Anticipazione del meglio del meglio della scena elettronica al festival Micronanze – Classico Village RomaMICRONANZE @ Classico Village – Roma
26 – 04 – 02
SALA CLUB
FENNESZ
OPIATE
ALVA NOTO
FENNESZ / OPIATE / ALVA NOTO
Glitch music: il suono dell’errore digitale.
Un’area di sensibilità musicale.
Una questione di qualità.
Le ricette sono molteplici, facili le convergenze quanto evidenti le differenze.
In questo caso Alva Noto e Opiate hanno già collaborato tra loro e attendiamo con curiosità il finale previsto anche assieme a Fennesz
Ad iniziare è Fennesz, dall’Austria, che elabora un pastiche di ondate melodiche composte di armonici, qualche synth, chitarre acustiche, sepolte da altre ondate di rumori, cascate di glitches. E’ un rapporto vicendevole, costantemente una parte lascia spazio all’altra. Nei momenti di pausa, dove è più semplice scorgere l’elemento melodico, d’improvviso ci si ritrova investiti dal rumore che si modula e si fonde al resto. A volte sfugge forse un poco una definizione maggiore di questo rapporto, come se i due elementi volessero mantenersi su due strade parallele.
Il pubblico, seduto a terra, ascolta, senza trovare un appiglio che lo possa condurre al movimento: non è questa la serata adatta, non è questa musica adatta al ballo.
Si diceva prima: è una questione di sensibilità. E’ necessario essere disposti all’ascolto, avere la voglia di comprendere il suono fastidioso di cui si compone l’intera serata.
Di certo più diretta la proposta di Opiate, che lascia spazio alla sua sensibilità melodica, e la lascia andare, la fa evolvere, decollare, ma anche renderla più piccola, ricondurla al sibilo da cui è partito. Ricorda a tratti gli Autechre in questo ma con un fare più intimo. Discreto fa rotolare il glitch fino a renderlo un tempo definito che sorregge il resto dell’impianto. La sua musica si compone di passaggi vocali (altrui) che spezzetta, incolla, sottolinea con un battere mai troppo invadente, ben levigato, pulito e gentile. Da dietro i laptops lavora con aria serena e compiaciuta, con tranquillità non smuove neanche lui gli occhi dai monitors per regalare un cenno a chi è rimasto a sentirlo.
Quando si ferma arriva il vocio dal fondo della sala.
Arriva Alva Noto (Carsten Nicolai), probabilmente una delle personalità di punta della scena, se così si vuole definirla.
La sua esibizione parte con un notevole ritardo, dovuto ad un problema tecnico, che priverà il suo spettacolo dell’elemento visuale. Con l’amaro in bocca inizia ad allineare i suoi suoni che sembrano avere un marchio di fabbrica, il suo nome stampato sopra. Fa abbassare le luci in sala, e il monitor illumina e restituisce a noi il viso concentrato di chi è completamente partecipe, parte integrante della sua musica. I suoi suoni sono qualcosa di freddo, glaciale. Glitches e modulazioni di frequenza che riempiono lo stomaco e le orecchie dal sapore assolutamente digitale. Al buio scorgiamo un uomo ricurvo sullo spettro d’onda del suono, che lo rende profondo ed altissimo. Comunica qualcosa di triste e fiero: dopo aver preso un poco i giri, inizia qualcosa di martellante,teso. Composizioni che si chiudono su loro stesse per poi riaprirsi e manifestarsi con ferma determinazione. Nel DNA di questi suoni c’è l’elemento industrial, e mai mi è capitato di scorgerlo così chiaramente. E di certo industrial in questo momento ha anche l’incedere scuro e implacabile. Da ‘Prototypes’ (Mille Plateaux, 2000) a ‘Transform’ (Mille Plateaux, 2001) avevo notato una evoluzione non tanto nei suoni, sempre inconfondibili, quanto nel battere delle composizione. Un andamento più deciso. Ma in questa occasione sembra di ascoltare martelli che battono e si fermano solo per ripartire ed esaltarsi di più. I bassi, profondissimi, sono il suono dell’alta tensione, elettricità, e riempiono chi ha deciso di fermarsi ad ascoltare. E lo lasciano prima libero di battere il piede, poi anche di abbandonarsi al ritmo che è un vortice in cui anche Alva Noto si lascia cadere. Assistiamo, catturati da una sensazione che non è abbandono, nè malinconia. Piuttosto qualcosa di simile alla disperazione. Una disperazione che si trasforma in rumore, che nasce dal computer, che prende le sembianze di qualcosa di certamente, assolutamente vivo. Emozionante.
Alla fine viene raggiunto dagli altri ed inizia l’esibizione congiunta: una manifestazione di forza. Le aggressioni rumorose di Fennesz si condiscono della propensione di Opiate alla melodia. Ed Alva Noto da qualche parte a mettere ordine. Ma poi si orientano, improvvisando probabilmente, verso un oltranzismo assordante, e aumentano il peso con un magma che ribolle e si espande, il volume è alto e bisogna abbassarlo un po’. Ma così non c’è più tanto gusto: tutti a casa.
Akoros@hotmail.com
Jegel@libero.it
Autori Hegel & Jegel
May I Refuse – ‘Everything Stops Her Breathe’
Poche cose nella vita danno gusto come scoprire un gruppo di cui non sospettavate nemmeno l’esistenza, che vi viene fatto ascoltare per caso e che alla fine vi piace pure! Quando ho avuto la notizia che girava questo promo dell’album di debutto dei toscani May I Refuse ero un po’ scettico, mi aspettavo la solita band che strizzava l’occhio all’emo commerciale degli ultimi tempi e magari anche tecnicamente scarso. Grossa é stata la mia sorpresa nell’ascoltare che i MIR non sono niente di tutto ciò, anzi sono una band con grandi potenzialità. Fino ad ora hanno fatto da gruppo di supporto per The Blamed, Good Clean Fun, Leiah e Reiziger, oltre a far uscire un demo a luglio 2000.
E’ ovvio che essendo l’album di debutto tutto va un po’ preso con benificio d’inventario, in fondo nessuna delle canzoni spicca veramente sulle altre e non c’è proprio tutta sta grande originalità. Però è proprio qui il punto, “Everything Stops Her Breathe” è un cd di emo classico e piuttosto coinvolgente, quasi insolito nella sua semplicità. Nessuna delle tracce è fuori posto, 33 minuti di emozioni pure che viaggiano tranquille, senza interruzioni. I quattro ragazzi suonano decisamente bene, anche se forse variare un po’ la tonalità della voce avrebbe giovato, ma c’è a chi piace anche così. Lorenzo alla batteria spicca per gli ottimi ritmi che riesce a tenere, senza esagerare nei ricami, così anche Lapo al basso.
Se opportunatamente spronati i MIR potrebbero anche riuscire nell’utopico intento di far conoscere di più l’emo, diventando dei nostrani Sunny Day Real Estate. Sta tutto nel raffinare un po’ lo stile, lasciandosi alle spalle le influenze alla Jimmy Eat World ed entrare nel mondo dell’emo adulto. Saranno pronti per tutto ciò?
Voto: 7
Link correlati:Homepage della band
Gravity Kills – ‘Gravity Kills’
Fino a qualche anno fa l’industriale era qualcosa di totalmente inaccessibile al grande pubblico, musica per gli “addetti ai lavori” che si divertivano a spaccarsi le orecchie con suoni distorti, ritmi serrati e testi infuriati (Ministry e i primi Stabbing Westward su tutti). Ora la situazione è totalmente diversa, e gruppi come Gravity Kills sono una nuova realtà della musica odierna che ha ormai elevato l’industriale a stile apprezzato e conosciuto. Mentre band come Nine Inch Nails hanno cambiato continuamente il loro sound, piegandosi molto raramente alle leggi del mercato, i GK si avvicinano al genere con un approccio decisamente più commerciale. Ma nel loro caso non è stato affatto uno sbaglio, come vedremo in seguito.
Ascoltando la furia di canzoni come Guilty e Blame, vi renderete conto che la potenza del gruppo c’è tutta, così come un suono discretamente pulito e mixato decisamente bene (dal chitarrista della band). Essendo anche un disco non eccessivamente lungo, il Self Titled dei GK si lascia decisamente ascoltare, e ci sono sicuramente le canzoni che vi resteranno nel cuore al primo ascolto (Enough, per esempio).
L’unico vero problema risiede però nella scrittura dei pezzi: i testi suonano decisamente banali e la struttura è troppo classica (strofa-bridge-ritornello, strofa-bridge-ritornello, ecc.) per interessare fino in fondo un pubblico già navigato. Non fraintendete, non è che le canzoni siano banali o non ci sia sperimentazione, anzi sotto questo profilo mi hanno abbastanza colpito. Se consideriamo però che la fortuna di questo gruppo è dovuta a MTV che trasmetteva spesso il video di Guilty anni fa, si capisce facilmente che non sono proprio l’industriale ricercato o estremo che qualcuno vorrebbe. Si lasciano piacevolmente ascoltare e negli album successivi la band riesce a perfezionare il suo stile. Lo consiglio quindi ai neofiti dell’industriale e magari anche agli esperti che vogliono qualcosa di meno “impegnativo” del solito.
Voto: 7
Link correlati:Gravity Kills Page
Cul de Sac ‘Immortality Lessons’
Dopo circa tre anni di silenzio ritorna ad allietare le nostre anime malinconiche una delle realtà più affascinanti dell’attuale scena rock indipendente americana e lo fa con un album che riconferma ancora una volta la grandezza della band di Glenn Jones.
Esce, infatti, in questi giorni per l’americana Strange Attractors Audio House il nuovo lavoro dei Cul de Sac che nuovo in realtà non è.
Immortality Lessons, infatti, è la registrazione di un’esibizione in un piccolo studio di una radio in un pomeriggio del 1999 durante il quale, ogni cosa sembrava andare per il verso sbagliato (com’ebbe a dire lo stesso Glenn).
In realtà, Immortality Lessons congela una performance di rara bellezza, un prezioso documento il cui valore è arricchito dalla presenza di composizioni prima d’ora mai realizzate su disco e di efficaci rielaborazioni di brani già editi.
Insomma, una piccola perla regalataci da un grande gruppo, forse unico nel saper coniugare Kraut Rock, surf music, country-folk americano, psichedelia e chi sa quant’altro.
Etaoin Without Shrdlu apre il disco con giochini di synth che subito dopo lasciano spazio alla melliflua chitarra di Glenn che parte quieta con un limpido arpeggiare, si dischiude in una melodia in perfetto equilibrio tra umori mediorientali e suggestioni “morriconiane” per poi imbizzarrirsi con calde rasoiate psico.
Enhoft Down è un breve parentesi impro-percussiva che senza soluzione di continuità sfuma in quell’incredibile esplosione multicromatica che è Immortality Lessons, brano registrato originariamente con John Fahey per l’album The Epiphany of Glenn Jones (disco assolutamente eccelso) e che alla fine fu omesso e qui compare per la prima volta.
Frozen in Fury on the Roof of the World è un’altra gemma preziosa resa di inestimabile valore da fraseggi di chitarra che toccano vette di assoluto lirismo.
The Dragonfly’s Bright Eye è un’incredibile suite che cita con incredibile coesione atmosfere western, new wave inglese e psichedelia cosmica.
Chiude magistralmente Blues in E, sognante, liquida, undici minuti di puro piacere auditivo che scivolano via senza nemmeno accorgersene.
Tutto l’album, comunque, è di un livello assolutamente eccelso.
Un oggetto prezioso da conservare gelosamente.
Voto: 9
Link correlati:Cul de Sac homepage
The Reputation ‘S.T.’
Una solida reputazione Elizabeth Elmore se l’era già costruita appena ventiduenne con la sua prima band Sarge esplosa ovunque nella stampa musicale made in Usa, dalle pagine del Rolling Stones a Spin finendo addirittura su inchiostri musicalmente atipici come quelli di Playboy (?!). Dopo lo scioglimento dei Sarge nel 1999 e un breve periodo in tour semplicemente come Elizabeth Elmore, l’irruente giovinastra statunitense torna con una band vera e propria, e con un sound carico di energia, dolcezza, eleganza e immediatezza al tempo stesso.
Prodotto da Jay Bennet dei Wilco e con la partecipazione di ospiti illustri quali Fred Erskine dei June of 44 o Josh Berman degli Him, l’omonimo debutto dei The Reputation uscito su Initial Records è una scossa adrenalinica difficilmente anestetizzabile inferta all’odierno panorama indie rock americano. Le dieci tracce del disco, tutte di ottimo livello, evocano una varietà di riferimenti che potrebbero comprendere a tratti i Lemonheads, a tratti le Breeders, così come sonorità attive al di qua dell’atlantico quali Bettie Seervert o dei Gene virati al femminile.
La voce di Elizabeth fa riandare con la mente allo splendido “Palomine” dei già citati Bettie Serveert (tolto uno solo dei veli di tenue malinconia della band di Carol Van Dijk) e dà il meglio di sé nella pianistiche The Uselessness of Friend e la finale Almost Blue Bakeriana. La sua chitarra invece confeziona insieme a quella di Sean Hulet alcune delle migliori power pop songs ascoltate ultimamente come la magnifica Misery by Design o gioielli melodici di grande intensità come la splendida For the Win. Le lyrics e l’abilità di Elizabeth come songwriter sono entrambe spiazzanti nella loro semplicità ed efficacia e l’intero disco è un’iniezione american pop fatta direttamente al cuore. Paura degli aghi?
Voto: 8
Link correlati:Initial Records Page
Egokid ‘Sean Connery vs Man-Uro’
(Autoproduzione 2002)
Fantasmagoria pop, bislacco irresistibile citazionismo e dolci derive lo-fi fluttuano nei cinque brani di “Sean Connery vs Man-Uro” degli Egokid. Cullanti psicho-nenie mid-tempo come la Sean Connery in apertura, chitarristici ricami popedelici come quelli del brano successivo ornati di voce suadente e disincantata al tempo stesso e così via attraverso la liquidità pop-ambientale di Man-Uro contornata da pazzerellona ghost track. Più immediato S/M col suo altalenante refrain, e letteralmente stupenda la finale No Logo No Pogo che evoca degli stralunati Rein Sanction a cui siano stati nascosti amplificatori e corde delle chitarre per poi sommergerli di elettrodisturbi naive e epiteli di cybergattoni.
Il sound degli Egokid non conosce binari, scorrazza tra easy listening deviato, tenue psichedelia di sterolabbiana memoria, fraseggi elettronico-sintetici e linee melodiche oltre il limite della ricercatezza. Terzo lavoro autoprodotto per una band che fa della sua istrionica strumentazione (comprendente casio, voci, tastiere, antenne, varia vox) un punto di forza davvero ben sfruttato. Dovendo citare per forza dei riferimenti per chi soffre di agorafobia sonora, azzarderei i sopramenzionati Stereolab, degli irriconoscibili High Lllamas, dei Broadcast meno lunari. Non avremmo reso neanche il cinquanta per cento dell’insieme, ma basterebbe a sottintendere che la proposta musicale degli Egokid è tra le più interessanti in circolazione al momento e che meriterebbero una visibilità di gran lunga maggiore. Speriamo che tra le indie labels nostrane quella con più neuroni deciderà di dimostrarlo attivando al più presto qualche Ego-sinapsi.
Voto: 9
Link correlati:Egokid Page
Ultimate Fakebook ‘Open up and say awesome’
Il gusto per la melodia, chitarre aggressive ma non troppo, spirito adolescenziale (anche se non lo sono), voglia di divertirsi e di divertire senza troppi intellettualismi, college rock, power pop……..: ecco a voi gli Ultimate Fakebook dell’indipendente Initial Records.
Secondo un’affermazione del leader Bill McShane, la sua aspirazione principale è sempre stata quella di scrivere una memorabile popsong e questo e immediatamente riscontrabile all’ascolto del disco. Canzoni dalla presa immediata, ritornelli facilmente memorizzabili, dove le chitarre e la base ritmica seppur energiche sono in funzione della melodia, senza mai infastidire o creare “inutili” rumorismi.
Originalità è sicuramente un aggettivo inutilizzabile per descrivere gli Ultimate Fakebook, i riferimenti e le somiglianze sono infinite, (Weezer, Red Kross, Posies, Fountains of waine……) ma ciò non grava sulla riuscita del disco, dodici tracce tutte su buoni livelli, dall’iniziale energica Wrestling leap year, alla bellissima Forever Forever, potenziale singolo dalla melodia accattivante, così come la conclusiva Popscotch party rock.
Non ci sono cadute di tono tra le dodici tracce del lavoro, che scorrono divertendo come un “college film” alla American Pie (non è un insulto), di cui potrebbero essere colonna sonora ideale.
Voto: 7
Link correlati:Ultimate on line
Micronanze Roma
26 – 04 – 02
SALA CLUB
FENNESZ
OPIATE
ALVA NOTO
FENNESZ / OPIATE / ALVA NOTO
Glitch music: il suono dell’errore digitale.
Un’area di sensibilità musicale.
Una questione di qualità.
Le ricette sono molteplici, facili le convergenze quanto evidenti le differenze.
In questo caso Alva Noto e Opiate hanno già collaborato tra loro e attendiamo con curiosità il finale previsto anche assieme a Fennesz
Ad iniziare è Fennesz, dall’Austria, che elabora un pastiche di ondate melodiche composte di armonici, qualche synth, chitarre acustiche, sepolte da altre ondate di rumori, cascate di glitches. E’ un rapporto vicendevole, costantemente una parte lascia spazio all’altra. Nei momenti di pausa, dove è più semplice scorgere l’elemento melodico, d’improvviso ci si ritrova investiti dal rumore che si modula e si fonde al resto. A volte sfugge forse un poco una definizione maggiore di questo rapporto, come se i due elementi volessero mantenersi su due strade parallele.
Il pubblico, seduto a terra, ascolta, senza trovare un appiglio che lo possa condurre al movimento: non è questa la serata adatta, non è questa musica adatta al ballo.
Si diceva prima: è una questione di sensibilità. E’ necessario essere disposti all’ascolto, avere la voglia di comprendere il suono fastidioso di cui si compone l’intera serata.
Di certo più diretta la proposta di Opiate, che lascia spazio alla sua sensibilità melodica, e la lascia andare, la fa evolvere, decollare, ma anche renderla più piccola, ricondurla al sibilo da cui è partito. Ricorda a tratti gli Autechre in questo ma con un fare più intimo. Discreto fa rotolare il glitch fino a renderlo un tempo definito che sorregge il resto dell’impianto. La sua musica si compone di passaggi vocali (altrui) che spezzetta, incolla, sottolinea con un battere mai troppo invadente, ben levigato, pulito e gentile. Da dietro i laptops lavora con aria serena e compiaciuta, con tranquillità non smuove neanche lui gli occhi dai monitors per regalare un cenno a chi è rimasto a sentirlo.
Quando si ferma arriva il vocio dal fondo della sala.
Arriva Alva Noto (Carsten Nicolai), probabilmente una delle personalità di punta della scena, se così si vuole definirla.
La sua esibizione parte con un notevole ritardo, dovuto ad un problema tecnico, che priverà il suo spettacolo dell’elemento visuale. Con l’amaro in bocca inizia ad allineare i suoi suoni che sembrano avere un marchio di fabbrica, il suo nome stampato sopra. Fa abbassare le luci in sala, e il monitor illumina e restituisce a noi il viso concentrato di chi è completamente partecipe, parte integrante della sua musica. I suoi suoni sono qualcosa di freddo, glaciale. Glitches e modulazioni di frequenza che riempiono lo stomaco e le orecchie dal sapore assolutamente digitale. Al buio scorgiamo un uomo ricurvo sullo spettro d’onda del suono, che lo rende profondo ed altissimo. Comunica qualcosa di triste e fiero: dopo aver preso un poco i giri, inizia qualcosa di martellante,teso. Composizioni che si chiudono su loro stesse per poi riaprirsi e manifestarsi con ferma determinazione. Nel DNA di questi suoni c’è l’elemento industrial, e mai mi è capitato di scorgerlo così chiaramente. E di certo industrial in questo momento ha anche l’incedere scuro e implacabile. Da ‘Prototypes’ (Mille Plateaux, 2000) a ‘Transform’ (Mille Plateaux, 2001) avevo notato una evoluzione non tanto nei suoni, sempre inconfondibili, quanto nel battere delle composizione. Un andamento più deciso. Ma in questa occasione sembra di ascoltare martelli che battono e si fermano solo per ripartire ed esaltarsi di più. I bassi, profondissimi, sono il suono dell’alta tensione, elettricità, e riempiono chi ha deciso di fermarsi ad ascoltare. E lo lasciano prima libero di battere il piede, poi anche di abbandonarsi al ritmo che è un vortice in cui anche Alva Noto si lascia cadere. Assistiamo, catturati da una sensazione che non è abbandono, nè malinconia. Piuttosto qualcosa di simile alla disperazione. Una disperazione che si trasforma in rumore, che nasce dal computer, che prende le sembianze di qualcosa di certamente, assolutamente vivo. Emozionante.
Alla fine viene raggiunto dagli altri ed inizia l’esibizione congiunta: una manifestazione di forza. Le aggressioni rumorose di Fennesz si condiscono della propensione di Opiate alla melodia. Ed Alva Noto da qualche parte a mettere ordine. Ma poi si orientano, improvvisando probabilmente, verso un oltranzismo assordante, e aumentano il peso con un magma che ribolle e si espande, il volume è alto e bisogna abbassarlo un po’. Ma così non c’è più tanto gusto: tutti a casa.
Akoros@hotmail.com
Jegel@libero.it
Autori Hegel & Jegel
Stewart Walker ‘Reclamation: 1997-1999’
Entriamo nei territori della techno più minimale con questo stupendo pacchetto di inediti e novità dal produttore texano Stewart Walker, gia apprezzato per suoi lavori in tre fra le etichette più importanti nel settore: Tresor, Force Inc. e Minus. Adesso ci prova la neonata Persona a fare il punto sulla musica di Walker andando a ripescare materiale semisconosciuto dal suo passato più prossimo ma anche proponendo ben 4 tracce nuove. Il risultato è una techno per lo più d’atmosfera informata qua e la da odori electro; musica per viaggiare con la mente ma anche per utilizzi più di superficie. Lo zampino di Jake Mandell assicura una produzione al passo di quelle più “avant” del genere: la cassa è quasi sempre sui quarti, i suoni sono generalmente in bassa frequenza ed i bassi sono profondi e pulsanti. Quello che vi aspetta è un viaggio itinerante che parte dalle influenze detroitiane più seminali e arriva diritto a Berlino. Ipnotico e meditativo allo stesso tempo. Non perdetevi il biglietto.
Voto: 8
Link correlati:Stewar Walker
AA.VV. ‘Personal Settings ‘
La benemerita etichetta belga Quatermass in questa nuova serie denominata Personal Settings crea uno spazio di circa quindici minuti per artista in cui esprimere umori. Questa volta ne approfittano in tre: Mark Nelson, Frank Bretschneider e Joe Kingman, rispettivamente Pan American, Komet e Fisherofgold. Sopra le parti l’ottimo Mark Nelson e il suo progetto Pan American, i suoi due techno dub lo confermano quel fuoriclasse che è. A seguire, la destrutturazioni sonore di Frank Bretschneider nelle vesti di Komet, i suoi “clicks” però denotano scarsezza di idee rispetto al solito e non convincono a pieno. Più a tono l’unica prova dell’esordiente Fisherofgold, un ambient fatta di pulsazioni dilatate con melodie e disturbi dall’andamento irregolare che si placano in un ipnotico fraseggio di chitarra acustica. Per chi non ha già avuto il piacere dell’ascolto, un altro disco da non perdere.
Voto: 7
Link correlati:Quatermass
The Chills ‘Secret Box ‘The Chills’ rarities 1980-2000’
Sin dagli anni Ottanta la Nuova Zelanda ha rappresentato una fucina inesauribile di talenti cantautorali e di band semplicemente travolgenti che, con alle spalle una vera e propria istituzione quale la Flying Nun Records, hanno in breve tempo ritagliato il proprio spazio e si sono imposti nell’ambito del panorama “pop” mondiale. Per fare qualche nome, si possono ricordare The Bats, Robert Scott, The Clean, Bird Nest Roys, Bailter Space, Headless Chickens, The Verlaines, Sneaky Feelings, Tall Dwarfs, Chris Knox, The Magick Heads, Straitjacket Fits, Pop Art Toasters, Martin Phillipps e The Chills.
Ed è proprio di Martin Phillipps (a modesto e sindacabilissimo avviso di chi scrive, il più grande cantautore, insieme con Grant McLennan dei Go-Betweens, che sia comparso nell’emisfero australe da vent’anni a questa parte) e dei suoi Chills che ci si vuole occupare qui, per segnalare una pubblicazione di assoluto rilievo, non solo per tutti i seguaci dei Nostri ma anche, più in generale, per gli appassionati di tutta la scena neozelandese e della sua storia.
Trattasi di un monumentale box set con tre cd contenenti complessivamente oltre tre ore e mezza di musica, registrata dai Chills tra gli inizi degli anni Ottanta e la fine degli anni Novanta e che prima d’ora non aveva mai visto la luce oppure era stata assai difficilmente e solo per breve tempo reperibile. La raccolta permette quindi di scoprire il lato meno consciuto, se non proprio del tutto sconosciuto, di quell’esempio luminoso e, ahinoi, largamente sottovalutato di pop raffinato, intelligente e poetico che risponde al binomio Martin Phillipps/The Chills, coprendo l’intera carriera della band, dagli esordi al culmine della loro notorietà, raggiunto con il superbo “Submarine Bells” del 1990 e le gemme “Heavenly pop hit” e “Part past, part fiction”, dal declino seguìto allo sfortunatissimo tour in supporto dell’ottimo ma troppo presto dimenticato “Soft Bomb “ del 1992, fino alla resurrezione con il grande “Sunburnt” del 1996.
Nei primi due cd è contenuto materiale inedito, soprattutto dal vivo, registrato tanto in concerto che durante radio sessions.
Nel primo trattasi essenzialmente di registrazioni live di diversa qualità (ma comunque mai scadente), risalenti all’epoca dei primi ep (poi raccolti in “Kaleidoscope world”). Il suono è ruvido e spigoloso, ricco di contaminazioni psichedeliche, e la derivazione post-punk appare chiara, ma si fa più ambiziosamente levigato e melodico a partire dalla seconda metà degli anni Ottanta, allorchè fa la sua comparsa il primo album vero e proprio, “Brave words”. Di questo periodo sono le radio sessions che compaiono nel secondo cd.
Outtakes (quattro dalle sessions di “Submarine bells” e un paio da quelle di “Soft bomb”), covers (Draft morning dei Byrds e Tropical loveland degli Abba), b-sides e partecipazioni a compilations (si segnalano, in particolare, due collaborazioni: A message to pretty con David Kilgour, altra personalità di spicco del pop neozelandese, e Big dark days con Peter Holsapple) costituiscono invece il contenuto del terzo cd.
Il box set è stato interamente prodotto e viene distribuito, ad un prezzo peraltro più che accessibile, dal gruppo stesso attraverso il proprio sito ufficiale. E’ disponibile già da qualche tempo, ma in edizione limitata, le copie rimaste non sono molte e una ristampa non pare essere in programma, quantomeno entro breve. Approfittatene fino a che siete in tempo. E’ un’occasione più unica che rara per rileggere, seguendo un percorso diverso da quello fino ad ora ufficiale, la trama di una vera e propria leggenda sotterranea del pop degli ultimi due decenni. In attesa, naturalmente, che la saga continui.
Voto: 9
Link correlati:The Chills
Autore: acrestani@telemar.it