Se provassimo a mettere insieme menefreghismo, sgangheratezza ed un pizzico di umorismo sicuramente il risultato si avvicinerebbe agli Starship beer. I tre ragazzacci dimostrano che saper suonare correttamente non è proprio il massimo nella vita. Infatti tutto fanno fuorché fare i musicisti di professione. Composti dal pittore Pat O’Brien (voce e clarinetto), dal giornalista Kevin Whitehead (basso), Wes Mingin (chitarra) e da una piccola manciata di loro amici scesi in aiuto, escono con questo ‘Nut Music…’ nel 1979 e ci propongono una stralunata miscela di jazz puramente “scontornato” (mi viente in mente tutta la scena radicale che va dall’Olanda all’Inghilterra), un hard blues sghembo e anche delle piccole cartoline di pseudo-musica-colta (alla faccia dei puristi dell’ascolto). Apre l’urlata Black/White White/Black e Beefheart lo si sente dietro la porta , poi è la volta di piccoli assaggi solistici sia per piano in Wheatland Wyoming (Cage in una serata altamente alcolica), solo clarinetto in Criminal Girlfriend (respiri asfissianti) e addirittura solo voce con alto recorder in Talking Winks (letteramente lascivo). Per il resto altri episodi che innervosiscono l’orecchio sono Chris the Nasty Boy dove colpisce di sorpresa il suono di una melodica che fa a cazzotti con un ‘organo ed anche l’esperimento di sovrapposizione dello stesso brano in At the Noise Circus (che ne venga fuori non lo capisco ancora). Oltre l’orignale in questa nuova edizione vengono aggiunte delle bonus track basate tutte su improvissazioni molto estemporanee quali 10-4 big buddy, tiffany lounge etc. Alla faccia dei canoni estetici!
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2002/02/starshipbeer.jpg150150Sergio Eletto 1https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgSergio Eletto 12002-02-24 01:01:002023-05-01 19:19:10Starship Beer ‘Nut music: as free as the sqirrels’
Da un po’ di tempo a questa parte Susie Ibarra rappresenta una delle figure più interessanti della scena newyorkese. Nata in California (con origini filippine) passata per il Texas, stabilitasi definitivamente a New York studia percussioni e batteria, frequentando una tra le figure più importanti del free jazz come Milford Graves.
‘Flower after flower’ uscito per la Tzadik colpisce non tanto per un impatto ostico ma quanto per la sua morbidezza e linea melodica sottile e frastagliata al punto giusto. La Ibarra sembra che non abbia badato a complimenti nello scegliere l’ensemble che spazia dalla tromba di Wadada Leo Smith al clarinetto di Chris Speed fino al basso di John Lindberg e addirittura assaporando gli accordi della Oliveros. Apre Illumination e subito ci imbattiamo in atmosfere più che mai aperte e distese, forse un po’ troppo accademiche, dopo di che Fractal One è il primo assaggio solistico della Ibarra la quale conferma di non voler abbandonare le proprie radici ma anche di non concederci nessuna certezza.
Terzo giro con The Ancients dove i rintocchi del kulintang avvicinano l’oriente, e l’idea che Philip Glass aleggi nell’aria lo si sente man mano che i minuti scorrono. Solo accordion per la Oliveros in Fractal Two ed è subito a dominare un suono prolungato ed etereo. Finalmente si passa alla traccia che dà il titolo all’album e l’idea che il gioco cominci a farsi più nervoso lo si intuisce con l’alternarsi fra un ritmo swingato e le improvvise folate di caos dei fiati. Il duo Cooper-Moore si esibisce in una melodia jazzistica con lo stile percussivo del miglior Cecyl Taylor al piano in Fractal 3. Dulcis in fundo Human Beginnings ci regala un tocco esotico e colorato. La Ibarra conclude l’album con un altro assolo in Fractal 4, differente dal primo per l’accelerazione dei battiti, i quali scorrono sottili su questa autostrada percorsa da eventi che ci insegnano che a volte la semplicità è l’ingrediente migliore perché i fiori continuino a crescere.
L’evanescente sensazione di trovarsi nel posto sbagliato…quasi sempre!
Ascolti contrapposti.
Musica triste quando si é allegri, musica allegra quando si é tristi, musica riflessiva quando ci si sente sciocchi…
Dimenticarsi di avere la soluzione per ogni cosa…o di costringersi a deviare i propri stati d’animo per adattarli a quello che si ha disponibile al momento.
Quello che ci serve:
– liste di oggetti su cui si perde lo sguardo
– sistemi aleatori a cui passare l’onere della scelta
– tempo libero da dedicare al nulla canonizzato
Questa é la ciambella di Cristo…Amen!
‘Ehi! Ma chi cazzo ti credi di essere?’…Amen!
‘Mmmhh…buono!”…Amen!
‘Dehehehihihooo!!’…Amen!
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2002/02/SezNiccolini.jpg150226Gianluca Niccolinihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgGianluca Niccolini2002-02-23 18:32:172023-05-02 15:06:38Christ Died For Our Dunkin Donuts
Anno di grazia 1972 per questo album, colonna sonora dell’omonimo film che vede il nostro come protagonista nel ruolo di uno spacciatore trasformato in persona politically correct alla fine della pellicola.
Disco attibuito a Jimmy Cliff è in realtà un’antologia che raduna le migliori voci e i migliori sound system del reggae giamaicano come Scotty con la sua Draws your Brakes, i Melodians con River of Babylon ascoltatissimo hit sino ai giorni nostri (e speriamo oltre), il nostro con Many River to Cross che mette in mostra la vena soul della sua voce.
A seguire l’omonima The Harder They Come sempre di Cliff, Johnny Too Bad degli Slikers, Pressure Drop dei Maytals, brani che obbligano a muoversi come provenienti da un pifferaio di Hamelin con i dredd.
La chiusura è affidata al nostro con la riproposta della title track in una versione leggermente inferiore alla precedente; inezia per un capolavoro come questo.
Partenza bruciante per questa “nuova”(?) promessa di un genere hard-heavy-glam rock (chi più ne ha più ne metta) che faccia subito riandare con la memoria ed il cuore ai sempre autentici anni settanta.
Questa è una delle linee guida con cui interpretare questo fenomeno, oltre ad una predilezione tecno-pop che filtra tra una schitarrata e l’altra. Canzoni come it’s time to party con quel drumming potente, ben calibrato e il riff di sint a completare il tutto, party hard, voce krafteriana che introduce un’altra cavalcata alla Twister Sister; oppure girlown love con i suoi cori da stadio, tutto così originalmente kitsch da non sfigurare in un album dei mai dimenticati, per chi scrive, Kiss.
E ancora ready to die, inizio mozartiano con seguito postmoderno, take it off e tutte le altre, (per un totale di dodici), metronomi a tutta velocità per un album divertente simpatico e fracassone.
Ogni tanto urlare fa bene. Anche a chi ascolta.
I Pulp esistono per essere viziosamente, smodatamente, feticisticamente adorati. Si può decidere di poter fare volentieri a meno delle pose dandy di Jarvis Cocker (in fondo siamo tutti terribilmente stanchi dell’ennesimo millantatore di presuntuose velleità arty). E ci si può mostrare sdegnati e infastiditi dall’ennesima ricercatezza pop su misura. Infine l’elegante glamour dei nostri (così smaccatamente al di sopra delle righe del ‘truly British’) può tranquillamente causare il voltastomaco…
Poi, non appena uno dei loro dischi (mmh… beh no, non uno qualsiasi…) inizia a girare nel lettore… si può altrettanto spensieratamente uscire fuori dal proprio Sinedrio delle somme opere d’arte in musica e piangere amaramente. “We Love Life” si offre come ultima (cronologica) possibilità di salvezza per ogni peccatore d’ipocrisia o di semplice invidia. Cosa costa riconoscere che quello sciamanico canto sussurrato sopra al soffice tappeto di cristalli wah wah di Weeds II (Origin of the Species) è qualcosa di irresistibile? Cosa può umanamente trattenere dal farsi sedurre dal sensualissimo groove chitarristico di The Night that Minnie Timperley Died? Perché non lasciarsi semplicemente annegare nell’oceanica evoluzione popedelica del finale di Sunrise? E lo squisito lirismo di The Birds in Your Garden?
E’ pur vero comunque che “We Love Life”, come già gli altri album, porta ancora nell’ormai arrugginito mondo fatato che è stato di Bowie, Scott Walker o qualsiasi altra icona fashion vi prendiate la briga di sforzarvi a ricordare ma, dato che non tutti se ne sono accorti, è d’obbligo puntualizzare il fatto che quest’album lo fa con insolita, inedita compostezza. Sul piano compositivo è un tale gioiello di sobrietà pop da risultare quasi manieristico con la sua scelta di ambientazioni agresti e amori impossibili. Si fermano però davvero qui le vostre riflessioni ? The Birds in your Garden e l’Alfred Prufrock di Eliot non parlano in fondo della stessa cosa? E’ davvero ancora una questione di livello di discorso? Rimaniamo nell’attesa che nella stanza le donne vadano e vengano parlando di Jarvis Cocker allora. Nel frattempo si può continuare stancamente pensare che ci sarà tempo per chiedersi “oserò?” e “oserò?”.
Oppure… si può impulsivamente decidere di amare la vita.
Dall’esordio di “Shuffletown” (1990), bellissimo mix di atmosfere folk con accenni jazz, Joe Henry ha pubblicato nel corso degli anni novanta diversi dischi spaziando dal country-rock di “Short man’s room”, insieme ai Jayhawks a quello più morbido di “Kindness of the world”, fino a contaminare il suo approccio cantautorale con suoni moderni a lui estranei; tutti buoni dischi ma nessuno all’altezza dell’opera prima.
Dietro alla consolle del nuovo lavoro troviamo Craig Smith e lo stesso Joe Henry ed il risultato è davvero notevole.
Con “Scar” c’è un ulteriore evoluzione, la produzione e nello stesso tempo moderna e tradizionale, molto raffinata, per un disco notturno dove dominano atmosfere jazz dal sapore retrò ma nello stesso tempo contemporaneo e mai anacronistico.
L’inizio è dei migliori con Richard Pryor addresses a terful nation, una slow ballad lentissima dove poche note di piano introducono subito l’ascoltatore nell’immaginario notturno e malinconico intorno a cui e costruito il disco, brano che che si conclude con uno straordinario assolo di sax tenore che richiama la migliore tradizione jazz. Con la seguente Stop (uno dei brani più movimentati del disco), entriamo in un clima che potremmo definire mittle-europeo, che richiama sonorità care al Tom Waits di “Rain Dogs” e soprattutto di “Frank’s wildYears”, ritmiche ricercate, chitarre claudicanti e archi che ci trasportano in un epoca indefinita, racchiusa in un universo parallelo dove la realtà si confonde con il sogno, ritrovandoci in un vecchio film in bianco e nero ad amoreggiare e danzare con il fantasma di un’attrice ormai dimenticata.
Non vorrei dilungarmi troppo nella descrizione delle singole canzoni, diventerei prolisso e noioso preso nella morsa sensuale e magnetica delle successive Mean flowers e Struck, dolci e ammalianti, per non parlare di Lock and key e Cold enough to cross con il piano in evidenza e il contrabbasso a cerare le due canzoni più jazz dell’album.
Un disco difficile al primo ascolto, ma che pretende il secondo, il terzo, il quarto …………, fino a quando ne sarete succubi.
Kar è un progetto sonoroprodotto della città Roma. Componenti provenienti tutti dalla capitale e attivi nella scena (GOAH e Gronge formazioni in cui due dei tre componenti hanno militato) da diversi anni.
Sonorità che riportano alla mente tutt’altra ambientazione che non la solare città. Suoni nati nella pioggia, nel freddo (non solo come fenomeno termico) in luoghi dove la luce non basta a guardarsi negli occhi e si sta vicini per necessità fisiche.
Musica d’ambiente quindi! Ma quale ambiente?
Lo intravediamo. Un rullino di istanti scelti nel quotidiano del gruppo.
Non stiamo guardando una foto a colori vi avverto. I colori ci sono tutti ma stiamo osservando il negativo. E non ci interessa sapere cosa sarà dopo questa raffigurazione; ombre e contorni sono nitidi e soddisfacenti.
Quindi perché chiedersi: cosa dopo?
Una domanda troppo religiosa, che riporta alla mente quesiti che non ci servono. Anche se appunto qui si vive di questo: riti. Ma riti in onore di un totale distacco dalla classica celebrazione alla madre terra (cara a new agers e ambientalisti da fin troppo tempo). Riti celebrativi della metropoli, dove non ci può essere altra credenza che non sia quella nei riti stessi.
Riti in celebrazione del paganesimo agnostico. Forse dell’uomo. Lo stesso uomo che vediamo all’interno della confezione del cd.Privo di bocca, incomunicante. Ha altro: macchine sonore, strumenti percussivi e quelle che una volta erano parole ed ora sono solo(?) emissioni.
Con “+” inizia il percorso.Flusso sonoro in reverse e risuonante di synth con addittivi percussivi metallici lievi e in cerca di una linea guida. Il suono evolve, si allunga e distende mentre a tratti le percussioni vanno a mettere accenti sul vuoto. Un cinguettare di nastro magnetico appare e scompare.Gli Zoviet France privati di ellitticità.
Suoni ricorsivi in “Lascia” appoggiati dalle percussioni che sembrano quasi ceramiche ora. Il suono di un edificio che lentamente collassa sulle sue fondamenta. E noi siamo dentro a guardare, mentre il luogo agisce sul nostro cervello e varia come un organismo. Senza paura. Solo volontà di osservare, mentre sibili provengono da ogni direzione. Un Jorge Reyes a cui hanno tolto qualsiasi volontà espressiva.
Ancora riverberi dai basamenti in “0+”, feedback e trilli di campane a vento. Si passa ancora per zone desolate. Gli strumenti interagiscono da soli. Agiscono su di noi piu’ che altro.
“Alle prime luci” ci fa seguire il moto di una luce che arriva lentamente. Titolo evocativo e sonorità che riportano alla mente celebri fotogrammi con protagonisti, appunto , il sole e un monolite nero. Non ci sono scimmie. Non c’è l’umanità ora. Si prende l’essenziale che raffigura il momento.
Noises e ritmo sono tutt’uno in “Ora”. Abbandonati nella propria stanza fissando un canale morto in TV. Non siamo lontani da dei Pan Sonic, completamente estranei al dancefloor.
Emissioni e rito in “Tra 49 e 50” ci portano ancora in un luogo diverso, ma identico.Base ritmicopercussiva da peyoteros e voci trattate. Il pezzo cambia e il protagonista diventa una melodia in echo sulla quale si inserisce una voce strumento. Una voce che è il negativo di quello che si ascolta normalmente. Di quello che vorremmo ascoltare forse. Voci rassicuranti?
Un mugolio assonante introduce riverberi di metalli e una vibrazione a bassa frequenza che è come sentire il passaggio dell’ambiente a macerie. Ma non c’è collasso. Queste sono solo visioni di un qualcosa che deve ancora accadere. Non c’è collasso. Guardiamo bene cosa ci sta accadendo intorno adesso.
“Izba” termina questo cd con riflessi vagamente post-rock. Si ricordano certi Labradford e ci si abbandona a un messaggio isolazionista non distante dagli intenti del gruppo. Basso e una chitarra che suona come lamiera sfregata. Forse questo è il momento di staccarsi anche dalle visioni?
Questo cd va ascoltato.
Non va acquistato in quanto è GRATIS, basta richiedere al gruppo l’invio dello stesso.
Ritornare le proprie impressioni sul contenuto è un diritto e un dovere.
Posso consigliarvi l’ascolto. Posso consigliarvi di contattare il gruppo e dire cosa ne pensate.
Non posso chiedervi di apprezzarlo. Al limite descrivere cosa ho trovato.
L’ho appena fatto.
Qualcosa ho detto io…qualcosa mi hanno detto i Kar.
Potete contattarli a questo indirizzo:grahgreen@yahoo.it
L’esordio del gruppo di Bruxelles, uscito un po di anni fa, rimane un classico del suo genere: il METAL-CORE. Difficilmente questi due elementi sono stati miscelati con tanta sapienza. Sembra di assistere a dei Sick of It All in salsa Slayer tanto per dare un’idea. 14 brani che i LOT sciorinano con una fluidità che ricorda i Ramones (mancano solo gli 1-2-3-4!) solo che qui il fluido è un magma incandescente.
Velocità e potenza sono il minimo comune denominatore di tutti i pezzi, unica eccezione/pausa, a metà opera, con lo strumentale che dà il titolo all’album. E’ arduo segnalare una canzone in particolare ma Do what must be done è un vero e proprio gioiello con quel riff grind a precedere un effluvio di metallo schiacciasassi.
Ora i LOT sono anche 2/4 degli Arkangel (Michel Kirby, chitarra, e Vince, basso) e ho detto tutto. I testi, come tutto il lavoro del resto, sono espressamente dedicati “alla musica e al talento di Charles Manson”. Trovate, ascoltate, godete.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/lot_approach.jpg150150Diego Accorsihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgDiego Accorsi2002-02-22 01:01:002023-05-02 12:32:01Length of Time ‘Approach to the New World’
Problemi moderni di una coppia molto moderna circa l’estetica di Like a Virgin.La cultura pop non esiste, tantomeno è mai esistita.
Il secolo passato, secolo delle masse, ha dimostrato una sensibilità estrema quando ha smesso di ferire creatività individuali sotterranee o di lusingare velleità antielitarie decidendo di scomparire dignitosamente nelle ingiallite pagine degli annali. Il secolo in corso blatera acutamente dei suoi post- e in definitiva non ci interessa.
Ciò che ci preme è un uso indiscriminato del desiderio. In musica è sempre stato così.
Non credo sia il mio stile in verità, ma questo è esattamente ciò che vuole la signorina Sloane. E, dio mio… è incontentabile… nessun disco riesce ad annoiarla. D’altronde, come sembra ripeterci sulle labbra, è la consapevolezza della sfumatura che distingue le emozioni dagli slogan, forse. Per quel che mi riguarda non le nego alcun preziosismo: se credono nell’immediatezza sii tecnico, se puntano sulla tecnica sii immediato. I’m a very technical boy. Am I not?
Starship Beer ‘Nut music: as free as the sqirrels’
Se provassimo a mettere insieme menefreghismo, sgangheratezza ed un pizzico di umorismo sicuramente il risultato si avvicinerebbe agli Starship beer. I tre ragazzacci dimostrano che saper suonare correttamente non è proprio il massimo nella vita. Infatti tutto fanno fuorché fare i musicisti di professione. Composti dal pittore Pat O’Brien (voce e clarinetto), dal giornalista Kevin Whitehead (basso), Wes Mingin (chitarra) e da una piccola manciata di loro amici scesi in aiuto, escono con questo ‘Nut Music…’ nel 1979 e ci propongono una stralunata miscela di jazz puramente “scontornato” (mi viente in mente tutta la scena radicale che va dall’Olanda all’Inghilterra), un hard blues sghembo e anche delle piccole cartoline di pseudo-musica-colta (alla faccia dei puristi dell’ascolto). Apre l’urlata Black/White White/Black e Beefheart lo si sente dietro la porta , poi è la volta di piccoli assaggi solistici sia per piano in Wheatland Wyoming (Cage in una serata altamente alcolica), solo clarinetto in Criminal Girlfriend (respiri asfissianti) e addirittura solo voce con alto recorder in Talking Winks (letteramente lascivo). Per il resto altri episodi che innervosiscono l’orecchio sono Chris the Nasty Boy dove colpisce di sorpresa il suono di una melodica che fa a cazzotti con un ‘organo ed anche l’esperimento di sovrapposizione dello stesso brano in At the Noise Circus (che ne venga fuori non lo capisco ancora). Oltre l’orignale in questa nuova edizione vengono aggiunte delle bonus track basate tutte su improvissazioni molto estemporanee quali 10-4 big buddy, tiffany lounge etc. Alla faccia dei canoni estetici!
Voto: 8
Link correlati:
Susie Ibarra ‘Flower after flower’
Da un po’ di tempo a questa parte Susie Ibarra rappresenta una delle figure più interessanti della scena newyorkese. Nata in California (con origini filippine) passata per il Texas, stabilitasi definitivamente a New York studia percussioni e batteria, frequentando una tra le figure più importanti del free jazz come Milford Graves.
‘Flower after flower’ uscito per la Tzadik colpisce non tanto per un impatto ostico ma quanto per la sua morbidezza e linea melodica sottile e frastagliata al punto giusto. La Ibarra sembra che non abbia badato a complimenti nello scegliere l’ensemble che spazia dalla tromba di Wadada Leo Smith al clarinetto di Chris Speed fino al basso di John Lindberg e addirittura assaporando gli accordi della Oliveros. Apre Illumination e subito ci imbattiamo in atmosfere più che mai aperte e distese, forse un po’ troppo accademiche, dopo di che Fractal One è il primo assaggio solistico della Ibarra la quale conferma di non voler abbandonare le proprie radici ma anche di non concederci nessuna certezza.
Terzo giro con The Ancients dove i rintocchi del kulintang avvicinano l’oriente, e l’idea che Philip Glass aleggi nell’aria lo si sente man mano che i minuti scorrono. Solo accordion per la Oliveros in Fractal Two ed è subito a dominare un suono prolungato ed etereo. Finalmente si passa alla traccia che dà il titolo all’album e l’idea che il gioco cominci a farsi più nervoso lo si intuisce con l’alternarsi fra un ritmo swingato e le improvvise folate di caos dei fiati. Il duo Cooper-Moore si esibisce in una melodia jazzistica con lo stile percussivo del miglior Cecyl Taylor al piano in Fractal 3. Dulcis in fundo Human Beginnings ci regala un tocco esotico e colorato. La Ibarra conclude l’album con un altro assolo in Fractal 4, differente dal primo per l’accelerazione dei battiti, i quali scorrono sottili su questa autostrada percorsa da eventi che ci insegnano che a volte la semplicità è l’ingrediente migliore perché i fiori continuino a crescere.
Voto: 7
Link correlati:tzadik
Christ Died For Our Dunkin Donuts
L’evanescente sensazione di trovarsi nel posto sbagliato…quasi sempre!
Ascolti contrapposti.
Musica triste quando si é allegri, musica allegra quando si é tristi, musica riflessiva quando ci si sente sciocchi…
Dimenticarsi di avere la soluzione per ogni cosa…o di costringersi a deviare i propri stati d’animo per adattarli a quello che si ha disponibile al momento.
Quello che ci serve:
– liste di oggetti su cui si perde lo sguardo
– sistemi aleatori a cui passare l’onere della scelta
– tempo libero da dedicare al nulla canonizzato
Questa é la ciambella di Cristo…Amen!
‘Ehi! Ma chi cazzo ti credi di essere?’…Amen!
‘Mmmhh…buono!”…Amen!
‘Dehehehihihooo!!’…Amen!
E così sia!
Jimmy Cliff ‘The harder they come’
(Universal 2001)
Anno di grazia 1972 per questo album, colonna sonora dell’omonimo film che vede il nostro come protagonista nel ruolo di uno spacciatore trasformato in persona politically correct alla fine della pellicola.
Disco attibuito a Jimmy Cliff è in realtà un’antologia che raduna le migliori voci e i migliori sound system del reggae giamaicano come Scotty con la sua Draws your Brakes, i Melodians con River of Babylon ascoltatissimo hit sino ai giorni nostri (e speriamo oltre), il nostro con Many River to Cross che mette in mostra la vena soul della sua voce.
A seguire l’omonima The Harder They Come sempre di Cliff, Johnny Too Bad degli Slikers, Pressure Drop dei Maytals, brani che obbligano a muoversi come provenienti da un pifferaio di Hamelin con i dredd.
La chiusura è affidata al nostro con la riproposta della title track in una versione leggermente inferiore alla precedente; inezia per un capolavoro come questo.
Voto: 9
Link correlati:
Andrew W.K. ‘I Get Wet’
(Island Recors 2001)
Partenza bruciante per questa “nuova”(?) promessa di un genere hard-heavy-glam rock (chi più ne ha più ne metta) che faccia subito riandare con la memoria ed il cuore ai sempre autentici anni settanta.
Questa è una delle linee guida con cui interpretare questo fenomeno, oltre ad una predilezione tecno-pop che filtra tra una schitarrata e l’altra. Canzoni come it’s time to party con quel drumming potente, ben calibrato e il riff di sint a completare il tutto, party hard, voce krafteriana che introduce un’altra cavalcata alla Twister Sister; oppure girlown love con i suoi cori da stadio, tutto così originalmente kitsch da non sfigurare in un album dei mai dimenticati, per chi scrive, Kiss.
E ancora ready to die, inizio mozartiano con seguito postmoderno, take it off e tutte le altre, (per un totale di dodici), metronomi a tutta velocità per un album divertente simpatico e fracassone.
Ogni tanto urlare fa bene. Anche a chi ascolta.
Voto: 10
Link correlati:Andrew W.K. Unofficial Page
Pulp ‘We Love Life’
I Pulp esistono per essere viziosamente, smodatamente, feticisticamente adorati. Si può decidere di poter fare volentieri a meno delle pose dandy di Jarvis Cocker (in fondo siamo tutti terribilmente stanchi dell’ennesimo millantatore di presuntuose velleità arty). E ci si può mostrare sdegnati e infastiditi dall’ennesima ricercatezza pop su misura. Infine l’elegante glamour dei nostri (così smaccatamente al di sopra delle righe del ‘truly British’) può tranquillamente causare il voltastomaco…
Poi, non appena uno dei loro dischi (mmh… beh no, non uno qualsiasi…) inizia a girare nel lettore… si può altrettanto spensieratamente uscire fuori dal proprio Sinedrio delle somme opere d’arte in musica e piangere amaramente. “We Love Life” si offre come ultima (cronologica) possibilità di salvezza per ogni peccatore d’ipocrisia o di semplice invidia. Cosa costa riconoscere che quello sciamanico canto sussurrato sopra al soffice tappeto di cristalli wah wah di Weeds II (Origin of the Species) è qualcosa di irresistibile? Cosa può umanamente trattenere dal farsi sedurre dal sensualissimo groove chitarristico di The Night that Minnie Timperley Died? Perché non lasciarsi semplicemente annegare nell’oceanica evoluzione popedelica del finale di Sunrise? E lo squisito lirismo di The Birds in Your Garden?
E’ pur vero comunque che “We Love Life”, come già gli altri album, porta ancora nell’ormai arrugginito mondo fatato che è stato di Bowie, Scott Walker o qualsiasi altra icona fashion vi prendiate la briga di sforzarvi a ricordare ma, dato che non tutti se ne sono accorti, è d’obbligo puntualizzare il fatto che quest’album lo fa con insolita, inedita compostezza. Sul piano compositivo è un tale gioiello di sobrietà pop da risultare quasi manieristico con la sua scelta di ambientazioni agresti e amori impossibili. Si fermano però davvero qui le vostre riflessioni ? The Birds in your Garden e l’Alfred Prufrock di Eliot non parlano in fondo della stessa cosa? E’ davvero ancora una questione di livello di discorso? Rimaniamo nell’attesa che nella stanza le donne vadano e vengano parlando di Jarvis Cocker allora. Nel frattempo si può continuare stancamente pensare che ci sarà tempo per chiedersi “oserò?” e “oserò?”.
Oppure… si può impulsivamente decidere di amare la vita.
Voto: 8
Link correlati:
Joe Henry ‘Scar’ (Mammoth records)
Dall’esordio di “Shuffletown” (1990), bellissimo mix di atmosfere folk con accenni jazz, Joe Henry ha pubblicato nel corso degli anni novanta diversi dischi spaziando dal country-rock di “Short man’s room”, insieme ai Jayhawks a quello più morbido di “Kindness of the world”, fino a contaminare il suo approccio cantautorale con suoni moderni a lui estranei; tutti buoni dischi ma nessuno all’altezza dell’opera prima.
Dietro alla consolle del nuovo lavoro troviamo Craig Smith e lo stesso Joe Henry ed il risultato è davvero notevole.
Con “Scar” c’è un ulteriore evoluzione, la produzione e nello stesso tempo moderna e tradizionale, molto raffinata, per un disco notturno dove dominano atmosfere jazz dal sapore retrò ma nello stesso tempo contemporaneo e mai anacronistico.
L’inizio è dei migliori con Richard Pryor addresses a terful nation, una slow ballad lentissima dove poche note di piano introducono subito l’ascoltatore nell’immaginario notturno e malinconico intorno a cui e costruito il disco, brano che che si conclude con uno straordinario assolo di sax tenore che richiama la migliore tradizione jazz. Con la seguente Stop (uno dei brani più movimentati del disco), entriamo in un clima che potremmo definire mittle-europeo, che richiama sonorità care al Tom Waits di “Rain Dogs” e soprattutto di “Frank’s wildYears”, ritmiche ricercate, chitarre claudicanti e archi che ci trasportano in un epoca indefinita, racchiusa in un universo parallelo dove la realtà si confonde con il sogno, ritrovandoci in un vecchio film in bianco e nero ad amoreggiare e danzare con il fantasma di un’attrice ormai dimenticata.
Non vorrei dilungarmi troppo nella descrizione delle singole canzoni, diventerei prolisso e noioso preso nella morsa sensuale e magnetica delle successive Mean flowers e Struck, dolci e ammalianti, per non parlare di Lock and key e Cold enough to cross con il piano in evidenza e il contrabbasso a cerare le due canzoni più jazz dell’album.
Un disco difficile al primo ascolto, ma che pretende il secondo, il terzo, il quarto …………, fino a quando ne sarete succubi.
Voto: 8
Link correlati:joe henry on page
Kar ‘P.01’
Kar è un progetto sonoroprodotto della città Roma. Componenti provenienti tutti dalla capitale e attivi nella scena (GOAH e Gronge formazioni in cui due dei tre componenti hanno militato) da diversi anni.
Sonorità che riportano alla mente tutt’altra ambientazione che non la solare città. Suoni nati nella pioggia, nel freddo (non solo come fenomeno termico) in luoghi dove la luce non basta a guardarsi negli occhi e si sta vicini per necessità fisiche.
Musica d’ambiente quindi! Ma quale ambiente?
Lo intravediamo. Un rullino di istanti scelti nel quotidiano del gruppo.
Non stiamo guardando una foto a colori vi avverto. I colori ci sono tutti ma stiamo osservando il negativo. E non ci interessa sapere cosa sarà dopo questa raffigurazione; ombre e contorni sono nitidi e soddisfacenti.
Quindi perché chiedersi: cosa dopo?
Una domanda troppo religiosa, che riporta alla mente quesiti che non ci servono. Anche se appunto qui si vive di questo: riti. Ma riti in onore di un totale distacco dalla classica celebrazione alla madre terra (cara a new agers e ambientalisti da fin troppo tempo). Riti celebrativi della metropoli, dove non ci può essere altra credenza che non sia quella nei riti stessi.
Riti in celebrazione del paganesimo agnostico. Forse dell’uomo. Lo stesso uomo che vediamo all’interno della confezione del cd.Privo di bocca, incomunicante. Ha altro: macchine sonore, strumenti percussivi e quelle che una volta erano parole ed ora sono solo(?) emissioni.
Con “+” inizia il percorso.Flusso sonoro in reverse e risuonante di synth con addittivi percussivi metallici lievi e in cerca di una linea guida. Il suono evolve, si allunga e distende mentre a tratti le percussioni vanno a mettere accenti sul vuoto. Un cinguettare di nastro magnetico appare e scompare.Gli Zoviet France privati di ellitticità.
Suoni ricorsivi in “Lascia” appoggiati dalle percussioni che sembrano quasi ceramiche ora. Il suono di un edificio che lentamente collassa sulle sue fondamenta. E noi siamo dentro a guardare, mentre il luogo agisce sul nostro cervello e varia come un organismo. Senza paura. Solo volontà di osservare, mentre sibili provengono da ogni direzione. Un Jorge Reyes a cui hanno tolto qualsiasi volontà espressiva.
Ancora riverberi dai basamenti in “0+”, feedback e trilli di campane a vento. Si passa ancora per zone desolate. Gli strumenti interagiscono da soli. Agiscono su di noi piu’ che altro.
“Alle prime luci” ci fa seguire il moto di una luce che arriva lentamente. Titolo evocativo e sonorità che riportano alla mente celebri fotogrammi con protagonisti, appunto , il sole e un monolite nero. Non ci sono scimmie. Non c’è l’umanità ora. Si prende l’essenziale che raffigura il momento.
Noises e ritmo sono tutt’uno in “Ora”. Abbandonati nella propria stanza fissando un canale morto in TV. Non siamo lontani da dei Pan Sonic, completamente estranei al dancefloor.
Emissioni e rito in “Tra 49 e 50” ci portano ancora in un luogo diverso, ma identico.Base ritmicopercussiva da peyoteros e voci trattate. Il pezzo cambia e il protagonista diventa una melodia in echo sulla quale si inserisce una voce strumento. Una voce che è il negativo di quello che si ascolta normalmente. Di quello che vorremmo ascoltare forse. Voci rassicuranti?
Un mugolio assonante introduce riverberi di metalli e una vibrazione a bassa frequenza che è come sentire il passaggio dell’ambiente a macerie. Ma non c’è collasso. Queste sono solo visioni di un qualcosa che deve ancora accadere. Non c’è collasso. Guardiamo bene cosa ci sta accadendo intorno adesso.
“Izba” termina questo cd con riflessi vagamente post-rock. Si ricordano certi Labradford e ci si abbandona a un messaggio isolazionista non distante dagli intenti del gruppo. Basso e una chitarra che suona come lamiera sfregata. Forse questo è il momento di staccarsi anche dalle visioni?
Questo cd va ascoltato.
Non va acquistato in quanto è GRATIS, basta richiedere al gruppo l’invio dello stesso.
Ritornare le proprie impressioni sul contenuto è un diritto e un dovere.
Posso consigliarvi l’ascolto. Posso consigliarvi di contattare il gruppo e dire cosa ne pensate.
Non posso chiedervi di apprezzarlo. Al limite descrivere cosa ho trovato.
L’ho appena fatto.
Qualcosa ho detto io…qualcosa mi hanno detto i Kar.
Potete contattarli a questo indirizzo:grahgreen@yahoo.it
Voto: 8
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Length of Time ‘Approach to the New World’
L’esordio del gruppo di Bruxelles, uscito un po di anni fa, rimane un classico del suo genere: il METAL-CORE. Difficilmente questi due elementi sono stati miscelati con tanta sapienza. Sembra di assistere a dei Sick of It All in salsa Slayer tanto per dare un’idea. 14 brani che i LOT sciorinano con una fluidità che ricorda i Ramones (mancano solo gli 1-2-3-4!) solo che qui il fluido è un magma incandescente.
Velocità e potenza sono il minimo comune denominatore di tutti i pezzi, unica eccezione/pausa, a metà opera, con lo strumentale che dà il titolo all’album. E’ arduo segnalare una canzone in particolare ma Do what must be done è un vero e proprio gioiello con quel riff grind a precedere un effluvio di metallo schiacciasassi.
Ora i LOT sono anche 2/4 degli Arkangel (Michel Kirby, chitarra, e Vince, basso) e ho detto tutto. I testi, come tutto il lavoro del resto, sono espressamente dedicati “alla musica e al talento di Charles Manson”. Trovate, ascoltate, godete.
Voto: 10
Link correlati:www.goodliferecordings.com
Entertaining Miss Sloane
Problemi moderni di una coppia molto moderna circa l’estetica di Like a Virgin.
La cultura pop non esiste, tantomeno è mai esistita.
Il secolo passato, secolo delle masse, ha dimostrato una sensibilità estrema quando ha smesso di ferire creatività individuali sotterranee o di lusingare velleità antielitarie decidendo di scomparire dignitosamente nelle ingiallite pagine degli annali. Il secolo in corso blatera acutamente dei suoi post- e in definitiva non ci interessa.
Ciò che ci preme è un uso indiscriminato del desiderio. In musica è sempre stato così.
Non credo sia il mio stile in verità, ma questo è esattamente ciò che vuole la signorina Sloane. E, dio mio… è incontentabile… nessun disco riesce ad annoiarla. D’altronde, come sembra ripeterci sulle labbra, è la consapevolezza della sfumatura che distingue le emozioni dagli slogan, forse. Per quel che mi riguarda non le nego alcun preziosismo: se credono nell’immediatezza sii tecnico, se puntano sulla tecnica sii immediato. I’m a very technical boy. Am I not?
Mauro Carassai