L’atteso CD di ritorno dei veterani mancuniani New Order – a otto anni dall’insicuro ‘Republic’, dopo disavventure ed incomprensioni artistiche e personali solo parzialmente bilanciate da lodi e riconoscimenti unanimi e trasversali (toccati anche ad altre icone degli anni Ottanta, come i Depeche Mode e i Pet Shop Boys) – ‘Get ready’ non presenta alle orecchie dello scrivente alcun segno di stanchezza e di stasi crativa, non intacca uno standard qualitativo generalmente altissimo, ma testimonia anzi la realtà di musicisti che trasportano il proprio – pesante ed ultraventennale – bagaglio espressivo negli anni Duemila senza la irritante (e spesso devastante, per le orecchie di chi scrive) “nostalgia del passato” che caratterizza spesso gruppi con una carriera e delle vendite simili.
Magari deludendo coloro che aspettavano le annunciate collaborazioni con i Chemical Brothers e Moby – a loro diciamo di tenere occhi ed orecchie aperte su 24 Hour Party People, film-documento sulle intense vicende musicali di Manchester, pare con la regia di Michael Winterbottom – i New Order hanno realizzato il loro album più “rock”, con l’aiuto dei solidi professionisti (Steve Osborne e Mark “Spike” Stent tra gli altri); il volume delle chitarre si è decisamente alzato rispetto alla loro media (vedi Rock the shack, con la presenza di Bobby Gillespie e Andrew Innes dei Primal Scream, e Slow Jam, ma il discorso è generale), la batteria di Stephen Morris ha deviato dai sentieri sintetici che hanno segnato gli anni Ottanta, si è aggiunta una backing vocalist femminile, Dawn Zee (nel singolo Crystal, in Close Range e in Run Wild). Inoltre non mancano gli omaggi degli “allievi riconoscenti” (oltre ai già citati Primal Scream è presente il devoto Billy Corgan, ex degli Smashing Pumpkins, in Turn My Way), che forniscono prove tutto sommato convincenti.
Tuttavia, a fare la differenza – ancora una volta – sono i tradizionali punti di forza dei New Order: l’arte di scrivere canzoni orecchiabili senza cedimenti, la voce inconfondibile di Bernard Sumner (che non ha un “ugola d’oro”, ma un’umanità che cantanti assai più celebrati – come, per esempio, Bono degli U2 – si sognano, di giorno e di notte), il basso devastante di Peter Hook (vedi Crystal e Close Range; davvero non si insisterà mai troppo sull’importanza e sulla sensibilità di questo musicista, che dapprima ha inventato un modo nuovo di intendere lo strumento, influenzando legioni di bassisti soprattutto negli anni Ottanta, e ne ha poi affinato le capacità espressive e solistiche senza nessuno sterile virtuosismo).
Questo doppio cd uscito per l’etichetta newyorkese Mutable Music, racchiude il presente ed il passato, per così dire, di uno dei maggiori pianisti jazz contemporanei, Rady Weston.
Il passato con il secondo cd intitolato Blue, ristampa dell’album originariamente uscito nel 1984. In questo album l’arte di Randy Weston si mette in mostra in uno stile classico che richiama alla mente Bill Evans e Duke Ellington, un modo di suonare dolce e romantico ma carico di senso che si vuole trasmettere, un respiro che l’artista vuole comunicare, un battito di una nazione l’Africa che misteriosamente fa capolino dalle note del piano, in particolare in pezzi come Lagos, Blue In Tunisia, Mistery Of Love, versione africana di Romeo e Giulietta, oppure con richiami alla madre di tutte le madri con brani espliciti quali Earth Bird, o alla creazione in The Last Day. Il presente invece con il primo cd intitoato ‘Ancient Future’, mai titolo fu così appopriato; infatti quelle che si susseguono per tutto l’album sono composizioni originali per il futuro annunciato dalle note del pianoforte. E’ l’approccio alla musica e alla vita, lo stile che non è ugualmente steccato, non ha barriere, richiama Satie con la quieta e placida successione delle note, vira verso Art Tatum per le digressioni giocose che stemperano la drammaticità del brano. E’ un testo di storia africana sul pentagramma amnche leggendo solo i titoli delle canzoni: Ancient Future che Weston definisce una meditazione sulle origini; Roots Of The Nile, e Kom Ombo ispirate da un recente viaggio dell’artista in Egitto, Bambara storia musicale delle origini del Gnawa. L’album svela lo spirito del’Africa che fa capolino, che vuole mostrarsi, il suo cuore e la sua filosofia d vita e di morte. Forse l’accostamento passato/furturo non è perfettamente riuscito, ma l’opera al lungo ascolto risulta discreta e chiaramente autentica. Non è poco.
Unico album uscito per la Chess nel lontano 1964, unica perla nera.
Le canzoni, dal primo successo Selfish One in poi, scorrono soavi il ritmo r/b venato di soul si fa strada nell’anima, strato dopo strato, ascolto dopo ascolto. E’ faticoso, la scorza è dura, mannaggia a questa vitaccia, ma lei è un “trapano” di dolcezza. Ne avesse sbagliata una di canzone si sarebbe detto, carina ma minore. Invece non ha sbagliato nulla, né un riff, né un coro, né un testo. La sua voce, la sua delicata voce, in un primo momento fa pensare: certo se l’avesse fatta quest’artista o quest’altra avrebbe avuto uno spessore diverso. Invece a forza di ascoltare ed ascoltare si giunge ad una conclusione irreparabile, definitiva. I Had A Talk With My Man (eseguita anche da Mitty Collier), Everything But Love, Wating Time, sono sue, escono dalla sua bocca. Ripetiamo per i duri di orecchie: è la sua voce quella che si sente. Quel “falsetto” costantemente in bilico tra profondità sensualmente soul e giocosi strilli adolescenziali, fanno la forza e la particolarità del suo cantato. I suoi grandi e profondi occhi, quello splendido sorriso, la sua innocente freschezza che si fa canzone come Be Sure You Know, la sua interpretazione di Summertime in chiave cool swing, calda, triste, la bimba è cresciuta, accorgetevene accidenti a voi, sentitela urlare. Oppure I’ve Got The Skill, puro orchestrale soul (move your body stoccafisso), con finale da brivido caldo. O ancora Don’t Take My Love, inizio con tromba a dare l’imput, il coro, la sua dolce voce a librarsi per cantare la voglia di amore, libera da qualsiasi catena, libera di essere sé stessa. Non ne ha sbagliata una di canzone: Haste Makes Worte cantata con tanto trasporto sbarazzino come l’avrebe cantata Sam Cooke se fosse stato donna; (I Wanna Hear It) From You, Misty, Take Me For A Little While, alla Martha & The Vandellas, e ancora con We Can Do It, It’s Going All The Way, I Dig His Style da cool struscio, per finire splendidamente con Trust In Me. Non preoccuparti, piccola, ci credo in te, stai tranquilla.
L’ultima realizzazione dei Diaframma – entità musicale fiorentina guidata dal monarca assoluto Federico Fiumani (chitarrista/cantante/poeta) – ‘Il Futuro Sorride A Quelli Come Noi’ si mantiene pienamente nella linea che il gruppo ha tracciato (pur con vari mutamenti di formazione e qualche cambio di rotta musicale, dalle iniziali atmosfere dark-wave ad un suono più lineare e tradizionale) dal 1980. Particolare attenzione ai testi delle canzoni (vedi Il Telefono, canzone liberamente tratta dalla poesia omonima di Robert Frost), incentrate sulle variabili indipendenti delle cosiddette “relazioni umane” – l’amore innanzitutto, e nei pezzi migliori Fiumani dimostra la solita grande abilità nel dribblare le banalità che infestano le trattazioni sonore sull’argomento (vedi Donna Guru, La Mia Tenera Amica, Movimento, bozzetti rapidi e taglienti), ma anche l’amicizia (vedi Siberia n° 2, ideale riallacciarsi all’originale del 1984) o, semplicemente, la Vita (vedi “Il futuro sorride a quelli come noi”, “La rivolta”, “Un giorno balordo”) nella sua quotidiana anormalità – rivestiti da una forma di cosiddetto “rock classico”, in questo CD lievemente inspessito nelle parti chitarristiche (vedi I figli sopravvivono), forse per la presenza in formazione dell’ex percussionista dei CSI Alessandro Gerby.
Pur non inventando nulla di nuovo, ma nello stesso tempo mantenendo la propria inconfondibile voce, Federico Fiumani si dimostra autore tra i più ispirati della nostra canzone – senza nulla da invidiare, a giudizio di chi scrive, ad artisti ben più celebrati dalla “critica colta” come Gianmaria Testa e Vinicio Capossela, che però sono rispondenti in qualche modo al cliché del “cantautore” – frenato magari dal suo evidente individualismo, che lo porta a rifuggire accuratamente ogni compromesso (negativo, ma anche positivo, in termini di collaborazioni artistiche e possibilità discografiche).
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/diaframma.jpg150150Marco Fiorihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgMarco Fiori2002-04-19 02:01:002023-05-01 18:39:56Diaframma ‘Il Futuro Sorride A Quelli Come Noi’
WOOD “Tired Words & Neurotico Symphonies” GREEN RECORDS
Prendete un gruppo come i Bodyjar o gli Engine Kid aggiungetegli dei riffs metallici e ipnotici, inseritegli qualche vago assalto in stile Refused e ancora non avrete inquadrato questo album. La verità è che i Wood sono riusciti a definire uno stile tutto loro e ad uscire dal “provincialismo” in cui purtroppo versano molti gruppi italiani. Le canzoni scorrono in scioltezza una dietro l’altra inseguendo paranoiche melodie che non diventano mai ripetitive grazie a efficaci stacchi e cambi di tempo (Conspiracy – My transmission). Indubbiamente azzeccata anche la traccia video di Reflection. A tutti gli effetti un lavoro di ottimo livello che merita di essere ascoltato con attenzione.
VOTO: 8
THOUGHTS TO SHARE “…through the yesteryears” GREEN RECORDS
Indubbiamente il loro è uno “youth approach” che affonda le radici nella città di New York; infatti lo stile si colloca a metà fra Ensign e Better than a 1000, con tanto di coretti “saltellanti”. Apprezzabile la chitarra aspra come la voce e i testi di canzoni come Pleasantville (80 miles away); decisamente solida la base ritmica. Piacevolmente rude anche la breve e strumentale traccia fantasma. Impeccabili nella struttura delle canzoni, talvolta particolarmente coinvolgenti (All my troubles), i Thoughts To Share appaiono come un gruppo con i piedi ben ancorati al terreno, che sa cosa vuole e, soprattutto, sa riversare in forma di decibel le difficoltà e le scelte della vita quotidiana.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/articles/greenrecords.jpeg52309Michele Panucciohttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgMichele Panuccio2002-04-18 12:37:592022-05-08 17:43:33ULTIME USCITE GREEN RECORDS: WOOD E THOUGHTS TO SHARE
Interessante proposta di musica sperimentale per questo musicista di Macerata.
Nei suoi pezzi suonati alle tastiere l’autore mostra di prediligere un modo di suonare che richiama alla mente altri pianisti improvvisatori come Jarret, combinato con la sua ricerca di uno stile. I migliori pezzi del lotto: Preludio Quadritematico che non sfigurerebbe come colonna sonora di un film di Fritz Lang, Rapsodia dai delicati tocchi “cosmici”, Fluttuazioni Oniriche, piano jazz con aperture romantiche dominanti e piacevolmente swinganti. Niente male.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/kathodikold/reviews/marcoairaghi.jpg145150Marco Paoluccihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgMarco Paolucci2002-04-18 02:01:002023-05-01 18:39:47Marco Airaghi ‘Spirit On The Wind’
New York non è soltanto il caos cosmopolita, industriale e finanziario dei Tg o il simbolo di un’America frenetica e definitivamente cyborgizzata in insegne al neon e immense strutture di acciaio e cemento. Mr Page Hamilton e soci non ce l’hanno raccontata giusta, o non ce l’hanno raccontata tutta. Altrimenti fragili poeti musicali come Julia Frodahl o Jason Crigler non potrebbero trovarvi dimora. Devono esserci dalle parti di Brooklyn anche luoghi appartati, viste e panorami di riposta serenità, dove immergersi in atmosfere intime e riservate come quelle che sgorgano da quest’album. Oppure l’omonimo album degli Edison Woods è un miracolo inspiegabile.
In otto meravigliosi episodi di delicatezza elettroacustica sfilano a poco a poco impressioni quotidiane, riferimenti letterari, lirismo contemplativo. I contenuti dell’album traggono ispirazione da carteggi epistolari con amici o da biografie di poeti come E. E. Cummings, Paul Bowles, Vivian Haighwood. Le atmosferiche chitarre di Crigler, il violoncello di Linnea Weiss, il violino di Enion Pelta, il piano e la stupenda voce sussurrata della stessa Julia li trasformano poi in distillati acustici di una purezza ineguagliabile. Le fluttuanti sonorità degli Edison Woods evocano la possibilità di immaginare dei Labradford più suadenti, una Lisa Germano dolcemente immobile , dei Mazzy Star con un velo di malinconia in più. L’album, inizialmente autoprodotto dalla band prima di trovare fissa dimora presso la canadese Endearing Records, è anche la splendida colonna sonora del documentario “Transition to Triumph” di Amy Lawday, ed altro materiale è stato scritto per il cortometraggio “Fortunes Fool” della newyorchese Jadina Lilian, quasi a conferma delle implicite potenzialità visive insite nella musica degli Edison Woods.
Dedicato a chi ama fermarsi tra tepori vicini e rumori lontani, ormai quasi a malapena distinguibili.
Secondo album per i canadesi Radiogram dell’indipendente Endearing Records, dopo il buon esordio di “Unbetwenn” che ha portato alla band un discreto seguito nel vecchio continente.
Ciò che il gruppo propone è molto vicino a quel movimento, mai ben definito e spesso ad uso e consumo dei soli giornalisti, denominato “Alternative Country”, che molti “critici” fanno iniziare con l’esordio degli Uncle Tupelo e che vede come protagonisti gruppi come Jayhawks, Whiskeytown, Blue Mountain, Wilco……, che a differenza del gruppo canadese hanno un approccio sicuramente più rock.
Nei Radiogram dominano atmosfere rilassate, malinconiche, come se i Red House Painters o gli Smog si siano innamorati del country più tradizionale mantenendo l’approccio slow-core che li caratterizza.
Sonorità quasi esclusivamente acustiche, dove spicca la voce pigra del leader Ken Beattie, supportato spesso da una seconda voce femminile ad arricchire le armonie vocali; particolare è l’uso della tromba in gran parte dei brani, in un contesto musicale dove non è usuale il suo utilizzo, che enfatizza l’atmosfera malinconica del disco.
Tra le migliori tracce da menzionare sicuramente la seconda, una ballata tra le più “allegre” del disco, dalla melodia coinvolgente e di immediata presa, così come la quarta traccia (scusate ma nel promo non è inserita la track list), un piacevolissimo brano dove la voce di Beattie duetta con una voce femminile in un brano che ricorda molto i già citati Jayhawks. Un commento a parte merita la traccia numero otto, una lentissima ballad dai toni dimessi dove si inserisce tromba e organo per creare il brano più notturno e riuscito dell’album.
In definitiva un buon lavoro da parte di una giovane band che non brilla in modo particolare nel vasto territorio della roots music, ma che ha gettato le basi per un dignitoso futuro.
https://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2002/04/radiogram.jpg153150Mauro Pettinarihttps://www.kathodik.org/wp-content/uploads/2021/01/kathodik_2020_kt_600px-300x300.jpgMauro Pettinari2002-04-18 02:01:002023-05-01 18:38:16Radiogram ‘All the way home’
Ancora un lavoro per la prolifica Endearing Records
Questa volta si tratta del debutto dei The Waking Eyes una particolare pop band di derivazione sixties.
I promotori del progetto Matt Peters e Myron Schulz hanno dato vita ad un album piacevolissimo dove i riferimenti al passato sono numerosi quanto evidenti; i nomi che vengono in mente sono troppi per elencarli (Beach Boys, Beatles, Jefferson Airplane, Spirit, Love…..). La copertina non inganna.
Tra pop e psichedelica la fanno da padrone le ricercate armonie vocali, che si intersecano tra falsetti, cori in sottofondo e voce solista, nella migliore tradizione pop rock dei sxties.
Ottimo l’inizio con Combs fot the Clouds e Everything is Easy, dalle melodie vincenti e accattivanti, Castle by the Bay richiama le atmosfere del grande “Pet Sounds” dei Beach Boys, mentre la successiva Gone with a Glance sembra una outtakes di un album di John Lennon.
Il disco scorre piacevole, anche se ogni canzone dà una senzazione di deja vu alla quale è difficile sfuggire, ma questo non è necessariamente un difetto, visto che dischi del genere oggi sono quanto meno rari, nell’epoca del riciclaggio dei generi per riproporli plasmati e vestiti a nuovo, i Waking Eyes sembrano andati in una vecchia bottega di cose usate, hanno comprato camice a fiori, vecchi amplificatori ed hanno iniziato a suonare.
Se si potesse quantificare il successo economico di un gruppo in base alla quantità di epigoni prodotti, più o meno legati al modello originale, oggi potremmo immaginarci Manuel Agnelli comodamente sdraiato sul bordo di una piscina vicino alle spiagge di Malibu! Purtroppo (o per fortuna!) l’importanza artistica di una band e il suo successo commerciale sono due cose ben distinte. Ironia a parte, l’influenza degli Afterhours sul rock indipendente italiano (ma c’è una scena rock mainstream in Italia?) è stata decisamente molto forte negli ultimi anni, ed è in questa prospettiva che viene spontaneo collocare i Marilù Lorèn. I suoni dei Lorèn si ricollegano direttamente ad una scena rock alternativa che, partendo dalle schegge sonore anarchiche dei primi Sonic Youth, si è felicemente sposata al gusto per la melodia dei Nirvana e Dinasour Jr., per poi approdare in modo massiccio nelle cantine del nostro Belpaese, fino ad essere definitivamente sdoganata, reinterpretata e resa relativamente popolare anche da noi da gruppi come Santo Niente, Marlene Kuntz, Scisma e soprattutto i già citati Afterhours. L’influenza artistica di Agnelli e soci è sicuramente l’elemento più determinante, che si fa sentire in modo palese e in alcuni momenti quasi imbarazzante (penso ad esempio alla title-track In espansione o a Non più che sembrano uscite dalle session di Hai paura del buio Nonostante ciò i cinque brani (sette con la versione acustica della title-track e un breve inserto strumentale) di questo EP ci pongono di fronte ad un’interessante creatura in crescita, ancora informe ma promettente. Se si prescinde dal confronto con i modelli di riferimento i Lorèn regalano delle gustose melodie, sia quando sono più riflessivi (In espansione e la bellissima Non più) che quando decidono di spingere sull’acceleratore (Sei di me) o si concedono una divagazione quasi pop, con l’apporto di una sezioni fiati, nel brano più personale e meno derivativo (Ogni respiro: sicuramente un potenziale singolo). Bello il timbro della voce di Lorenzo Monaco, anche se a volte sembra di sentire un probabile fratello di Agnelli; discrete le trame e le sonorità delineate dalle chitarre, affiancate da un moderato uso di effetti elettronici e da un basso poderoso, pur soffrendo l’album di una produzione un po’ troppo scarna e “effetto live” (soprattutto la batteria). Quello che manca ai Lorèn per soddisfare pienamente l’ascolto è l’originalità… i brani sembrano un bel compito di rilettura, belli ma troppo derivativi e imitativi. La sensazione di già sentito non impedisce comunque di gustare le melodie dei brani che in alcuni momenti regalano piacevoli emozioni, come ad esempio nella splendida rilettura di In espansione in chiave acustica che chiude il cd (grazie anche al fondamentale apporto di Paolo Benvegnù alla voce e organo e di Michela Manfroi al piano e glockenspiel, entrambi degli Scisma). Grave difetto del cd è la mancanza di un libretto con la trascrizione delle liriche (neanche una fotocopia!), che rende l’ascolto e la comprensione dei testi piuttosto difficile per le difficoltà tecniche incontrate nell’afferrare le parole (i filtri vocali, il modo a volte enfatico di pronunciare le parole e un missaggio non predominante della voce): testi non immediati che in alcuni momenti riescono ad emozionare ma a volte rischiano di cadere in un uso strumentale e un po’ retorico delle parole (per cantare rock in italiano bisogna per forza essere ricercati e forzatamente intellettuali?).
Non posso fare a meno di paragonare il gruppo alla ragazzina ritratta in copertina (da un punto di vista grafico il cd è semplicemente perfetto): nuda e ancora priva delle giuste forme… ma che fa ben sperare… chissà che non diventi una splendida donna, che si sappia vestire dei giusti abiti, abbandonando le scarpe e il trucco della mamma e che “cerchi strade uniche che commuovano i tuoi sensi”… il tempo saprà dire. Per ora il voto è critico ma positivo… sulla fiducia!!!!!
New Order ‘Get Ready’
L’atteso CD di ritorno dei veterani mancuniani New Order – a otto anni dall’insicuro ‘Republic’, dopo disavventure ed incomprensioni artistiche e personali solo parzialmente bilanciate da lodi e riconoscimenti unanimi e trasversali (toccati anche ad altre icone degli anni Ottanta, come i Depeche Mode e i Pet Shop Boys) – ‘Get ready’ non presenta alle orecchie dello scrivente alcun segno di stanchezza e di stasi crativa, non intacca uno standard qualitativo generalmente altissimo, ma testimonia anzi la realtà di musicisti che trasportano il proprio – pesante ed ultraventennale – bagaglio espressivo negli anni Duemila senza la irritante (e spesso devastante, per le orecchie di chi scrive) “nostalgia del passato” che caratterizza spesso gruppi con una carriera e delle vendite simili.
Magari deludendo coloro che aspettavano le annunciate collaborazioni con i Chemical Brothers e Moby – a loro diciamo di tenere occhi ed orecchie aperte su 24 Hour Party People, film-documento sulle intense vicende musicali di Manchester, pare con la regia di Michael Winterbottom – i New Order hanno realizzato il loro album più “rock”, con l’aiuto dei solidi professionisti (Steve Osborne e Mark “Spike” Stent tra gli altri); il volume delle chitarre si è decisamente alzato rispetto alla loro media (vedi Rock the shack, con la presenza di Bobby Gillespie e Andrew Innes dei Primal Scream, e Slow Jam, ma il discorso è generale), la batteria di Stephen Morris ha deviato dai sentieri sintetici che hanno segnato gli anni Ottanta, si è aggiunta una backing vocalist femminile, Dawn Zee (nel singolo Crystal, in Close Range e in Run Wild). Inoltre non mancano gli omaggi degli “allievi riconoscenti” (oltre ai già citati Primal Scream è presente il devoto Billy Corgan, ex degli Smashing Pumpkins, in Turn My Way), che forniscono prove tutto sommato convincenti.
Tuttavia, a fare la differenza – ancora una volta – sono i tradizionali punti di forza dei New Order: l’arte di scrivere canzoni orecchiabili senza cedimenti, la voce inconfondibile di Bernard Sumner (che non ha un “ugola d’oro”, ma un’umanità che cantanti assai più celebrati – come, per esempio, Bono degli U2 – si sognano, di giorno e di notte), il basso devastante di Peter Hook (vedi Crystal e Close Range; davvero non si insisterà mai troppo sull’importanza e sulla sensibilità di questo musicista, che dapprima ha inventato un modo nuovo di intendere lo strumento, influenzando legioni di bassisti soprattutto negli anni Ottanta, e ne ha poi affinato le capacità espressive e solistiche senza nessuno sterile virtuosismo).
Voto: 8
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Randy Weston ‘Ancient Future’
(Mutable Music 2002)
Questo doppio cd uscito per l’etichetta newyorkese Mutable Music, racchiude il presente ed il passato, per così dire, di uno dei maggiori pianisti jazz contemporanei, Rady Weston.
Il passato con il secondo cd intitolato Blue, ristampa dell’album originariamente uscito nel 1984. In questo album l’arte di Randy Weston si mette in mostra in uno stile classico che richiama alla mente Bill Evans e Duke Ellington, un modo di suonare dolce e romantico ma carico di senso che si vuole trasmettere, un respiro che l’artista vuole comunicare, un battito di una nazione l’Africa che misteriosamente fa capolino dalle note del piano, in particolare in pezzi come Lagos, Blue In Tunisia, Mistery Of Love, versione africana di Romeo e Giulietta, oppure con richiami alla madre di tutte le madri con brani espliciti quali Earth Bird, o alla creazione in The Last Day. Il presente invece con il primo cd intitoato ‘Ancient Future’, mai titolo fu così appopriato; infatti quelle che si susseguono per tutto l’album sono composizioni originali per il futuro annunciato dalle note del pianoforte. E’ l’approccio alla musica e alla vita, lo stile che non è ugualmente steccato, non ha barriere, richiama Satie con la quieta e placida successione delle note, vira verso Art Tatum per le digressioni giocose che stemperano la drammaticità del brano. E’ un testo di storia africana sul pentagramma amnche leggendo solo i titoli delle canzoni: Ancient Future che Weston definisce una meditazione sulle origini; Roots Of The Nile, e Kom Ombo ispirate da un recente viaggio dell’artista in Egitto, Bambara storia musicale delle origini del Gnawa. L’album svela lo spirito del’Africa che fa capolino, che vuole mostrarsi, il suo cuore e la sua filosofia d vita e di morte. Forse l’accostamento passato/furturo non è perfettamente riuscito, ma l’opera al lungo ascolto risulta discreta e chiaramente autentica. Non è poco.
Voto: 7
Link correlati:Mutablemusic
Jackie Ross ‘Full Bloom’
(Universal 1998)
Unico album uscito per la Chess nel lontano 1964, unica perla nera.
Le canzoni, dal primo successo Selfish One in poi, scorrono soavi il ritmo r/b venato di soul si fa strada nell’anima, strato dopo strato, ascolto dopo ascolto. E’ faticoso, la scorza è dura, mannaggia a questa vitaccia, ma lei è un “trapano” di dolcezza. Ne avesse sbagliata una di canzone si sarebbe detto, carina ma minore. Invece non ha sbagliato nulla, né un riff, né un coro, né un testo. La sua voce, la sua delicata voce, in un primo momento fa pensare: certo se l’avesse fatta quest’artista o quest’altra avrebbe avuto uno spessore diverso. Invece a forza di ascoltare ed ascoltare si giunge ad una conclusione irreparabile, definitiva. I Had A Talk With My Man (eseguita anche da Mitty Collier), Everything But Love, Wating Time, sono sue, escono dalla sua bocca. Ripetiamo per i duri di orecchie: è la sua voce quella che si sente. Quel “falsetto” costantemente in bilico tra profondità sensualmente soul e giocosi strilli adolescenziali, fanno la forza e la particolarità del suo cantato. I suoi grandi e profondi occhi, quello splendido sorriso, la sua innocente freschezza che si fa canzone come Be Sure You Know, la sua interpretazione di Summertime in chiave cool swing, calda, triste, la bimba è cresciuta, accorgetevene accidenti a voi, sentitela urlare. Oppure I’ve Got The Skill, puro orchestrale soul (move your body stoccafisso), con finale da brivido caldo. O ancora Don’t Take My Love, inizio con tromba a dare l’imput, il coro, la sua dolce voce a librarsi per cantare la voglia di amore, libera da qualsiasi catena, libera di essere sé stessa. Non ne ha sbagliata una di canzone: Haste Makes Worte cantata con tanto trasporto sbarazzino come l’avrebe cantata Sam Cooke se fosse stato donna; (I Wanna Hear It) From You, Misty, Take Me For A Little While, alla Martha & The Vandellas, e ancora con We Can Do It, It’s Going All The Way, I Dig His Style da cool struscio, per finire splendidamente con Trust In Me. Non preoccuparti, piccola, ci credo in te, stai tranquilla.
Voto: 9
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Diaframma ‘Il Futuro Sorride A Quelli Come Noi’
L’ultima realizzazione dei Diaframma – entità musicale fiorentina guidata dal monarca assoluto Federico Fiumani (chitarrista/cantante/poeta) – ‘Il Futuro Sorride A Quelli Come Noi’ si mantiene pienamente nella linea che il gruppo ha tracciato (pur con vari mutamenti di formazione e qualche cambio di rotta musicale, dalle iniziali atmosfere dark-wave ad un suono più lineare e tradizionale) dal 1980. Particolare attenzione ai testi delle canzoni (vedi Il Telefono, canzone liberamente tratta dalla poesia omonima di Robert Frost), incentrate sulle variabili indipendenti delle cosiddette “relazioni umane” – l’amore innanzitutto, e nei pezzi migliori Fiumani dimostra la solita grande abilità nel dribblare le banalità che infestano le trattazioni sonore sull’argomento (vedi Donna Guru, La Mia Tenera Amica, Movimento, bozzetti rapidi e taglienti), ma anche l’amicizia (vedi Siberia n° 2, ideale riallacciarsi all’originale del 1984) o, semplicemente, la Vita (vedi “Il futuro sorride a quelli come noi”, “La rivolta”, “Un giorno balordo”) nella sua quotidiana anormalità – rivestiti da una forma di cosiddetto “rock classico”, in questo CD lievemente inspessito nelle parti chitarristiche (vedi I figli sopravvivono), forse per la presenza in formazione dell’ex percussionista dei CSI Alessandro Gerby.
Pur non inventando nulla di nuovo, ma nello stesso tempo mantenendo la propria inconfondibile voce, Federico Fiumani si dimostra autore tra i più ispirati della nostra canzone – senza nulla da invidiare, a giudizio di chi scrive, ad artisti ben più celebrati dalla “critica colta” come Gianmaria Testa e Vinicio Capossela, che però sono rispondenti in qualche modo al cliché del “cantautore” – frenato magari dal suo evidente individualismo, che lo porta a rifuggire accuratamente ogni compromesso (negativo, ma anche positivo, in termini di collaborazioni artistiche e possibilità discografiche).
Voto: 6
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ULTIME USCITE GREEN RECORDS: WOOD E THOUGHTS TO SHARE
Prendete un gruppo come i Bodyjar o gli Engine Kid aggiungetegli dei riffs metallici e ipnotici, inseritegli qualche vago assalto in stile Refused e ancora non avrete inquadrato questo album. La verità è che i Wood sono riusciti a definire uno stile tutto loro e ad uscire dal “provincialismo” in cui purtroppo versano molti gruppi italiani. Le canzoni scorrono in scioltezza una dietro l’altra inseguendo paranoiche melodie che non diventano mai ripetitive grazie a efficaci stacchi e cambi di tempo (Conspiracy – My transmission). Indubbiamente azzeccata anche la traccia video di Reflection. A tutti gli effetti un lavoro di ottimo livello che merita di essere ascoltato con attenzione.
VOTO: 8
THOUGHTS TO SHARE “…through the yesteryears” GREEN RECORDS
Indubbiamente il loro è uno “youth approach” che affonda le radici nella città di New York; infatti lo stile si colloca a metà fra Ensign e Better than a 1000, con tanto di coretti “saltellanti”. Apprezzabile la chitarra aspra come la voce e i testi di canzoni come Pleasantville (80 miles away); decisamente solida la base ritmica. Piacevolmente rude anche la breve e strumentale traccia fantasma. Impeccabili nella struttura delle canzoni, talvolta particolarmente coinvolgenti (All my troubles), i Thoughts To Share appaiono come un gruppo con i piedi ben ancorati al terreno, che sa cosa vuole e, soprattutto, sa riversare in forma di decibel le difficoltà e le scelte della vita quotidiana.
VOTO: 7
Michele ‘Ustica’ Panuccio
Marco Airaghi ‘Spirit On The Wind’
(Marco Airaghi 2002)
Interessante proposta di musica sperimentale per questo musicista di Macerata.
Nei suoi pezzi suonati alle tastiere l’autore mostra di prediligere un modo di suonare che richiama alla mente altri pianisti improvvisatori come Jarret, combinato con la sua ricerca di uno stile. I migliori pezzi del lotto: Preludio Quadritematico che non sfigurerebbe come colonna sonora di un film di Fritz Lang, Rapsodia dai delicati tocchi “cosmici”, Fluttuazioni Oniriche, piano jazz con aperture romantiche dominanti e piacevolmente swinganti. Niente male.
Voto: 7
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Edison Woods ‘S.T.’
(Endearing 2002)
New York non è soltanto il caos cosmopolita, industriale e finanziario dei Tg o il simbolo di un’America frenetica e definitivamente cyborgizzata in insegne al neon e immense strutture di acciaio e cemento. Mr Page Hamilton e soci non ce l’hanno raccontata giusta, o non ce l’hanno raccontata tutta. Altrimenti fragili poeti musicali come Julia Frodahl o Jason Crigler non potrebbero trovarvi dimora. Devono esserci dalle parti di Brooklyn anche luoghi appartati, viste e panorami di riposta serenità, dove immergersi in atmosfere intime e riservate come quelle che sgorgano da quest’album. Oppure l’omonimo album degli Edison Woods è un miracolo inspiegabile.
In otto meravigliosi episodi di delicatezza elettroacustica sfilano a poco a poco impressioni quotidiane, riferimenti letterari, lirismo contemplativo. I contenuti dell’album traggono ispirazione da carteggi epistolari con amici o da biografie di poeti come E. E. Cummings, Paul Bowles, Vivian Haighwood. Le atmosferiche chitarre di Crigler, il violoncello di Linnea Weiss, il violino di Enion Pelta, il piano e la stupenda voce sussurrata della stessa Julia li trasformano poi in distillati acustici di una purezza ineguagliabile. Le fluttuanti sonorità degli Edison Woods evocano la possibilità di immaginare dei Labradford più suadenti, una Lisa Germano dolcemente immobile , dei Mazzy Star con un velo di malinconia in più. L’album, inizialmente autoprodotto dalla band prima di trovare fissa dimora presso la canadese Endearing Records, è anche la splendida colonna sonora del documentario “Transition to Triumph” di Amy Lawday, ed altro materiale è stato scritto per il cortometraggio “Fortunes Fool” della newyorchese Jadina Lilian, quasi a conferma delle implicite potenzialità visive insite nella musica degli Edison Woods.
Dedicato a chi ama fermarsi tra tepori vicini e rumori lontani, ormai quasi a malapena distinguibili.
Voto: 8
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Radiogram ‘All the way home’
Secondo album per i canadesi Radiogram dell’indipendente Endearing Records, dopo il buon esordio di “Unbetwenn” che ha portato alla band un discreto seguito nel vecchio continente.
Ciò che il gruppo propone è molto vicino a quel movimento, mai ben definito e spesso ad uso e consumo dei soli giornalisti, denominato “Alternative Country”, che molti “critici” fanno iniziare con l’esordio degli Uncle Tupelo e che vede come protagonisti gruppi come Jayhawks, Whiskeytown, Blue Mountain, Wilco……, che a differenza del gruppo canadese hanno un approccio sicuramente più rock.
Nei Radiogram dominano atmosfere rilassate, malinconiche, come se i Red House Painters o gli Smog si siano innamorati del country più tradizionale mantenendo l’approccio slow-core che li caratterizza.
Sonorità quasi esclusivamente acustiche, dove spicca la voce pigra del leader Ken Beattie, supportato spesso da una seconda voce femminile ad arricchire le armonie vocali; particolare è l’uso della tromba in gran parte dei brani, in un contesto musicale dove non è usuale il suo utilizzo, che enfatizza l’atmosfera malinconica del disco.
Tra le migliori tracce da menzionare sicuramente la seconda, una ballata tra le più “allegre” del disco, dalla melodia coinvolgente e di immediata presa, così come la quarta traccia (scusate ma nel promo non è inserita la track list), un piacevolissimo brano dove la voce di Beattie duetta con una voce femminile in un brano che ricorda molto i già citati Jayhawks. Un commento a parte merita la traccia numero otto, una lentissima ballad dai toni dimessi dove si inserisce tromba e organo per creare il brano più notturno e riuscito dell’album.
In definitiva un buon lavoro da parte di una giovane band che non brilla in modo particolare nel vasto territorio della roots music, ma che ha gettato le basi per un dignitoso futuro.
Voto: 7
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The Waking eyes ‘Combing the Clouds’
Ancora un lavoro per la prolifica Endearing Records
Questa volta si tratta del debutto dei The Waking Eyes una particolare pop band di derivazione sixties.
I promotori del progetto Matt Peters e Myron Schulz hanno dato vita ad un album piacevolissimo dove i riferimenti al passato sono numerosi quanto evidenti; i nomi che vengono in mente sono troppi per elencarli (Beach Boys, Beatles, Jefferson Airplane, Spirit, Love…..). La copertina non inganna.
Tra pop e psichedelica la fanno da padrone le ricercate armonie vocali, che si intersecano tra falsetti, cori in sottofondo e voce solista, nella migliore tradizione pop rock dei sxties.
Ottimo l’inizio con Combs fot the Clouds e Everything is Easy, dalle melodie vincenti e accattivanti, Castle by the Bay richiama le atmosfere del grande “Pet Sounds” dei Beach Boys, mentre la successiva Gone with a Glance sembra una outtakes di un album di John Lennon.
Il disco scorre piacevole, anche se ogni canzone dà una senzazione di deja vu alla quale è difficile sfuggire, ma questo non è necessariamente un difetto, visto che dischi del genere oggi sono quanto meno rari, nell’epoca del riciclaggio dei generi per riproporli plasmati e vestiti a nuovo, i Waking Eyes sembrano andati in una vecchia bottega di cose usate, hanno comprato camice a fiori, vecchi amplificatori ed hanno iniziato a suonare.
Voto: 7
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Marilù Lorèn ‘In Espansione’
Se si potesse quantificare il successo economico di un gruppo in base alla quantità di epigoni prodotti, più o meno legati al modello originale, oggi potremmo immaginarci Manuel Agnelli comodamente sdraiato sul bordo di una piscina vicino alle spiagge di Malibu! Purtroppo (o per fortuna!) l’importanza artistica di una band e il suo successo commerciale sono due cose ben distinte. Ironia a parte, l’influenza degli Afterhours sul rock indipendente italiano (ma c’è una scena rock mainstream in Italia?) è stata decisamente molto forte negli ultimi anni, ed è in questa prospettiva che viene spontaneo collocare i Marilù Lorèn. I suoni dei Lorèn si ricollegano direttamente ad una scena rock alternativa che, partendo dalle schegge sonore anarchiche dei primi Sonic Youth, si è felicemente sposata al gusto per la melodia dei Nirvana e Dinasour Jr., per poi approdare in modo massiccio nelle cantine del nostro Belpaese, fino ad essere definitivamente sdoganata, reinterpretata e resa relativamente popolare anche da noi da gruppi come Santo Niente, Marlene Kuntz, Scisma e soprattutto i già citati Afterhours. L’influenza artistica di Agnelli e soci è sicuramente l’elemento più determinante, che si fa sentire in modo palese e in alcuni momenti quasi imbarazzante (penso ad esempio alla title-track In espansione o a Non più che sembrano uscite dalle session di Hai paura del buio Nonostante ciò i cinque brani (sette con la versione acustica della title-track e un breve inserto strumentale) di questo EP ci pongono di fronte ad un’interessante creatura in crescita, ancora informe ma promettente. Se si prescinde dal confronto con i modelli di riferimento i Lorèn regalano delle gustose melodie, sia quando sono più riflessivi (In espansione e la bellissima Non più) che quando decidono di spingere sull’acceleratore (Sei di me) o si concedono una divagazione quasi pop, con l’apporto di una sezioni fiati, nel brano più personale e meno derivativo (Ogni respiro: sicuramente un potenziale singolo). Bello il timbro della voce di Lorenzo Monaco, anche se a volte sembra di sentire un probabile fratello di Agnelli; discrete le trame e le sonorità delineate dalle chitarre, affiancate da un moderato uso di effetti elettronici e da un basso poderoso, pur soffrendo l’album di una produzione un po’ troppo scarna e “effetto live” (soprattutto la batteria). Quello che manca ai Lorèn per soddisfare pienamente l’ascolto è l’originalità… i brani sembrano un bel compito di rilettura, belli ma troppo derivativi e imitativi. La sensazione di già sentito non impedisce comunque di gustare le melodie dei brani che in alcuni momenti regalano piacevoli emozioni, come ad esempio nella splendida rilettura di In espansione in chiave acustica che chiude il cd (grazie anche al fondamentale apporto di Paolo Benvegnù alla voce e organo e di Michela Manfroi al piano e glockenspiel, entrambi degli Scisma). Grave difetto del cd è la mancanza di un libretto con la trascrizione delle liriche (neanche una fotocopia!), che rende l’ascolto e la comprensione dei testi piuttosto difficile per le difficoltà tecniche incontrate nell’afferrare le parole (i filtri vocali, il modo a volte enfatico di pronunciare le parole e un missaggio non predominante della voce): testi non immediati che in alcuni momenti riescono ad emozionare ma a volte rischiano di cadere in un uso strumentale e un po’ retorico delle parole (per cantare rock in italiano bisogna per forza essere ricercati e forzatamente intellettuali?).
Non posso fare a meno di paragonare il gruppo alla ragazzina ritratta in copertina (da un punto di vista grafico il cd è semplicemente perfetto): nuda e ancora priva delle giuste forme… ma che fa ben sperare… chissà che non diventi una splendida donna, che si sappia vestire dei giusti abiti, abbandonando le scarpe e il trucco della mamma e che “cerchi strade uniche che commuovano i tuoi sensi”… il tempo saprà dire. Per ora il voto è critico ma positivo… sulla fiducia!!!!!
Voto: 7
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Autore: krazykat72@yahoo.it