Appuntamento numero 11, della serie di interviste a direttori artistici di Festival che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo.
Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ottava: Luca Benni, direttore artistico del Festival Italian Party, Montone (PG) (qui). Nona: Crew di Holydays Festival, Scopoli (PG) (qui). Decima: Erik Honoré di Punkt Festival, Norvegia (qui)
Oggi ritorno “virtualmente” in Italia, a Bologna per intervistare Marco Ligurgo direttore artistico del ROBOT Festival. Ho scoperto il festival navigando nella rete, mi ha subito interessato per la proposta e per l’approccio alla musica, tra sperimentale, contemporanea, e ho subito pensato ad una possibile intervista per Kathodik. Grazie a Marco Ligurgo ho potuto conoscere la storia, il presente e il futuro del ROBOT Festival.
Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del ROBOT Festival?
L’idea di fare un Festival è nata nel 2007 da un gruppo di amici, dj e organizzatori di eventi, che dopo aver creato una associazione culturale, la SHAPE, ed avere per anni gestito serate nei club, KIndergarten, Link, sentivano l’esigenza di creare qualcosa che andasse oltre il club ed il dancefloor, qualcosa che portasse la musica in luoghi non convenzionali e che assomigliasse ai grandi festival europei di musica elettronica come il Sonar di Barcellona. La possibilità di entrare a Palazzo Re Enzo diede il là per il progetto.
Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?
L’organizzazione del Festival è ancora in toto in mano alla Shape ed al suo direttivo che si avvale della collaborazione di consulenti fissi e collaboratori storici e nuovi. Tra tutte le aree coinvolte direi che ci lavorano un centinaio di persone di cui una decina di volontari.
Secondary-Landscape-Space Afrika 2026 -Timon Benson-Alexander Luc-Omar Afridi
Quando iniziate a pensare al cartellone del festival?
Sul Festival ci lavoriamo tutto l’anno tra preparazione della nuova edizione e chiusura della vecchia. Il cartellone entra nel vivo a Gennaio per cui circa 9/10 mesi prima.
Actress
Veniamo a questa edizione: il significato di ?Syntax Error?
Il tema di quest’anno nasce dalla sensazione di smarrimento che avviene ad un certo punto del percorso di ognuno di noi, quella paura di non essere più in grado di codificare tutto e di saper leggere il presente, nonostante, da ogni parte, arrivi un continuo bombardamento di informazioni, verità, letture del presente.
Dovremmo avere una risposta a tutto e in realtà non ci ritroviamo più con noi stessi e con chi ci circonda, ed allora lanciamo una grande allert: ?Syntax Error, il famoso errore di sistema che lanciava il Commodore 64 negli anni ‘80, STOP, PAUSA, necessità di tempo, non vogliamo sapere tutto, non vogliamo capire tutto, in questo momento non vogliamo. Forse è bello così, forse no ma in una società sempre più accelerata e piena di informazioni chiediamoci dove stiamo andando e cosa realmente vogliamo, se il modello è giusto o è sbagliato, fermiamoci, mettiamoci off (line) e ammettiamo l’errore di sistema, potrebbe essere liberatorio o forse solo una pausa… come in un concerto al buio degli Autechre.
Autechre – Bafic – 2020
Come è stata effettuata la selezione degli artisti e artiste?
La selezione è tutta in mano a me che sono il direttore artistico del Festival fin dalla prima edizione. E’ ovvio che mi avvalgo di tante antenne, amici, colleghi, agenti e che, soprattutto, vado a tantissimi concerti, eventi, festival in Italia e in giro per il mondo. La musica è sempre stato l’elemento centrale della mia vita, fare ricerca è per me necessario.
Il cast di artisti/e è frutto di questa ricerca, di artisti locali o internazionali, di gusti consolidati o di nuove gemme, di performance dal vivo, di grandi artisti e nuove storie da raccontare anche guardando ai luoghi che il Festival toccherà quest’anno.
KDJ – by +JEREMYDEPUTAT
Su quali generi musicali vi siete orientati?
Il Robot da sempre parla il linguaggio della musica elettronica nella sua globalità, da quella più sperimentale e di ascolto a quella più dance oriented o avantgarde. Sono questi i confini di ogni edizione, l’ecosistema della musica elettronica quella che c’è sempre stata e che sempre ci sarà senza seguire le mode del momento.
Marta Salogni – Stefano Pilia
Ponendovi dalla parte dell’ascoltatore-spettatore spettacoli imprescindibili di questa edizione?
Posto che io amo ogni artista che scelgo: il concerto degli Autechre all’Estragon, Kevin Richard Martin al parco archeologico etrusco Kainua, Lawrence English e Aho ssan ai Bastardini, Space Afrika, Actress, Boys Noize e Moodymann al Dumbo.
MACE – Credits by Siermond
Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni del ROBOT Festival più caratterizzanti e con un maggior riscontro di pubblico?
Il ROBOT ha avuto un doppio percorso: il primo, di otto anni, culminato nelle edizioni 07 e 08 in fiera dove inevitabilmente abbiamo raggiunto il massimo riscontro di pubblico e popolarità con oltre 25000 presenze; il secondo, quello della maturità con un modello diffuso nella città, fatto di tante piccole venue, sul modello di altri festival europei, con una costante presenza di pubblico e con maggiore capacità di sperimentazione. A mio modo di vedere tutte e 17 le edizioni sono state caratterizzanti anche se con modelli diversi.
Marina Herlop – Credits Silvio Deiaco, Danilo Gambara, Christian Kondić
Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival?
Edoardo Frati di Digital Paths: I social, insieme al sito web, rappresentano il contenitore principale di racconto del festival, dalla promozione pre-evento al suo racconto post. I social su cui siamo più attivi sono indubbiamente Instagram e Facebook, corredati da Telegram e YouTube. Riteniamo siano ormai strumenti indispensabili per aiutare a far conoscere il festival.
Carla Dal Forno
Come viene recepito il Festival dalla Regione Emilia? Siete radicati sul territorio?
Il Festival è supportato dalla Regione e siamo sicuramente un punto di riferimento sul territorio, abbiamo lanciato tanti artisti locali e siamo sicuramente il Festival più longevo di musica elettronica in regione. Oggi però essere riferimento di un territorio è differente rispetto a quando siamo partiti, il mondo è sempre più globalizzato e non sempre la distanza territoriale può essere un vantaggio o riferimento.
Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali?
Assolutamente sì, essendo nati nel 2007, siamo stati pionieri in questo, abbiamo fatto Festival quando ancora non erano diffusi. Abbiamo fondato una rete IMF, che racchiudeva una serie di Festival amici e pionieristici come noi, alcuni ancora attivi come Jazzrefound, Spring Attitude Jazzrefound, Spring Attitude e Dancity. La rete IMF esiste ancora e si è allargata. Come Festival siamo anche nella rete Keepon e collaboriamo con altri Festival amici.
Dal presente al futuro prossimo venturo: mentre vi preparate ad accogliere il pubblico per ?Syntax Error, state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?
Si ragiona sempre sul futuro per cui si.
Link: ROBOT Festival Home Page
Link: ROBOT Festival Facebook Page
Link: ROBOT Festival Instagram Profile
Giovanni Nardiello ‘Perspectives’
(AUT Records 2026)
Tra le etichette discografiche europee che oggi sostengono con un progetto chiaro e convincente percorsi estetici liberi e solidi c’è sicuramente AUT Records, il cui lavoro, con le debite differenze storiche, economiche e culturali, potrebbe essere paragonato a quello della ECM dei primi decenni. Ma lasciamo stare i discorsi troppo generali e concentriamoci su ‘Perspectives’, nuovo album del batterista e compositore Giovanni Nardiello.
Il trio – con Joseph Nowell (pianoforte) e Stefano Zambon (contrabbasso), e la splendida voce di Noemi Fiorucci in quattro brani – dipana un discorso musicale limpido che, dalle tonalità esplorative e sospese della prima traccia, Through, passa in Didn’t See That Coming da espressioni nitide e assertive a momenti di stupita incredulità per l’evento imprevisto, e continua poi articolando musicalmente diverse situazioni emotive. Da prospettive diverse, come annuncia il titolo del disco. Ma anche da retrospettive: Retrospect, terzo brano, sembra tornare sui passi del primo.
La voce aggiunge una gamma espressiva evocativa al già intenso tessuto strumentale. I brani, peraltro, non sono scatole chiuse: un filo conduttore attraversa conclusioni e inizi dei diversi episodi, conferendo all’album una dimensione narrativa che va oltre il dialogo tra gli strumenti all’interno delle singole composizioni. Un dialogo comunque vivace, capace di sviluppi creativamente avvincenti: come in A.O.E., dove da un’introduzione pianistica apparentemente lontana dal successivo profilo melodico e ritmico emerge un riff tematico incalzante. Eppure quell’inizio prelude anche all’atmosfera alla seconda parte della traccia, assai diversa e incentrata sugli impulsi vocali di Fiorucci.
La varietà delle atmosfere non compromette insomma affatto la coerenza dell’insieme. Le composizioni di Nardiello orientano l’interplay senza ingabbiarlo, lasciando ai musicisti lo spazio per (tras)formare le idee musicali nel corso della loro realizzazione. In questo senso le prospettive non sono semplicemente accostate: si incontrano e si modificano reciprocamente. Ne risulta un disco elegante, ricco di invenzioni e ben congegnato, in cui la libertà improvvisativa non va a scapito della forma, ma contribuisce a renderla viva. Un ascolto decisamente consigliato.
Voto: 8/10
Giovanni Nardiello ‘Perspectives’ Bandcamp Page
Diamanda Galás live al Teatro La Fenice, Senigallia, 30 settembre 2026
(foto in home di Paolo Rossi) Occasione imperdibile il live di Diamanda Galás, praticamente vicino casa, al Teatro La Fenice di Senigallia. Parte la macchina con il Kathodik Man di città, arrivo al teatro in attesa del concerto. Terza data italiana, dopo Milano e Parma, del suo tour europeo che segue la pubblicazione di due sue opere: la ristampa del suo album ‘You Must Be Certain of the Devil’ targato 1988, e l’uscita di “De-formation: Second Piano Variations”, rielaborazione della sua partitura pianistica di “Das Fieberspital (The Fever Hospital)”, ispirata ai versi del poeta espressionista Georg Heym sui colpiti dalla febbre gialla, registrata dal vivo a Parigi nel marzo 2025.
Diamanda Galás si presenta in un completo nero, con un’aura mistica e spettrale, e subito racconta al pubblico del suo incidente capitatole a Parma, quando è caduta per una pietra sul selciato, non vista per tempo, rassicurando il pubblico per il corretto funzionamento della testa, meno per la tenuta del suo fisico, ancora provato dalla caduta. Ma la sua statura artistica e la sua esperienza sul palcoscenico le permettono di combattere adeguatamente anche le sfortune quotidiane, così che la Galás si impadronisce del pianoforte e si immerge corpo e anima nella musica, pescando dal suo repertorio classico brani come Pyrénés, sul testo del poeta René Char, traditonal come Ramblin Man, cover di Hank Williams, la travolgente Artémis, parole del poeta Gérard de Nerval, immersioni “mani e tasti” nel blues viscerale e lacerante di Let Me People Go. Verso la fine, la sofferenza si fa evidente e l’artista alterna l’esecuzione di un brano all’uscita dal palco per poi ritornare a cantare ancora, in brani come Gloomy Sunday, su parole di Rezső Seress.
Più di un’ora di concerto, la presenza e la potenza scenica senza smagliature, la voce calibrata e presente, un importante concerto per un’artista senza compromessi.
Kossiga ‘Distopie’
(Dissipatio 2026)
Nel 2022 con “Antropocene” si erano presentati come duo, Andrea Biondello (batteria) e Alessandro Cartolari (sax baritono), entrambi provenienti dal contenitore avant/urgente, Anatrofobia (Cartolari lo trovate pure in Extrema Ratio e dunque state avvisati).
Belle sberle secche quelle, ora, con l’arrivo del contrabbasso di Marco Bellafiore, l’approccio risulta un poco più dilatato (allucinato/apocalittico).
Materia viva che rimbalza sui muri e quando pare arrestarsi, sembra quasi di assistere a figurazioni mingusiane da un tir travolte.
Registrato in un giorno senza overdubs, fra scrittura e improvvisazione con la volonta di non risparmiarsi nulla.
Una violentissima grandinata che se ne sbatte di quel che ti/mi piace, di quel che gira sciapo al momento e di quello che può/non può funzionare.
S’inceppa, riparte e ti batte forte.
Dissipatio recepisce e benedice.
Voto: 8/10
Dissipatio Label Bandcamp Page
FLING II ‘3’
(We Are Busy Bodies 2026)
Il progetto a nome FLING II torna col suo terzo capitolo discografico, intitolato semplicemente ‘3’, pubblicato in formato digitale e vinile dall’eclettica label canadese We Are Busy Bodies.
Un affascinante percorso musicale intrapreso una manciata di anni fa e cominciato con l’esordio omonimo del 2022, uscito per l’italiana Black Sweat Records: un folgorante viaggio in territori di krautrock classico (a proposito… divertente l’aneddoto riguardante Dome, boss di Black Sweat, che contatta Gowland per mail convinto di trovarsi di fronte a materiale d’archivio).
A questo ha fatto seguito, due anni dopo, il sophomore ‘2’, che ha delineato molto nitidamente i confini sonori del progetto, arricchendosi di sfumature notturne e rarefatte.
Brad Gowland— batterista e fondatore dei Fling II di base ad Ann Arbor — assieme ai suoi amici e collaboratori Richard Murphy e Dave Van Dusen (chitarre), Adam Narimatsu, Cory Chubb (tastiere) e Tony Guarino (batteria), si ritrovano così ai Willis Sound Studio in Michigan con l’unico pretesto di “far finta di essere una vera band”, registrando per ore e ore le lunghe jam session sviluppate nei due giorni di studio.
Ne viene fuori un flusso alquanto rilassato e spontaneo, dove i synth modulari convivono con pulsazioni motorik, dilatazioni kosmische e suggestioni new age/ambient.
L’ascolto comincia con l’iniziale lau, un intreccio di sintetizzatori arpeggiati e percussioni terrose in orbita nel vuoto cosmico, che poi sfocia nei pressi di sonorità space rock grazie all’entrata di basso e batteria.
Inkeci delizia per oltre 5 minuti con il suo inizio cupo e solenne che gradualmente si trasforma in un flusso caldo, quasi terapeutico, con percussioni da “quarto mondo” e sfumature vocali che ammiccano al dream pop, avvolgendo tutto in una magnifica bolla ambient.
Nell’intermedia bant le trame si fanno spaziose: i sintetizzatori analogici modulari hanno modo di respirare liberamente, portandoci alla traccia successiva, beem, una meravigliosa stravaganza “cosmic-krautry”.
Qui le linee di pedal steel guitar di Van Dusen scivolano sinuose sopra sintetizzatori pulsanti e a un ritmo motorik di scuola Neu!.
Arriviamo alle due tracce finali: ilia è un’irresistibile passeggiata in relax, un inaspettato trip-hop jazzato con al centro una coperta avvolgente di piano Rhodes, archi di sintetizzatore e una batteria quasi funk.
Ti rimane appiccicata addosso ed è sicuramente una delle mie preferite del lotto.
Mago è la traccia di chiusura, perfetta sintesi sonora dell’intero disco che unisce tutte le diverse sfumature della band: un’improvvisazione infinita dalla sensibilità prog che cresce e si rigenera, per terminare in una nuvola eterea di drone.
‘3’ è un album intimo, privo di logiche di mercato che, come ci tengono a specificare tramite le note stampa, si propone come “un album per nessuno in particolare, o forse, in particolare per nessuno”.
Ed è anche in questa totale libertà da qualsiasi aspettativa che risiede la sua bellezza.
Voto: 7,5/10
Fling ii Bandcamp Page
The Art ensemble of Chicago ‘People in Sorrow’
(play loud!/2026)
L’Art Ensemble of Chicago ha sempre rappresentato l’avanguardia più visionaria del jazz e il disco in questione, pubblicato nel 1969 incarna uno dei suoi momenti più trascinanti e visionari. Registrato durante la residenza in Francia, questo album è un viaggio ipnotico tra improvvisazione, teatro sonoro e spiritualità, lontano dalle convenzioni del free jazz coevo, anche se deve tanto proprio al free jazz.
In assenza di un batterista fisso, il gruppo abbraccia una polifonia percussiva che trasforma ogni membro in un orchestratore di suoni minimali: xilofoni, tubi sonori, campanelli, percussioni intonate e oggetti quotidiani diventano strumenti di un dialogo tra jazz e musica classica europea. Il risultato è un tessuto sonoro ibrido, in cui ogni nota sembra sospesa tra passato e futuro, tra tradizione orale e avanguardia.
Il disco è diviso in due parti, i due lati del disco, ma si tratta di un unico brano di 40 minuti. Nella Part I prevalgono minimalismo ipnotico e esplosioni jazzate, con un intro in cui xilofono, contrabbasso e percussioni cristalline intrecciano melodie delicate, quasi sospese nel vuoto. Il sound quindi evolve verso improvvisazioni stratificate, con strumenti che si sovrappongono in un dialogo caotico ma coerente, con momenti di sperimentalismo puro (sax in assolo lento e jazzato, sottofondi inquieti, atmosfere spettrali), per poi terminare in un mix di misticismo e stregoneria, in cui sono evidenti i richiami alla tradizione New Orleans, con sonorità evocative che sfumano nel sacro e nel profano.
Nella Part II emergono in prima battuta momenti evolutivi e catartici, in cui viene abbandonata la quiete iniziale per abbracciare una variegata esplorazione free, infatti, il brano si fa più dinamico, con tendenze al free jazz e con sonorità che oscillano tra l’etereo e il grottesco.
“People In Sorrow” è un rituale collettivo che trascende il jazz per diventare teatro musicale.
Voto: 8/10
The Art ensemble of Chicago ‘People in Sorrow’ Bandcamp Page
Tomat ‘Reverie Reverse’
(The state51 Conspiracy 2026)
Tre veloci disgregazioni nell’ambiente circostante, in notturna, il luogo, dove i resti del caleidoscopio urbano/neon bisunto, si mescolano e perdono nel primo intrico verde del: qui al momento, nulla vi appartiene.
Sei minuti di luminescenza intermittente, come sciame di lucciole luce (io le ricordo e non scordo).
Di ricomporsi in forma e sostanza vale la pena?
Prima del nulla son frammenti di essere e azione, quelli pure, non più di un nulla.
Improvvisa una torsione, poi via.
Voto: 7/10
Tomat Bandcamp Page
Intervista a Marco Ligurgo, direttore del bolognese ROBOT Festival
Appuntamento numero 11, della serie di interviste a direttori artistici di Festival che si approcciano alla Musica in maniera caratterizzante e molto interessante, provando a dare un loro punto di vista peculiare sul panorama contemporaneo.
Prima: Paolo Francesco Visci, direttore artistico dell’IndieRocket Festival, Pescara (qui). Seconda: Marek Lukasik, direttore artistico del Lars Rock Fest, Chiusi (SI), (qui). Terza: Massimo Simonini direttore artistico dell’AngelicA Fest, Bologna (qui). Quarta: Lucia Ronchetti, al tempo dell’intervista direttore artistico del 67° Festival Internazionale di Musica Contemporanea Micro-Music, Biennale di Venezia (qui). Quinta: Alessandro Gambo direttore artistico del festival Jazz is Dead!, Torino (qui). Sesta: Chris Angiolini, direttore artistico del Beaches Brew Festival, Marina di Ravenna (qui). Settima, Alessandro Luzi, direttore artistico del Festival Mount Echò, Montecosaro (qui). Ottava: Luca Benni, direttore artistico del Festival Italian Party, Montone (PG) (qui). Nona: Crew di Holydays Festival, Scopoli (PG) (qui). Decima: Erik Honoré di Punkt Festival, Norvegia (qui)
Oggi ritorno “virtualmente” in Italia, a Bologna per intervistare Marco Ligurgo direttore artistico del ROBOT Festival. Ho scoperto il festival navigando nella rete, mi ha subito interessato per la proposta e per l’approccio alla musica, tra sperimentale, contemporanea, e ho subito pensato ad una possibile intervista per Kathodik. Grazie a Marco Ligurgo ho potuto conoscere la storia, il presente e il futuro del ROBOT Festival.
Iniziamo dall’origine, come è nata l’idea del ROBOT Festival?
L’idea di fare un Festival è nata nel 2007 da un gruppo di amici, dj e organizzatori di eventi, che dopo aver creato una associazione culturale, la SHAPE, ed avere per anni gestito serate nei club, KIndergarten, Link, sentivano l’esigenza di creare qualcosa che andasse oltre il club ed il dancefloor, qualcosa che portasse la musica in luoghi non convenzionali e che assomigliasse ai grandi festival europei di musica elettronica come il Sonar di Barcellona. La possibilità di entrare a Palazzo Re Enzo diede il là per il progetto.
Come è strutturata attualmente l’organizzazione del Festival? Quante persone ci lavorano? Quanti volontari?
L’organizzazione del Festival è ancora in toto in mano alla Shape ed al suo direttivo che si avvale della collaborazione di consulenti fissi e collaboratori storici e nuovi. Tra tutte le aree coinvolte direi che ci lavorano un centinaio di persone di cui una decina di volontari.
Secondary-Landscape-Space Afrika 2026 -Timon Benson-Alexander Luc-Omar Afridi
Quando iniziate a pensare al cartellone del festival?
Sul Festival ci lavoriamo tutto l’anno tra preparazione della nuova edizione e chiusura della vecchia. Il cartellone entra nel vivo a Gennaio per cui circa 9/10 mesi prima.
Actress
Veniamo a questa edizione: il significato di ?Syntax Error?
Il tema di quest’anno nasce dalla sensazione di smarrimento che avviene ad un certo punto del percorso di ognuno di noi, quella paura di non essere più in grado di codificare tutto e di saper leggere il presente, nonostante, da ogni parte, arrivi un continuo bombardamento di informazioni, verità, letture del presente.
Dovremmo avere una risposta a tutto e in realtà non ci ritroviamo più con noi stessi e con chi ci circonda, ed allora lanciamo una grande allert: ?Syntax Error, il famoso errore di sistema che lanciava il Commodore 64 negli anni ‘80, STOP, PAUSA, necessità di tempo, non vogliamo sapere tutto, non vogliamo capire tutto, in questo momento non vogliamo. Forse è bello così, forse no ma in una società sempre più accelerata e piena di informazioni chiediamoci dove stiamo andando e cosa realmente vogliamo, se il modello è giusto o è sbagliato, fermiamoci, mettiamoci off (line) e ammettiamo l’errore di sistema, potrebbe essere liberatorio o forse solo una pausa… come in un concerto al buio degli Autechre.
Autechre – Bafic – 2020
Come è stata effettuata la selezione degli artisti e artiste?
La selezione è tutta in mano a me che sono il direttore artistico del Festival fin dalla prima edizione. E’ ovvio che mi avvalgo di tante antenne, amici, colleghi, agenti e che, soprattutto, vado a tantissimi concerti, eventi, festival in Italia e in giro per il mondo. La musica è sempre stato l’elemento centrale della mia vita, fare ricerca è per me necessario.
Il cast di artisti/e è frutto di questa ricerca, di artisti locali o internazionali, di gusti consolidati o di nuove gemme, di performance dal vivo, di grandi artisti e nuove storie da raccontare anche guardando ai luoghi che il Festival toccherà quest’anno.
KDJ – by +JEREMYDEPUTAT
Su quali generi musicali vi siete orientati?
Il Robot da sempre parla il linguaggio della musica elettronica nella sua globalità, da quella più sperimentale e di ascolto a quella più dance oriented o avantgarde. Sono questi i confini di ogni edizione, l’ecosistema della musica elettronica quella che c’è sempre stata e che sempre ci sarà senza seguire le mode del momento.
Marta Salogni – Stefano Pilia
Ponendovi dalla parte dell’ascoltatore-spettatore spettacoli imprescindibili di questa edizione?
Posto che io amo ogni artista che scelgo: il concerto degli Autechre all’Estragon, Kevin Richard Martin al parco archeologico etrusco Kainua, Lawrence English e Aho ssan ai Bastardini, Space Afrika, Actress, Boys Noize e Moodymann al Dumbo.
MACE – Credits by Siermond
Volgendo uno sguardo indietro, quali sono state secondo voi le edizioni del ROBOT Festival più caratterizzanti e con un maggior riscontro di pubblico?
Il ROBOT ha avuto un doppio percorso: il primo, di otto anni, culminato nelle edizioni 07 e 08 in fiera dove inevitabilmente abbiamo raggiunto il massimo riscontro di pubblico e popolarità con oltre 25000 presenze; il secondo, quello della maturità con un modello diffuso nella città, fatto di tante piccole venue, sul modello di altri festival europei, con una costante presenza di pubblico e con maggiore capacità di sperimentazione. A mio modo di vedere tutte e 17 le edizioni sono state caratterizzanti anche se con modelli diversi.
Marina Herlop – Credits Silvio Deiaco, Danilo Gambara, Christian Kondić
Usate i social per promuovere e documentare il festival? Se sì quali preferite? Li ritenete strumenti necessari per aiutare a conoscere il Festival?
Carla Dal Forno
Come viene recepito il Festival dalla Regione Emilia? Siete radicati sul territorio?
Il Festival è supportato dalla Regione e siamo sicuramente un punto di riferimento sul territorio, abbiamo lanciato tanti artisti locali e siamo sicuramente il Festival più longevo di musica elettronica in regione. Oggi però essere riferimento di un territorio è differente rispetto a quando siamo partiti, il mondo è sempre più globalizzato e non sempre la distanza territoriale può essere un vantaggio o riferimento.
Una riflessione, il festival fa parte o ha fatto parte di network nazionali e internazionali?
Assolutamente sì, essendo nati nel 2007, siamo stati pionieri in questo, abbiamo fatto Festival quando ancora non erano diffusi. Abbiamo fondato una rete IMF, che racchiudeva una serie di Festival amici e pionieristici come noi, alcuni ancora attivi come Jazzrefound, Spring Attitude Jazzrefound, Spring Attitude e Dancity. La rete IMF esiste ancora e si è allargata. Come Festival siamo anche nella rete Keepon e collaboriamo con altri Festival amici.
Dal presente al futuro prossimo venturo: mentre vi preparate ad accogliere il pubblico per ?Syntax Error, state già ragionando sui nomi per la prossima edizione?
Si ragiona sempre sul futuro per cui si.
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Helen Svoboda ‘Headwater’
(Room40 2026)
La traiettoria della contrabbassista/vocalist/compositrice di origini finlandesi residente a Melbourne, Helen Svoboda, succhia energia dall’ambiente circostante, con tutto quello che è, che diviene e gli abbiamo fatto.
Un patchwork, fra organico e inorganico, con attenzione per i dettagli e le sfumature che i dettagli instillano, tempo dopo tempo, nella nostra materia più profonda e sensibile.
Sedici per lo più brevi frammenti, composti per una più estesa performance (della quale potete trovare estratti video sul suo sito, helensvoboda.com), realizzata nel 2024 con il sostegno del programma FutureMakers di Musica Viva Australia e Berg Family Foundation.
Con il contributo dell’ensemble Headwater (due contrabbassi, quello della Svoboda anche alla voce, quello di Jacques Emery, l’elettronica di Tilman Robinson e la voce della finlandese Selma Savolainen), “Headwater”, è un’immersione nelle regioni dove anima/cuore e istinto si confondono fra luci e ombre, dove lo scorrer del tempo è solo un concetto di misurazione in attesa di una fine e fra meraviglia e dolore passa un nulla.
Lo strazio del ricordo di occhi bambini in riva ad un fiume, nel pieno di una estate sfolgorante, sepolti sotto strati di marciume che gli abbiamo fatto indossare, la consapevolezza del, per quanto ci possiamo provare, questo pianeta ci dimenticherà e tirerà un sospiro di sollievo quando non ci saremo più, e tutto, proprio tutto, rifiorirà ancora e ancora.
Ci sentiamo proprietari e non contiamo niente e un nulla cosmico siamo, però, nella nostra crudele imperfezione, sappiamo, a volte (rare), esser meravigliose creature.
Dio è una goccia di egual sapore, fra lacrima e sudore.
Voto: 8,5/10
Room40 Bandcamp Page
Jack White ‘Frozen Charlotte’
(Third Man/2026)
Instancabile nella sua voglia, ed esigenza, di condividere la sua urgenza creativa e il suo profondo legame al miglior rock-blues, Jack White a ridosso del tour nel quale ha promosso l’ottimo e precedente ‘No Name’ è tornato subito in studio per registrare questo suo settimo lavoro con la band rodata che lo ha accompagnato in giro per il mondo, formata da Patrick Keeler alla batteria, Dominic Davis al basso e Bobby Emmett alle tastiere.
Diciamolo subito, senza girarci intorno: si evince senza ombra di dubbio la sua profonda passione per l’hard-blues degli anni ’70 che fa principalmente riferimento ai Led Zeppelin! Detto ciò si può procedere con la recensione nella quale va evidenziato che il disco è intriso di un’energia frenetica e selvaggia, come si addice ai migliori dischi rock’n’roll. Proprio in questo Jack White dimostra di essere un ottimo performer, perché ha voluto incarnare l’essenza selvaggia del rock e portarla avanti, rivendicandola! Ciò emerge da perle quali Nobody Knows, nella quale non fa sentire la nostalgia dei White Stripes, come nell’esplosiva Dollar Bill.
Con Derecho Demonico l’artista di Detroit ci inonda con un blues elettrizzante che potrebbe fulminarci se lo ascoltassimo a tutto volume, mentre in Thick As Thieves gli assoli ansiogeni si alternano a momenti di assurda velocità.
Non mancano momenti in cui vuole strafare come in She’s In a Frenzy, ma non possiamo non apprezzare, perché questo suo aspetto pretenzioso è sintomo di una generosità che è propria di chi si sente profondamente legato alle radici del blues.
Voto:9/10
Jack White Facebook Page
Intervista con la band italiana Cloud Canyons
Come ho scritto nella recensione del bell’album ‘Body Wisdom’, la band Cloud Canyons mi ha piacevolmente folgorato con la sua musica, e ho ritenuto necessario contattarla per saperne di più su questo interessante alchimia di musica e voci. Con la massima disponibilità, Nicola, Laura, Michelle si sono prestati a raccontare la storia e la filosofia dietro al progetto Cloud Canyons. Ora a voi la scoperta di questa interessantissima realtà musicale nostrana, leggetene e soprattutto ascoltatene!!!
Quando e dove nasce il progetto Cloud Canyons?
Nicola: Il progetto è nato tra Sassuolo, Montecchio e Reggio Emilia nel 2022, quasi per caso: stavo lavorando ad alcuni brani strumentali di musica elettronica quando ho chiesto a Laura, Stella e Michelle di completarli con le loro voci e i loro testi.
Michelle: Nicola ha voluto nel progetto un tipo di energia precisa: ha invitato tre cantanti di Mâtilde, il collettivo di musiciste e attiviste femministe, nato nel 2017 a Reggio Emilia, del quale facciamo parte io, Laura e Stella. Un progetto potente e di impatto, basti pensare che spesso abbiamo suonato i nostri inediti live in oltre 20 musiciste contemporaneamente sul palco.
Da che ascolti proviene ognuno di voi?
Nicola: Per quanto mi riguarda, molte cose diverse, e anche molto diverse tra loro, troppe da menzionare!
Laura: Quest’anno ho riscoperto artisti ed artiste che non avevo approfondito abbastanza, mea culpa, cito Yo La Tengo e Nico.
Michelle: Anche i miei ascolti sono sempre stati molto vari, con particolare interesse però allo strumento voce declinato in mille modi, dal mio amato soul, molto rock, alla sperimentazione più estrema nella musica contemporanea.
Come nascono i brani e di conseguenza gli album?
Nicola: Io mio occupo della parte musicale, Laura, Stella e Michelle scrivono i testi, le melodie vocali e cantano. In una prima fase lavoriamo a distanza scambiandoci tracce e idee, poi quando i brani sono strutturati ci troviamo in studio insieme per dargli una forma definitiva.
Michelle: La musica creata da Nicola ci viene affidata singolarmente, con fiducia, c’è molta libertà e il risultato è qualcosa che percepisco come naturale conseguenza della nostra densità reciproca, è energia che si incontra e si unisce. Seppur apparentemente distanti, questa nuova opera mi ha reso ancora più consapevole che l’alleanza che ci lega va ben oltre la comunicazione e la condivisione verbale, è una connessione profonda più legata al sentire che alla logica, davvero molto speciale. Quando Nicola mi consegna un pezzo e il suo istinto gli suggerisce il titolo di quel brano, spesso sento che “ha a che fare con me, con le mie parole, le mie melodie” e ogni volta, nella restituzione, questo sentire si manifesta.
Cloud Canyons ‘Dreaming Of Horses Running In Circles’
Come è nata la collaborazione con la label tedesca Berliner Tonaufnahmen?
Nicola: Nella primavera del 2023 ho inviato le tracce che avevamo completato a diverse etichette in giro per il mondo. Dalla Germania ha risposto la Berliner Tonaufnahmen che da allora ci ha sempre supportato con entusiasmo: con noi hanno pubblicato due album e un singolo. Sono una piccola realtà di persone molto appassionate, ancora legate a una dimensione analogica e umana della produzione musicale.
Michelle: La collaborazione con la Berliner Tonaufnahmen è davvero preziosa, una grande opportunità umana e artistica.
Come viene recepita in patria e all’estero la musica che proponete?
Nicola: Con grande entusiasmo, in questi pochi anni di attività sono arrivati riscontri molto belli e affettuosi.
Laura: All’estero apprezzo vedere nel pubblico diverse generazioni, tutti insieme, per la musica. A Berlino è stato entusiasmante chiacchierare dopo il concerto con appassionati di musica, che apprezzano anche cose fuori dall’ordinario, come i nostri rituali sul palco.
Michelle: All’estero sembrano esserci più porte aperte.
Cloud Canyons ‘Body Wisdom’
Notizia dell’ultima ora: Jarvis Cocker’s Someday Service su BBC Radio 6 Music e il vostro brano Under Neon Stars.
Nicola: Nell’estate del 2025 Jarvis Cocker ci ha invitato a suonare al festival Tramlines a Sheffield, la città natale dei Pulp. E qualche giorno fa ha trasmesso un nostro brano, Under Neon Stars, nel suo programma domenicale sulla BBC. E’ ovviamente un grandissimo onore per noi, Jarvis è un artista che ammiriamo, una persona intelligente e acuta e un performer straordinario.
Michelle: L’esperienza al festival Tramlines è stata fantastica, i festival inglesi hanno una marcia in più. L’ascolto musicale in Inghilterra mi sembra più elastico, te ne accorgi condividendo il palco con altri artisti a questi festival ma anche semplicemente ascoltando le proposte musicali in giro per locali. Il livello dei musicisti e la qualità delle idee non per forza è “migliore” rispetto all’Italia, conosco anche qui tantissimi ottimi musicisti con idee molto creative e allora ti chiedi: che possibilità avremmo avuto in Inghilterra?
Prechiusura dell’intervista: ascolti quotidiani?
Nicola: Anche qui tante cose diverse, tra le più recenti ti posso citare un disco di Jessica Roch, ‘Human Music: Live Improvisations I’.
Chiusura dell’intervista: progetti per l’immediato futuro?
Nicola: Per questo inverno abbiamo già programmato alcuni concerti, altri sono in fase di definizione.
Michelle: Suoneremo anche a Capodanno, speriamo ci porti fortuna e molte date nel 2027!
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