Intervista al compositore Paolo Tarsi.
13/06/2016:Paolo Tarsi è un giovane musicista sperimentale marchigiano conosciuto per fortunose vie traverse, grazie all’interessamento del negozionante “procacciatore di dischi di fiducia” della mia città. L’ascolto dell’album, un lucido viaggio che rimanda a “suoni e visioni altri”, di seguito l’idea dell’intervista. Due passaggi conseguenti: domande e risposte, ulteriori spunti alla conoscenza dell’arte e del pensiero di Paolo Tarsi, aggiungeteci anche la musica e completate l’opera.
1. Quali sono le tue origini come musicista? In particolare come è nata l’idea di suonare il pianoforte? Perché hai scelto questo strumento?
In famiglia si respirava aria di musica, è stato naturale avvicinarsi al mondo dei suoni fin da bambino. La scelta è ricaduta sul pianoforte perché è lo strumento che ritenevo più completo e su cui ho iniziato presto a scrivere quasi per gioco, anche se molto seriamente, le mie prime note.
2. Come nascono i tuoi brani? A chi ti ispiri quando componi? Quali sono i tuoi “cattivi maestri”?
Parafrasando Tullio Pericoli, secondo cui “la pittura è sempre fatta di altra pittura”, mi verrebbe da dirti che anche la musica è sempre fatta di altra musica. Per questo, anche se i miei punti di riferimento sono innumerevoli e molto differenti tra loro, si tratta sempre di un rubare senza imitare. Del resto, come insegnava Italo Calvino, nei confronti di un grande autore a cui ci si sente particolarmente vicini bisognerebbe praticare la forma più violenta del rubare: il furto con scasso. Ma, cosa ancor più importante, ho cercato di fare tesoro delle mie esperienze passate riproponendomi di non registrare nulla finché non avessi avuto ben chiaro in mente un percorso da condividere con gli ascoltatori. Credo di aver mantenuto questa promessa.
3. Parlami della tua esperienza con il compositore premio Oscar Luis Bacalov.
Ci siamo incontrati quando stavo ultimando le musiche di “Furniture Music for New Primitives” che grazie anche a lui ho concepito quasi come una colonna sonora per un film immaginario, nello specifico sulla struttura del romanzo “Le città della notte rossa” di William S. Burroughs. E forse non è un caso se alcuni di questi brani, che si legano molto bene alle immagini, in seguito sono stati scelti per accompagnare un breve documentario dedicato all’artista Loreno Sguanci.
4. Il tuo album ‘Furniture Music for New Primitives’ è uscito per la Cramps, etichetta storica che fin dagli esordi si è dedicata a promuovere la musica di ricerca. Come è nata questa produzione?
In maniera del tutto inaspettata. Semplicemente prima di un nostro concerto, quando avevamo già terminato le registrazioni del disco, Paolo Tofani mi suggerì di proporlo alla Cramps per la collana POPtraits Contemporary Music Collection.
5. Nell’album sono presenti tantissimi ospiti da Paolo Tofani, da te citato nella precedente risposta, a Enrico Gabrielli. Come hai scelto i musicisti per il tuo album?
Avevo avuto modo di conoscere Enrico in Trovarobato, lo colpì un mio brano e mi chiese di scriverne uno per lui e Sebastiano De Gennaro. Averli entrambi in questo disco è stato veramente un bel regalo, è per loro che ho scritto Cluster #2. Lo stesso è accaduto con Paolo, dopo esserci conosciuti è stato spontaneo fare musica insieme. Ad ogni modo ci tengo a precisare che tutte le collaborazioni di questo progetto sono state per me molto significative, ritengo la scelta stessa dei musicisti con cui lavorare un elemento fondamentale del comporre, proprio come un regista sceglie i suoi attori.
6. Hai avuto moltissime critiche positive dalla stampa specializzata. Come hai reagito alle recensioni?
I critici svolgono un ruolo importante e delicato, selezionare tra la moltitudine delle uscite le proposte da valorizzare, suggerendone l’ascolto anche a chi non segue particolarmente da vicino il mondo della musica. Sono felice che questo progetto sia stato accolto positivamente, l’ho pensato senza avere la falsa pretesa di rivolgermi a tutti ma sapendo al tempo stesso di poter dialogare con un pubblico che va ben al di là del mondo ristretto dei soli addetti ai lavori.
7. Con chi vorresti collaborare in futuro?
In realtà mi piacerebbe registrare dei brani in completa – o quasi – solitudine, proprio come Lenny Kravitz, Phil Collins o il compianto Prince. In attesa di quel giorno, che vedo ancora lontano, sono alla ricerca continua di musicisti a cui affidare l’esecuzione della mia musica. Nel mentre può anche capitare di essere chiamati per lavorare con artisti che hai sempre amato e di cui ti scopri improvvisamente collega. È così che mi sono ritrovato a scrivere per Miro Sassolini (Diaframma) insieme a Gianni Maroccolo (Litfiba, CSI) un brano dal titolo L’attesa del canto su un bellissimo testo della poetessa Monica Matticoli.
8. Come vedi la scena musicale italiana?
Nel sottobosco prendono forma cose molto stimolanti, per il resto mi sembra si tratti di patina e streaming, proprio come la politica della nostra epoca.
9. La classica domanda finale a cui non ci si può esimere: come vedi il tuo futuro, musica, organizzazione di eventi, tutto il resto?
La percentuale di dischi messa sul mercato di cui non si sente la necessità continua ad essere molto alta, per questo se scoprirò di non avere più nulla da dire sceglierò il silenzio. Per quanto riguarda l’organizzazione di eventi è qualcosa in cui mi sono speso molto, ma è indispensabile un interplay leale con chi amministra i territori. Anche per questo è necessario sentirsi rappresentati da una classe politica che abbia come minimo una visione, una prospettiva in grado di proiettarci nel futuro. Ma non vorrei generalizzare, mi riferisco a una città ben precisa che in un solo anno ha perduto lo slancio culturale verso cui si era felicemente avviata nelle stagioni precedenti. Speriamo si possa voltare in fretta questa pagina triste che proietta ombre scure sulla Spiaggia di Velluto.
Link:
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1. Come è nata la parola solchi sperimentali? Da qui, come è nato il libro ‘Solchi sperimentali’? Come una matrioska: come è nato il libro ‘Solchi Sperimentali Italia’?
4. Nel libro ci sono tantissime interviste, 170 per la precisione. C’è stato qualcuno che non ha voluto essere intervistato o che non hai potuto intervistare?
(In the picture P.K.14) The idea began with my interview of the band Handsome Furs. They has just gotten back from a long tour in Asia, and it left a huge impression on them. After so much gushing about China, I decided to dig around a bit. It was then I found Josh Feola’s website 
(In the picture P.K.14)Intense, amazing, and eye-opening. It was my first time out of the country, and I was going it alone. I knew Chinese hospitality was nice, but damn, was it ever. People were so helpful, from the old men who’d help me buy my first few train tickets, people offering directions, beer, cigarettes. Someone told me before I left that “everyone speaks English” and that could not be further from the truth. It was difficult at time, but that’s what made for the best moments. The Chinese rock and roll scene is much more diverse than I ever imagined. Even the smaller scenes like Chengdu, Changsha. So much creativity. It was amazing.
(In the picture the Hiperson) When I rolled into Chengdu for the final P.K.14 show before I went to Beijing, my computer died. The nice front desk girl at the hostel brought me to her computer guy after her shift, in one of those huge maniacal computer malls. Her guy hit the power button, and it turned on. I thought that was that, but when I got to the venue shortly before the first time I saw Hiperson, it was again, lifeless. I needed my computer to transfer footage, so I was visibly upset. A random guy came over, and I told him the story. Don’t worry about it, he said. He’d bring me to his computer guy in the morning. In the mean-time, he invited me to his table and got me drunk. I awoke to a text from him asking where I was. He ended up picking me up in this expensive black Audi, blasting Chinese death metal. We again went into a giant computer mall, but into a back room this time. The kid fixed it for $90. Quite the day.
(In the picture the Stolen) I do. A lot has happened even since the filming of this first episode. China’s government has been making it very, very difficult on touring bands lately. The Boys, and many others, have had entire tours cancelled at the last minute. Watching from afar, it seems like a very difficult time, but this has happened on and off since there has been shows. DIDERS, a band featured in the film, have a new lineup. Josh Feola is now the drummer of SUBS! XP Club, a haven loved by everyone in the Beijing scene, will close by the time this interview goes live. Scenes shift, morph, grow, and break apart. That’s a main reason I am doing this project. Aside from capturing these moments, freezing them in time, it also captures sound, and contacts to remain live for the ages. I will constantly update the website to reflect the change. Scenes around the world change constantly, that’s what makes it all so exciting. Really, I’m happy a small slice of what’s going on in China can now be digested a little more thoroughly outside of China.
(In the picture the Hedgehog) (This is mostly fielded above, for Episode 1/2/3/4.) As for Europe, I would love to come. I have already reached out to Uzeda and Bellini, who you may know, about my wish to tour with them some day in the next year or two. Kids in Serbia have reached out already, and they say I should come and visit. I am excited to take the project out of Asia for the next episode, but it will be a while before the new episodes are all release. When I am ready for the next episode, I will gauge whoever is the most excited, and go from there. Thanks so much for the opportunity to tell my story.
Ogni pubblicazione ha una sua gestazione. In realtà non sempre c’è una vera e propria pianificazione del lavoro in termini di formato.
Con alti e bassi. Dalle nostre parti ad esempio ci sono piccoli club di qualità (penso soprattutto al “Dong”) e diversi appassionati che si spendono per stimolare un ambiente sempre più di nicchia, scrivendo su riviste/webzine alternative, facendo ottimi dj-set, conducendo programmi radiofonici coraggiosi (LupOnAir) o organizzando eventi e manifestazioni interessanti come il Festival delle etichette indipendenti OnlyFuckingLabels.
Artetetra è nata dal bisogno di trovare un’identità alle attività che facevamo personalmente, come l’organizzazione di piccoli concerti o la preparazione di compilation di artisti locali. A questo bisogno si era aggiunto l’interesse per le produzioni in cassetta e quindi, alimentati dall’entusiamo di Manuel Kopf (A.K.A. Manuel Coccia A.K.A. moraljetlag): noisemaker dei KMfromMYills e bassista degli Shell collector (mentore del collettivo e vero nostalgico del nastro magnetico), abbiamo deciso di dar vita a queste micro produzioni in audiocassetta. Anche se io e Matteo ci occupiamo della maggior parte degli aspetti: dalla scelta delle produzioni alla promozione, gestione ed eventuale organizzazione degli eventi consideriamo Manuel parte integrante dell’etichetta visto che si occupa di alcuni degli aspetti più tecnici ma, in fondo, più importanti delle produzioni come il mastering, il missaggio dei nastri e la cura dei suoni e delle registrazioni delle cassette e di molti dei nostri brani (L’intero ‘Papalagi’ di fresca uscita è stato registrato al Plaster recording studio di Potenza Picena di cui Manuel è co-fondatore). Ad oggi sono uscite due compilation, una sonorizzazione in VHS e l’ep ‘Papalagi’ dei Babau e a breve usciranno altre produzioni tra cui una serie di split di progetti ancora poco noti alla scena underground ma di ottima qualità. Si tratta comunque di investire delle energie in progetti in cui crediamo molto ma che, al contempo, non appartengono ancora alla scena musicale italiana. Pensiamo comunque che l’etichetta sia nata per mantenere saldo un rapporto di amicizia che andrebbe un pò a ridursi vista la nostra lontananza: Luigi da poco si è trasferito a Berlino e sta tentando di entrare all’università, quindi Artetetra è più un motivo per sentirci quotidianamente per coltivare un progetto che ci entusiasma e ci accomuna.
Per ciò che concerne i modelli, non è facile ritrovare dei nomi specifici. Ci hanno ispirato un pò tutte quelle etichette che hanno trovato dei modi abbastanza umani e creativi per produrre i progetti di cui avevano stima. Probabilmente le prime vere etichette che ci hanno colpito, ad ogni modo, per le loro scelte stilistiche ed estetiche potrebbero essere ritrovate in Not Not Fun, Sun Ark, Beer on the Rug, Stones Throw ma anche progetti più etnomusicologici come Sublime Frequencies, Analog Africa ed Awesome tapes from Africa.
Siamo alle prime esperienze per quanto riguarda la produzione, quindi stiamo cercando di ingranare e vedere come va il tutto. Rimane pur sempre una passione e non un lavoro. La scelta di produrre un progetto è dettata principalmente dal valore che rappresenta per noi il progetto stesso: se una cosa ci piace si fa volentieri senza favori o secondi fini, se non ci piace viene scartata semplicemente in base a delle scelte che sono tanto soggettive quanto sentite. In ogni caso cerchiamo di non agire in base a delle scelte preimpostate che ignorino totalmente delle circostanze ogni volta diverse. Crediamo che in queste cose la flessibilità non sia il contrario di serietà ma suo sinonimo.
Dobbiamo sparare alto o tenerci nell’ambito della realtà? (Risate!!!) Per quanto riguarda l’ambito della realtà pensiamo che ci piacerebbe lavorare con progetti di ordine leggermente meno “sperimentale” per favorire un approccio più etnico e psichedelico. Cerchiamo comunque di non inseguire un hype (pur sapendo che rimanere completamente fuori da una tendenza è quasi impossibile) o di produrre il classico progetto ambient del tipo che fa forza sul nome ottenuto in altri progetti. Non ci interessa e non ricevendo alcun soldo da questa attività ci è abbastanza facile fare quello che ci piace e essere chiamati a collaborare solo a gente a cui piacciamo. Per quanto riguarda l’ambito della fantasia e dell’utopia pensiamo che i già citati Not Not Fun e Sun Ark siano abbastanza eloquenti.
Giacomo: RareNoise nasce dall’incontro con Eraldo Bernocchi. Nel 2007 stavo facendo ricerca per un documentario che sarebbe stato incentrato sulle figure di Bill Laswell, Eraldo Bernocchi ed Otomo Yoshihide. In quest’ottica mi misi in contatto su MySpace con Eraldo – da un primo scambio espistolare e successive incontri di persona emerse la volontà di creare una piattaforma per sviluppare / proporre idee musicali condivise (RareNoise) e di collaborare ad alcuni progetti (Black Engine al Brancaleone nell’aprile del 2008 e Liquid Light a Genova a giugno dello stesso anno).
Eraldo: tutti, mi sa che abbiamo un filtro che esclude automaticamente la gente che alla fine ci starebbe sulle balle… tendono ad andarsene da soli.
Giacomo: Il prosciugamento del fatturato discografico non e’ stato compensato adeguatamente con il fatturato live. Momento quindi difficile, di transizione (e per questo molto interessante).
Come ogni percorso anche quello di Yerevan Tapes si è sviluppato sulle nostre storie personali, ha toccato gli studi che abbiamo fatto, gli interessi – individuali o condivisi – e di certo il rapporto tra me e Andrea. È iniziato tutto alcune primavere fa, principalmente per dare una dimensione fisica ad una passione comune. Da lì abbiamo pensato ad un ampio collettore simbolico e iconografico che potesse contenere l’immaginario sonoro che avremmo voluto supportare. Per quanto riguarda ispirazioni e modelli, essendo cresciuti entrambi in mezzo ai dischi, ne abbiamo avuti parecchi. Oltre alle etichette nostrane di amici e conoscenti con cui ci siamo sempre confrontati, tra quelle oltreconfine una label a cui in quel periodo guardavamo con interesse è stata la californiana 100% Silk di Amanda Brown (già in formazione con LA Vampires e Pocahaunted, nonché metà della Not Not Fun Records), vuoi per la scelta di seguire una collana, vuoi, in un secondo momento, per l’utilizzo di discobags.
Sicuramente è una risposta trita e ritrita, ma molto probabilmente la più sincera: non è semplice indicare un lavoro su altri quando ogni singola collaborazione è stata fortemente voluta. Mettiamola in questi termini: un’etichetta piccola come la nostra, che di certo è lontana anni luce da un’ottica di profitto, può, come scrivevo prima, concedersi il lusso di scegliere per passione gli artisti con cui collaborare. Va da sé che per noi ognuno dei lavori pubblicati (dai 10 minuti su cassetta ad un 12” più articolato) contiene in sé la stessa completezza e rilevanza del precedente e del successivo.
Proprio in questi periodo abbiamo pubblicato su nastro il primo lavoro di Psalm’n’Locker, progetto del torinese Luca Garino che in questo frangente si è cimentato con organetti ad aria componendo musiche per la Dreamachine di Brion Gysin. Oltre a questo abbiamo in programma per i mesi successivi altre due interessanti cassette, di cui a brevissimo annunceremo maggiori dettagli. Ultimo ma non ultimo, sempre come Yerevan Tapes stiamo organizzando insieme al collettivo Alivelab una serie di serate a Bologna sotto il nome Ombre Lunghe attraverso cui cercheremo di portare sotto le Due Torri alcune delle derive prese dall’attuale musica elettronica.
Il Lungo Addio (titolo di un romanzo di Chandler a mio avviso molto evocatico) è nato nel 2010 quando ho cominciato a scrivere alcune canzoni rivolte alla costa adriatica (nella fattispecie riferite alla zona romagnola compresa tra i lidi nord e Rimini). Ho passato parecchi anni da quelle parti (specie d’inverno) e ho conosciuto la solitudine, il freddo e l’abbandono di una costa “a riposo” dal turbine vacanziero del turismo estivo. E’ una porzione della regione ferita e oscura, fatta di colonie abbandonate, hotel e ristoranti chiusi o vuoti, prostituzione, criminalità. Non trovai ne trovo tuttora la magia descritta nei film da Fellini ma più quella malinconia e desolazione delle poesie di Benzoni. Dal 2010 la mia missione (un disco all’anno) è quella di raccontare di morte e amore, di fini ed inizi, ambientando le mie storie di miseria umana proprio tra quelle lande, in paesi e paeselli come Lido di Savio, Pinarella, Cesenatico, Valverde, ecc…
Per parlare di Tarzan dovremmo essere in due. Io e l’amico Andrea Dolcino, milanese, ideatore di IndieHub (primo coworking musicale in Europa) cofondatore con me di questa interessante etichetta nata nel 2011 per volere di entrambi. L’idea naque per mantenere un rapporto di amicizia/lavoro all’alba del mio trasferimento a Parigi. Un punto in comune per poterci sentire tutti i giorni, con entusiasmo, e lavorare su qualche cosa che ci accomunasse a pieno. La musica. L’idea del vinile è stata chiara sin da subito. Ormai a cosa servono le etichette? Esiste ancora questo concetto? Ne compaiono cinque nuove ogni anno e i dischi invece non se li compra più nessuno. Allora ecco l’idea semplice. Un disco all’anno, un solo artista per disco, poche copie, vinile.
Davide: siamo tutti abbastanza scafati. Io ed Alessandro (chitarre) suoniamo assieme da più di dieci anni, e siamo attivi anche nei The death of Anna Karina. Enrico oltre che musicista (prima suonava nei Nickerhill Orchestra) è anche un fonico live ed un tecnico del suono. Riccardo insegna batteria e contribuisce a svariati progetti musicali.
Enrico: personalmente ascolto molta musica avvalendomi di vari formati, cd, free download, streaming etc…
Davide: la qualità dei live proposti mediamente nel nostro circuito di riferimento (locali di piccole-medie dimensioni orientati verso una programmazione rock, metal ed indie) è andata progressivamente aumentando nel corso di questi ultimi anni. In generale i gruppi si propongono dotati di ottima strumentazione e con una buona capacità di tenere il palco. Ora come ora ci sono band che sono tranquillamente in grado di sostenere il confronto anche poste a contatto con scenari tradizionalmente più agguerriti del nostro.