale?
Il TW Studio non è certo una torre d’avorio, è certamente interessante essere circondati da artisti che producono musica eccitante come quella delle bands che hai menzionato. Anche se molte persone appartenenti a quella scena sembrano lavorare sulle stesse tematiche (ossia la line adi confine tra cantautorato ed elettronica) alla fine essi giungono a risultati molto differenti. Non crediamo che il cosiddetto ‘German Movement’ sia tutta questa cosa monolitica. Ha più a che fare con città che hanno background differenti e che producono stili differenti vagamente connessi l’uno con l’altro.
– Le tracce dell’album sono più brevi: Ritornando alla prima domanda vi serve molto tempo o siete tipi di poche parole in musica?
I Tarwater sono sempre stati interessati alla ‘canzone’, amiamo sempre i tipici brani da 3 minuti e dieci, ma non scriviamo canzoni in modo classico. Quando lavoriamo in studio cerchiamo sempre di creare prima di tutto un’atmosfera sonora, c’è molta improvvisazione all’inizio. Non sappiamo mai se qualcosa finirà per diventare una canzone o uno strumentale. Abbiamo riscoperto la forma breve del brano attraverso il nostro lavoro sulla musica da film.
– Com’è la scena indipendente tedesca? Progetti per il futuro?
Negli ultimi tempi c’erano un paio di buoni dischi tipo Marz-love streems su Karaoke, Kalk, Kreidler –eve future su Wonder, Komeit su Monika che avevano mostrato che c’era ancora qualcosa di nuovo e fresco in corso, al fianco agli standards della produzione elettronica. E ci sono anche un sacco di relazioni interpersonali (gudrun gut monika rec.. Stefan Betke-Pole, Tikiman, Static, Contriva , Rechenzentrum ecc.. è solo una lista incompleta…).
In questo preciso momento stiamo lavorando con Rob Tyler da Coloma e Sarah Marrs da Kyborg su cinque canzoni per un’opera teatrale.
Marco Paolucci
Sparta ‘Austere EP’
Gli Sparta.
Nome che suonerà nuovo quasi a tutti, si tratta infatti di uno dei due gruppi formati allo scioglimento degli ormai famosi At The Drive-in. Di solito si fa riferimento a loro come alla parte più ‘rock’, e ai Mars Volta come alla parte più sperimentale. Jim Ward, Paul Hinojos e Tony Hajjar sono gli ex della band, e con l’aggiunta di Matt Miller al basso hanno creato questo EP ‘Austere’ in attesa dell’album Wiretap Scars uscito ad agosto 2002.
“Austere” contiene quattro tracce: tre normali canzoni e l’ultima un remix di Echodyne Harmonic che uscirà poi sull’album, non essenziale ma decisamente piacevole. Jim Ward canta con la sua classica voce atonale le strofe, per poi ruggire nei ritornelli o addolcirsi a seconda dei casi. E c’è da ammetterlo, l’ep degli Sparta ha superato ogni mia aspettativa: le tre canzoni sono assolutamente stupende e da ascoltare con grande attenzione. In Mye il ritornello urlato ‘This time I’ll get it right! You can’t defend it, it’s pretedermined’ è veramente notevole. Cataract invece parte decisamente più calma e più sperimentale per sfociare poi nella rabbia finale di ‘Time! Goes! No! Where!’ che chiude la canzone alla grande, in uno stile molto simile alla vecchia band di Jim e compagni. Conclude infine Vacant Skies, che è un po’ un mix delle prime due, ma non spezza affatto il disco e contribuisce a rendere l’ascolto ancora più piacevole.
Concludendo, se l’album degli Sparta è di qualità come questo EP, c’è sicuramente da aspettarsi grandi cose da questa band. Con un sound fresco, un mix perfetto e una tecnica più che discreta gli Sparta superano a pieni voti, anche se in modo furbo, la prima prova del dopo ATDI.
Voto: 9
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